EL MAGNÍFICO IVÁN Una fábula recomendable

Título original: The One and Only Ivan
USA 2020 95 min.
Dirección Thea Sharrock Guion Mike White, según el libro de Katherine Applegate Fotografía Florian Ballhaus Música Craig Armstrong Intérpretes Bryan Cranston, Ariana Greenblatt, Ramón Rodríguez, Owain Arthur, Eleanor Matsuura y las voces de Sam Rockwell, Danny DeVito, Angelina Jolie, Brooklyn Prince, Phillipa Soo, Chaka Kahn, Ron Funches, Helen Mirren y Mike White Estreno en Disney Channel 21 agosto 2020; España 11 septiembre 2020

Si uno se acerca a esta película con los merecidos prejuicios que inspira Disney, sin saber nada de ella, lo que ya es difícil teniendo en cuenta la excesiva información que nos invade cada vez que se estrena una cinta - y esta además lleva ya un tiempo en plataformas digitales -, y sin saber que detrás de ella, en la producción, está la abanderada de las causas justas Angelina Jolie, la primera impresión causa estupefacción: ¡Una película de circo con animales que además son felices haciendo aquello para lo que han sido adiestrados! Encima, una segunda impresión, transcurrida una media hora, nos lleva a otra historia de príncipes destronados y egos por las nubes. Afortunadamente no son sino peldaños para llegar a la genuina intención del film, denunciar que existan animales en cautividad y ensalzar la generosidad y la solidaridad para lograr metas legítimas y respetables.

Con las dosis justas de sentimentalismo y una impecable combinación de imagen real y animación digital, la directora británica Thea Sharrock (Antes de ti y la serie de televisión La corona vacía) nos lleva de la mano por una fábula contemporánea, con personajes firmes y bien definidos y un encanto general más que acertado y agradable. Por si fuera poco, aunque hay niña protagonista, Ariana Greenblatt, estos días haciendo doblete con De amor y monstruos,  ¡milagro! no resulta pedante ni empalagosa, al menos no demasiado.

Un irrepetible elenco de voces invitadas, dando vida a un entrañable conjunto de animalitos, el gorila del título (Rockwell), el perro Bob (DeVito), las elefantas Stella (Jolie) y Ruby (Prince), la gallina Henrietta (Kahn), la perrita Snickers (Mirren), la loro Thelma (Soo), el conejo Murphy (Funches) y la foca Frankie (el autor del guion Mike White, que también se reserva un cameo como conductor pasmado) acaban por redondear un producto amable, recomendable para toda la familia y disfrutable por cualquiera dispuesto o dispuesta a dejarse seducir por la historia de Katherine Applegate en que se basa y los personajes que la pueblan, y encima sin malos retorcidos ni evidentes, sino simples antagonistas con ideas equivocadas pero capaces de reflexionar y rectificar. Otra preciosa balada de Diane Warren, mil veces nominada al Oscar y este año con muchas posibilidades de ganarlo por La vida por delante, redondea el producto.

GREYHOUND: ENEMIGOS BAJO EL MAR El pastor y los lobos

Título original: Greyhound
USA 2020 92 min.
Dirección Aaron Schneider Guion Tom Hanks, según la novela de C.S. Forester “The Good Shepherd” Fotografía Shelly Johnson Música Blake Neely Intérpretes Tom Hanks, Stephen Graham, Elisabeth Shue, Rob Morgan, Manuel García-Rulfo, Matt Helm, Craig Tate, Travis Quentin, Jeffrey Burkes, Chet Hanks Estreno en Internet 10 julio 2020

Cuesta creer que el reputado C.S. Forester, autor de novelas emblemáticas llevadas al cine como La reina de África o El hidalgo de los mares, sea el responsable de una historia tan raquítica y anodina como la que ha motivado a Tom Hanks adaptarla, tras escribir los guiones también de The Wonders y Larry Crowne. Quizás sea más bien la visión que del original haya tenido el actor y la falta de pericia del director para diseñar personajes y tramas lo que hagan de esta una película fallida. El buen pastor del título de la novela se refiere al personaje interpretado por el siempre bonachón Hanks, un comandante de la marina estadounidense al que se le encomienda su primera misión en una Segunda Guerra Mundial a la que Estados Unidos acaba de incorporarse.

Se trata de guiar y proteger un convoy de barcos de suministros aliados en su travesía por el Atlántico norte. Como si de una invasión alienígena se tratara, pronto su buque y el resto de los conducidos se verán amenazados por una flota de submarinos alemanes, un enemigo prácticamente invisible al que resultará muy difícil vencer, aunque a todas luces previsible. Con el solo personaje femenino incorporado por la compañera de generación Elisabeth Shue, orientado sin duda a reforzar la imagen del héroe protagonista como hombre religioso de valores profundamente tradicionales, lo que a su vez refuerza la idea del pastor y su ganado, la cinta prácticamente se desarrolla en un océano íntegramente recreado por ordenador, con una tensión solo lograda parcialmente y gracias sobre todo al excelente trabajo de los responsables de sonido, justamente reconocidos con una nominación al Oscar.

Falta sin embargo un tratamiento más efectivo del factor terror, una tensión más calculada y una mayor empatía con personajes que no resultan más que marionetas. Solo el valor que el personaje principal y su desarrollo personal da a la vida de los otros, aunque sean enemigos, y la convicción final de que son la moneda de cambio irrenunciable para salvar otras vidas y preservar la libertad, da algún sentido lógico a un espectáculo que se revela únicamente como ejercicio fallido en torno al agobio, la claustrofobia y el terror.

COLLECTIVE Quemados por el poder

Título original: Colectiv
Rumanía-Luxemburgo-Alemania 2019 109 min.
Fotografía y dirección Alexander Nanau Guion Alexander Nanau y Antoaneta Opris Música Kyan Bayani Documental Estreno en el Festival de Venecia 4 septiembre 2019; en Rumanía 28 febrero 2020; en España (Internet HBO) 4 junio 2020

Hay trabajos cuya impresión cambia según en qué momento los veamos. No es el mismo Collective el que se estrenó en la Seminci a finales del 2019 que el que vemos ahora, un año después de desatarse la peor pandemia recordada en siglos. Este riguroso trabajo periodístico con más aspecto de docudrama que de documental a secas inspira ahora más cosas y mayores reflexiones que las que motivaron su producción un año antes de la tragedia mundial que nos azota, y sin embargo guarda más de un aspecto en común con la misma, especialmente en lo que a gestión política se refiere, fraudulenta en el caso que el film denuncia, torpe si se quiere en el que nos asfixia.

