OBSESSION Mujer histérica al acecho

USA 2025 108 min.
Guion y dirección Curry Barker Fotografía Taylor Clemons Música Rock Burwell Intérpretes Michael Johnston, Inde Navarrette, Cooper Tomlinson, Megan Lawless, Andy Richter, Haley Fitzgerald Estreno en el Festival de Toronto 6 septiembre 2025; en Estados Unidos 15 mayo 2026; en España 26 junio 2026

Saludábamos hace apenas unas semanas el debut en el largometraje de una nueva promesa del cine de fantasía y terror, con la muy sesuda y compleja intelectualmente Backrooms. Tras su paso por diversos certámenes en los que ha ido arañando premios de toda índole, incluidos el especial del jurado y el del público en el Festival de Sitges, otro nuevo realizador presenta este relativamente revolucionario título que combina terror convencional con un punto de partida decididamente fantástico en el sentido más clásico imaginable, y un particular sesgo psicoanalítico, concretamente respecto a la tan cacareada pareja tóxica que tanto preocupa a los más jóvenes. Compartiendo título con un clásico de Brian de Palma que contaba con una sensacional banda sonora de Bernard Herrmann, la película de Curry Barker se centra en la típica (y tópica) mujer desquiciada, histérica e insoportable, aunque lo sea como consecuencia de un hechizo mágico, que hostiga y tortura a quien la ama y sus allegados.

Barker, que hasta ahora había dirigido un buen puñado de cortometrajes de género igualmente fantástico, y un largometraje de presupuesto extremadamente humilde, Milk & Serial, que se estrenó directamente en youtube, ofrece un relato en el que una premisa romántica deviene en un nuevo tipo de monstruo, si bien en la vida real estamos más acostumbrados a que el rol que en esta cinta se aplica a la protagonista femenina, lo asuma el masculino, con mucha más frecuencia depredador sexual y sentimental. Pero como las antiguas brujas y hechiceras, o esas enfermas psicológicas al estilo de Atracción fatal, aquí vuelve a ser ella la depositaria del mal, erigiéndose en un nuevo tipo de monstruo, cuyas taras se traducen en situaciones inasumibles e incontrolables, dominadas por su carácter extremadamente hierático y rabioso.

A partir de aquí surgen excusas para echar mano de lo escatológico y lo grotesco, mientras pretende relacionar la pesadilla del protagonista con el infierno de los celos y la ausencia de talento para gestionar emociones y sentimientos, todo ello bajo la advertencia de tener mucho cuidado con lo que se desea, y manejando con pericia y habilidad algunos resortes propios del género para crear cierto impacto que convierta el producto en ligeramente memorable.

LA HERMANASTRA FEA La sustancia de la Cenicienta

Título original: Den stygge stesøsteren
Noruega-Dinamarca-Rumanía-Polonia 2025 110 min.
Guion y dirección Emilie Blichfeldt Fotografía Marcel Zyskind Música John Eirk Kaada y Vilde Tuv Intérpretes Lea Myren, Thea Sofie Loch, Naess, Ane Dahl Torp, Flo Fagerli, Isac Calmroth, Malte Grdinger, Adam Lundgren, Willy Ramnek Petri, Ralph Carlsson, Agnieszka Zulewska Estreno en el Festival de Sundance 23 enero 2025; en Noruega 7 marzo 2025; en España 17 octubre 2025

Recuperamos este título a propósito de su estreno en plataformas digitales (Movistar Plus+) el pasado 18 de febrero, y su nominación al Oscar al mejor maquillaje y peluquería. Su paso por los cines fue efímero, a pesar de haber ganado en Sitges el premio a la mejor película y de haberse paseado por festivales tan prestigiosos como Sundance o Berlín. El debut en la dirección de la joven directora noruega Emilie Blichfeldt se atreve con ingenio a poner en tela de juicio la conveniencia y oportunidad de los viejos cuentos clásicos tantas veces adaptados.

Se trata de La Cenicienta, cuyos infructuosos trabajos de actualización no han conseguido llegar a la verdadera esencia de su despropósito, que no es sino confinar a las mujeres a ser meros objetos decorativos en busca de su príncipe azul. Blichfeldt nos cuenta ahora esta archiconocida historia desde el punto de vista de una de sus hermanastras, cuya bondad inicial se va deteriorando conforme su hermosa rival va aumentando en popularidad, a la vez que demuestra un desprecio absoluto hacia su pariente por su desagradecido aspecto.

