TOY STORY 5 Reivindicación de la infancia tradicional

USA 2026 102 min.
Dirección Andrew Stanton Guion Andrew Stanton y McKenna Harris Fotografía Matt Aspbury y Jean-Claude Kalache (animación) Música Randy Newman Voces (en versión original) Tom Hanks, Tim Allen, Joan Cusack, Greta Lee, Conan O’Brien, Tony Hale, Craig Robinson, Shelby Rabara, Scarlett Spears, Mykal-Michelle Harris, Bonnie Hunt Estreno en España 17 junio 2026; en Estados Unidos 19 junio 2026

Creador, entre otros históricos de Pixar, de esta pionera saga, Andrew Stanton se ha encargado hasta ahora de colaborar en los guiones de las anteriores entregas, pero nunca a dirigirlas. Sí estuvo a cargo de la dirección de otros títulos míticos de la casa, como Wall-E o Buscando a Nemo, e incluso ha probado fuera de la empresa con películas como John Carter o, este mismo año, En un instante, drama de vidas cruzadas con un toque de ciencia ficción. Stanton debuta con la quinta entrega en la dirección de su propia creación, alargándola sin renunciar al consabido mensaje educativo, esta vez orientado a reivindicar el juguete tradicional y el juego en compañía, frente a la soledad y prematura madurez que proporcionan tablets y teléfonos móviles.

De esta forma, la villana de turno es un iPad que condiciona la avidez de una niña por ser aceptada e incluida entre otras de su edad. La misión de los juguetes protagonistas será ayudarla en su cometido, hasta encontrar la compañera de juegos ideal que garantice el normal desarrollo de una infancia sana y adecuada. El relevo lo protagoniza en esta ocasión la vaquera Jessie, relegando a un segundo plano a Woody, mientras Buzz Lightyear se mantiene en su habitual segundo puesto, aunque multiplicado en ejército, uno de los principales hallazgos de una película que no hace tanto alarde narrativo y técnico como anteriores entregas.

Cabe apreciar el esmero puesto para que, a pesar de los más de treinta años transcurridos desde el primer capítulo, el cambio estético y tecnológico no rechine demasiado. Por lo demás, se agradece su mensaje, hábilmente dirigido al público infantil que se preste a verla, así como a sus progenitores, como forma de mantener la misma ilusión que disfrutaron ellos y ellas. En el apartado musical, Randy Newman recupera el espíritu desplegado a lo largo de la serie, fiel a su estilo y con puntuales referencias a icónicos temas compuestos para capítulos anteriores. Pero como el resto de la función, no hace especial alarde creativo sin más intención que perpetuar la empresa.

TRES ANIMADAS Y NOMINADAS AL OSCAR

LAS GUERRERAS K-POP Un musical luminoso y endemoniado

Título original: KPop Demon Hunters
USA 2025 95 min.
Dirección Chris Appelhans y Maggie Kang Guion Danya Jimenez, Hannah McMechan, Maggie Kang y Chris Appelhans Fotografía Gay H. Lee (animación) Música Marcelo Zarvos Canciones Mark Sonnenblick, EJAE, Audrey Nuna y Rei Ami Voces (en versión original) Arden Cho, Ahn Hyo-seop, Mary Hong, Ji-young Yoo, Yunjin Kim, Ken Jeong, Lee Byung-hun Estreno en Estados Unidos y España (Netflix) 20 junio 2025

Debut en la dirección de largometrajes de Maggie Kang, mientras Chris Appelhans ya tiene experiencia en el género de la animación, con El dragón de los deseos, una producción china de hace cuatro años. Juntos han creado esta original, entretenida y muy divertida mezcla entre musical para adolescentes y manga con demonios a los que las tres protagonistas, de nombre artístico-musical HUNTR/X, deben hacer frente echando mano de sus habilidades y poderes.

Una boys band rival, los Saja Boys, acabará convirtiéndose en el mal con el que acabar, con lo que la batalla se extiende también al escenario de los megaconciertos en los que ambas bandas congregan a sus miles de fans. Todo es color, energía, mucho ritmo y desenfadada alegría en esta cinta concebida para Netflix y que hasta el momento ha cosechado dos Globos de Oro, a la mejor película de animación y a la mejor canción, y opta al Oscar en las mismas categorías. Desde luego el diseño es portentoso y las canciones dinámicas y pegadizas.

ZOOTRÓPOLIS 2 Intriga política con animales humanizados 

Título original: Zootopia 2
USA 2025 107 min.
Dirección Jared Bush Guion Jared Bush Música Michael Giacchino Voces (versión original) Ginnifer Goodwin, Jason Bateman, Ke Huy Quan, Fortune Femmster, Andy Samberg, David Strathairn, Idris Elba, Shakira, Patrick Warburton, Quinta Brimson, Nate Torrence, Danny Trejo, Bonnie Hunt Estreno en Estados Unidos 26 noviembre 2025; en España 28 noviembre 2025

Casi una década han dejado pasar sus responsables para devolver a la gran pantalla las aventuras de la pareja de policías Judy la coneja y Nick el zorro, tras una temporada en la televisión. Sus directores, Jared Bush y Byron Howard, vuelven a dar en la diana, tras triunfar también con Encanto, y encargarse el primero de los guiones de Vaiana y su secuela.

Esta segunda parte se presenta todavía más vertiginosa y atiborrada que la anterior. La animación es sensacional, el ritmo excesivo y la cantidad de información que vomita, inabarcable e inasumible. Son detalles que igual sirven para destacar en positivo el resultado final que para hacerlo en negativo, aunque la balanza naturalmente, aunque sólo sea por el enorme esfuerzo de producción desplegado, se inclina hacia lo primero.

Los apuntes sociales, así como la denuncia de corrupción política y policial, vuelven a ponerse sobre el tapete, redondeando una propuesta nada desdeñable aunque definitivamente fatigante. Además, la humanización de los animales pasa por conservar algunas de sus características esenciales y perfeccionar su discurso sobre la diversidad. Zootrópolis ganó el Oscar y su secuela podría repetir la hazaña.

ELIO Huyendo de la Tierra

USA 2025 98 min.
Dirección Madeline Sharafian, Domee Shi y Adrián Molina Guion Julia Cho, Mark Hammer y Mike Jones Fotografía (animación) Derek Williams y Jordan Rempel Música Rob Simonsen Voces (versión original) Yonas Kibreab, Zoe Saldaña, Remy Edgerly, Brandon Moon, Brad Garrett, Jameela Jamil Estreno en Estados Unidos 20 junio 2025; en España 9 julio 2025

Poca gracia le debe haber hecho a la administración Trump que una película de animación protagonizada por personajes latinos y con un mensaje conciliador entre razas, y la diversidad como eje de la cuestión, se haya colado entre las nominadas al Oscar en su categoría. Claro, que no creemos que el infame presidente de Estados Unidos esté muy al corriente de temas relacionados con la cultura. Podríamos considerar ésta entre las producciones más modestas de Pixar, factoría de la que salen sus tres realizadores, Madeline Sharafian, que fue nominada a un Oscar por su cortometraje Madriguera, Domee Shi, responsable de Red, y Adrián Molina, que logró el éxito con Coco.

Juntas celebran ahora la curiosidad por el cosmos, la necesidad de creer que hay vida ahí fuera, y la oportunidad para encajar en un mundo del que la ausencia de los seres queridos parece apartarnos cada vez más. Elio es el pequeño protagonista, cuya relación con su tía, a quien presta voz Zoe Saldaña en la versión original, se ve forzosamente destinada a mejorar cuando viva extraordinarias experiencias y aporte generosidad y empatía a un sorprendente amigo encontrado en un universo paralelo.

Ni su parafernalia técnica ni su mensaje conciliador llegan a sorprender ni estremecer en exceso, respectivamente, pero en conjunto se trata de otro film hecho con esmero, cariño y respeto a su público destinatario, si acaso algo más infantil de lo habitual. No cabe duda de que sus guionistas han acertado al proponer una huida de nuestro planeta, bien la merece. Rob Simonsen, compositor al que rara vez se le presta atención, firma una excelente banda sonora.

