HANGAR ROJO En caída libre

Chile-Alemania-Italia 2026 81 min.
Dirección Juan Pablo Sallato Guion Luis Emilio Guzmán Fotografía Diego Pequeño Música Alberto Micheli y Matteo Marrella Intérpretes Nicolás Zarate, Boris Quercia, Marcial Tagle, Catalina Stuardo, Aron Herenández, Renzo Fioretti, Taiu Braver Iosovich Estreno en el Festival de Berlín 13 febrero 2026; en España 8 mayo 2026

Nuestro país es el primero que saluda la vida comercial de una película que supone el debut en el largometraje de su director, Juan Pablo Sallato, con dos documentales y una serie de televisión a sus espaldas, y que ya fue reconocida en el Festival de Málaga con cuatro importantes premios, a su protagonista y al montaje, así como los del público y la crítica, tras estrenarse oficialmente un mes antes en el de Berlín. Hangar rojo ofrece una disección precisa y dura de aquel infame 11 de septiembre de 1973, cuando un golpe de estado militar acabó con el gobierno democrático de Salvador Allende. Una cinta que llega en el momento justo, cuando precisamente la democracia vive sus momentos más perversos y pervertidos, convirtiéndose paradójicamente en trampolín para el regreso de estos regímenes represores, negadores de derechos y realidades diversas, populistas y macarras. Se deja ver en su escueto y calculado desarrollo la injerencia estadounidense en unos episodios con los que avanzaron la cruzada anticomunista emprendida por el país de las supuestas libertades tras esa Segunda Guerra Mundial que tanto poder y popularidad les reportó, y que ojalá hubieran aprovechado en otra dirección mucho más moderada y humanista. Y se deja ver ahora también esa perversión democrática, perpetrada ahora a través del aparato publicitario que supone el cine, la televisión y los modos de vida imitados por un mundo en el que cada vez más se deja entrever la estulticia generalizada.

Con estos parámetros, Hangar rojo se revela como otro ejemplo necesario de advertencia y concienciación que, lamentablemente, sólo llega a quienes ya estamos advertidos y concienciados, pues poca utilidad tiene si no alcanza a ese público mayoritario emborregado y palomitero. Su discreta distribución lo demuestra, a pesar de los galardones y parabienes recibidos. Nuestro protagonista es un aviador militar que confiesa sentir una libertad absoluta cuando experimenta la caída libre que le proporciona el paracaidismo, pero que en el infernal día que le toca vivir, sólo puede experimentar otro tipo de caída libre, la de haber sido un día salvador del presidente chileno de un atentado, y sentirse obligado ahora a colaborar a regañadientes con un golpe que no comparte, y que tendrá sus consecuencias, relatadas en los títulos de crédito finales.

Un blanco y negro austero, una cámara pegada al protagonista y una puesta en escena precisa y contundente, potencian la escalada de asfixiante tensión que se va apoderando del público, al que por otro lado se le ahorran los horrores insoportables que se denotan del uso del sonido y el fondo desenfocado. Sólo cabe reprocharle algún desliz en el relato, fundamentalmente en detalles que bien podrían haberse pasado por alto. No podemos dejar de lado el excelente trabajo expresivo y gestual del pragmático e hierático protagonista, incluso del más caricaturesco pero necesario superior jerárquico, esa permanente amenaza para quienes disienten de su diabólica misión.

ELOY DE LA IGLESIA, ADICTO AL CINE Retrato poliédrico de un artista singular en una España gris

España 2025 99 min.
Dirección Gaizka Urresti Guion Gaizka Urresti, Moisés Garrido y Juan Barrero Fotografía Pepe Añón Documental Estreno en el Festival de San Sebastián 24 septiembre 2025; en salas limitadas 25 diciembre 2025; en Movistar Plus+ 17 enero 2026