La noche de Halloween de 2015 fue especialmente dramática en Bucarest, cuando el incendio de una sala de la ciudad, la Colectiv del título, mató a más de sesenta y cinco personas que asistían a un concierto de la banda de rock local Goodbye to Gravity, que perdió a cuatro de sus miembros. Inmediatamente se desató una protesta popular por la falta de seguridad y la mala gestión política de la tragedia, que llevó a la dimisión del gobierno en pleno y su sustitución por uno tecnócrata. La película de Alexander Nanau analiza la crisis sanitaria que provocó el episodio, cuando se desveló la falta de salubridad y preparación en los hospitales rumanos, una cadena de corrupción y sobornos que afectaba a los mismos sanitarios y el uso fraudulento de desinfectantes que hizo el gobierno, poniendo en peligro la salud de los enfermos. De hecho más de la mitad de los muertos en este incendio lo fueron no tanto por la gravedad de sus quemaduras sino por las infecciones contraídas en los hospitales.

El minucioso y riguroso trabajo de Nanau pone de manifiesto una vez más una Europa que avanza doble velocidad, la de los países fuertes y desarrollados y la de esos otros que se comportan a menudo como repúblicas bananeras, donde mafias y corrupciones corren a sus anchas. Nanau opta por una estética próxima a la ficción, lo que hace que quizás muchas de sus secuencias sean recreadas, aunque sus protagonistas sean siempre los reales, fundamentalmente el periodista de la Gazeta Sporturilor Catalin Tolontan, y el tecnócrata Vlad Voiculescu, que ejerció interinamente el cargo de ministro de salud y fue luego elegido democráticamente como tal hasta su destitución hace apenas unos días. De Tolontan destaca su compromiso con la información y su responsabilidad con la verdad, dejando claro que cuando la prensa se muestra complaciente con los poderes públicos, algo que en nuestro país suele ocurrir muy a menudo, éstos maltratan a la población. Y de Voiculescu pone de relieve la dificultad de un David para hacer frente a un tremendo e insaciable Goliat.

Esta narrativa casi de ficción no es comparable sin embargo al género tal como lo conocemos en el cine americano. Nanau no enfatiza el drama sentimental, aunque en un par de ocasiones muestre el dolor de familiares y allegados; tampoco se recrea en lo escabroso, aunque muestre sin escrúpulos grabaciones reales de la tragedia y detalles de alarmante insalubridad en los hospitalizados, provocando lógicamente un fuerte impacto emocional. Pero en el lado negativo su discurso llega a tornarse repetitivo, lo que hace que parte de su metraje resulte innecesario. Tirando para patria nos sorprende el éxito tremendo que ha tenido la cinta en premios y certámenes desde su estreno en Venecia, cosechando entre sus logros el galardón al mejor documental en los Premios Europeos del Cine y dos nominaciones al Oscar, a mejor película internacional y mejor documental, frente al escaso relieve internacional que al menos de momento ha tenido El año del descubrimiento, otro documental de denuncia política pero con una narrativa y estilo estético que va más allá de lo nunca visto y lo hace parangonable a una obra de profundo calado artístico.

WOLFWALKERS Cuento celta en torno a la empatía

Título original: WolfWalkers
Irlanda-Reino Unido-Francia 2020 103 min.
Dirección Tomm Moore y Ross Stewart Guion Will Collins, Tomm Moore, Ross Stewart y Jessica Cleland Música Bruno Coulais Voces (en versión original) Honor Kneafsey, Eva Whittaker, Sean Bean, Simon McBourney, Tommy Tiernan, Maria Doyle Kennedy Estreno en el Festival de Toronto 12 septiembre 2020; en Irlanda 4 diciembre 2020; en España (internet) 11 diciembre 2020

Con esta película Tomm Moore se consolida como el más importante animador irlandés, y como en sus anteriores trabajos echa mano de la mitología celta para construir un cuento tan educativo como revelador de una cultura ancestral. Wolfwalkers amplía y mejora el universo creado con cintas como El secreto del libro de Kells y La canción del mar, siguiendo los mismos cánones estilísticos y narrativos de aquellas, y contando para ello también con la música del francés Bruno Coulais, que contribuye sobre manera a definir ese estilo visual y sonoro tan característico del autor, esta vez codirigiendo con Ross Stewart y logrando con la gesta una nominación al Oscar en el apartado de mejor película de animación.

En Wolfwalkers Moore y Stewart nos hablan del hostigamiento de Irlanda por los ingleses ya en tiempos remotos, enfocándolo desde el punto de vista de unas inocentes niñas y una manada de lobos temidos y perseguidos hasta la extinción, que las niñas, desde diferentes bandos, tendrán que evitar. La cinta despliega mucha magia y creatividad tanto en el diseño de personajes y espacios, siempre desde una óptica que recuerda la iconografía celta y a la vez permite acción y perspectivas asimilables por los más pequeños. Pero quizás lo más relevante de la función es que dibuja un discurso muy constructivo alrededor de la empatía y el entendimiento, haciendo que los personajes adopten la figura y la psicología de los temibles lobos con el fin de ponerse en su piel y entender sus reivindicaciones, algo así como ingleses e irlandeses obligándose a entenderse y respetarse mutuamente.

El conjunto funciona no obstante con limitaciones, ya que el exceso poético tanto en el diseño como en el discurso llega a hacerse un poco pedante, y tampoco logra superar ese lastre presente también en la niña protagonista, una pesada irredenta que hace flaco favor al género y la edad. Con todo un espectáculo original, sorprendente y creativo, aunque por momentos llegue a resultar moderadamente aburrido en sus frecuentes caídas de interés y tensión.

MÁS ALLÁ DE LA LUNA Extravagancia china con mensaje tradicional

Título original: Over the Moon
USA-China 2020 95 min.
Dirección Glen Keane y John Kahrs Guion Audrey Wells y Jennifer Yee McDevitt Música Steven Price Canciones Christopher Curtis, Marjorie Duffield y Helen Park Voces (en versión original) Cathy Ang, Phillipa Soo, John Cho, Ruthie Ann Miles, Sandra Oh, Robert G. Chiu, Ken Jeong Estreno en Netflix 23 octubre 2020

Glen Keane y John Karhs son dos reconocidos directores de animación que ahora se reúnen para abordar su primer largometraje. El primero puso en imagen hace tres años el poema del llorado Kobe Bryant Dear Basketball, ilustrado con música de John Williams; el segundo logró un Oscar en 2012 con el cortometraje Paperman, ambos para Disney.

Netflix se atreve ahora también con el cine de animación a través de una exótica coproducción con China de fastuosa y extravagante estética y extraordinaria animación, enérgica y dinámica, acerca de una niña huérfana de madre y apasionada de la ciencia que decide poner rumbo a la Luna para encontrar a una diosa que puede devolverle al ser querido que ha perdido. Inmediatamente la empresa se antoja rica en mitología e iconografía china, conseguida en sus aspectos costumbristas, pero descuidada en su artificio argumental, excesivamente fantástico y convencional para acabar lanzando el sempiterno mensaje sobre la familia y los valores tradicionales.

Por si fuera poco la niña protagonista resulta demasiado antipática durante casi todo el metraje, aunque lo compensan la multitud de personajes fantásticos y divertidos que la circundan, y un impacto visual extraordinario, lleno de inventiva e imaginación y muy afín al exotismo oriental y la mitología china. Un buen ramillete de hermosas canciones ayudan también a que el espectáculo resulte impactante, dentro de una línea dramática y narrativa destinada tanto a adultos como a niños y niñas.