LOS 4 FANTÁSTICOS: PRIMEROS PASOS Disney nos la cuela con Marvel

Título original: The Fantastic Four: First Steps
USA 2025 115 min.
Dirección Matt Shakman Guion Jeff Kaplan, Ian Springer, Josh Friedman, Peter Cameron y Eric Pearson, según el cómic de Jack Kirby y Stan Lee Fotografía Jess Hall Música Michael Giacchino Intérpretes Pedro Pascal, Vanessa Kirby, Joseph Quinn, Ebon Moss-Bachrach, Julia Garner, Raslph Ineson, Natasha Lyonne, Paul Walter Hauser, Sarah Niles, Mark Gatliss Estreno en España 24 julio 2025; en Estados Unidos 25 julio 2025

Que Disney haya fagocitado también el universo Marvel tiene sus ventajas y sus inconvenientes. Los Cuatro Fantásticos no sólo no han gozado nunca de buenas versiones cinematográficas, y a nuestro juicio siguen sin disfrutarlo, sino que la propia base de la que provienen tampoco ha suscitado jamás el entusiasmo que sí han provocado otros superhéroes de la marca. Hay que reconocer que esta versión, todo lo lujosa que se quiera, es vistosa, luminosa y con ese toque desenfadado que siempre hemos querido ver en este tipo de productos. Matt Shakman sabe lo que se trae entre manos, ha estudiado el universo Marvel en profundidad en reportajes y documentales, y el toque pop que le ha dado a esta su primera incursión cinematográfica en el género, lo cultivó ya en la serie también de Marvel WandaVisión. Pero la influencia de la factoría Disney es grande y alargada, y este producto celebra valores tan rancios y tradicionales, véase por ejemplo la exaltación de la familia convencional, que poco margen para la sorpresa y la subversión le queda ni a este director ni a nadie que se atreva con la empresa. Al fin y al cabo, Disney es como Galactus, el villano de turno, devora todo lo que toca y lo destruye... al menos su encanto.

Son, por lo tanto, los grandes ejecutivos que deciden el futuro del cine de gran producción, quienes diseñan los ingredientes con los que atrapar al y la espectadora. Contratar al actor de moda, Pedro Pascal, y a una actriz tan carismática y sofisticada como Vanessa Kirby (Fragmentos de una mujer, Misión Imposible), forma parte de la apuesta por la renovación y la recuperación del éxito que la marca persigue. Ambientar el conjunto en un nostálgico pasado distópico, esos sesenta que vieron nacer a la cuadrilla y que supusieron la edad de oro del imperialismo estadounidense, da tanto juego como recrear el aspecto juguetón, discretamente humorístico y desenfadado que rezuma el producto. Sin embargo, a la apología de esos valores tradicionales se suma un argumento paupérrimo con gran maligno intentando destruir el universo.

Aceptamos todo lo que de fantasía tiene la propuesta, pero algunos pasajes son del todo punto inaceptables como digno producto de ciencia ficción. Nos referimos a la huida de un agujero negro a vertiginosa velocidad sin consecuencia alguna, o el lanzamiento de un cohete y su regreso a pleno Nueva York, por cierto una vez más destruido a discreción. Demasiadas convenciones como para saludar el resultado con el entusiasmo que otros y otras lo han hecho. No obstante, aparte de Pascal y Kirby, que como sus compañeros de reparto apenas consiguen dar personalidad y carácter a sus personajes debido a la endeblez del guion, merece destacarse la jovial y espectacular música de Michael Giacchino que, especialmente debido al jocoso uso de coros, contribuye a recrear ese carácter desenfadado que se ha querido inyectar al film.

BLANCANIEVES Otra revisión para hacer caja

Título original: Snow White
USA 2025 105 min.
Dirección Marc Webb Guion Erin Cressida Wilson, según el cuento e los Hermanos Grimm Fotografía Mandy Walker Música Jeff Morrow, Benj Pasek y Justin Paul Intérpretes Rachel Zegler, Gal Gadot, Andrew Burnap, Ansu Kabia, Hadley Fraser, Lorena Andrea y las voces de Andrew Barth Feldman, Tituss Burgess, Martin Klebba, Jason Kravits, George Salazar, Jeremy Swift, Andy Groteleuschen y Patrick Page Estreno en España y Estados Unidos 21 marzo 2025

Una vez más, no se nos ocurre otra razón para poner al día y recrear con personajes reales los clásicos de Disney, que la de hacer taquilla sin especial esfuerzo imaginativo. Su propia acepción lo indica, son clásicos hoy venerados por su sensacional factura técnica, su prodigio narrativo y la hazaña que supusieron en su momento con los medios con que contaban, pero que hoy resulta fútil remozarlos e intentar liberarlos de su ideología política y social y llevarlos hasta la última consecuencia de una corrección política que a menudo resulta mal enfocada. Para convertir el primer largometraje de Disney en un alegre y colorista musical con una intervención digital del casi ochenta por ciento (lo de imagen real es un decir, hasta los enanitos han sido generados por ordenador, despreciando incluso el acierto con el que Peter Jackson abordó el asunto en El hobbit), la voraz Disney ha contado con la guionista Erin Cressida Wilson, curtida en temas de género y diversidad en películas como Secretary, Chloe u Hombres, mujeres y niños, pero el resultado acaba siendo tan convencional como insustancial.

Nuevas canciones de los autores de El gran showman, respetando un par de las originales de Paul Smith y Frank Churchill, la inevitable Heigh Ho y Whistle While You Work (Silbando al trabajar), jalonan esta película absolutamente coyuntural que se adhiere al resto de adaptaciones del cuento que se han llevado a cabo desde que empezó el milenio, la desvergonzada Mirror Mirror protagonizada por Lily Collins y Julia Roberts, la más activista y batalladora de Kristen Stewart y Charlize Theron y la fantasía muda y en blanco y negro de Macarena García y Maribel Verdú. También Gal Gadot rivaliza con las hermosas reinas aludidas, mientras Rachel Zegler (West Side Story) ofrece su morena tez a una princesa cuyo nombre derivaba de la palidez de su rostro. En el camino, las inevitables y un tanto hipócritas consignas del poder en el pueblo, la lucha por la libertad y la igualdad, y todas esas necesarias campañas que a la hora de la verdad tan poco reflejo encuentran en la política estadounidense que no cesa en su empeño de blanquear su reputación.

Al menos no hay príncipe azul, sustituido por una suerte de apuesto Robin Hood. Como curiosidad, aunque se ha prescindido en el diseño del castillo del referente segoviano que sirvió al original de 1937, ha sido precisamente en esa localidad española donde esta película recibió su primicia el pasado 12 de este mes, quizás como desagravio o sólo como detalle melancólico.

DEL REVÉS 2 Las emociones que nos definen

Título original: Inside Out 2
USA 2024 96 min.
Dirección Kelsey Mann Guion Kelsey Mann, Meg LaFauve y Dave Holstein Música Andrea Datzman Voces (en versión original) Amy Poehler, Maya Hawke, Kensington Tallman, Liza Lapira, Tony Hale, Lewis Black, Phyllis Smith, Ayo Edebiri, Lilimar, Grace Lu, Sumayyah Nuriddin-Green, Adèle Exarchopoulos, Diane Lane, Kyle MacLachlan, Paul Walter Hauser, Ron Funches, James Austin Johnson, Yvette Nicole Brown Estreno en Estados Unidos 14 junio 2024; en España 19 junio 2024

Casi una década después del éxito de Inside Out (traducción literal: Desde dentro), surge su inevitable secuela. En la ficción ha pasado menos tiempo y la protagonista sufre la transición de la pubertad a la adolescencia, con nuevas emociones y otro pretexto para psicoanalizar al ser humano desde la perspectiva más descaradamente occidental y neoliberal. Hemos pasado de la familia tradicional a los retos propios de una clase y una educación abocada al éxito, a la superación y a la competencia. Afortunadamente ésta surge en el ámbito del deporte, mientras el miedo al rechazo, la inseguridad y el cambio de amistades y de ambiente se convierten en el acicate para que la que fuera niña y ahora jovencita con acné y aparato en los dientes, acumule en su interior nuevas voces.

Así, la envidia, el aburrimiento (con aspecto de Juliette Greco y voz afrancesada de Adèle Exarchopoulos), la vergüenza y sobre todo la ansiedad, se suman a la alegría, la tristeza, el miedo, la ira y el asco que ya protagonizaban la anterior entrega. La meta seguirá siendo la búsqueda y consecución de la felicidad, esas bolas amarillas que acumula Alegría y que la convierten en auténtica preservadora del bienestar y la buena educación de la joven desorientada a la que el guion y la historia del debutante Kelsey Mann, a partir del original de Pete Docter a su vez inspirado sin duda en aquel episodio de Todo lo que usted quería saber… de Woody Allen, someten al psicoanálisis más riguroso y peliagudo.