Con una nominación al Goya bajo el brazo, aterriza en una plataforma digital, tras un breve y limitado paso por salas de cine, este documental dirigido por Gaizka Urresti. Tras realizar sendos documentales sobre Labordeta y esa Terapia de pareja que reunió a Rozalén y Marwán, Urresti analiza la controvertida figura del cineasta que acuñó como nadie aquello del cine quinqui de la transición política española. Pero su filmografía es mucho más variada, siempre desde el atrevimiento y la valentía, mientras su vida sufrió las consecuencias de la adicción a la droga y una homosexualidad vivida todo lo libre y abierta que se podía en una época de tanta duda y contradicción. La película recorre, con más hechuras de televisión que méritos propiamente cinematográficos, su carrera, desde Fantasía 3 y Algo amargo en la boca a su despedida con Los novios búlgaros, pasando por iconos de nuestro cine como La semana del asesino, La criatura, Los placeres ocultos, El diputado, Navajeros, Colegas y El pico. Un recorrido que se antoja algo insuficiente, al dejar de lado otros títulos emblemáticos de su cine como El techo de cristal, La otra alcoba o Miedo a salir de noche.

Un retrato poliédrico en un momento cumbre de nuestra historia reciente, aderezado con retazos de su vida, especialmente lo que tiene que ver con su propia drogadicción o su convulsa relación sentimental con el actor José Luis Manzano. Se echa en falta algo más de profundidad en un análisis que no llega a reflejar la verdadera dimensión de un cine hoy reivindicado, y que llevó a algunos a tildar al cineasta del Pasolini o Fassbinder español, toda una contradicción si tenemos en cuenta que su cine era eminentemente comercial y taquillero, mientras el que cultivaban estos cineastas europeos entraba más en el denominado cine de autor minoritario. No cabe duda, sin embargo, de que hay similitudes entre los tres cineastas, sobre todo en su afán de desnudar tabúes s hipocresías.

El recurso a testimonios de estudiosos y allegados, como José Sacristán, Fernando Guillén Cuervo, Valentín Paredes, Ángel Pardo, Pedro Olea, José Luis Garci, María Luisa San José, Claudia Gravy, Fernando Méndez-Leite, Diego Galán o el crítico Luis E. Parés, se alterna con imágenes de archivo, fundamentalmente entrevistas en televisión al propio Eloy de la Iglesia, e imágenes de documental y de su filmografía, entre la que también destaca su particular revisión del clásico de Henry James Otra vuelta de tuerca, siempre desde una óptica queer. Un film por lo tanto indispensable para entender una época, los estertores del franquismo, los últimos coletazos de la censura y los primeros pasos de una democracia incierta y ávida de libertad y color.

8 Conmovedor romance a la sombra de una autocracia

España 2025 126 min.
Guion y dirección Julio Medem Fotografía Rafael Reparaz Música Lucas Vidal Intérpretes Ana Rujas, Javier Rey, Álvaro Morte, Tamar Novas, Loreto Mauleón, Carla Díaz, María Isasi, Oriol Riera, Asier Burguete, Jordi Catalán, Javier Morgade Estreno en el Festival de Málaga 16 marzo 2025; en salas 21 marzo 2025; en Movistar Plus+ 22 julio 2025

Podríamos aceptar que el cine de Julio Medem haya perdido la popularidad de antaño. Pero de ahí a fracasar tan estrepitosamente con su último trabajo va un trecho, eso sí, estrenado de manera harto desganada y desapareciendo de la cartelera de forma inmediata. La hemos rescatado ahora que se ha estrenado en una plataforma digital para comprobar que su cine no ha perdido ni la fuerza ni el interés que tantos le han adjudicado. Muy al contrario, nos hemos dejado subyugar por este precioso drama romántico con el que el cineasta repasa el mapa histórico político del país en los últimos noventa años. Parte para ello de un famoso poema de Machado, popularizado aún más por Serrat, Españolito. En él dice Una de las dos Españas ha de helarte el corazón, y a partir de ahí Medem echa mano de toda su inventiva estética y narrativa para convencernos de forma eficaz que es posible que dos almas gemelas se encuentren y desencuentren a lo largo de ocho citas durante tanto tiempo, echando mano frecuentemente de la mera casualidad.