THE PROM Un musical de sana y contagiosa alegría

USA 2020 131 min.
Dirección Ryan Murphy Guion Jack Viertel, según el musical de Chad Beguelin y Bob Martin Fotografía Matthew Libatique Música Matthew Sklar Intérpretes Meryl Streep, James Corden, Nicole Kidman, Andrew Rannells, Kerry Washington, Keegan-Michael Key, Jo Ellen Pellman, Ariana DeBose, Tracey Ullman, Mary Kay Place Estreno en Netflix 11 diciembre 2020

Ryan Murphy, creador de series tan populares como Nip/Tuck, Glee, American Horror History, Pose o The Politician, se encarga en su tercer largometraje para el cine, o lo que quiera en que éste se ha convertido, tras Recortes de mi vida y Come, reza, ama, de adaptar este musical que se estrenó en Broadway en 2018. Aunque aparentemente satiriza sobre el mundo del espectáculo y pretende lanzar un mensaje de respeto y aceptación de la diversidad, que no de la tan manida y equívoca tolerancia que nos venden continuamente, lo cierto es que tanto el musical como la película se conforman con permanecer en un estadio de mero entretenimiento, un espectáculo visual y musical de considerable impacto, alegres canciones y extraordinarias coreografías, magníficamente fotografiado y planteado, y con un considerable uso de la infografía que potencia colorido y alta definición en su suntuoso acabado.

Pero todo eso no puede disimular una inocencia generalizada y un planteamiento demasiado ligero de lo que podría haber sido algo más satírico y crítico con la farándula, el oportunismo y la hipocresía puritana de la América profunda y tradicional. Todo acaba resultando demasiado blando, y aunque sus canciones acusan un perfecto acabado, dejan la sensación de no ser realmente memorables, aunque los arreglos redundan en el sentido amplio del espectáculo genuinamente norteamericano.

Con todo, la presencia de Meryl Streep suma enteros en la producción hasta el punto de que, y a pesar del entregado trabajo de James Corden y la siempre estimulante presencia de Nicole Kidman, que se marca un numerito a lo Bob Fosse, se adueña de cada secuencia en la que aparece y las convierte en lo mejor de la función. Resulta fácil reconocer otros musicales, como Los productores y el comienzo de La muerte os sienta tan bien en el arranque, o High School Musical en algunos de sus números, e incluso Hairspray en toda esa alegría y felicidad que preside el conjunto, lo que acaba siendo un lujoso pastiche, bienvenido por su ingenuidad, contagioso optimismo y fácil digestión.

LA MADRE DEL BLUES Las amargas lágrimas de August Wilson

Título original: Ma Rainey’s Black Bottom
USA 2020 94 min.
Dirección George C. Wolfe Guion Ruben Santiago-Hudson, según la obra de August Wilson Fotografía Tobias A. Schliessler Música Branford Marsalis Intérpretes Viola Davis, Chadwick Boseman, Colman Domingo, Glynn Turman, Michael Potts, Jeremy Shamus, Jonny Coyne, Taylour Paige, Dusan Brown Estreno en Estados Unidos 25 noviembre 2020; en España (Netflix) 18 diciembre 2020

Tercera de las adaptaciones que se han hecho de las amargas crónicas que el difunto August Wilson plasmó en sus obras de teatro. Fences de Denzel Washington, que ahora se reserva el papel de productor, es el referente más claro, mientras La lección de piano se concibió directamente para la televisión. A la dirección encontramos ahora al discreto George C. Wolfe, responsable de títulos tan olvidables como Noches de tormenta con Richard Gere y Diane Lane y Siempre estaré contigo con Hilary Swank. En todo caso pasa con Wilson lo que frecuentemente ocurría en el pasado con las obras de Tennesse Williams, con quien comparte amargura y descrédito, que no pueden disimular ni parecen querer hacerlo su origen teatral, lo que hace que el conjunto llegue a resultar bastante indigesto, no por animadversión al género sino por el desencuentro que habitualmente existe entre ambas disciplinas dramáticas.

En esta ocasión Viola Davis, que con Fences logró su hasta ahora único Oscar, interpreta a una hosca y terrible cantante de blues de los años veinte del pasado siglo, la Ma Rainey del título original, cuya primera aparición recuerda poderosamente a las sesiones bajo carpa de jazz y blues en El color púrpura de Spielberg. Instalada en el éxito y el respeto absoluto, se permite imponer sus criterios y maneras en la sesión de grabación durante la cual transcurre casi toda la trama del film. Junto a ella su paciente manager y su resignado productor, ambos blancos, y la banda con la que toca y graba, entre los cuales se entablan los difíciles y cansinos diálogos, destinados a recordar el trágico pasado de su comunidad y la terrible herencia que les ha dejado, lo que quizás justifique que la tensión esté siempre presente, la rabia explote en más de una ocasión y el mal rollo se instale cómodamente entre todos los contertulios.

Con apenas pequeñas concesiones de exteriores recreados con evidente infografía e ilustradas con breves pinceladas jazzísticas del genial saxofonista Branford Marsalis, el resto es puro teatro interpretado también con la gestualidad y el histrionismo propio del género, mientras lo más sobresaliente se revela la interpretación enérgica y decidida de Chadwick Boseman, que puso así el broche de oro a una carrera truncada por el cáncer que le hizo desaparecer con tan solo 43 años, tras consagrarse como Black Panther y rubricar 2020 con Da 5 Bloods a las órdenes de Spike Lee, 21 Bridges (Manhattan sin salida) y esta película.

HAMILTON Padre de la patria con alma de negro

USA 2020 160 min.
Dirección Thomas Kail Guion Lin-Manuel Miranda, inspirado en el libro de Ron Chernow Fotografía Declan Quinn Música Lin-Manuel Miranda Coreografía Andy Blankenbuehler Intérpretes Lin-Manuel Miranda, Phillipa Soo, Leslie Odom jr., Daveed Diggs, Christopher Jackson, Renée Elise Goldsberry, Jonathan Groff, Anthony Ramos, Jasmine Cephas Jones, Okieriete Onaodowan, Sidney James Harcourt Estreno en Disney Channel 3 julio 2020

Lo que Disney no consiga, hasta colar como película lo que no es sino la filmación de un espectáculo enteramente teatral, eso sí de forma esmerada y minuciosa y con un considerable trabajo de montaje que le da la agilidad, viveza y energía que uno es capaz de experimentar en la sala del Richard Rodgers donde se grabó en 2016. Quizás esto no sea más que un guiño a ese Broadway que permanece en letargo desde que se expandió la pandemia por todo el planeta, acercándonos a los hogares el que es sin duda su espectáculo más emblemático y revolucionario desde que se estrenó en 2015.