Todos los esfuerzos de la desdichada hermanastra por captar la atención del príncipe, su único propósito en la vida, convierten el relato en un insospechado espectáculo gore a través de operaciones quirúrgicas y mutilaciones voluntarias, como si de un encuentro entre el famoso cuento y La sustancia de Coralie Fargeat se tratara. Todo ello envuelto en una suntuosa producción, un abrazo entre países escandinavos y del este europeo, de un barroquismo extremo que dota al conjunto de un indiscutible atractivo.

NO HAY OTRA OPCIÓN Una tragedia tomada a risa

Título original: Eojjeolsuga eobsda
Corea del Sur 2025 139 min.
Dirección Park Chan-wook Guion Park Chan-wook, Don McKellar, Lee Kyoung-mi y Jahye Lee, según la novela “The Ax” de Donald E. Westlake Fotografía Kim Woo-hyung Música Jo Yeong-wook Intérpretes Lee Byung-hun, Son Ye-jin, Lee Sung-min, Yeom Hye-ran, Yoo Yeon-seok, Cha Seung-won, Park Hee-soon, Yoon Ga-yi Estreno en el Festival de Venecia 29 agosto 2025; en Corea del Sur 24 septiembre 2025; en España 13 febrero 2026

Hemos insistido a lo largo de la carrera del mimado director coreano Park Chan-wook en su paralelismo con su idolatrado Alfred Hitchcock, y volvemos a hacerlo a propósito de esta nueva adaptación de la novela de Donald E. Westlake The Ax, traducible algo así como El recorte. Pero esta vez se lanza a la comedia de acción, alocada y desprejuiciada, directamente. La novela ya fue adaptada por Costa-Gavras en 2005 bajo el título de Arcadia, a nuestro juicio con mayor acierto y sentido de la mesura. Por cierto, que en la producción de esta nueva adaptación han intervenido la esposa y el hijo del director francogriego. El thriller hace de nuevo su aparición, con Lee Byung-hun prestando su físico y continuas muecas al padre de familia que cree tenerlo todo hasta que un recorte de plantilla en la empresa en la que trabaja da al traste con su presente y futuro.

Con Park Chan-wook al mando, todo el disparate que a grosso modo podría parecer su argumento, a partir del momento en el que el protagonista toma una decisión extrema y radical, sirve para generar una enorme astracanada, desmadrada y fuera de toda lógica y contención. Vuelve el director coreano, tras Stoker, su única incursión en el cine estadounidense hasta el momento, La doncella y Decision to Leave, a dejar todo el potencial dramático de su empresa en la mera superficie, en este caso ahondando en la risa provocada por sus surrealistas situaciones, más que en la tragedia que supone la pérdida del trabajo como consecuencia de recortes crueles, ambiciosos e indiscriminados.

Nada en contra de convertir en comedia material tan sensible, pero siempre que esto no suponga dejar fuera su carga dramática y social. De esta forma, sólo encontramos puro slapstick al estilo oriental, prácticamente todo lo que somos capaces de encontrar en esta película que, no obstante, mereció el Premio del público a la mejor producción internacional en Toronto y el de mejor director en Sitges, además de tres nominaciones a los Globos de Oro que no se han materializado en candidaturas al Oscar.

SINGULAR Dolor virtual

España-Finlandia 2025 100 min.
Dirección Alberto Gastesi Guion Álex Merino y Alberto Gastesi Fotografía Esteban Ramos Música Jon Agirrezabalaga y Ana Asuaga Intérpretes Patricia López Arnaiz, Javier Rey, Miguel Irirarte, Íñigo Gastesi, Emilia Lazo Estreno en el Festival de Sitges 11 octubre 2025; en salas 28 noviembre 2025