Almas gemelas en su devenir, paralelas en sus experiencias, pero antagónicas en sus herencias y casi en sus convicciones políticas, dando buena muestra de esas dos Españas a las que aludía el poeta. Pero no nos engañemos, no se trata sólo de este país, en realidad el planeta entero sufre esta penosa dualidad que nos mantiene tan enfrentados y separados. Es un problema de autocracia, de señores que se erigen en jefes absolutos, haciendo y deshaciendo a su antojo, con el sólo límite ocasional de las directrices que marcan los mercados, en el fondo verdaderos artífices del orden social, político y económico mundial. Y en eso Franco repite los códigos no ya de un Hitler o un Pinochet, sino de los Netanyahus, Putins o Trumps que tanto nos atormentan.

En ese espacio marcan sus vivencias, diferencias y afinidades los dos amantes de un film que invita a la reflexión y nos sumerge en una insoportable tristeza, muy a pesar de esa supuesta ingenuidad que tantos se han apresurado en achacarle. Medem repite aquí sus particulares tics estéticos, con movimientos de cámara imposibles, cambios de formato y color, y una puesta en escena impoluta e impecable, su personal manera de hacer poesía, muy diferente a la de Machado pero tan fiel a su instinto y estilo. Eso, junto a la fascinante presencia de Ana Rujas y el valioso plantel de actores y actrices que rodean a la pareja protagonista, hacen que sobren las razones para dejarse seducir por esta película tan hermosa como irresistible y particularmente dolorosa. Insiste con ella en su actual querencia por las películas río, ya presente en su anterior trabajo, El árbol de la sangre.

ESTOCOLMO 1520. EL REY TIRANO Guerreras, coronas y malvados

Título original: Stockholm Bloodbath
Suecia-Dinamarca 2023 145 min.
Dirección Mikael Hafström Guion Nora Landsrod y Erlend Loe Fotografía Pär M. Ekberg Música Steffen Thum Intérpretes Sophie Cookson, Claes Bang, Alba August, Emily Beecham, Mikkel Boe Folsgaard, Jakob Oftebro, Ulrich Thomsen, Thomas Chaanhing, Wilf Scolding, Adam Pálsson, Kate Ashfield Estreno en Suecia y Dinamarca 18 enero 2024; en España 16 mayo 2025

Mikael Hafström alterna sus películas suecas con las estadounidenses. Antes de realizar esta película, su producción más ambiciosa hasta el momento, trabajó con Clive Owen y Jennifer Aniston en Sin control, con John Cusack en 1408 y Shanghai, con Anthony Hopkins en El rito y con Stallone y Schwarzenegger en Plan de escape. Sorprende las malas críticas que ha cosechado este fresco histórico sui generis, realizado a la manera de Guy Ritchie pero con más gracia y mucho más desparpajo. Es como si nos enseñaran Historia de forma muy amena y divertida. Ya desde el principio, con unos rótulos que evidencian su voluntad rompedora y contemporánea, se avisa que la mayoría de lo narrado es real, luego cabe introducir personajes y licencias variadas, como el hecho de que sus protagonistas sean mujeres aguerridas, fuertes y decididas, ya sean las dos hermanas que buscan venganza, o la reina que lucha por su país, a quien presta físico una divertida y sarcástica Emily Beecham, presente también en la siguiente película de Hafström, de nuevo en Hollywood, Destino: Titán.

Rodada en inglés, con intérpretes británicos y daneses en su mayoría, la película narra en dos horas y media (reducida a dos en su estreno español) el sangriento episodio protagonizado por el Rey Cristián el Tirano de Dinamarca en el asedio a la capital sueca en su afán de reunificar los países escandinavos. Un episodio que el director sueco convierte en una enérgica y movidita cinta de acción y aventuras con un toque de comedia, imprescindible para que toda la violencia y la sangre derramada resulte menos perturbadora y más digerible. También hay hueco para los momentos de tensión tratados con sentido del drama y la intriga.

Una puesta en escena suntuosa, estupendos efectos visuales, una esmerada banda sonora y un elenco a la altura de la precisión que exhibe el conjunto, logran que la cinta se disfrute a un nivel al menos superficial. Si embargo, cabe también hacerle una lectura política, sobre cómo la historia nos hace olvidar antiguas rencillas, cómo las religiones nacieron para controlarnos y se siguen justificando guerras y atrocidades en nombre de un supuesto Dios, el que sea. También sobre cómo el ansia de poder, la ambición desmedida y el deseo de ocupar territorios sigue siendo hoy, seiscientos años después, una motivación frecuente para quienes desprecian la Historia y la humanidad y el planeta en general.