A las riendas de la producción está Thomas Kail, responsable del montaje teatral y creador de la serie de televisión Fosse/Verdon, sobre el matrimonio formado por estas dos grandes leyendas de Broadway. Pero el auténtico artífice y alma de la función es Lin-Manuel Miranda, que con ésta y sus aportaciones a las películas Disney se ha convertido en la personalidad más influyente del famoso barrio del entretenimiento neoyorquino. Él ha transformado la historia de uno de los fundadores de la patria estadounidense en un espectáculo multicultural que reivindica la libertad, la igualdad entre los hombres, las razas y los géneros, y articula un espejo entre las gestas y las miserias de entonces y las de ahora, con la ambición, la corrupción y los escándalos sexuales como temas recurrentes. Imprescindible conocer algo la historia de Alexander Hamilton antes de enfrentarse a esta larga puesta en escena de música continua y fluido constante de palabra, fatigosa en su combinación de rap, hip hop, pop, rock, jazz y musical clásico, con el que Miranda demuestra un talento extremo, tanto como el del resto del elenco, que actúa, canta y baila siguiendo el esquema clásico del teatro griego, coro incluido, a niveles excepcionales durante las dos y media largas horas que dura la función.

Mucho talento y rostro negro, latino y mestizo para dar vida a personajes que fueron blancos, una moda que se ha extendido al cine en títulos como Érase una vez... y la última adaptación de David Copperfield, aunque algunos ya reivindicaran a finales del siglo XVIII el final de la esclavitud y la participación africana en la construcción del país. Su muerte en duelo a manos de su amigo y luego rival político Aaron Burr, propiciado por las convicciones morales y religiosas de Hamilton que le hicieron entonar el famoso Despreciaré mi tiro, da pie a Miranda para convertir en leit motiv a lo largo de toda la función la frase No desperdiciaré mi oportunidad (shot tiene esa doble acepción en inglés). La experiencia puede resultar inmersiva, puede que hasta fatigante, pero no ha lugar a considerarlo cine si no hacemos lo mismo con multitud de prestigiosas producciones operísticas que desde hace tiempo, antes de la pandemia, invaden las salas de cine.

BORAT: PELÍCULA FILM SECUELA Reportero intrépido

Título original: Borat: Subsequent Moviefilm
USA-Reino Unido 2020 95 min.
Dirección Jason Woliner Guion Sacha Baron Cohen, Anthony Hines, Dan Swimer, Peter Baynham, Erica Rivinoja, Dan Mazer, Jena Friedman y Lee Kern Fotografía Luke Geissbuhler Música Erran Baron Cohen Intérpretes Sacha Baron Cohen, Maria Bakalova, Dani Popescu, Manuel Vieru, Alin Popa, Macy Chanel Estreno en Amazon Prime 23 octubre 2020

Catorce años después de viajar a Estados Unidos para aprender cómo ser una primera potencia y exportar ideas a Kazajistán, el reportero más intrépido imaginable vuelve al país de la hamburguesa enviado por su gobierno para estrechar lazos con Donald Trump. Para ello debe entregar un valioso regalo a Mike Pence, vicepresidente en el momento de rodarse este disparate de película. No extraña que tras la cámara esté un especialista en televisión, y que en la nómina de guionistas aparezcan nada más y nada menos que ocho nombres, y es que la cinta funciona prácticamente como un programa de la pequeña pantalla, eso sí cargado de chabacanería, grosería, mal gusto e inevitablemente mucho humor.

Sacha Baron Cohen, que antes de ser Borat fue Ali G y después se convirtió en el gay Bruno, el dictador Aladeen y agente contrainteligente, mientras alternaba estos bochornosos personajes con otros algo más serios en películas como Sweeney Todd o más recientemente El juicio de los siete de Chicago, vuelve a poner en solfa la cultura más genuina de América, desde la más profunda y ultraderechista invadida de partidarios del ex presidente, en uno de cuyos encuentros se inmiscuye para cantar una canción que titula Wuhan flu (La gripe de Wuhan), a las reinas de la belleza y los buenos modales, pasando por bailes de presentación en sociedad para bailar al son de Goran Bregovic y dar más de una desagradable sorpresa.

Y todo ello acompañado de su asalvajada hija, auténtico descubrimiento de la función, Maria Bakalova, que comulga de la misma desvergüenza que su padre de ficción y protagoniza una de las secuencias más inexplicables del film, cuando meten en una encerrona a Rudy Giuliani, ex alcalde de Nueva York y ferviente defensor de Trump, para demostrar que es un depredador sexual. Esta secuela constituye también la primera vez que vemos en una película el confinamiento y el uso de mascarillas, aunque él se la pone de taparrabos y tose sobre Tom Hanks para contagiarle el coronavirus. De paso reivindica la igualdad de género y el amor paternofilial, no es broma. El resto o te ríes o apagas la televisión, que es donde ahora se estrenas y vemos las películas de cine.

AVA Un engendro tan ridículo como evitable

USA 2020 96 min.
Dirección Tate Taylor Guion Matthew Newton Fotografía Stephen Goldblatt Música Bear McCreary Intérpretes Jessica Chastain, John Malkovich, Colin Farrell, Geena Davis, Common, Jess Weixler, Joan Chen, Ioan Gruffud Estreno en Estados Unidos 25 septiembre 2020; en España (Movistar) 11 diciembre 2020

Criadas y señoras, I Feel Good: La historia de James Brown, La chica del tren y El sótano de Ma son algunos de los créditos que nutren la filmografía de Tate Taylor, el director en el que Jessica Chastain ha depositado su confianza para poner en pie este bodrio descomunal. Claro que peor que la dirección de Taylor, incapaz de combinar melodrama y acción como exige el guion, es el propio libreto, un cúmulo de despropósitos en el que los personajes aparecen notablemente desdibujados, sus traumas suenan a maniqueas, sus motivaciones flaquean y la resolución de las continuas secuencias de acción no añaden sino más ridículo a un producto ya de por sí atiborrado de disparates.

La actriz, también productora del film, interpreta un personaje de asesina a sueldo al servicio de supuestas causas nobles, más típico del ideario masculino, pero añadiéndole traumas familiares como si de esa forma lo feminizara. Entregados a una vorágine de lugares comunes y situaciones absurdas, sin ritmo ni gracia, llegados al final uno no puede sino preguntarse qué habrán pensado del espantoso acabado las múltiples estrellas que integran el reparto y sirven de reclamo, o simplemente habrán cobrado el cheque y se habrán reído a gusto de todos nosotros y nosotras.

Para poner la puntilla, una protagonista que ni siquiera tiene estilo corriendo no nos puede hacer creer que destila la energía y la flexibilidad que le impregna al personaje su doble de acción, y la permanentemente percusiva banda sonora de Bear McCreary no logra más que provocar más fatiga. No sirve ni para recomendársela a incondicionales de la protagonista de Interstellar y La noche más oscura.