Tras una serie de cortometrajes y video-clips para Malú y Pablo López, Alberto Gastesi debutó en el largo con La quietud de la tormenta, una cinta que como ésta jugaba a combinar y difuminar realidad y fantasía a través del romance entre dos personas que se conocen en la visita a un apartamento en venta, para descubrir que quizás comparten un pasado remoto juntos. Ahora, el director donostiarra nos lleva de la mano por los vericuetos de la inteligencia artificial contándonos una historia de dolor no superado, al que una catarsis emocional y un tránsito protagonizado por una obsesión robótica, irá mostrando el camino para la asunción y la consecución de la paz y el consuelo ansiados. Gastesi mantiene un ritmo pausado y una atmósfera inquietante, y aunque conforme avanza la trama nos puede ir pareciendo rara o marciana, nunca llega a excederse en estos términos, de forma que consigue tenernos en vilo, intrigados por el devenir de unos acontecimientos que, incluso cuando entran en bucle obligado, nunca dejan de generar interés por su incógnita deriva.

Para que la estrategia funcione, sus protagonistas aportan un gran y meticuloso trabajo, especialmente Patricia López Arnaiz, que en su gesto de casi permanente extrañeza, diametralmente opuesto a la introducción de su personaje, logra generar en nosotros y nosotras esa inquietud e intriga necesarias. Por otro lado, el personaje le sirve para salir del encasillamiento de madre y tía en dramas familiares al que nos ha acostumbrado. También Javier Rey está a la altura del proyecto, mientras la inquietante mirada del joven Miguel Irirarte logra generarnos incertidumbre sobre la naturaleza y realidad de la narración.

La recurrente casa en el bosque, tan habitual en películas del género, cobra aquí cierto significado. Una evocadora fotografía, que se deleita en paisajes boscosos y un grisaceo lago en un incierto clima, así como la rompedora y excitante banda sonora, incluyendo el acertado uso del clásico de Bob Geldof y The Boomtown Rats I Don't Like Mondays, consigue redondear un producto original e insólito, al que unos aseados efectos visuales ponen la guinda definitiva.

GOOD BOY Lealtad hasta la muerte

USA 2025 72 min.
Fotografía y dirección Ben Leonberg Guion Alex Cannon y Ben Leonberg Música Sam Bpase-Miller Intérpretes Indy, Shane Jensen, Arielle Friedman, Larry Fessenden, Stuart Rudin Estreno en Estados Unidos 3 octubre; en España 17 octubre

En su ópera prima absoluta y emotiva declaración de amor al justamente así llamado mejor amigo del hombre, el director Ben Leonberg y su esposa, la productora Kari Fischer, exhiben su buena mano con los perros en esta película que combina hábilmente el género del terror con el drama sobre la lealtad y el cariño de un perro hacia la persona junto a la que ha crecido. Indy es un retriever de Nueva Escocia que se retira junto a esta persona en la casa solariega y aislada en la que han terminado sus días generaciones de familia. Las fuerzas del mal pronto acecharán y el pobre perro tendrá que enfrentarse a ellas y así defender a su protector, ahora protegido.

A pesar de ser una primera película y tratarse en todos los sentidos, especialmente en su reducido y agradecido metraje, de una película modesta, exhibe un acabado aseado y unos eficientes efectos visuales. Pero, sobre todo, un dominio absoluto del entrenamiento de animales, logrando del perro una interpretación sobresaliente, y que los y las espectadoras empaticen más con él y se preocupen más de su porvenir que del de la persona a la que protege. Lástima que en el desarrollo eche mano de tantos lugares comunes en el género, sótanos, sombras, acechos en la lejanía y pesadillas que distraen nuestra atención, siempre mucho más pendiente de la habilidad con la que se han articulado sus recursos estéticos y dramáticos, que de una trama a la que se le adivinan las costuras con bastante facilidad.

Con todo, tiene todos los ingredientes para convertirse en película de culto, como atestigua su pronta distribución tras pasar por Sitges, y el respaldo del público que está teniendo a pesar de que esa pronta distribución también puede tildarse de limitada en cuanto a salas de exhibición.