BONHOEFFER, EL ESPÍA Resistencia clerical

Título original: Bonhoeffer: Pastor, Spy, Assassin
Irlanda-Bélgica-USA 2024 132 min.
Guion y dirección Todd Komarnicki Fotografía John Mathieson Música Antonio Pinto y Gabriel Ferreira Intérpretes Jonas Dessler, August Diehl, Flula Borg, Moritz Bleibtreu, Nadine Heidenreich, David Jonsson, Phileas Heyblom, James Flynn Estreno en Estados Unidos 22 noviembre 2024; en Irlanda 6 diciembre 2024; en España 16 mayo 2025

El cine rescata con frecuencia personajes notables de la Historia, especialmente de cara a quienes no cultivamos ciertas disciplinas, como la teología o el ideario pacifista luterano, como es el caso. Dietrich Bonhoeffer fue un destacado teólogo y sacerdote, que dejó un generoso legado en torno a su particular ideario religioso y político, y que ejerció una fuerte y extremadamente valiente oposición la nazismo antes y durante la Segunda Guerra Mundial, especialmente en relación a la deportación y aniquilación sistemática de judíos. Todd Komarnicki apenas se destaca como guionista de Sully de Clint Eastwood. Otros trabajos suyos son Seduciendo a un extraño, con Halle Berry y Bruce Willis, y Entre la razón y la locura, con Mel Gibson y Sean Penn, mientras sólo hace veinte años con Resistencia, ambientada en la Segunda Guerra Mundial y protagonizada por Julia Ormond y Bill Paxton, y ahora, se ha encargado de la dirección. Su estilo es aseado y academicista, casi más propio de un trabajo para la televisión. Tampoco es que haya contado con un presupuesto demasiado holgado para llevar a cabo el periplo existencial de este héroe de la Resistencia.

Echando mano del flashback, la narración arranca cuando es un niño repelente y algo fantasioso, se salta su formación en Berlín y Barcelona, y pasa directamente a su experiencia en Nueva York, donde entra por primera vez en contacto con un pueblo marginado, el de los afroamericanos, y ocupa el grueso en su lucha contra el nazismo desde postulados eminentemente pacifistas, actuando incluso como espía al servicio del Reino Unido. Por eso, lo del asesino del título original no encaja, por cuanto el único crimen que podría achacársele, y si podemos considerarlo así, es haber participado en la Operación Valquiria, con la que se intentó matar a Hitler, si bien esto no está demostrado.

Con una caligrafía sencilla y una galería de personajes bastante amplia, el film se estrena en un momento muy oportuno, justo cuando nos han torpedeado durante días con la muerte y sucesión del Papa Francisco, y el empeño generalizado de considerarlo progresista y fuertemente implicado en causas sociales. Quizás para demostrar que la Iglesia, aunque en este caso sea la protestante, también se preocupa por los marginados y avasallados, llega esta película que casi podríamos encajarla en esa ola de cintas dedicadas a santos y gestas religiosas que tanto proliferan desde hace ya un buen puñado de años, otro síntoma del auge reaccionario y extremista que nos invade y que se traduce en episodios tan dramáticos como la reciente participación y casi triunfo de un Estado genocida como Israel en Eurovisión. Precisamente, en los títulos finales del film se hace hincapié en la oleada de antisemitismo que asola el Mundo, quizás confundiendo ese sentimiento con una reacción sana y necesaria ante la barbarie que el país está llevando a cabo sobre el indefenso pueblo palestino, con el único fin de expandir territorio y genera mayor riqueza propia.