De esta forma, aunque la sorpresa ya no abunda, sigue habiendo imaginación y creatividad, y una factura técnica que de tan perfecta, evidente sobre todo en los partidos de hockey sobre hielo, ya no merece ni atención. Por su parte, la compositora Andrea Datzman se adapta a las nuevas aventuras aprovechando al máximo los temas originales de Michael Giacchino para la anterior entrega.

ELEMENTAL Naturaleza viva

USA 2023 101 min.
Dirección Peter Sohn Guion John Hoberg, Kat Likkel y Brenda Hsueh Fotografía David Juan Bianchi y Jean-Claude Kalache Música Thomas Newman Voces (en versión original) Leah Lewis, Mamoudou Athie, Ronnie del Carmen, Shila Ommi, Wendi McLendon-Covey, Catherine O’Hara, Mason Wertheimer, Ronobir Lahiri Estreno en el Festival de Cannes 27 mayo 2023; en Estados Unidos 16 junio 2023; en España 14 julio 2023

Estrenada en Cannes en su sesión de clausura, la nueva cinta de Pixar no parece haber cuajado suficiente, y sin embargo nos encontramos ante una de sus propuestas más tiernas y conmovedoras, llena de matices y mensajes, tan recomendable para los más pequeños y pequeñas como para los y las adultas que tanto tienen todavía que aprender. Con apenas un cortometraje, Parcialmente nublado, y un largometraje con dinosaurio protagonista, El viaje de Arlo, como únicas credenciales siempre a las órdenes de Pixar, Peter Sohn, americano de ascendencia coreana, nos ofrece una fábula protagonizada por los elementos, tierra, aire, agua y fuego, centrándose en estos dos últimos, en principio tan opuestos y repelentes, y sin embargo llamados a entenderse y enamorarse.

Ambientada en una ciudad donde todos estos elementos conviven pero separados en guetos o secciones, y con una iconografía muy reconocible para quienes estén familiarizados con el universo de la productora, la cinta nos habla de inmigración, de refugiados, de diversidad y de salvaguardar nuestro medio ambiente y toda su riqueza con una lucidez y una ternura fuera de lo común, generando una experiencia tan amable como conmovedora. Cabe reprocharle no cuidar sus secundarios como lo hacen otras producciones del género, pero enamorarse de Nilo y Candela (Wade y Ember en la versión original) se convierte en una opción fácil e irresistible, mientras sus constantes giros de guion nos aportan la frescura y la diversión que una película así exige.

Así hasta llegar a una de sus propuestas más encantadoras y originales, dejar a un lado la familia tradicional y abogar por la independencia, la singularidad y la capacidad para desligarse de ella y echar a volar. Sólo el ingenio de esta inmarchitable factoría puede lograr de manera tan atractiva y conceptual englobar tantos y válidos mensajes sin aturrullar ni resultar insufrible. Se presenta junto al corto La cita de Carl, que recupera al protagonista de Up y su fiel y viejo perro cuando el primero se prepara para una cita romántica con una vieja amiga. Un film dirigido por Bob Peterson, que también pone voz (interior) al perro, mientras a Carl lo dobla el veterano Edward Asner, tan amable en su concepto como en su resolución.

LA SIRENITA Con el cuento a otra parte

Título original: The Little Mermaid
USA 2023 135 min.
Dirección Rob Marshall Guion David Magee, según la película de Ron Clements y John Musker basada en el cuento de Hans Christian Andersen Fotografía Dion Beebe Música Alan Menken Intérpretes Halle Bailey, Jonah Hauer-King, Javier Bardem, Melissa McCarthy, Daveed Diggs, Jacob Tremblay, Awkwafina, Noma Dumezweni, Art Malik, Jessica Alexander, Martina Laird Estreno en España y Estados Unidos 26 mayo 2023

Disney prosigue con su política de ambición sin límites, palpable en televisión, extendiendo la saga de La guerra de las galaxias hasta extremos extenuantes, y el cine, alargando los ciclos de superhéroes Marvel y repitiendo todos sus éxitos animados con la excusa de presentarlos ahora en imagen real. Una operación camuflada entre tanta infografía que resulta más indigesta y artificiosa que si se tratara de una auténtica traslación de los clásicos a la imagen de carne y hueso. La sirenita supuso a finales de los ochenta del pasado siglo la recuperación definitiva de una empresa que andaba algo perdida entre productos sin apenas repercusión mediática y comercial. Volver a los clásicos de una literatura infantil que ya empezaba a mostrarse obsoleta e inconveniente, supuso en cierto modo un regreso al estilo y la filosofía de la empresa, que no dejaría de encadenar éxito tras otro, primero mediante animación tradicional, más tarde, la mayoría de las ocasiones a través de su asociación con Pixar, por animación digital.

La experiencia de Rob Marshall en el musical (Chicago, Nine) y las aventuras caribeñas con la cuarta entrega de las aventuras de Jack Sparrow, además de su incursión en los cuentos infantiles clásicos de la mano de su adaptación de Into the Woods de Stephen Sondheim, le han colocado como responsable ideal para llevar a buen puerto esta nueva producción de Disney. Pero que la protagonista y la reina sean ahora de raza africana no parece novedad suficiente como para considerar actualizado el cuento de Andersen. El espíritu valiente y decidido de la protagonista ya aparecía en la cinta de Ron Clements y John Musker, mientras se mantienen conceptos tan vinculantes y adoctrinadores como la monarquía o la brujería, siempre asociada a una mujer malvada. Son estos rancios postulados los que hacen que sigamos utilizando por ejemplo terminología tan inapropiada como feudos o bastiones cuando hablamos de espacios conquistados por nuestros partidos políticos, olvidando que están a nuestro servicio, y que la ciudadanía no somos de su propiedad.

Mal por el contenido educativo de estos cuentos obsoletos cuya fórmula de actualización Disney ni encuentra ni le interesa hacerlo. En cuanto al apartado artístico y técnico, cabía esperar más espectáculo y un mejor diseño de producción, mientras su argumento resulta tan archiconocido que apenas logra interesarnos. Alan Menken reescribe su partitura original y añade nuevas canciones, ahora con letra del mimado de Broadway Lin-Manuel Miranda, ya que Howard Ashman falleció cuando escribía los versos de Aladdin en 1991. El encanto de Halle Bailey, que pronto estrenará la versión de El color púrpura que adapta el musical basado en la novela de Alice Walker y la película de Spielberg, el carisma de Javier Bardem y el desparpajo de Awkwafina no nos parecen razones suficientes para justificar este nuevo más de lo mismo al que tanto nos tiene acostumbrados y acostumbradas la industria norteamericana.

DESENCANTADA: VUELVE GISELLE El lado oscuro de una princesa Disney

Título original: Disenchanted
USA 2022 120 min.
Dirección Adam Shankman Guion Brigitte Hales, según la historia de J. David Stem, David N. Weiss y Richard LaGravenese basada en los personajes creados por Bill Kelly Fotografía Simon Duggan Música Alan Menken y Stephen Schwartz Intérpretes Amy Adams, Patrick Dempsey, Maya Rudolph, Gabriella Baldacchino, Idina Menzel, James Marsden, Yvette Nicole Brown, Jayma Mays, Kolton Stewart y las voces de Alan Tudyk y Griffin Newman Estreno en Disney+ 18 noviembre 2022

En 2007 la película Encantada supuso uno de los últimos coletazos de Disney en animación tradicional, aunque en este caso combinada con imagen real. El final definitivo de la técnica que les había llevado a lo más alto lo darían dos años después con La princesa y el sapo. Quince años después la insaciable empresa vuelve a la carga con esta secuela de las aventuras de Giselle, que deja de ser un dibujo animado residente en Andalasia para formar familia pija en Nueva York, donde se parte de la premisa de que aquello de …y vivieron felices no siempre se cumple.

No es que la pobre malviva, sufra maltrato o no llegue a fin de mes, simplemente se siente infeliz porque echa de menos su mundo de cuentos, magia y fantasía. Pretende encontrarlo en una pequeña ciudad de fábula en las afueras de la gran ciudad, pero competir con una vecina arpía y con su propia y desdichada hijastra adolescente, le obligan a manifestar un conjuro que lo convertirá todo en un mundo de color y fantasía, pero también de rivalidades, lucha de reinas y demostración de que una madrastra no siempre responde al concepto que de ella se tiene.