THE LAST STOP IN YUMA COUNTY Una espera no tan tensa

USA 2023 90 min.
Guion y dirección Francis Galluppi Fotografía Mac Fisken Música Matthew Compton Intérpretes Jim Cummings, Jocelin Donahue, Richard Brake, Nicholas Logan, Michael Abbott jr., Fiazon Love, Connor Paolo, Barbara Crampton, Sierra McCormick, Ryan Masson, Gene Jones, Jon Proudstar, Sam Huntington, Alexandra Essoe, Robin Bartlett Estreno en el Festival de Sitges 9 octubre 2023; en Estados Unidos (internet) 10 mayo 2024; en España (no en Sevilla) 18 octubre 2024

Debut de Francis Galluppi en el largometraje, en doble faceta de director y guionista. Curtido en el corto y el videoclip, suyo es el mérito de llevar a buen puerto este thriller con tintes de comedia coral que deja entrever los vicios y costumbres de la población de esa tan cacareada América profunda tantas veces llevada al cine en las últimas décadas. Lo más fácil sería considerarla un cruce entre Cayo Largo de John Huston y Pulp Fiction de Tarantino, con interpolaciones de Los odiosos ocho, pero en realidad Galluppi demuestra un lenguaje propio y unas ganas de sorprender que van más allá quizás de los meros resultados.

En realidad no pasa de ser una entretenida película de matones y rehenes en una cafetería junto a una gasolinera perdida en el desierto norteamericano, sin menospreciar esos méritos a los que hacemos referencia y que tienen más que ver con cuestiones de diseño y estilo que de mera narrativa, todo lo clásica que en realidad se espera. Galluppi maneja bien el reparto coral y numeroso, así como el ritmo, aunque fracasa parcialmente en la generación de suspense e inquietud.

No es tan tensa la espera a la que se ven sometidos sus personajes, toda vez que sus modos apuntan a la sátira, por otra parte tan bienvenida para aliviar así el exceso habitual de violencia con el que se despachan este tipo de producciones. Ésta se recompensó con el premio a la mejor película en la sección Órbita del Festival de Sitges del año pasado.

POSSESSOR Paranoia esquizoide

Canadá-Reino Unido 2020 104 min.
Guion y dirección Brandon Cronenberg Fotografía Karim Hussain Música Jim Williams Intérpretes Andrea Riseborough, Christopher Abbott, Jennifer Jason Leigh, Sean Bean, Tuppence Middleton, Rossif Sutherland, Gage Graham-Arbuthnot, Raoul Bhaneja Estreno en el Festival de Sundance 25 enero 2020; en Canadá 9 octubre 2020; en España (Movistar) 10 junio 2021

Tras lo poco que convenció Antiviral, su debut en la dirección, Brandon Cronenberg sigue el camino que le ha legado su padre David con otra perturbadora cinta en la que genética y tecnología vuelven a darse la mano para tomar prestado en esta ocasión el cuerpo de otros y manipularlos para cometer los más atroces crímenes contra gente poderosa con el fin de tomar las riendas de sus productivos negocios.

En esta ocasión Cronenberg consigue un producto más sólido y convincente, apoyándose en un arranque perturbador, una puesta en escena fría y elegante y unos efectos especiales singularmente nauseabundos, lo que le da al conjunto la licencia para considerarse todo un espectáculo gore. Resulta interesante el paralelismo entre esta historia de suplantaciones en una realidad futurista o simplemente distópica, y la esquizofrenia natural y otras enfermedades capaces de alienarnos como seres humanos y manipular nuestras reacciones. Como siempre serán los fallos tecnológicos los que provoquen la trama y sus terribles consecuencias, sin embargo el director no maneja del todo bien sus recursos y cae en continuos cambios de ritmo que alejan el interés del espectador, que acaba exhausto entre tanta sangre y vísceras y un uso insoportable del sonido y la música del particularmente dotado para la inquietud Jim Williams (Turistas, Crudo, Beast).

No podemos negarle sin embargo que entre tanta cinta recurrente y repetitiva, Cronenberg procura renovar con cierto éxito el género del terror, consiguiendo de momento los premios a mejor película y mejor director en el pasado Festival de Sitges. Atención al aspecto a lo Isabel Coixet de Jennifer Jason Leigh.