YA NO ESTOY AQUÍ Desarraigo cultural

México-USA 2019 112 min.
Guion y dirección Fernando Frías de la Parra Fotografía Damián García Intérpretes Juan Daniel García, Coral Puente, Angelina Chen, Jonathan Espinoza, Leo Zapata, Leonardo Garza, Yahir Alday Estreno en el Festival de Morelia 20 octubre 2019; en internet 27 mayo 2020

La gran triunfadora de los Premios Ariel del cine mexicano del año pasado, Ya no estoy aquí supone también la consagración de un cineasta ya saludado como gran artista y mago de la imagen, Fernando Frías de la Parra, con tan solo una película (Rezeta) y dos series de televisión en su haber. Estrenada en Netflix después de recorrer varios festivales, la cinta cuenta una historia de desarraigo, la de un joven apasionado de las kolombias, bailes y músicas frecuentadas en Monterrey y objeto de una contracultura de barrio marginal, que debido a una serie de circunstancias debe emigrar a Estados Unidos, donde vivirá entre la nostalgia y la determinación por volver.

Su protagonista rebosa personalidad y un físico atractivo y nada convencional, pero paradójicamente se instala en la inexpresividad, lo que en cierto modo hace naufragar las intenciones de la empresa. Por otro lado su extraña narrativa, dividida entre sus andaduras por barrios marginales de la ciudad mexicana y sus experiencias en Nueva York, sin orden ni preaviso, complican la empatía e identificación con lo que se cuenta en pantalla, a lo que hay que añadir la dificultad de seguir muchos de sus diálogos, plagados de expresiones callejeras.

Nada de eso sin embargo impide que reconozcamos la fuerza de sus imágenes, el competente trabajo de sus intérpretes, al parecer ninguno de ellos ni ellas profesionales, y el relativo interés que supone sumergirse en estas comunidades tan desconocidas de países en cierto modo de nuestro entorno.

TRES ESPAÑOLAS RECUPERADAS

Comentamos tres interesantes títulos del cine español de la pasada temporada que no tuvimos oportunidad de ver en su momento y ahora recuperamos

TE QUIERO, IMBÉCIL Sin química pero con gracia

España 2020 86 min.
Dirección Laura Mañá Guion Abraham Sastre e Iván José Bouso Fotografía Sergi Gallardo Música Javier Gimeno y Luc Suárez Intérpretes Quim Gutiérrez, Natalia Tena, Ernesto Alterio, Alfonso Bassave, Alba Ribas, Patricia Vico, Francesc Albiol, Núria Valls Estreno 24 enero 2020

La directora Laura Mañá abandona la vertiente feminista que caracteriza películas suyas como Sexo por compasión, La vida empieza hoy o la serie de televisión sobre Clara Campoamor, para abandonarse con fortuna a la comedia romántica más desinhibida y desacomplejada con un toque slapstick, salvo que queramos ver en cierta manipulación del hombre como objeto sexual ese toque de género característico de la realizadora catalana.

Nadie diría cuando se estrenó Azul oscuro casi negro que su protagonista Quim Gutiérrez se convertiría con el tiempo en nuestro Cary Grant o Hugh Grant particular, y es que se le da bien esto de las comedias alocadas con un toque romántico. Poco importa que apenas haya química entre él y una estupenda Natalia Tena si podemos disfrutar de la presencia y vis cómica de ambos en un espectáculo que podemos considerar banal pero decididamente entretenido, descarado, bien articulado, con buen ritmo y una sana y simpática comicidad.

EL DOBLE MÁS QUINCE Aprender y recuperar

España 2020 102 min.
Guion y dirección Mikel Rueda Fotografía Kenneth Oribe Música Naia Mandaluniz Intérpretes Maribel Verdú, Germán Alcarazu, Jorge Bosch, Mario Plágaro, Ander Martínez Estreno en el Festival de Málaga 21 marzo 2019; en salas (no en Sevilla) 28 febrero 2020

Aunque en principio pudiera parecer que nos van a contar una historia muy trillada, la relación sexual tabú ente un jovencito y una mujer madura, el encuentro entre los dos solitarios personajes de esta película, que se han conocido por internet y no son lo que prometían ser, sirve a Mikel Rueda para decantarse por retratar estas dos personalidades antagónicas separadas por varias generaciones, lo que se traduce en distintas formas de ver la vida, distintas aspiraciones y un choque cultural evidente.

La tarea del director y guionista, en cuya errática filmografía encontramos una tierna historia de amor adolescente homosexual en A escondidas y algún episodio suelto de Veneno, es acercar al joven y su mentora, una como siempre estupenda Maribel Verdú, durante una noche de correrías en la que él tomará lecciones de vida y esperanza y ella recuperará la vitalidad perdida que tanto caracteriza a esa juventud que tan lejos dejó.

Lástima que la empresa se resuelva con algún que otro problema de ritmo y pérdida puntual de interés, y que en su desarrollo surjan de vez en cuando incómodos apuntes melodramáticos, pero el respeto y la ternura con que Rueda y su pareja protagonista nos cuentan su historia acaba mereciendo la pena.

LOS EUROPEOS El landismo en gris y en serio

España 2020 89 min.
Dirección Víctor García León Guion Bernard Sánchez y Marta Castillo, según la novela de Rafael Azcona Fotografía Eva Díaz Música Selma Mutal Intérpretes Raúl Arévalo, Juan Diego Botto, Stéphane Caillard, Carolina Lapausa, Boris Ruiz, Íñigo Aramburu Estreno en el Festival de Málaga 28 agosto 2020; en internet 31 agosto 2020

Antes de dedicarse por entero al cine, el gran Rafael Azcona escribió varios libros, entre ellos alguna que otra novela. Los europeos fue la última, y en ella retrataba las miserias de una generación surgida de las cenizas de la Guerra Civil y educada en la rigidez y la mezquindad de la dictadura franquista. De ahí surgieron muchas de la ridículas tipologías humanas que invadieron el animalario de Azcona y que tan bien supieron reflejar en el cine Luis García Berlanga, Marco Ferreri o José Luis Cuerda.

La adaptación de esta sarcástica novela la dirige precisamente el hijo de José Luis García Sánchez, uno de los directores que también colaboraron con el escritor en varias ocasiones, llevando incluso a la pantalla su guion póstumo Los muertos no se tocan , nene. Víctor García León ha cultivado en el cine la comedia desde un ángulo más bien reprimido y tímido, en cintas románticas como Más pena que gloria o choques generacionales como Vete de mí, hasta que en Selfie mostró una cara más original y desenfadada. En Los europeos se entrega a una fiesta de desinhibición y descubrimiento en una Ibiza de turismo incipiente, extraordinariamente ambientada en aquel final de los años cincuenta, incluyendo un buen puñado de canciones que merecen edición comercial, para en su segunda parte centrarse en un relato nostálgico y un retrato nada indulgente del macho hispánico de la época, para quien todo lo que venía de fuera debía tomarse y aprovecharse a la ligera, sin importar sus consecuencias sentimentales, y lo de la tierra tratado como si fuera algo religioso.

Así se refleja en el personaje, sensacionalmente interpretado, de Raúl Arévalo, esa mosquita muerta con la que hay que tener mucho cuidado. Digamos que esto es el germen del landismo pero con seriedad y una mirada más crítica e incisiva de lo que el fenómeno de aquel cine casposo de los sesenta y setenta nos acostumbró a ver.