Adam Shankman, especializado en musicales como Hairspray, Rock of Ages o algunos episodios de la serie Glee, se encarga de dirigir con más oficio que pasión esta rocambolesca y barroca trama, más todavía con su opulenta y recargada puesta en escena y con un guion tan alucinógeno que casi podríamos tildar de esperpéntico, que sirve para rescatar este personaje de princesa Disney y destinarla directamente a la plataforma digital de la empresa. Mucho color, un suntuoso vestuario, muchos efectos visuales y la participación del elenco original salvo Susan Sarandon, apenas sirven para matar el tiempo una tarde de aburrimiento, mientras suenan las canciones de Menken y Schwartz, esta vez menos inspiradas que las del film precedente.

PINOCHO Metáfora de la diversidad

Título original: Pinocchio
USA 2022 105 min.
Dirección Robert Zemeckis Guion Chris Weitz y Robert Zemeckis, según la novela de Carlo Collodi Fotografía Don Burgess Música Alan Silvestri Intérpretes Tom Hanks, Cynthia Erivo, Luke Evans, Giuseppe Battiston, Kyanne Lamaya, Lewin Lloyd y las voces de Benjamin Evan Ainsworth, Joseph Gordon-Levitt, Lorraine Bracco, Keegan-Michael Key y Jaquita Ta’le Estreno en Disney+ 8 septiembre 2022

Es increíble cómo hay historias que los cineastas se empeñan en contarnos una y otra vez. Del clásico de Carlo Collodi, escrito en 1883, se han realizado innumerables adaptaciones, como si cada nuevo artífice decidiera decir la última palabra al respecto. La más reciente, estrenada hace apenas un par de temporadas, la firmaba Matteo Garrone y se erige como una de las más acertadas y fieles adaptaciones del cuento del niño de madera. Y pronto se estrenará otra nueva de animación digital a cargo de Guillermo del Toro. Mientras tanto Disney sigue con su empeño taquillero de recrear sus grandes clásicos, esta vez eligiendo como responsable al popular Robert Zemeckis.

Sin embargo, el director de Regreso al futuro y Forrest Gump hace tiempo que no cuenta con el favor del público y la crítica. Cayó en desgracia en el nuevo milenio, sin que se acierte siquiera a saber por qué. Sus películas han seguido fielmente su estilo, y algunas, como la última estrenada, Las brujas de Roald Dahl, estaban por encima de lo que se apreció de ellas. Quizás su estilo se haya tornado para las nuevas generaciones algo vetusto y alguien dirá que rancio, es lo que les ocurre generalmente a los veteranos, pero sigue siendo estimulante y estéticamente perfecto. Su Pinocho no es el de Collodi, sino el que Disney reinventó hace ahora ochenta y dos años. Pero el libreto, firmado por el propio Zemeckis y Chris Weitz, autor de American Pie, Un niño grande, La brújula dorada y Rogue One, introduce novedades destinadas a actualizar, a nuestro juicio con buen tino, el mito y su referente. En el camino se nota mucho cariño en la empresa, el compromiso de sus integrantes, incluido un Tom Hanks convincente como Gepetto y el trabajo extenuante de Joseph Gordon-Levitt poniendo voz a Pepito Grillo, así como una puesta en escena tan lúgubre como luminosa según corresponda.

Destacan secuencias tan brillantes como al del parque de atracciones, con un soberbio Luke Evans como maestro de ceremonias y un alarde de gran comedia musical de elevado ingenio, siempre manteniendo un estilo que evoca al cine familiar de los sesenta más que al de la década de los cuarenta en la que se estrenó el clásico, o nuestra época, más afín a lo vertiginoso y violento. Esa secuencia incluye una ingeniosa reflexión sobre el salvajismo de la condición humana, mientras su feliz desenlace aporta una nueva visión a la trama, íntimamente relacionada con la diferencia y la aceptación de lo distinto y original, que desarrolla muy bien y con mucha sencillez el tema de las capacidades diversas.

LIGHTYEAR Animación con alma, magia y fantasía

USA 2022 100 min.
Dirección Angus MacLane Guion Jason Headley, Angus MacLane y Matthew Aldrich Fotografía Jeremy Lasky e Ian Megibben Música Michael Giacchino Voces (en versión original) Chris Evans, Keke Palmer, Peter Sohn, Taika Waititi, Dale Souler, James Brolin, Udo Aduba, Mary McDonald-Lewis, Isiah Whitlock jr., Angus MacLane Estreno en Estados Unidos y España 17 junio 2022

Una empresa destinada a hacer taquilla a partir de un éxito del pasado, puede llevarse a cabo con total despreocupación y sin más interés que sacar partido a la idea, o se puede realizar poniendo todo el corazón, ofreciéndole un guion consistente y proporcionándole alma, eso que tanto escasea últimamente, especialmente en las películas de acción y aventura. Aunque a priori pudiera parecer que este era un vehículo destinado a aprovechar una vez más el tirón de Toy Story, el primer largometraje de Pixar y título que encumbró a sus creadores, John Lasseter, Peter Docter y Andrew Stanton, sorprende encontrarnos con una cinta tan bien elaborada, magnífica a nivel técnico y lo que es mejor, depurada a nivel expresivo y emocional. 

Para ello sus artífices, con Angus MacLane a la cabeza, curtido en la saga desde hace tiempo a fuerza de cortometrajes, han elaborado un cuidado guion, divertido a fuerza de continuos gags marca de la casa (Pixar, no Disney, que aquí se mantiene en un segundo plano), y estupendo a nivel dramático, proponiendo aventuras inquietantes, capaces de enganchar y entretener. Aquí hay magia y fantasía, que tantas veces echamos de menos, y sobre todo emoción. Seguro que nunca estuvo en el planteamiento de Lasseter y su equipo imaginar la historia de la que provenía el juguete Buzz Lightyear, compañero inseparable de Woody en las cuatro entregas de Toy Story. Pero cuela a la perfección que el muñeco fuera objeto del merchandising de una aventura galáctica cinematográfica en la línea de Star Wars, que es en definitiva, y como se anuncia al inicio de esta satisfactoria película, lo que constituye el film que nos ocupa.

No faltan personajes carismáticos, como el gato robot Sox, un auténtico descubrimiento, y valores en distintos campos, desde el trabajo en equipo a la diversidad y las familias alternativas, lo que le ha valido su censura en países retrógrados que impiden que la humanidad avance como sí lo hacen los habitantes de esta hermosa y divertida película, y del planeta en el que construyen su verdadero hogar. Y es que ya lo decía Burt Bacharach en su canción: una casa no es un hogar si no la habitan nuestros seres queridos.

FANTASÍA POR LA ROSS: BALLENAS EN EL CIELO

Fantasia Live in Concert. Concierto extraordinario de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Alfonso Casado, director. Programa: Fragmentos de las películas Disney Fantasía y Fantasía 2000, con música de Beethoven, Chaikovski, Stravinski, Debussy, Elgar, Ponchielli, Dukas, Respighi y Saint-Saëns. Teatro de la Maestranza, sábado 11 de junio de 2022

Foto: Marina Casanova

Hay muchas maneras de acercarse a la música clásica y dejarse embaucar por la inmensamente satisfactoria experiencia que deja su seducción y deleite. Algunos lo hicieron a partir de unas grabaciones que en su día se consideraron horteras, las de Louis Clark y la Royal Philharmonic a ritmo de discoteca, que llevaban por nombre Hooked on Classics, o antes de la mano de Waldo de los Ríos y sus adaptaciones sinfónicas al pop, entre ellas la mítica Canción de la alegría entonada por Miguel Ríos. Otros lo hicieron a través de la música de cine, que en los ochenta se retrotrajo a la tradición sinfónica vienesa de los pioneros de Hollywood. Hubo quienes la descubrieron gracias a la obra maestra que Disney produjo a principios de los cuarenta, Fantasía, de la que sesenta años después se estrenó su secuela Fantasía 2000. De ambas producciones se ha hecho una selección de hora y media para ser proyectada al son de los atriles de una orquesta sinfónica, en este caso la ROSS. Se trata de una práctica ampliamente difundida en las últimas décadas, y que ha sacado brillo a partituras de John Williams (E.T.) o Bernard Herrmann (Con la muerte en los talones, Vértigo), por poner algunos ejemplos. No es exactamente el caso de las películas mudas a las que la Sinfónica ha prestado voz antaño (La revoltosa, Carmen de Cecil B. de Mille) o más recientemente (El chico, Luces de la ciudad), tampoco el de este feliz experimento, sí por el contrario el que nos brindó el especialista Anthony Gabriele y la Orquesta Sinfónica Camera Musicae justo antes del confinamiento en el Auditorio de la Cartuja con Un americano en París, donde la banda sonora orquestal fue sustituida literalmente por la interpretada en perfecto estilo por la orquesta en directo.