THE OWNERS (LOS PROPIETARIOS) Otra casa de los horrores

Título original: The Owners
Reino Unido-Francia 2020 92 min.
Dirección Julius Berg Guion Julius Berg, Matthieu Gompel y Geoff Cox, según el cómic “Une nuit de pleine lune” de Hermann Huppen e Yves H. Fotografía David Ungaro Música Jean Paul Frazer y Vincent Welch Intérpretes Maisie Williams, Sylvester McCoy, Rita Tushingham, Jake Curran, Andrew Ellis, Ian Kenny, Stacha Hicks Estreno en Canadá y Estados Unidos 20 septiembre 2020; en Reino Unido (Internet) 21 febrero 2021; en España 5 marzo 2021

Otro realizador que salta de la televisión para intentar epatar con su ópera prima, en esta ocasión, y aunque basándose en un cómic de cierta fama, para contarnos una historia que parece entre uno y otro episodio un auténtico dejá vu. El descabellado robo de la mansión de un anciano matrimonio a principios de los noventa - detalle innecesario y hasta inconveniente, sobre todo teniendo en cuenta que sus personajes tienen móvil, harto difícil en esa época y tratándose de gente tan desgraciada - a cargo de unos descerebrados y con la complicidad involuntaria de una joven heroína, deviene en una sucesión de situaciones desagradables, destinadas en su conjunto a generar un continuo mal rato, cosa que ciertamente consigue.

La aparición de las víctimas pondrá las cosas aún más difíciles, al poseer un perfil bastante sospechoso por su aparente amabilidad. Todo ello para generar otra casa de los horrores con el inevitable sótano incluido. Para potenciar su atmósfera inquietante, Berg cuenta con la colaboración de la veterana Rita Tushingham, de parecido asombroso con Geraldine Chaplin, con quien coincidió en el reparto de Doctor Zhivago, aunque interpretando a la hija ilegítima de Omar Shariff y Julie Christie. Aparte de mal rato y giros presuntamente inesperados, hay poca sustancia en esta película de trasunto y personajes mil veces transitados. Se pudo ver en la sección oficial del Festival de Sitges del año pasado.

BABY Desmitificando el cuento clásico

España 2020 104 min.
Guion y dirección Juanma Bajo Ulloa Fotografía Josep M. Civit Música Bingen Mendizábal y Koldo Uriarte Intérpretes Rosie Day, Harriet Sansom Harris, Natalia Tena, Mafalda Carbonell, Charo López, Natalia Ruiz, Carmen San Esteban, Susana Soleto Estreno en el Festival de Sitges 11 octubre 2020; en salas comerciales 18 diciembre 2020 

Hace cinco años de la última ficción de Juanma Bajo Ulloa, Rey Gitano, con la que intentó infructuosamente recuperar el espíritu y la taquilla de Airbag, su mayor éxito hasta la fecha. Y vuelve ahora con el estilo que le dio categoría cuando debutó con Alas de mariposa, y revalidó solo a juicio de algunos como nosotros, con la inclasificable y fascinante Frágil. La idea de Baby es recuperar aquellos cuentos infantiles clásicos de los Hermanos Grimm y Charles Perrault y demostrar lo cerca que están del terror gótico. Para ello prescinde de diálogos, por lo que la banda sonora de su incondicional Bingen Mendizábal cobra mayor relevancia y carga con mucha de la responsabilidad dramática del film, quizás por lo que ha sido premiada en Sitges y opta al Feroz, además de por su delicada melodía y orquestación.

Bajo Ulloa cuenta también con una extraordinaria dirección artística y una cuidadísima puesta en escena, al objeto de recrear aquellas terroríficas casas donde Hansel y Gretel, Pulgarcito o Caperucita tenían que vérselas con la bruja, el gigante o el lobo feroz. La aparición continua de animales con los que la protagonista parece comunicarse tan bien, es otro indicio de la intención del director de entroncar con aquellos antiguos cuentos. Con un sentido muy macabro de la situación, la historia gira en torno a la venta ilegal de bebés y cómo una joven drogadicta y alcohólica pretende recuperar el suyo de las fauces de una despiadada especie de Srta. Havisham, que también la función bebe lo suyo del universo Dickensiano, a la que da vida espléndidamente Harriet Sansom Harris, la vecina entrometida y villana de Mujeres desesperadas, su andrógina ayudante Natalia Tena, y una particular niña que vive con ellas, Mafalda Carbonell (Vivir dos veces).