SOUND OF METAL La relativa percepción de la realidad

USA 2019 127 min.
Dirección Darius Marder Guion Darius y Abraham Marder Fotografía Daniel Bouquet Música Nicolas Becker y Abraham Marder Intérpretes Riz Ahmed, Olivia Cooke, Paul Raci, Matthieu Amalric, Lauren Ridloff, Domenico Toledo, Chelsea Lee, Shaheem Sanchez, Chris Pefetti, Bill Thorpe, Michael Tow, William Xifaras, Rena Maliszewski, Tom Kemp Estreno en el Festival de Toronto 6 septiembre 2019; en Estados Unidos 20 noviembre 2020; en España (internet) 4 diciembre 2020

Consagración de su director, que apenas había realizado con anterioridad un documental titulado Loot, ambientado en tiempos de la Segunda Guerra Mundial e inédito en España, y su actor principal, a quien hemos visto en numerosas películas comerciales siempre en papeles secundarios o episódicos, como Venom o Rogue One. Tanto Marder como Ahmed han conocido con esta singular película, aclamada entre lo mejor estrenado el pasado año, el reconocimiento que merecen.

Cuenta la historia de un baterista roquero que pierde la audición, lo que lejos de plantear el habitual melodrama de trauma y redención se convierte en una odisea por la búsqueda de una solución, con peaje en la reconversión y la aceptación, y una meta a descubrir. Tanto Ahmed como Paul Raci, que da vida al director de un centro para sordos que se ocupa de entrenar su nueva conciencia, han recibido por la película merecidos elogios, pero es en la dirección de Marder donde se contiene el principal mérito de sus protagonistas, entregados a una narración entre naturalista y sincera, que no se postula por ninguna de las decisiones que toma el protagonista, ni las censura, y se limita a mostrar una serie de realidades que no deben entenderse como una marginación ni alejamiento de la sociedad, sino como una nueva y diferente forma de integrarse en ella.

Entre los muchos aciertos de este único y singular film se encuentra un tratamiento del sonido realmente espectacular, que nos sumerge en la problemática del joven roquero, antes adicto a las drogas y ahora al sonido, manteniendo siempre una atención meticulosa al detalle y la proporción. El resultado es un lúcido e inteligente estudio sobre nuestra percepción de la realidad, los límites de lo que entendemos por incapacidad y el verdadero significado de normalidad, un término tan de actualidad y del que tanto abusamos generalmente en vano.

MY MEXICAN BRETZEL El arte de contar historias

España 2019 73 min.
Guion y dirección Nuria Giménez Lorang Fotografía Frank A. Lorang e Ilse G. Ringier Documental Estreno en el Festival de Gijón 18 de noviembre 2019; en salas (limitado, no en Sevilla) 11 diciembre 2020

Presentada en el Festival de Gijón de 2019 y desde entonces saludada como un prodigioso ejercicio de metaficción, la película de la joven catalana Nuria Giménez es ante todo un homenaje al arte de contar historias, y especialmente de hacerlo a través del cine. Se trata de un enigmático ejercicio, ya desde su título que parece hacer referencia a la famosa rosca alemana, que podríamos considerar en cierto sentido experimental, en el que las imágenes rodadas con una cámara doméstica a lo largo de los innumerables viajes que realizaron una acomodada pareja suiza durante las décadas de los cuarenta a los sesenta, sirven para narrar una historia al más puro estilo melodramático de aquellos años cincuenta que se reflejan en la cámara.

Lo primero que llama la atención es la belleza de las imágenes, que no parecen obra de un simple amateur, conteniendo más de una brillante puesta en escena y encuadres extraordinarios, fíjense por ejemplo en los surfistas hawaianos casi al final de la cinta. Imágenes que han sido tratadas y recuperadas con tal esmero que lucen un colorido y un brillo espectaculares. Sobre ellas aparecen impresas las palabras de su protagonista, una tal Vivian Barrett, extraídas de un diario y del libro de un filósofo indio, Paravadin Kanvar Kharjappali, que reflexiona sobre la vida y las convenciones. Imagen y palabra encajan como un guante, mientras casi todo se presenta sobre un silencio sepulcral, derivado del carácter silente de estas películas familiares y quizás también del hecho de que el operador y marido de la protagonista, Léon Barrett, ha perdido gran parte de su audición en un accidente provocado por su trabajo como piloto aéreo.

Esta belleza apuntada de las imágenes, su carácter documental reflejo de una época que nunca volverá, sus paisajes naturales (los Alpes suizos, Mallorca) y urbanos (Londres, París, Barcelona, Nueva York, Los Angeles, San Francisco) justifican de sobra su visionado, que Giménez pretende sea reflejo también del engaño de la cámara, de cómo ante ella nada es real ni sincero, baste para ello la sonrisa permanente de la Sra. Barrett, siempre al margen de cualquier contingencia de la vida. Solo al final muchas incógnitas serán desveladas, y más de una sorpresa aguarda. Nada es lo que parece, así es el cine y así es esta singular película, como mínimo un notable trabajo de orfebrería y un sentido homenaje al cine que tanto nos gusta.

HILLBILLY, UNA ELEGÍA RURAL Drama familiar con super actrices protagonistas

Título original: Hillbilly Elegy
USA 2020 116 min.
Dirección Ron Howard Guion Vanessa Taylor, según el libro de J. D. Vance Fotografía Maryse Alberti Música David Fleming y Hans Zimmer Intérpretes Amy Adams, Gabriel Basso, Glenn Close, Haley Bennett, Owen Asztalos, Freida Pinto, Bo Hopkins, Jesse C. Boyd, Stephen Kunken, Keong Sim Estreno limitado en España 13 noviembre 2020; en internet 24 noviembre 2020 

Tras un emotivo documental sobre Pavarotti, Ron Howard, con una filmografía a sus espaldas que incluye éxitos como Cocoon, Willow, Apolo 13, Una mente maravillosa, la estupenda Rush y la incomprendida Han Solo, parece continuar ahora por la senda del trabajo alimenticio con esta dramática saga familiar basada en el best seller de J.D. Vance en el que cuenta su accidentada adolescencia y la influencia que una madre inestable y drogadicta y una abuela coraje tuvieron en su educación y desarrollo personal.

Al autor le da vida el joven Gabriel Basso, superada su fructuosa adolescencia en películas como Súper 8 y Los reyes del verano en las que ejerció de protagonista. Aquí es un joven y prometedor abogado cuya oportunidad de oro podría verse truncada por los incidentes familiares que reclaman su presencia a pocas horas de someterse a una entrevista crucial en un prestigioso bufete de esos tan elegantes y tradicionales que suelen perpetuar el carácter más rancio de la sociedad y cultura norteamericana. Un ambiente universitario y laboral fuerte e intencionadamente contrapuesto al más rural, montañoso y campechano en el que se desarrolla su vida en esos cruciales años de descubrimiento y superación, multiplicado por el hecho de ser el típico niño torpe y gordinflón objeto de burlas y abusos. Todo discurre por senderos de previsibilidad y comodidad en el que todo su material dramático se dulcifica con considerables dosis de ternura y amabilidad.