Desconfiamos de la decisión de reducir este Fantasía en vivo a públicos infantiles o familiares. Lo sé por experiencia, que hace treinta años llevé a mi sobrino a ver la película al extinto Cine Rialto y acabamos en la calle antes de terminar ante la exasperación del niño y el público que tuvo la desgracia de aguantarlo. Nunca fue la película de 1940 concebida para estos espectadores, sino más bien una delicatesen para melómanos y amantes del arte y la cultura en general, por lo que hubiésemos quedado más satisfechos de haberse programado una tercera sesión enfocada solo a estos últimos, lo que de paso habría propiciado un mayor respeto por el impagable trabajo de los maestros y maestras de la orquesta, y la magnífica labor del incombustible y cada vez más y mejor acreditado director alcalareño Alfonso Casado. Bienvenida sea de todas formas cualquier iniciativa enfocada a incentivar el gusto por la gran música, y en estos dos films hay una buena, nutrida y variada selección de ella.

Stokowski y Levine recreados

Los arreglos que Leopold Stokowski hizo de cada pieza seleccionada para reducirla y adaptarla a las necesidades de animación, sonaron en la ROSS con una nitidez y una magnificencia al alcance solo de los conjuntos más consolidados. De ellos destacaron especialmente la Pastoral de Beethoven, ilustrada de forma harto melosa y con una estética muy del gusto machista de la época, pero que en los atriles de la orquesta brilló con entidad propia. Muy precisa y ajustada en tiempo y ritmo estuvo la selección del Cascanueces de Chaikovski, un derroche de imaginación al que Casado prestó un considerable talento para el colorido y la imaginación. También la Danza de las horas de la ópera La Gioconda de Ponchielli encontró en la Sinfónica una respuesta entusiasta y enérgica, mientras para El aprendiz de brujo de Dukas, la pieza más icónica de la colección, se reservó todo el ímpetu y la fuerza expresiva imaginable. La sorpresa llegó de la mano del Claro de luna de Debussy, un fragmento descartado en su día de la película y que encontró en la batuta y la orquesta una interpretación henchida de poética delicadeza. Echamos en falta la agresividad de la Noche en el Monte Pelado de Mussorgsky y la oportunidad de recrearse con los dinosaurios de La consagración de la primavera de Stravinski, así como esa memorable introducción al ritmo de Tocata y fuga de Bach que Stokowski hizo suya con su propia orquestación. En su lugar la experiencia vino prologada por el primer movimiento de la Quinta de Beethoven, correspondiente a la segunda de las películas homenajeadas. Atrás quedó la regrabación que Irwin Kostal hizo de la partitura para su reposición en los ochenta, y que no fue tomada en cuenta por la sabia batuta del reputado director sevillano.

El espectáculo sirvió también para revalorizar Fantasía 2000, una película que en su día pasó sin pena ni gloria y que la crítica despreció a la sombra de su ilustre precedente. Pudimos comprobar en esta ocasión la riqueza y colorido de su animación, pero también la belleza de las piezas elegidas, y sobre todo sus emocionantes mensajes ecologistas, tan presentes en el fragmento de Stravinski El pájaro de fuego y esa conmovedora regeneración de la tierra, sus valles y ríos tras la hecatombe producida por la lava de un volcán, y sobre todo el de Respighi, con esos Pinos de Roma evocando la grandeza de las criaturas del planeta y recordándonos que los hombres ni somos el centro del universo ni quienes más merecemos sus privilegios, sino más bien los mayores depredadores que lo habitan. Simplemente esas ballenas emergiendo de los mares helados del Ártico y elevándose en elegante marcha sobre los cielos, conmueve más que cualquier otro alegato ecologista al respecto. También aquí Casado acertó a recrear las orquestaciones de James Levine, entonces responsable de la Metropolitan Opera de Nueva York y caracterizado por su trazo más bien grueso y alejado de cualquier atisbo de delicadeza, lo que se hizo especialmente patente en la decibélica combinación de las marchas de Pompa y circunstancia de Elgar que ilustran un Arca de Noé protagonizado por el Pato Donald. Fuera quedaron episodios como esa Rapsodia en blue de Gershwin, quizás uno de los más logrados a nivel de animación de la cinta, o ese Soldadito de plomo que danza al ritmo del Concierto para piano nº 2 de Shostakovich, que en ambos casos hubieran requerido la intervención de un o una pianista con talante solista. Sí se salvó el final del Carnaval de los animales de Saint-Saëns, ofrecida como propina también ilustrada, tras la merecida ovación de un público con profusa participación de niños y niñas no todas de impecable comportamiento. De cualquier modo fue un concierto-película memorable y una nueva y a buen seguro gratificante experiencia para la plantilla de la orquesta. Por cierto, me volvió a acompañar mi sobrino, que esta vez disfrutó inmensamente.

Artículo publicado en El Correo de Andalucía

VIVO y ENCANTO Animación con un fuerte sabor latino

VIVO
USA 2021 95 min.
Dirección Kirk DeMicco y Brandon Jeffords Guion Quiara Alegria Hudes y Lin-Manuel Miranda Música Lin-Manuel Miranda Voces (en versión original) Lin-Manuel Miranda, Ynairaly Simo, Zoe Saldana, Juan de Marcos González, Michael Rooker, Brian Tyree Henry, Nicole Byer, Gloria Estefan Estreno en Netflix 6 agosto 2021

ENCANTO
USA 2021 99 min.
Dirección Jared Bush, Byron Howard y Charisse Castro Smith Guion Jared Bush, Charise Castro Smith, Byron Howard, Lin-Manuel Miranda, Jason Hand y Nancy Kruse Música Germaine Franco y Lin-Manuel Miranda Voces (en versión original) Stephanie Beatriz, María Cecilia Botero, John Leguizamo, Mauro Castillo, Jessica Darrow, Angie Cepeda, Carolina Gaitán, Diane Guerrero, Wilmer Valderrama, Rheny Feliz, Ravi Cabot-Conyers, Adassa, Maluma Estreno en Estados Unidos 24 noviembre 2021; en España 26 noviembre 2021

Norteamérica nunca ha dejado de mirar al sur del continente aunque sea con motivos estrictamente comerciales. Durante y después de la Segunda Guerra Mundial les interesaba como mercado y para estrechar lazos frente a la decrépita situación de la vieja Europa. En el cine eso se tradujo en suntuosos musicales de la Metro y la Fox que recreaban a su manera los exóticos y extravagantes paisajes sudamericanos, importando talentos latinos de uno y otro lado del charco como Carmen Miranda, Xavier Cugat, Dolores del Río o José Iturbi. También Disney sucumbió a los encantos de Copacabana y Acapulco en títulos como Saludos amigos o Los tres caballeros. La presencia cada vez más acuciante de lo latino en el cine norteamericano se debe ahora más bien a la proliferación de inmigrantes latinos en el país, lo que ha multiplicado la presencia del castellano en la vida rutinaria americana, y una impregnación cada vez mayor de la cultura latina en la autóctona norteamericana. Todo eso y el auge que el compositor Lin-Manuel Miranda está teniendo en Broadway y el cine, con éxitos como Hamilton y lanzado ahora también a la dirección de largometrajes con la recientemente estrenada en plataformas digitales Tick, Tick... Boom!, hace imprescindible la mirada de Hollywood al hemisferio sur del continente, que en la animación reciente se traduce en estas dos películas estrenadas este año, Vivo desde el pasado verano en Netflix y Encanto desde hace apenas un par de semanas en salas.