Lástima que Bajo Ulloa olvide a menudo que su heroína sufre el mono, y la someta una y otra vez a reiterativas situaciones que malogran el ritmo de la cinta. Con todo funciona como producto original e insólito, estéticamente depurado, morboso y hasta gore según qué momentos, y decididamente comprometido con desenmascarar aquellos horripilantes cuentos que tanto nos fascinaban pero posiblemente tanto daño provocaron en nuestros endebles espíritus. Finalmente, destacamos que prácticamente sea solo este director quien parezca acordarse de que una vez hubo en este país una estrella tan rutilante y fascinante como Charo López, volviendo a contar con ella tras Rey Gitano para un pequeño papel.

NO MATARÁS Una mala noche la tiene cualquiera

España 2020 92 min.
Dirección David Victori Guion Jordi Vallejo, David Victori y Clara Viola Fotografía Elías M. Félix Música Adrian Foulkes y Federico Jusid Intérpretes Mario Casas, Milena Smit, Elisabeth Larena, Fernando Valdivieso, Víctor Solé, Joaquín Caserza, Javier Mula Estreno en el Festival de Sitges 10 octubre 2020; en salas comerciales 16 octubre 2020

La nueva película del joven realizador David Victori supone un paso adelante después de su decepcionante debut en el largometraje con El pacto, sobre todo cuando tantas esperanzas teníamos puestas en su brillante trayectoria como cortometrajista. Pero tampoco hay que lanzar las campanas al vuelo porque No matarás es un hábil juego del gato y el ratón más efectista que realmente efectivo. Mario Casas, en otro esfuerzo por ampliar su gama de personajes y lograr una interpretación convincente siempre a la búsqueda del reconocimiento más allá de un físico atractivo, da vida a un cualquiera, un joven tímido y generoso que acaba de perder al padre moribundo al que cuidaba al parecer desde hacía años, que en una noche cualquiera sufre toda una vorágine de acontecimientos que lo ponen contra las cuerdas y amenazan con retorcer su hasta entonces anodina vida.

Victori y sus guionistas se esfuerzan en dejar claro en sus primeros minutos ese carácter adocenado e ingenuo de su protagonista, de forma que lo que le ocurra después resulte convincente y no nos coja por sorpresa. Lástima que a partir de ahí eche mano de recursos habituales y clichés de todo tipo, desde la sempiterna femme fatale que ya va siendo hora de desterrar y sustituir por elementos más contemporáneos y acertados, hasta el ambiente sórdido de la noche, drogas, alcohol, mala gente, malos modales y peor vida. Y con todo ese batiburrillo archiconocido se sumerge en una carrera sin fin en la que las torpes decisiones de su protagonista sirven de motor para ir complicando las cosas y encerrándolo en un laberinto de violencia y sufrimiento, del que Victori nos hace partícipes gracias, y eso es lo mejor de la película, a una cámara mayormente adosada al protagonista, nervio absoluto en la exposición de las situaciones, y una pantalla que va variando a discreción de tamaño a lo largo del metraje.

Funciona como mecanismo adrenalítico ideal para pasar un mal rato, pero no acaba de cuajar como elemento dramático con una narrativa convincente, a pesar del esfuerzo de Casas y el probado virtuosismo visual de Victori. En su acabado definitivamente posmoderno influye su ecléctica banda sonora a fuerza de pop indie y ritmo electrónico.

VENTAJAS DE VIAJAR EN TREN Trastornos salvajes en cadena

España 2019 102 min.
Dirección Aritz Moreno Guion Javier Gullón, según la novela de Antonio Orejudo Fotografía Javier Agirre Erauso Música Cristóbal Tapia de Veer Intérpretes Luis Tosar, Pilar Castro, Ernesto Alterio, Qim Gutiérrez, Belén Cuesta, Macarena García, Javier Godino, Javier Botet, Gilbert Melki, Ramón Barea, Daniel Hurvath CineZona Estreno en el Festival de Sitges 5 octubre 2019; en salas comerciales 8 noviembre 2019

Hacía tiempo que no se veía en el cine español una película tan original y sorprendente. Echando mano de una estética próxima a algunas de las más célebres y rebuscadas producciones de Javier Fesser, y con un libreto tan sabroso en la mano como la novela de Antonio Orejudo en la que se basa, Aritz Moreno dirige su primera película con un pulso y un ingenio sobresalientes y algo insólito tratándose de un debutante. Como si de una de esas muñecas rusas se tratara, la historia se compone por varias a la vez, como si fueran unos relatos salvajes, unos dentro de otros hasta provocar una especie de puzzle que el espectador tiene que ir colocando ordenadamente en su cabeza para ir sacando las consecuencias que la cinta propone sobre diversos tipos de trastorno mental y sus derivados.