Y lo hacen justamente quienes sufrieron el genocidio nazi, y sin que nadie de la misma religión o condición de la comunidad internacional con capacidad de influencia exhiba su opinión al respecto, refiriéndonos en el campo estrictamente cinematográfico a los Spielberg, Streisand o Allen que tanto nos han hecho disfrutar y tanto nos decepcionan ahora en términos humanitarios y sentimentales. Aunque la mayoría de los intérpretes son alemanes, se expresan en inglés con un fuerte acento nativo, una práctica muy frecuente en las coproducciones en las que participa Estados Unidos. Como curiosidad para quienes amamos la Música, Bonhoeffer tuvo mucha relación con grandes clásicos, desde Liszt y Clara Schumann, que fueron profesores de piano de su abuela, hasta el compositor Erno y el director Christoph von Dohnányi, padre e hijo respectivamente de Hans Dohnányi, amigo y colaborador en estas gestas anti hitlerianas, y esposo de Christine, una de las hermanas del biografiado, y por extensión madre del famoso director de orquesta.

LA ÚLTIMA REINA Feminismo en la corte de Enrique VIII

Título original: Firebrand
Reino Unido-USA 2023 120 min.
Dirección Karim Aïnouz Guion Henrietta y Jessica Ashworth, según la novela de Elizabeth Fermantle Fotografía Hélène Louvart Música Dickon Hinchliffe Intérpretes Alicia Vikander, Jude Law, Eddie Marsan, Sam Riley, Simon Russell Beale, Ruby Bentall, Erin Doherty, Junia Rees, Bryony Hannah Estreno en el Festival de Cannes 21 mayo 2023; en Reino Unido 6 septiembre 2024; en España 21 febrero 2025

En el cine y la televisión nos hemos acostumbrado a saber más de Enrique VIII a través de la historia de cada una de sus seis esposas que de la suya propia. Así ocurría en La vida privada de Enrique VIII en 1933, Ana de los mil días en 1969 o la serie Enrique y sus seis esposas en 1972. Catalina Parr ha aparecido, además de en algunas de las mencionadas, en La reina virgen, interpretada por Deborah Kerr, y en Los Tudor. Ahora es el brasileño Karim Aïnouz quien se encarga de llevar a la pantalla su historia enmarcada en su matrimonio con el cruel rey, según la novela de Elizabeth Fremantle, que se permite varias licencias en el proceso, principalmente dar al conjunto un aire decisivamente feminista, y fabular con el posible final del infame monarca.

Da la sensación, sin embargo, de que debe resultar mucho más interesante lo escrito en la novela que su plasmación cinematográfica, que para el caso se conforma con un híbrido entre lo clásico y convencional y lo más contemporáneo y atrevido, sin llegar ni mucho menos a la estética de Los Tudor ni al universo vanguardista empleado por Justin Kurzel en sus incursiones históricas. Pero es en lo puramente dramático y narrativo donde la función no alcanza a interesar un mínimo admisible, convirtiendo la propuesta en una indigesta y algo aburrida crónica que repasa las simpatías de la reina por el protestantismo, a través de su amistad con la mártir Anne Askew, sus devaneos románticos con Thomas Seymour (Sam Riley) o la persecución a la que fue sometida por presunta herejía por el Obispo de Winchester, Stephen Gardner (Simon Russell Beale), sin que ninguna de estas afrentas le pasara factura, como sí lo hicieron cuestiones de similar calado con sus trágicas predecesoras.

Quizás haber ahondado en esta curiosa facilidad con la que sorteó tantos peligros, hubiese resultado en una película más inquietante y fascinante de lo que finalmente puede considerarse. Destaca sin embargo la esforzada interpretación de Jude Law, a priori improbable candidato a dar vida al orondo rey, y que sin embargo sale bastante airoso del reto, incluidos los dolorosos episodios provocados por la herida en un muslo que arrastró desde 1536, y que pudo provocar, junto a una posible sífilis, su deceso. Alicia Vikander recrea sin embargo una Catalina Parr bastante plana y demasiado comedida, lejos de esa rebeldía o provocación que apunta el título original de la cinta, puede que en consonancia con la visión templada que como referente feminista se pretenda dar de su personaje. Todo lo demás, en la línea de las producciones históricas, con buen vestuario, bellas localizaciones, cuidados encuadres fotográficos y una convincente banda sonora.