Ambas cuentan con el aval de las canciones de Miranda, divertidas y pegadizas en ambos casos, y con la complicidad de voces tan reputadas como la de Gloria Estefan en Vivo o Maluma, con menor protagonismo, en Encanto. Pero mientras ésta es un nuevo prodigio de técnica y descarga de adrenalina, con resultados estéticos y dinámicos espectaculares, la primera se presenta como propuesta mucho más humilde y sencilla, diríamos incluso básica. Sin embargo resulta más educativa y amable la producción de Sony que la de la tan a menudo impertinente Disney, que en la película de Jared Bush y Byron Howard, responsables de la oscarizada Zootrópolis, nos cuenta una historia ciertamente enrevesada, debatiéndose entre la individualidad y el trabajo en equipo, a la vez que insistiendo en la magia por encima de la estricta imaginación, y sin perder la ocasión para postular sobre de nuevo la familia y los roles, con el caciquismo sustituyendo a la monarquía, y la valentía femenina haciéndose oportunamente fuerte frente a la prepotencia masculina. Aciertos y desaciertos servidos con un sentido de la espectacularidad ciertamente potente aunque algo cansino debido a la saturación de imágenes y la vertiginosidad del ritmo.

Más simpática nos resulta Vivo, donde un oso de miel o kinkajú, de la familia de los mapaches aunque parezca un monito, se alía con una niña muy loca para viajar de Cuba a Miami y poder entregar a una diva exiliada de la canción con aspecto de Celia Cruz la canción-declaración de amor que le compuso su amado y feliz compañero del monito, un viejete músico con cierto parecido a Bebo Valdés. Apenas unos kilómetros de separación física y tantos de emocional que hacen de esta aventura una experiencia emotiva aún con sus limitaciones.

JUNGLE CRUISE La reina del Amazonas

USA 2021 127 min.
Dirección Jaume Collet-Serra Guion Glenn Ficarra, John Requa y Michael Green Fotografía Flavio Martínez Labiano Intérpretes Dwayne Johnson, Emily Blunt, Jack Whitehall, Jesse Plemons, Edgar Ramírez, Paul Giamatti, Dani Rovira, Quim Gutiérrez, Verónica Falcón Estreno en España y Estados Unidos 30 julio2 021

Basada en una atracción de uno de esos parques de la factoría Disney que pueblan el mundo, Jungle Cruise aspira a convertirse en un nuevo Piratas del Caribe, hacer caja y si todo funciona convertirse también en saga. Para eso la ambiciosa productora no duda en incluir detalles que aunque solo sea de forma coyuntural le ayuden a sacudirse el estigma reaccionario que le persigue, como una heroína digna de la mejor de las medallistas olímpicas, o un ambiguo personaje que tanto sirva para desarrollar situaciones cómicas como para generar un factor inclusivo que celebre la diversidad. Bienvenidos sean no obstante esos destellos de necesaria y conveniente modernidad, que le dan mayor lustre, atractivo e interés a una empresa que fundamentalmente recupera el espíritu más sano y distendido del cine clásico de aventuras.

Con una puesta en escena que maravilla desde el primer momento, incluido un impecable trabajo gráfico, el director catalán afincado en Hollywood Jaume Collet-Serra se reafirma como excelente artesano capaz de lidiar con cualquier empresa por difícil que sea. Después de una larga carrera dirigiendo fundamentalmente inquietantes y solventes thrillers a mayor gloria de Liam Neeson, con ribetes inconfundiblemente hitchcockianos, además de ofrecer otros impecables productos como Infierno azul o La huérfana, Collet-Serra se adentra en su primera experiencia épica con la soltura, el ingenio y el talento necesarios para llevarla a buen puerto. El retraso en estrenarse que están sufriendo muchas producciones a causa de la pandemia ha provocado que en menos de un mes Emily Blunt haya colocado tres películas en cartelera, Un lugar tranquilo 2, Una canción irlandesa y ahora esta que le brinda la oportunidad de demostrar que es una excelente actriz de comedia; oírla con su acento inglés original es una auténtica gozada, así como a Jack Whitehall, que interpreta su carismático hermano. Sin embargo chirría el peaje romántico obligada a pagar frente a un Dwayne Johnson al que el papel no obstante le encaja como un guante, recordando más a John Wayne que al Bogart que daba réplica a Katherine Hepburn en La reina de África, un clásico junto a las aventuras de Indiana Jones al que es inevitable referirse a la hora de analizar esta entretenida película.

La versión original resulta también fundamental para distinguir el castellano de Edgar Ramírez, que da vida al conquistador Aguirre, y sus fantasmagóricos secuaces Dani Rovira y un Quim Gutiérrez muy difícil de distinguir. Este túnel con el pasado se erige en el mcguffn de la función, ya que por una vez es una solución natural para curar terribles enfermedades, y no el oro, lo que provoca esta singular expedición claro está repleta de peligros y giros argumentales. Sin embargo, entre tanto ritmo y depurado entretenimiento, advertimos que su argumento no llega a enganchar lo que sería deseable, mientras su metraje se alarga demasiado en su tramo final, a pesar de lo cual no cabe duda de que supone la consagración definitiva de Collet-Serra como un realizador más que competente, capaz de cualquier empresa que se le ponga por delante.

VIUDA NEGRA Sin sentido ni sensibilidad

Título original: Black Widow
USA 2021 132 min.
Dirección Cate Shortland Guion Eric Pearson, Jack Schaeffer y Ned Benson, según el cómic de Don Heck, Stan Lee y Don Rico Fotografía Gabriel Beristain Música Lorne Balfe Intérpretes Scarlett Johansson, Florence Pugh, Rachel Weisz, David Harbour, O-T Fagbenle, Ray Winstone, William Hurt, Michelle Lee, Olga Kurylenko Estreno en España 8 julio 2021; en Estados Unidos 9 julio 2021

La pandemia nos libró de Marvel durante todo el 2020, pero Disney se ha puesto las pilas inmediatamente para agotarnos con tres series - Falcon y el Soldado de Invierno, Bruja Escarlata y Visión y Loki – y otros tres largometrajes, el primero de los cuales es esta Viuda Negra que recupera a una de los Vengadores que todavía no había disfrutado de su particular spin-off. Y no se lo pierdan, todavía tiene que llegar Eternals, dirigida por la flamante ganadora del Oscar Chloé Zhao (Nomadland), demostrando que una buena nómina seduce más que cualquier tipo de compromiso artístico e intelectual.

De nuevo una directora tras la cámara para intentar así dar al conjunto una visión con algo de sensibilidad femenina, pero lo cierto es que se repiten esquemas trillados en el universo machista que impera en general, e incluso se llega a prescindir de la sexualidad del personaje, convirtiéndolo en un híbrido absoluto. Como no podía ser menos, la cinta narra los orígenes de esta Viuda Negra, frutos de la eterna lucha entre el capitalismo y el comunismo con base en Cuba y raíces en la URSS, perversos y sádicos como no podían ser de otra manera. A partir de ahí la trama se desarrolla sin sentido, deambulando entre la comedia y el drama y salpicando escenarios realistas con situaciones delirantes, como esas persecuciones suicidas y criminales por las avenidas de Budapesh (no nos hemos equivocado, así la pronuncia la protagonista… quizás sea un forma de crear un universo paralelo en el que estos disparates encuentren base y fundamento).

Hace tiempo que Scarlett Johansson abandonó una carrera seria centrada en personajes con enjundia, para instalarse en la comodidad del cine autómata y teledirigido, y parece que Florence Pugh (Mujercitas, Lady Macbeth) vaya a seguir sus pasos. Estas dos hermanas no salen precisamente de la pluma de Jane Austen, que a su modo sí tenía cierta sensibilidad femenina aunque fuera de aquella época. Salen de Stan Lee, y no dudamos de que en papel tendrá su efectividad, pero trasladado a la pantalla resulta tan ridículo como inútil y prescindible, y larga hasta el tedio.

LUCA Emocionante canto a la diversidad y la Liguria italiana

USA 2021 95 min.
Dirección Enrico Casarosa Guion Jesse Andrews y Mike Jones, según una historia de Enrico Casarosa, Jesse Andrews y Simon Stephenson Música Dan Romer Voces (en versión original) Jacob Tremblay, Jack Dylan Grazer, Emma Berman, Saverio Raimondo, Maya Rudolph, Massimo Marcovaldo, Jim Gaffigan, Sacha Baron Cohen Estreno en España y Estados Unidos (internet) 18 junio 2021

Casi ochenta y cinco años separan esta de la primera producción Disney en formato largometraje, Blancanieves y los siete enanitos, y cuánto han cambiado lógicamente los conceptos y mensajes de la factoría, claro que en los últimos años con su feliz asociación con Pixar, el cambio ha sido más rápido y revolucionario. Donde habitaban princesas sumisas y príncipes azules y encantadores, brujas despiadadas y reyes bonachones, hoy lo hacen la diversidad y el respeto como mensajes muy positivos y convenientes para unos jóvenes que a la vista de cómo anda todo están todavía muy necesitados de una buena formación en valores y respeto.