El competente trabajo de Basso y su joven encarnación en Owen Asztalos se ve no obstante eclipsado por sus dos estrellas protagonistas, unas Amy Adams y Glenn Close sometidas a una sorprendente transformación que las asemeja increíblemente a sus personajes en la vida real, aunque el experimento no fuera necesario dado el anonimato de tales personas. Ellas, especialmente Glenn Close, justifican por sí solas el visionado de un film que no obstante ni se hace pesado ni molesto, ya que Howard logra que de alguna manera empaticemos con sus personajes, algo que otros cineastas con más reconocimiento no consiguen ni de lejos. Quizás Adams y Close vayan buscando una nueva nominación, ellas que son expertas lamentablemente en acumular candidaturas sin obtener la preciada estatuilla.

UN PERRO LADRANDO A LA LUNA La estática renuncia a la felicidad

Título original: A Dog Barking at the Moon
China-España 2019 107 min.
Guion y dirección Lisa Zi Xiang Fotografía Jose Val Bal Música J. García Escudero Intérpretes Renhua Na, Gaowa Siqin, Zhang Yinyue, Jiang Bing, Ming Xing, Wu Renyuan, Thomas Fiquet, Chen Zhenyuan, Wang Xilu, Li Fuzhu Estreno en el Festival de Berlín 11 febrero 2019; en España (internet) 19 febrero 2020 

La pandemia del coronavirus ha dejado muchos proyectos a la intemperie, bien sin poderlos realizar o, como éste, impidiendo su exhibición en salas. Es una lástima, porque esfuerzos como éste, que supone el debut en el largometraje de su directora, Lisa Zi Xiang, y su esposo Jose Val Bal, natural de El Puerto de Santa María pero formado como ella en Nueva York, merecían mejor suerte.

Para esta ópera prima se han embarcado en un tema tan espinoso en China como la homosexualidad, lo que ha provocado su desprecio y persecución en el país de origen y la necesidad de apoyo en el nuestro para al menos exhibirse en certámenes como el de Berlín, donde se alzó con el premio Teddy destinado a temáticas LGTBI. A partir de ahí solo en internet y otros festivales, fundamentalmente de tema especializado, ha podido disfrutarse de esta singular historia de descubrimiento sexual y represión generacional en el que una madre intolerante y represiva mantiene un juego dialéctico mayoritariamente infructuoso con su hija, que acaba de volver de Nueva York para dar a luz en su tierra. A la trama central se une otra relacionada con las sectas religiosas que provoca una incoherencia imperdonable en el personaje de esa madre hacia el final de la película. Aunque parece que el film quiera incidir sobre la brecha generacional e intelectual existente en una generación curtida en la dictadura comunista y otra más afín a nuevos valores y tendencias existenciales, la propuesta choca con el hecho de que su material siga siendo proscrito en aquel país.

Con todo la cinta se perjudica de un ritmo demasiado premioso y una dirección de fotografía premeditadamente estática, tanto como la postura de su intransigente protagonista, en la que el encuadre se mantiene fijo en cada una de sus a menudo largas secuencias, salvo en una jubilosa escena de conjunto y un presuntamente reconciliador baile final. El tono triste y gris del film tampoco ayuda a disfrutarlo en su integridad, pero en general se puede afirmar que constituye un debut arriesgado y valiente que se sigue con interés y curiosidad.

LOS CAMINOS QUE NO ESCOGEMOS La pena infinita

Título original: The Roads Not Taken
USA-Reino Unido 2020 85 min.
Guion, música y dirección Sally Potter Fotografía Robbie Ryan Intérpretes Javier Bardem, Elle Fanning, Salma Hayek, Laura Linney, Branka Katic, Katia Mullova-Brind, Milena Tcharntke, Dimitri Andreas Estreno en el Festival de Berlín 26 febrero 2020; en Estados Unidos 13 marzo 2020; en España (internet) 15 diciembre 2020 

En su corta aunque dilatada en el tiempo filmografía, Sally Potter ha demostrado que no se embarca en un proyecto si no tiene un interés personal muy especial en él. Tras el éxito de la irritante The Party y con aquel Orlando siempre en el horizonte, que nos dio a conocer a una ambigua Tilda Swinton, Potter parece ahora fijar su atención en esa pena infinita que un acontecimiento trágico es capaz de provocar en una mente frágil y sensible, en este caso la del personaje interpretado por Javier Bardem.

Con la ayuda inestimable de su hija, Elle Fanning en pantalla, vivirá un accidentado día en Nueva York entre miradas perdidas, balbuceos y pérdidas de la noción de la realidad. Son todo consecuencias de una de esas temidas enfermedades mentales a las que necesariamente hay que buscarles un detonante. En esta ocasión lo encontramos a través de flashbacks recurrentes, unos en el México natal del protagonista junto a una esplendorosa Salma Hayek, otros en el retiro en una supuesta costa griega recreada en Almería, donde comienza a perder una razón ya del todo desaparecida en ese caótico Nueva York de taxis, hospitales y consultas de dentista y oftalmólogo por el que transita un Bardem esforzado en la mirada triste y el ademán desvaído.

Junto a él disfrutamos con una estupenda Elle Faning, hija coraje que aporta ternura a este doloroso via crucis, y la aparición siempre gratificante de Laura Linney. El resultado es un film que se deja ver sobre todo por sus buenas interpretaciones (Bardem siempre vale un seguimiento) y porque al fin y al cabo dura poco.

ANE Una generación herida

España 2020 100 min.
Dirección David Pérez Sañudo Guion David Pérez Sañudo y Marina Parés Fotografía Víctor Benavides Música Jorge Granda Intérpretes Patricia López Arnaiz, Mikel Losada, Jone Laspiur, Aia Kruse, Luis Callejo, Mariana Cordero, Nagore Aranburu, Gorka Aguinagalde, Fernando Albizu Estreno en el Festival de San Sebastián 20 septiembre 2020; en salas comerciales (no en Sevilla) 16 octubre 2020 

El resultado de un guion inteligente, todo un esfuerzo en euskera realizado por un burgalés y una malagueña, una interpretación asombrosa y una dirección precisa solo podía dar como resultado una de las películas más interesantes del cine español estrenadas el pasado año. Sañudo y Parés parten de un cortometraje de hace dos años, protagonizado por Aia Kruse, ahora en un papel secundario, que han desarrollado para conseguir un retrato de un País Vasco herido y dividido que provoca tanto pavor como conmoción.

Las heridas de un pasado teñido de terrorismo se traducen en unas formas pervertidas para conseguir objetivos en principio tan legítimos como evitar desalojos o atentados al medio ambiente. La construcción de las vías del tren de alta velocidad son el telón de fondo de esta historia con madre coraje centrada en la búsqueda y descubrimiento de su hija a las puertas de la mayoría de edad. Como si de Laura de Otto Preminger se tratara, la Ane del título tarda en aparecer en escena mientras especulamos sobre su paradero y verdadera identidad, tal como lo hacen sus padres separados. El giro a mitad de metraje nos lleva por un viaje al centro de una juventud marcada por la violencia de consecuencias inesperadas.

