LA LUZ QUE IMAGINAMOS Vidas soñadas de mujer

Título original: All We Imagine as Light
India-Francia-Países Bajos-Luxemburgo-Suiza-USA 2024 118 min.
Guion y dirección Payal Kapadia Fotografía Ranabir Das Música Dhritiman Das y Topshe Intérpretes Kani Kusruti, Divya Prabha, Chhaya Kadam, Hridhu Haroon, Azees Nedumangad, Anand Sami Babel Estreno en el Festival de Cannes 23 mayo 2024; en Francia 2 octubre 2024; en India 22 noviembre 2024; en España 1 enero 2025

Ya en su anterior y primer largometraje, el documental Una noche sin saber nada, la joven directora india Payal Kapadia analizaba el papel de la nueva mujer india, estudiante y enamorada, en una sociedad tan anclada en el pasado como la de su país. Gracias al apoyo de la industria francesa, sin la cual parece que muchas de estas cinematografías marginales no tendrían salida más allá de sus propias industrias anquilosadas y centradas en el puro entretenimiento sin atisbo de crítica política o social, surgen pequeñas joyas como ésta. Kapadia fija su atención en dos mujeres de ciudad, enfermeras que comparten piso y viven su amor y su sensualidad de forma muy diferente. La mayor, abnegada al rol que le ha tocado vivir, casada por arreglo parental, con un esposo al que apenas conoce y que vive su vida en el extranjero. Más rebelde, dispuesta a dar forma a su amor incondicional por un musulmán, la más joven. Ambas representan a un sector de la humanidad invisible y perdido en la vorágine de la ciudad, que sueña con una vida mejor, más afín a sus sentimientos y anhelos, mientras imaginan en la luz que irradia, por ejemplo, de la pantalla de un cine, una vida más acorde a sus aspiraciones.

Una luz que apenas fluye en la vorágine de un Mumbai colapsado, atravesado por largas líneas de metro e inundada de puestos callejeros e historias anónimas. Todo lo cual se traduce en luz cuando, motivadas por la mudanza de una tercera mujer que representa la especulación inmobiliaria y la inmigración interior, poniendo énfasis en la modernidad capitalista frente al conservadurismo antropológico, las dos protagonistas viajan a una localidad costera. Allí todo es luz, los ritmos y las formas se relajan, y emerge la poesía incipiente en la ciudad, de la que se hace eco un sensible médico que corteja a la mayor de nuestras heroínas. Ahora se hace más patente, mientras un toque de realismo mágico acaba por encender la llama de una vida quizás posible si despejamos los obstáculos de la ecuación y dejamos de considerar los sueños como una utopía.

Kapadia, con ayuda de las expresivas interpretaciones de sus protagonistas, y la estimulante música que acompaña unas imágenes que nos retrotraen a la mejor tradición exótica y sensual del país asiático y sus cuentos tradicionales, maneja con maestría todos sus recursos y nos regala una experiencia sensorial única, justamente reconocida con el Gran Premio del Festival de Cannes y dos nominaciones a los Globos de Oro, a la mejor película de habla no inglesa y a la mejor dirección.

HERETIC (HEREJE) Escape-Room de la Fe

USA 2024 110 min.
Guion y dirección Scott Beck y Bryan Woods Fotografía Chung Chung-hoon Música Chris Bacon Intérpretes Hugh Grant, Sophie Thatcher, Chloe East, Topher Grace, Elle Young Estreno en el Festival de Toronto 8 septiembre 2024; en Estados Unidos 8 noviembre 2024; en España 1 enero 2025

Aunque han dirigido algo juntos, si por algo han cosechado fama Scott Beck y Bryan Woods es por haber escrito el guion de la, hasta el momento, trilogía Un lugar tranquilo. Y un ejercicio de guion podemos considerar esta película cuyo principal reclamo es el cambio de registro que supone para un Hugh Grant tan amenazante como inquietante, por mucho que los Globos de Oro no parezcan haberse hecho eco del mismo, nominándolo como mejor actor de comedia o musical, a pesar de tratarse de un thriller psicológico y de terror sin concesiones. Dos jóvenes mormonas cuales inocentes Caperucitas, o si lo prefieren como Hansel y Gretel, se adentran en la guarida del infierno mientras aceptan inconscientemente entregarse a un diabólico juego sobre la religión y la fe, su oportunidad, su manipulación y la falta de razones para confiar en ella.

Siguiendo los pasos de clásicos como La huella o La trampa de la muerte, pero insistimos sin atisbo de comedia, los tres protagonistas en un solo escenario, una casa solariega con formas laberínticas, cual moderno escape-room, juegan a este enredo teológico, donde el protagonista, especialista en la materia, pretende demostrar sus teorías a fuerza de someter a sus pupilas a un sufrimiento psicológico que deriva en terror merced a tópicos tan recurrentes como los sótanos o la oscuridad. Perderse entre un intenso juego dialéctico resulta fácil, aunque en el fondo todo acabe siendo mucho más sencillo y pueril de lo que su abundante texto parezca sugerir.