En Luca el director genovés Enrico Casarosa afronta su primer largometraje como realizador, tras dirigir hace una década el corto La Luna e implicarse muy activamente en éxitos de la casa como Coco o Los increíbles 2. Casarosa pone su conocimiento y todo su cariño en retratar una Liguria luminosa y radiante - Portofino es el escenario inconfundible -, habitada por buena gente y una evidente alegría de vivir. En ella y a lo largo de un extraordinario verano, un chico descubre la amistad, que muchos han querido ver como el amor (homosexual), lo que también encaja perfectamente, y su propia identidad. Se trata de un supuesto monstruo marino que en realidad quiere ser humano y vivir como tal. Podemos entenderlo como fábula sobre la inmigración o sobre la identidad sexual o de género, o cualquier otro tipo de diversidad que exija respeto e integración, nunca la manida tolerancia que coloca a unos, los supuestos generosos, sobre otros, los aceptados.

Aunque sus postulados son considerablemente más humildes y menos ambiciosos que otras producciones de Pixar, Soul sin ir más lejos, Luca es en forma y contenido una emocionante y emotiva fábula sobre la vida, la juventud, el amor, la pasión por el conocimiento y la luz del Mediterráneo, todo combinado en un sensacional cóctel cuya emisión directa en plataformas digitales no acabamos de comprender, excepto en algunos países que han decidido acertadamente exhibirla primero en cines.

CRUELLA Espejito, espejito...

USA 2021 134 min.
Dirección Craig Gillespie Guion Dana Fox y Tony McNamara, según la historia de Aline Brosh McKenna, Kelly Marcel y Steve Zissis, a partir de la novela “101 dálmatas” de Dodie Smith Fotografía Nicolas Karakatsanis Música Nicholas Britell Intérpretes Emma Stone, Emma Thompson, Joel Fry, Paul Walter Hauser, John McCrea, Emily Beecham, Mark Strong, Kayvan Novak, Kirby Howell-Baptiste Estreno en Estados Unidos y España 28 mayo 2021

Pocos títulos le quedan ya a Disney para recrearlos en carne y hueso, así que dentro de poco va a tener que echar mano de la imaginación si quiere seguir, y seguro que quiere, engrosando sus dividendos. Ahora le toca el turno a 101 dálmatas, pero como este ya tuvo su remake con actores y actrices reales, una desafortunada producción de los noventa protagonizada por Glenn Close, había que hurgar en los orígenes de la malvada Cruella de Vil, de la misma forma que ya se hizo con Maléfica y otros villanos que ahora parecen no lo eran tanto, que tenían su corazoncito y sus razones para convertirse en súper villanos y villanas.

Para la ocasión se ha contado con un séquito de escritoras y escritores que combinan cintas como El diablo viste de Prada, Morning Glory, Venom, 50 sombras de Gray, La favorita y Al encuentro de Mr. Banks, todos representados de alguna u otra manera en este cocktail tan sofisticado y glamuroso como decididamente aparatoso. Para poner orden y más bien desconcierto se ha contado con Craig Gillespie, capaz de dirigir cintas competentes como Lars y una chica de verdad o Yo, Tonya como bodrios descomunales tipo Cuestión de pelotas o el remake de Noche de miedo. Esa abrumadora puesta en escena es junto a la flexibilidad de Emma Stone lo único que cabe destacar de esta indigesta y aburrida crónica de la desdichada infancia de Estella, su duelo a muerte con la malvada baronesa a la que da vida Emma Thompson con aires de madrasta de Blancanieves y Cenicienta y alguna que otra frase ingeniosa y sarcástica en el guion, y su conversión en reina del punk y vengativa Cruella. Ellas están bien y merecen la pena, también su fastuoso vestuario, pero detrás del envoltorio solo hay una operación archivista y manida, sin sorpresas ni ingenio, y con ese pesado metraje al que se somete toda producción que se pretende tenga cierto empaque.

El aluvión indiscriminado de canciones de la época, los setenta, contribuyen también a la sobredosis a la que se expone el sufrido o sufrida espectadora. Al menos es consecuente con nuestro tiempo y ningún animal sale mal parado, ni siquiera en la ficción, mientras los perritos de Estella y sus secuaces, que no los dálmatas del original, lucen graciosos, aunque en el proceso se haya echado mano de la infografía para salvar las lógicas limitaciones de su verdadera condición.

EL MAGNÍFICO IVÁN Una fábula recomendable

Título original: The One and Only Ivan
USA 2020 95 min.
Dirección Thea Sharrock Guion Mike White, según el libro de Katherine Applegate Fotografía Florian Ballhaus Música Craig Armstrong Intérpretes Bryan Cranston, Ariana Greenblatt, Ramón Rodríguez, Owain Arthur, Eleanor Matsuura y las voces de Sam Rockwell, Danny DeVito, Angelina Jolie, Brooklyn Prince, Phillipa Soo, Chaka Kahn, Ron Funches, Helen Mirren y Mike White Estreno en Disney Channel 21 agosto 2020; España 11 septiembre 2020

Si uno se acerca a esta película con los merecidos prejuicios que inspira Disney, sin saber nada de ella, lo que ya es difícil teniendo en cuenta la excesiva información que nos invade cada vez que se estrena una cinta - y esta además lleva ya un tiempo en plataformas digitales -, y sin saber que detrás de ella, en la producción, está la abanderada de las causas justas Angelina Jolie, la primera impresión causa estupefacción: ¡Una película de circo con animales que además son felices haciendo aquello para lo que han sido adiestrados! Encima, una segunda impresión, transcurrida una media hora, nos lleva a otra historia de príncipes destronados y egos por las nubes. Afortunadamente no son sino peldaños para llegar a la genuina intención del film, denunciar que existan animales en cautividad y ensalzar la generosidad y la solidaridad para lograr metas legítimas y respetables.

Con las dosis justas de sentimentalismo y una impecable combinación de imagen real y animación digital, la directora británica Thea Sharrock (Antes de ti y la serie de televisión La corona vacía) nos lleva de la mano por una fábula contemporánea, con personajes firmes y bien definidos y un encanto general más que acertado y agradable. Por si fuera poco, aunque hay niña protagonista, Ariana Greenblatt, estos días haciendo doblete con De amor y monstruos,  ¡milagro! no resulta pedante ni empalagosa, al menos no demasiado.

Un irrepetible elenco de voces invitadas, dando vida a un entrañable conjunto de animalitos, el gorila del título (Rockwell), el perro Bob (DeVito), las elefantas Stella (Jolie) y Ruby (Prince), la gallina Henrietta (Kahn), la perrita Snickers (Mirren), la loro Thelma (Soo), el conejo Murphy (Funches) y la foca Frankie (el autor del guion Mike White, que también se reserva un cameo como conductor pasmado) acaban por redondear un producto amable, recomendable para toda la familia y disfrutable por cualquiera dispuesto o dispuesta a dejarse seducir por la historia de Katherine Applegate en que se basa y los personajes que la pueblan, y encima sin malos retorcidos ni evidentes, sino simples antagonistas con ideas equivocadas pero capaces de reflexionar y rectificar. Otra preciosa balada de Diane Warren, mil veces nominada al Oscar y este año con muchas posibilidades de ganarlo por La vida por delante, redondea el producto.

RAYA Y EL ÚLTIMO DRAGÓN Entretenida y constructiva

Título original: Raya and the Last Dragon
USA 2021 114 min.
Dirección Don Hall, Carlos López Estrada, Paul Briggs y John Ripa Guion Qui Nguyen, Adele Lim, Kiel Murray y Dean Wellins Música James Newton Howard Voces (en versión original) Kelly Marie Tran, Awkwafina, Izaac Wang, Gemma Chan, Daniel Dae Kim, Benedict Wong, Jona Xiao, Sandra Oh, Alan Tudyk Estreno en España y Estados Unidos 5 marzo 2021

Hemos llegado a la paradoja de que mientras joyas de la incombustible y voraz Disney como Soul se estrenan en plataformas digitales, otros productos menos ambiciosos llegan a las salas de cine. Es lo que le ha ocurrido a este cuento de corte oriental que no por ello merece desdén alguno. Muy por el contrario, nos encontramos ante un film insólito por ser el primero en rodarse en pleno confinamiento y, según rezan sus títulos de crédito finales, mediante la colaboración de todos y cada uno y una de sus responsables trabajando on line desde casa. Es decir, que hasta para hacer una película, y buena, se puede teletrabajar y de paso descongestionar el planeta y facilitar la vida laboral y familiar de las personas.