Finalmente son nuestros miedos y traumas los que yerguen este castillo de naipes, siendo seguramente el mayor de todos nuestros terrores la pérdida de la razón y el alejamiento de la realidad. Una vistosa puesta en escena, un muy cuidado y esmerado elenco interpretativo, una rigurosa planificación del material, incluida su original banda sonora, que contribuye sobremanera al extrañamiento generalizado, y un montaje ágil y estudiado que permite el máximo de información en el tiempo justo y sin abrumar, logran que el producto se disfrute con facilidad y hasta entusiasmo.

Este juego de espejos convence de que en la vida lo más sorprendente puede ser real y lo más convincente irreal. Hay que estar alerta porque en cualquier momento somos nosotros quienes perdemos la razón.

EL ASESINO DE LOS CAPRICHOS Entretenimiento con apuntes y agujeros

España 2019 100 min.
Dirección Gerardo Herrero Guion Ángela Armero Fotografía David Omedes Música Vanessa Garde Intérpretes Maribel Verrdú, Aura Garrido, Roberto Álamo, Daniel Grao, Antonio Velázquez, Tamar Novas, Ruth Gabriel, Ginés García Millán Estreno en Festival de Sitges 7 octubre 2019; en salas comerciales 18 octubre 2019

Prolífico como productor y frecuente como director, Gerardo Herrero es uno de esos realizadores que entienden el cine no solo como un vehículo para contar historias sino también como un negocio, una industria de la que y con la que vivir, como antaño lo fueron otros en su momento poco distinguidos y hoy reivindicados, tipo Eloy de la Iglesia o José Antonio de la Loma. Herrero ha cultivado todo tipo de géneros, desde el bélico (Territorio Comanche, Silencio en la nieve), el drama (Los aires difíciles), la crónica feminista (Malena es un nombre de tango) y especialmente el thriller, con películas como Desvío al paraíso, El misterio Galíndez, El corredor nocturno o La playa de los ahogados. Pero curiosamente donde más destacó fue hace un par de décadas con un drama generacional más propio del cine de autor, Las razones de mis amigos.

A pesar de abundar las cintas de corte criminal en su filmografía, no parece encontrar el punto exacto para hacer de éstas productos suficientemente solventes y brillantes, y El asesino de los caprichos o Los crímenes de Goya como pretende distribuirse fuera de España, no es la excepción. Aunque se vislumbra su personalidad, abusa de clichés, y el personaje de Verdú es buena muestra de ello; apunta además muchas cuestiones de índole política al más puro estilo americano, que se quedan en la superficie y no aportan gran cosa, como tampoco lo hacen temas como la conciliación de la vida laboral y familiar, la ambición de los más ricos (en este caso los vecinos del barrio Salamanca de Madrid), ni la injerencia de la prensa en según qué casos. Sin embargo el buen oficio de Herrero y el hábil manejo de los recursos, aunque sin los convenientes alardes de forma, provocan que se trate de una cinta entretenida y con buen ritmo, que mantiene la intriga a pesar de vislumbrarse su resolución, lo que ya es más que la media en este tipo de producciones que nuestro cine apenas sabe encarar con éxito.

El guión de Ángela Armero, curtida en televisión (Hospital Central, Velvet) y que ahora espera el estreno de la muy publicitada comedia Si yo fuera rico, está lleno de ridiculeces ya desde la propia escenificación de los crímenes. Con todo, su vocación de mero entretenimiento, la recuperación del cine de asesinos en serie tan de moda hace veinte años y que siempre ha contado con el favor del público, y cierto empoderamiento de la mujer, aunque el personaje de Verdú exhiba una condición masculinizada, hacen que el film se vea con cierto agrado y no demasiada insatisfacción.