THE APPRENTICE. LA HISTORIA DE TRUMP Un retrato ambiguo

Título original: The Apprentice
Canadá- Dinamarca-Irlanda-USA 2024 120 min.
Dirección Ali Abbasi Guion Gabriel Sherman Fotografía Kasper Tuxem Música Martin Dirkov Intérpretes Sebastian Stan, Jeremy Strong, Maria Bakalova, Martin Donovan, Catherine McNally, Charlie Carrick, Ben Sullivan, Mark Rendall Estreno en el Festival de Cannes 20 mayo 2024; en Estados Unidos 11 octubre 2024; en España 18 octubre 2024

Aprovechando la toma de posesión hoy del más infame de cuantos presidentes ha tenido Estados Unidos, Donald Trump, recuperamos este biopic que se estrenó de forma bastante discreta en octubre pasado. Entre las credenciales de su director, el iraní Ali Abbasi, figuran Border bajo bandera sueca y Holy Spider, bajo la danesa, mientras el autor del guion, Gabriel Sherman, se acredita como una de las voces que más y mejor conoce el universo del magnate inmobiliario y empresarial y dos veces presidente de la que conocemos como nación más poderosa del mundo. Este cruce de talentos debía producir una más que estimable película y así podemos confirmarlo.

Bajo una espléndida puesta en escena que reproduce con absoluta fidelidad, incluso en las texturas, las décadas de los setenta y ochenta del siglo pasado en las que se ambienta su trama, Sherman y Abbasi se centran en el proceso de perversión que sufre el icónico personaje cuando su destino, influido por la inflexible y persistente figura paterna, se cruza con el de Roy Cohn, importante abogado de la época capaz de combinar ambición, poder y perversión para lograr, incluso valiéndose de procedimientos deliberadamente corruptos, los más importantes cambios económicos y políticos en el país. Así, pasamos de un joven empresario ambicioso pero con atisbos de sensibilidad, a un tiburón de los negocios falto de escrúpulos y anticipo de los crímenes que le han llevado en los últimos años a frecuentar unos tribunales que no han podido frenar su regreso inexplicable a la Casa Blanca y con ello el temor de todo el planeta a un revulsivo que nos haga volver atrás unas cuantas décadas.

El ascenso de uno y la caída del otro, fundamentalmente por contraer el sida y sufrir con eso el insensible desprecio de su aprendiz, protagonizan un film en el que destaca la mimética interpretación, unida a una excelente caracterización, de Sebastian Stan, quien con este trabajo y el Globo de Oro obtenido por A Different Man, rubrica su año más glorioso. Cabe destacar también el trabajo de Jeremy Strong como Cohn y de Maria Bakalova como Ivana Trump. Quizás se eche en falta un mayor énfasis en el desarrollo de los episodios narrados, y menos ambigüedad en el retrato del personaje, que no termina de salir del todo mal parado, pero constituye en general un trabajo de buen cine, que mira a clásicos de la época que recrea, como Brian De Palma o Francis Coppola.

MARCO Lo que de verdad importa

España 2024 101 min.
Dirección Aitor Arregi y Jon Garaño Guion Aitor Arregi, Jon Garaño, José Mari Goenaga y Jorge Gil Munárriz Fotografía Javier Agirre Erauso Música Aránzazu Calleja Intérpretes Eduard Fernández, Nathalie Poza, Chani Martín, Sonia Almarcha, Fermí Reixach, Vicente Vergara, Jordi Rico, Jùlia Molins Estreno en el Festival de Venecia 30 agosto 2024; en salas 8 noviembre 2024

El estreno en 2009 del documental Ich bin Enric Marco, siguiendo las pesquisas del historiador Benito Bermejo y el escritor Javier Cercas, no pareció plasmar una imagen pluridimensional del controvertido personaje de Enric Marco Batlle, famoso impostor de principios de este siglo que estuvo al frente de la Asociación Española de Supervivientes de los Campos de Concentración Nazis, a pesar de que mintió al asegurar que fue prisionero en el de Flossenburg. Los directores de Loreak, Handia, La trinchera infinita y Balenciaga parecen encontrar en la historia los relatos que les interesan llevar a la pantalla, y en esta ocasión aciertan logrando esa visión plural que tanto el personaje como su historia demandaban. Porque aparte de ser un impostor y un egocéntrico personaje mediático, no cabe duda de que dentro de la mentira, seguramente innecesaria pero decididamente notoria, Marco logró dar visibilidad y divulgación a estos supervivientes a los que el régimen de Franco negó y marginó.