Tanto Grant como sus dos jóvenes oponentes bordan sus cometidos y logran, con ayuda del guion y la siniestra fotografía del habitual de Park Chan-wook, Chung Chung-hoon, generar inquietud, intriga e interés con una historia que acaba decepcionándonos cuando al final opta por ser más complaciente y conservadora de lo deseable.

QUEER El amor es la droga

Italia-USA 2024 135 min.
Dirección Luca Guadagnino Guion Justin Kuritzkes, según la novela de William S. Burroughs Fotografía Sayombhu Mukdeeprom Música Trent Reznor y Atticus Ross Intérpretes Daniel Craig, Drew Starkey, Jason Schwartzman, Lesley Manville, Drew Droege, Omar Apollo Estreno en el Festival de Venecia 3 septiembre 2024; en Estados Unidos 13 diciembre 2024; en España 1 enero 2025

En sólo un año, Guadagnino ha colocado dos películas en la cartelera y ha suscitado la atención de crítica, público y premios. Vuelve a confiar en el debutante guionista de Rivales para adaptar una de las tan difíciles novelas de William S. Burroughs, que a pesar de ello ha sido llevado a la pantalla en al menos otras dos ocasiones, El almuerzo desnudo de David Cronenberg y Drugstore Cowboy de Gus Van Sant. Queer es, si no la última, una de sus últimas creaciones, coincidiendo con las otras en la proliferación de drogas, alcohol y sexo, constantes en la creación literaria de la Generación Beat, formada por escritores contestatarios estadounidenses de la década de los cincuenta del pasado siglo. Coincide Queer con El almuerzo desnudo no sólo en su representación de secuencias de carácter onírico, sino también en la elección de protagonista, algo seguramente inconsciente, Daniel Craig ahora, Peter Robocop Weller entonces, de parecidos físicos considerables.

Craig, por su parte, retoma uno de los papeles que le hicieron notable a finales de los noventa, cuando interpretó al amante de un torturado Francis Bacon en El amor es el demonio. Las tornas se han cambiado y ahora es él el atormentado creador, en su caso escritor, que cae en las redes del amor imposible y redentor cuando conoce a un joven apolíneo en su exilio mejicano, repudiado de Estados Unidos por su condición de heroinómano. La época y el lugar influyen para que el joven se pavonee y seduzca a discreción sin asumir abiertamente su condición homosexual, lo que le lleva a no considerar una relación firme y seria, y sumerja al protagonista en una vorágine de adicción y perdición que le lleva a adentrarse en el misterio de la jungla para buscar el elixir que le permita fundirse con su amante, en una de las escenas más empedernidamente románticas jamás vistas, impulsada por una cuidada coreografía a la que los cuerpos sensuales de Craig y Drew Starkey se prestan con absoluto deleite.

Ayuda a mantener toda esta atmósfera soñada e irreal una puesta en escena deliberadamente artificiosa, a fuerza de maquetas, decorados, trasparencias e infografía, y de una colorista y muy estilizada fotografía del internacional Sayombhu Mukdeeprom, descubierto en el cine de Apichatpong Weerasethakul (Tío Boonmee recuerda sus vidas pasadas, Memoria) y catapultado con las películas del portugués Miguel Gomes (Las mil y una noches, Grand Tour) y los estadounidenses Ron Howard (13 vidas) y M. Night Shyamalan (La trampa). Por su parte, Daniel Craig borda su papel, lo que le ha valido entrar en las quinielas de premios del año, tanto como lo hace su compañero de reparto e incluso un engordado Jason Schwartzman. Aunque cabe preguntarse si Craig no está igual de bien en cualquiera de sus incursiones jamesbondianas, especialmente en Skyfall, y todo esto de los premios y reconocimientos no responda más que a otro cliché.

EQUIPAJE DE MANO Variación sobre un tema conocido

Título original: Carry-On
USA 2024 119 min.
Dirección Jaume Collet-Serra Guion T.J. Fixman y Michael Green Fotografía Lyle Vincent Música Lorne Balfe Intérpretes Taron Egerton, Jason Bateman, Sofia Carson, Danielle Deadwyler, Theo Rossi, Logan Marshall-Green, Dean Norris, Sinqua Walls, Tonatiuh Estreno en Netflix 13 diciembre 2024

Tras coquetear con éxito con el cine de gran presupuesto en Jungle Cruise y Black Adam, el catalán Jaume Collet-Serra vuelve al género que mejor conoce y en el que parece encontrarse más cómodo, el thriller adrenalítico, con ésta su primera incursión en el imaginario Netflix. Diez éxitos consecutivos en veinte años de carrera en Hollywood, que culminan a sus cincuenta años con este sencillo y eficaz título en el que se combina el terrorismo internacional con el cine de conspiraciones en un ejercicio narrativo quizás lleno de convenciones, traducidas en su mayoría en un uso de los tiempos algo caprichoso, pero que cumple expectativas y nos embauca con ese personal estilo visual y dramático que hace de su filmografía un conjunto absolutamente coherente y convincente.