NOCHE DE BODAS El cluedo del escondite

Título original: Ready or Not
USA 2019 95 min.
Dirección Tyler Gillett y Matt Bettinelli-Olpin Guion Guy Busick y Ryan Murphy Fotografía Brett Jutkiewicz Música Brian Tyler Intérpretes Samara Weaving, Adam Bordy, Mark O’Brien, Henry Czerny, Andie MacDowell, Nicky Guadagni, Melanie Scrofano, Kristian Bruun, Elyse Levesque, John Ralston Estreno en Estados Unidos 21 agosto 2019; en España 11 octubre 2019

A veces un pasado poco alentador se supera con una agradable sorpresa. Tras una irregular trayectoria juntos o por separado, en cortometrajes y episodios de películas corales, Tyler Gillett y Matt Bettinelli-Olpin se estrenaron como directores de largometraje hace cinco años con la olvidable El heredero del diablo. Nada hacía presagiar que su siguiente trabajo conjunto fuera a ser tan gratificante, y es que Noche de bodas (Ready or Not en su título original, que es como en América se denomina al juego del escondite) es un perverso artilugio perfectamente articulado para generar hilaridad y tensión a partes iguales, con sus justas dosis de festival gore y un particular elenco que da vida a una familia que parece sacada directamente del Cluedo, un popular juego de suspense e ingenio de los años ochenta.

 

De novias combativas cinematográficas sabemos en España un poco, partiendo de la Novia ensangrentada de Aranda que incorporó Maribel Martín en los setenta y se enfrentaba a siniestros antepasados, y de la que protagonizó Leticia Dolera contra zombies en la tercera entrega de Rec que dirigió Paco Plaza. Como ésta segunda se caracteriza Samara Weaving en su particular lucha de supervivencia y combate contra su familia política, en una cinta de terror gótico que atesora considerables dosis de humor, está hecha con talento y seriedad, y provoca el interés prácticamente desde su minuto cero.

 

El producto resulta simpático por sus pocas pretensiones, a pesar de enmarcar cierto mensaje sobre los cada vez más ricos que vampirizan y de alguna manera esclavizan al pueblo, cada vez más empobrecido. La buena caracterización y definición de cada personaje, el suntuoso decorado en el que se desarrolla la trama, y ese aire británico insuflado en un producto totalmente norteamericano, contribuyen a que nos encontremos ante un film entretenido, inquietante y muy bien resuelto, sin mayores pretensiones.

KEEPERS, EL MISTERIO DEL FARO Ejercicio de suspense claustrofóbico con irregularidades

Título original: The Vanishing
Reino Unido 2018 107 min.
Dirección Kristoffer Nyholm Guión Joe Bone y Celyn Jones Fotografía Jorgen Johansson Música Benjamin Wallfisch Intérpretes Gerard Butler, Peter Mullan, Connor Swindells, Søren Malling, Ólafur Darri Ólafsson, Gary Lewis, Ken Drury Estreno en el Festivald e Sitges 11 octubre 2018; en Estados Unidos 4 enero 2019; en España 1 mayo 2019

En diciembre de 1900 los tres hombres que cuidaban provisionalmente del faro de las Islas de Flannan, cerca de Las Hébridas en Escocia, desaparecieron misteriosamente (de ahí el título original de la película), generando una de las leyendas más conocidas de la zona, y que ahora sirve para fabular sobre una posible explicación a tan misterioso y trágico suceso.

La mano firme y precisa del director nórdico Kristoffer Nyholm, curtido en la televisión británica, y la imaginación de su pareja de guionistas ha dado como resultado una inquietante película de tensión y atmósfera cortantes e irrespirables, en la que los traumas existenciales y la codicia humana se combinan para intentar justificar unos acontecimientos que dada las circunstancias en las que fue hallado el faro en su momento, no parecen encajar con una explicación plausible. El lastre de su empeño se enfanga también con un exceso de violencia que hace inviable el devenir de los acontecimientos y la enérgica reacción con la que responden sus aguerridos protagonistas.

Es ahí, además de en su constante y convincente ritmo, donde radica el mayor interés de la cinta, en sus intérpretes, especialmente un Gerard Butler que logra así salir del bucle de hombre de acción en el que le ha sumergido el cine hollywoodiense, con ocasión además de volver a lucir sus facultades canoras, quince años después de El fantasma de la ópera. También Peter Mullan sobresale en el conjunto, como es habitual en él, mientras sonido y fotografía contribuyen sobremanera a generar ese ambiente turbio y desasosegante en el que te sumerge la película, a pesar de sus múltiples incoherencias y convenciones de género.