Rodada casi íntegramente en euskera – solo la andaluza Mariana Cordero y el castellano Luis Calleja hablan en español – en el film sobresale la excelente interpretación de Patricia López Arnaiz, mientras la función nos lleva de la mano por toda una aventura bien urdida y rodada, absorbente e inquietante a partes iguales.

LA INCREÍBLE HISTORIA DE DAVID COPPERFIELD Un clásico con nuevo estilo Benetton

Título original: The Personal History of David Copperfield
Reino Unido 2019 119 min.
Dirección Armando Iannucci Guion Armando Iannucci y Simon Blackwell, según la novela de Charles Dickens Fotografía Zac Nicholson Música Christopher Willis Intérpretes Dev Patel, Tilda Swinton, Hugh Laurie, Peter Capaldi, Morfydd Clark, Ben Whishaw, Benedict Wong, Darren Boyd, Gwendoline Christie, Paul Whitehouse, Aneurin Barnard, Daisy May Cooper, Nikki Amuka-Bird, Rosalind Eleazar, Jairaj Varsani, Anthony Welsh Estreno en el Festival de Toronto 5 septiembre 2019; en Reino Unido 24 enero 2020; en España (internet) 4 diciembre 2020 

Aunque parezca extraño, una de las novelas puntales de Dickens apenas ha recibido atención por parte del cine, y aunque ya a comienzos de éste fue adaptada en un par de ocasiones, la de George Cukor de 1935 permanece siendo la única versión de David Copperfield hecha directamente para el cine. La televisión ha fijado más su mirada en la vida y vicisitudes del que Dickens consideraba su más querida criatura, con adaptaciones memorables como la que Delbert Mann dirigió en 1969, y algunas más recientes como la que protagonizó Daniel Radcliffe en 1999, justo cuando se preparaba para ser Harry Potter.

Armando Iannucci saltó al cine en 2009 tras una década curtiéndose en la televisión. Su debut fue con la muy celebrada sátira política In the Loop, género que continuó cultivando en la serie Veep y en la película La muerte de Stalin. Su aportación ahora al muy transitado universo dickensiano se caracteriza más por su colorista puesta en escena, galardonada en los Premios Europeos del Cine, que por su audacia e ingenio narrativo. Pero sobre todo lo hace por su reparto multicultural, pues igual que recientemente hemos visto a Peter Pan y Alicia en la piel de niños negros, el Copperfield de Iannucci es el eternamente joven actor indio Dev Patel, mientras el resto de su numeroso séquito combina razas de todo el Mundo, sin respetar si quiera las correspondientes genealogías. Decíamos a propósito de Érase una vez… que no le veíamos el sentido a convertir en negros a personajes antaño concebidos de otro color, y que en lo que respecta a inclusión e igualdad el proceso nos parecía estéril e inútil. La diversidad se debe probar de otra manera, la inclusión debe ser real y efectiva y no un juego desconcertante sin sentido. Con estas soluciones lo único que se consigue es extender estereotipos de la raza entonces considerada dominante a otras razas, devorando su cultura y tradición, que es lo que realmente da sentido a la diversidad y la multiculturalidad.

Por lo demás, Iannucci se concentra en el aspecto más grotesco de la novela de Dickens, elimina sus episodios más dramáticos, por más que elija a una misma actriz para dar vida a la madre y esposa, aquí solo novia, del protagonista, potenciando así su posible complejo de Edipo, e introduce multitud de soluciones estéticas y efectistas con el único fin de epatar. De todo preferimos la estupenda banda sonora de Christopher Willis, quizás más épica y espectacular de lo conveniente, pero henchida de emoción, excelente orquestación e inspiradas melodías.

THE GLORIAS Feminismo transversal

USA 2020 139 min.
Dirección Julie Taymor Guion Sarah Ruhl y Julie Taymor, según el libro de Gloria Steinem Fotografía Rodrigo Prieto Música Elliot Goldenthal Intérpretes Julianne Moore, Alicia Vikander, Ryan Kiera Armstrong, Lulu Wilson, Timothy Hutton, Bette Midler, Janelle Monáe, Angela Relucio, Olivia Jordan, Olivia Olson, Deetta West, Lorraine Touissant, Kimberly Norris Guerrero, Victor Slezak Estreno en el Festival de Sundance 26 enero 2020; en Estados Unidos (internet) 30 septiembre 2020; en España (no en Sevilla) 18 diciembre 2020 

La mirada y el estilo de Julie Taymor en el cine ha sido siempre cuando menos particular y en cierto modo rompedora. Lo fue en su forma de adaptar a Shakespeare en Titus, La tempestad y El sueño de una noche de verano, en su colorista biografía de Frida Kahlo, en su suntuoso musical a partir de los Beatles en Across the Universe, y en su celebrada puesta en escena para El rey león de Broadway, exportado a todos los países que lo han montado. Por eso su homenaje a una de las figuras claves del feminismo y la lucha por los derechos civiles en Norteamérica de los años sesenta y setenta, Gloria Steinem, no podía escapar a la original forma de hacer de la realizadora.

Cuatro actrices la interpretan a sus diferentes edades, aunque interactuando en más de una ocasión, como si se aconsejaran o avisaran unas a otras; incluso la propia Steinem interviene al final haciendo apostolado de su causa y la de millones de mujeres en todo el Mundo. Un personaje por lo tanto necesario y un relato que lo es aún más, por cuanto a Taymor y a Steinem no solo les interesa la lucha por los derechos de las mujeres, sino también por los de esas minorías durante tanto marginadas por razón de su color, raza, sexo, tendencia o condición; grupos dentro e los cuales existe a su vez la marginación de la mujer con distintos matices y consecuencias. Steinem, primero como periodista y luego como agitadora social, luchaba por la mujer dentro de lo que llamamos transversalidad. La caligrafía de Taymor es sencilla, a pesar de sus juegos estéticos y narrativos, con la inestimable ayuda de dos actrices en estado de gracia, la siempre excelente Julianne Moore y una Alicia Vikander que parece estar dándolo todo en su incorporación de la activista en sus años como periodista incipiente e inmiscuida en asuntos como el de las chicas Playboy para desenmascarar roles tradicionalmente destinados a la mujer en perjuicio de su dignidad e integridad como ser humano.

Una preciosista y precisa puesta en escena y un sinfín de interesantes episodios, combinados y bien manejados por las expertas manos de su realizadora, consiguen un espectáculo revelador e imprescindible, al que se prestan las inestimables intervenciones de grandes como Bette Midler y Janelle Monáe, además de la siempre interesante aportación en el apartado musical de Elliot Goldenhtal, esposo de Taymor, y un espectacular trabajo de la imagen por parte del operador Rodrigo Prieto, todo ello sazonado con un inquietante material de archivo.