Taron Egerton, conocido por sus papeles en Kingsman: Servicio secreto y Rocketman, donde interpretaba a Elton John, imprime energía y convicción a su personaje de agente de seguridad aeroportuaria, mientras Jason Bateman nos sorprende con un papel que se sale de su registro habitual, en un juego del gato y el ratón, pinganillo mediante, que sumerge a los sufridos pasajeros del Aeropuerto de Los Ángeles en plena Nochebuena en una pesadilla con la que, a otro nivel, nos es fácil identificarnos cuando viajamos a menudo y nos sentimos rehenes de las cada vez más numerosas medidas de seguridad que tanto afectan a nuestra paciencia y sensatez.

Sin pedirle mucho a cambio, Carry-On nos proporciona dos horas de sano entretenimiento, realizada con pericia y un sentido impecable de la profesionalidad y buen conocimiento del medio. Quizás no se trate sino de una variación sobre un tema y un desarrollo archiconocido, pero con nuevas armas e ingredientes, y con la gracia suficiente como parecer nuevo. Su título original está bien traducido aquí por Equipaje de mano, aunque pierda ese doble sentido que tanto gusta el thriller estadounidense, en este caso en referencia a sobrellevar una carga, la que soporta un protagonista obligado a un silencio similar, aunque en un contexto completamente distinto, al que Hitchcock sometía a Montgomery Clift en Yo confieso.

BETTER MAN El deslumbrante último mono

USA-Reino Unido-Francia-Australia-China 2024 131 min.
Dirección Michael Gracey Guion Oliver Cole, Simon Gleeson y Michael Gracey Fotografía Erik Wilson Música Batu Sener Intérpretes Robbie Williams, Jonno Davies, Damon Herriman, Alison Steadman, Kate Mulvany, Steve Pemberton, Frazer Hadfield, Raechelle Banno, Jake Simmance Estreno en el Festival de Toronto 9 septiembre 2024; en Reino Unido 26 diciembre 2024; en España 1 enero 2025

El director australiano Michael Gracey combina su particular mirada estética, cultivada en su anterior largometraje de ficción, El gran showman, con su experiencia en la música pop, centrada en videoclips y documentales como el que dedicó a Pink, para ponerse a las órdenes del artista Robbie Williams y articular un biopic más personal en lo estético que en lo estrictamente narrativo. Aunque todo su entramado dramático parece fruto del talento del propio homenajeado, y éste no disimula el narcisismo que le ha hecho célebre, procura reírse de sí mismo a la vez que echa mano de todos los tópicos y lugares comunes en este tipo de producciones.

Así, encontramos al pobre artista rico abusado por managers y casas discográficas, y menospreciado por conjuntos musicales, Take That en su caso. También al joven traumatizado y marcado por el abandono familiar del padre, con quien mantendrá una relación autodestructiva, difícil e igualmente traumática. Y a quien se siente incapaz de amar en su justa medida, malogrando las posibilidades de una vida sentimental y familiar satisfactoria, mientras su rabia le llevará también a enemistarse con quienes le acompañaron desde la infancia, aunque siempre manteniendo un estrecho vínculo con una abuela visionaria y cariñosa. Muchos lugares habituales en este tipo de producciones redentoras, si bien en este caso cabe reconocer considerables logros en diferentes aspectos. Williams en ningún momento muestra su verdadero físico, sino que se parapeta tras la imagen de un mono generado por ordenador, que mimetiza sus gestos y los del actor Jonno Davies, con quien comparte protagonismo, en un alarde de originalidad que parece justificarse en el carácter primitivo de quien intenta denostadamente convertirse en ese hombre mejor del título. Gracey, por su parte, demuestra su talento y pericia en unos números musicales espectaculares, en especial el que protagonizan los dobles de la famosa boys band y un numeroso cuerpo de baile en la londinense Regent Street al son de Rock DJ, o su baile a dos en la borda de un yate de lujo donde las piruetas y torbellinos se nos antojan excesivos.

Como excesiva es una puesta en escena y una planificación visual que a menudo impide disfrutar de las esmeradas coreografías, quizás una mala influencia del universo del paisano Baz Luhrman. Con todo, Better Man se puede considerar un espectáculo entretenido y, como tantas veces se repite en el guion, deslumbrante, a pesar de lo muy en serio que a la postre se toma a sí mismo el icónico artista, por mucho que quiera disimularlo con su particular humor primate.