Pero Raya no destaca solo por eso sino por mostrar con una caligrafía sencilla y entendible por todos, especialmente los más pequeños, su constructiva historia sobre solidaridad entre pueblos, búsqueda de la reconciliación y trabajo conjunto por lograr una paz imperecedera. A la vez su protagonista se revela como mujer decidida, luchadora, independiente y guerrera sin que tengamos que asistir a ningún proceso previo de emancipación, como ocurría hace veinte años con Mulan. Se agradece también que no haya ningún príncipe, y es más, que la relación con la supuesta villana sea lo suficientemente ambigua como para albergar algún tipo de sexualidad diversa, todavía inédita en este tipo de producciones.

Lástima que percibamos en esta ocasión un menos esmerado cuidado por el diseño de personajes, algunos de los cuales parecen a menudo toscos y de animación algo burda. Pero incluso esto se compensa con un diseño artístico espectacular y unas luchas acrobáticas como nunca antes habíamos visto en una cinta de estas características. Podemos, en definitiva, recomendar dejarse llevar por las buenas intenciones, las novedades conceptuales y el diseño espectacular de esta nueva entrega de la infinita productora norteamericana.

HAMILTON Padre de la patria con alma de negro

USA 2020 160 min.
Dirección Thomas Kail Guion Lin-Manuel Miranda, inspirado en el libro de Ron Chernow Fotografía Declan Quinn Música Lin-Manuel Miranda Coreografía Andy Blankenbuehler Intérpretes Lin-Manuel Miranda, Phillipa Soo, Leslie Odom jr., Daveed Diggs, Christopher Jackson, Renée Elise Goldsberry, Jonathan Groff, Anthony Ramos, Jasmine Cephas Jones, Okieriete Onaodowan, Sidney James Harcourt Estreno en Disney Channel 3 julio 2020

Lo que Disney no consiga, hasta colar como película lo que no es sino la filmación de un espectáculo enteramente teatral, eso sí de forma esmerada y minuciosa y con un considerable trabajo de montaje que le da la agilidad, viveza y energía que uno es capaz de experimentar en la sala del Richard Rodgers donde se grabó en 2016. Quizás esto no sea más que un guiño a ese Broadway que permanece en letargo desde que se expandió la pandemia por todo el planeta, acercándonos a los hogares el que es sin duda su espectáculo más emblemático y revolucionario desde que se estrenó en 2015.

A las riendas de la producción está Thomas Kail, responsable del montaje teatral y creador de la serie de televisión Fosse/Verdon, sobre el matrimonio formado por estas dos grandes leyendas de Broadway. Pero el auténtico artífice y alma de la función es Lin-Manuel Miranda, que con ésta y sus aportaciones a las películas Disney se ha convertido en la personalidad más influyente del famoso barrio del entretenimiento neoyorquino. Él ha transformado la historia de uno de los fundadores de la patria estadounidense en un espectáculo multicultural que reivindica la libertad, la igualdad entre los hombres, las razas y los géneros, y articula un espejo entre las gestas y las miserias de entonces y las de ahora, con la ambición, la corrupción y los escándalos sexuales como temas recurrentes. Imprescindible conocer algo la historia de Alexander Hamilton antes de enfrentarse a esta larga puesta en escena de música continua y fluido constante de palabra, fatigosa en su combinación de rap, hip hop, pop, rock, jazz y musical clásico, con el que Miranda demuestra un talento extremo, tanto como el del resto del elenco, que actúa, canta y baila siguiendo el esquema clásico del teatro griego, coro incluido, a niveles excepcionales durante las dos y media largas horas que dura la función.

Mucho talento y rostro negro, latino y mestizo para dar vida a personajes que fueron blancos, una moda que se ha extendido al cine en títulos como Érase una vez... y la última adaptación de David Copperfield, aunque algunos ya reivindicaran a finales del siglo XVIII el final de la esclavitud y la participación africana en la construcción del país. Su muerte en duelo a manos de su amigo y luego rival político Aaron Burr, propiciado por las convicciones morales y religiosas de Hamilton que le hicieron entonar el famoso Despreciaré mi tiro, da pie a Miranda para convertir en leit motiv a lo largo de toda la función la frase No desperdiciaré mi oportunidad (shot tiene esa doble acepción en inglés). La experiencia puede resultar inmersiva, puede que hasta fatigante, pero no ha lugar a considerarlo cine si no hacemos lo mismo con multitud de prestigiosas producciones operísticas que desde hace tiempo, antes de la pandemia, invaden las salas de cine.

SOUL Prodigio de animación, música, comedia y drama

USA 2020 100 min.
Dirección Pete Docter y Kemp Powers Guion Pete Docter, Mike Jones y Kemp Powers Música Trent Reznor, Atticus Ross y Jonathan Batiste Voces (en versión original) Jamie Foxx, Tina Fey, Graham Norton, Rachel House, Alice Braga, Richard Ayoade, Phylicia Rashad, Donnell Rawlings, Questlove, Angela Bassett, Cora Champommier, Margo Hall, Daveed Diggs Estreno en el Festival de Londres 11 octubre 2020; en España y estados Unidos (internet) 25 diciembre 2020

Cuesta entender a veces cuáles son los criterios para en estos tiempos de restricciones estrenar en salas o hacerlo directamente en internet. Precisamente ahora que los exhibidores esperan como agua de mayo películas que llenen sus instalaciones, cintas como ésta, lo último de Pixar en un año en el que tanto nos ha conmovido y sorprendido Onward, son seguramente las más indicadas para aliviar la penosa situación por la que están atravesando las salas de cine, y sin embargo sus responsables han preferido destinarla directamente a la plataforma que Disney tiene en internet.

Un veterano, Pete Docter, curtido en películas como Monstruos, Up y Del revés, se ha asociado con un novato, posiblemente el alma del proyecto, Kemp Powers, para ofrecernos el último prodigio de la productora de animación, una vez más en colaboración con la omnipresente y omnipotente Disney. El título juega con un doble sentido, por un lado se trata de una cinta ambientada en el mundo del jazz y el soul, por otro trata con considerable profundidad el concepto del alma, eso que nos diferencia a unos seres humanos de otros, configura nuestra personalidad y condiciona nuestros sueños, deseos y aspiraciones. Este doble marco dramático y argumental da lugar también a un doble tratamiento formal, una combinación portentosa de estilos de animación que nos lleva del hiperrealismo neoyorquino a la síntesis abstracta de una dimensión más allá de nuestra propia existencia, que da juego incluso para diseñar algunos personajes al más genuino estilo picassiano.

Soul tiene seguramente el arranque más devastador que jamás hayamos experimentado en una película de animación. A partir de ahí su desarrollo, aunque salpicado de humor y personajes entrañables, deviene un tratado filosófico de primer orden, si bien para ello eche mano de elementos anclados en una tradición fundamentalmente religiosa en la que paisajes como el Más Allá y el Infierno parecen perpetuar un esquema demasiado rancio para los tiempos que corren. Sin embargo la estrategia sirve para de forma sencilla exponer cuestiones que tanto nos preocupan a los seres humanos, especialmente los que gozamos de ese estado del bienestar que nos permite experimentar sensaciones como la frustración o la depresión.

Prodigiosa en el diseño de personajes, en su elaboradísima animación, creación de espacios y tratamiento dramático tanto como su mensaje psicoanalítico, Soul es probablemente una de las mejores películas, más ingeniosas y sesudas de Pixar y una gozada que ni siquiera llega a jugar con la tan temible sensiblería. Pero además es un estímulo para los y las amantes del jazz, para lo que cuenta con los sensacionales arreglos de Jonathan Batiste, que se une a la vanguardista y etérea partitura original de Trent Reznor y Atticus Ross. Sin olvidar que en su impecable tratamiento la cinta cuida también muchísimo los roles de género, apostando con notable sentido del talento y el ingenio por la igualdad en todas sus vertientes.