Logró que Zapatero fuera el primer presidente de la democracia española, el más decente y comprometido, en dar a estas víctimas del nazismo el reconocimiento que merecían. Los directores vascos logran dotar a Marco de esa pluridimensionalidad que los medios no lograron en un momento en el que al sensacionalismo siempre imperante sólo interesaba la carnaza y la polémica. No es que el personaje magistralmente interpretado por Eduard Fernández (atención también al excelente trabajo de maquillaje) quede impune en el libreto, pero al menos logra captar esa ambigüedad que le convierte en narcisista egocéntrico pero también en luchador por causas justas y fundamentales, aunque no fueran exactamente las suyas.

El magnífico trabajo de todos y todas sus intérpretes, la sobriedad en su puesta en escena, una escritura precisa y contenida... logran un film apasionante, digno de reflexión aunque sea como nota al pie de página de la imprescindible memoria histórica que tanto cuesta ejercitarse en este nuestro país. Puede que Arregi y Garaño hayan logrado así un trabajo importante, y seguramente el más eficiente desde aquel memorable debut en Flores (Loreak). A título exclusivamente personal me gustaría reseñar que el libro en el que Marco descubre los horrores de los campos de concentración nazi, Deportación, es el mismo en el que lo hice yo de niño. Se encontraba en la biblioteca de mi padre.

MEGALÓPOLIS La caída de la República Americana

Título original: Megalopolis
USA 2024 138 min.
Guion y dirección Francis Ford Coppola Fotografía Mihai Malaimare jr. Música Osvaldo Golijov Intérpretes Adam Driver, Giancarlo Esposito, Nathalie Emmanuel, Aubrey Plaza, Shia LaBeouf, Jon Voight, Laurence Fishburne, Dustin Hoffman, Talia Shire, Jason Schwartzman, Kathryn Hunter, Grace VanderWaal, Chloe Finneman, James Remar, D.B. Sweeney Estreno en el Festival de Cannes 16 mayo 2024; en Estados Unidos y España 27 septiembre 2024

Hace tiempo que la última película de Coppola, considerada su testamento cinematográfico, dejó de provocar expectación, desde que se estrenó en Cannes y rápidamente fue defenestrada por la crítica. Llega ahora con todo ese aluvión de nefastas crónicas que la han convertido en un fracaso antes de llegar al gran público, y eso a pesar de haberse estrenado en gran número de salas. Coppola sabe de sobra lo que es un gran fracaso. Recuperarse de Corazonada le llevó un par de décadas y asumir una serie de proyectos tan poco personales como Peggy Sue se casó, Jack o Legítima defensa, quizás su última película estimable hasta la fecha. Entre esta adaptación de John Grisham a la que ahora nos ocupa, Coppola apenas dirigió tres largometrajes, el último, Twixt, hace más de una década. Pero a diferencia de Corazonada, que contó con el favor unánime de la crítica y solo fracasó en taquilla, y a falta de ver qué ocurre con ésta entre el público, Megalópolis nos llega ya como un rotundo fracaso y un descomunal disparate perpetrado por el idolatrado responsable de El padrino y Apocalipsis Now, quién sabe si títulos sobrevalorados, el tiempo lo dirá, aunque ya lleva mucho corroborándolo. Ese mismo tiempo determinará si esta innegable obra compleja y elaboradísima, alcanzará también algún día el olimpo de las obras maestras, aunque mucho nos tememos no será así.

Dicen que Coppola empezó a erigir este mega proyecto inmediatamente después de rodar Corazonada, aunque nosotros preferimos el título original, One from the Heart. Pero con la ruina absoluta de su empresa productora, Zoetrope, tuvo que apearse del proyecto hasta que unos años después comenzó a rodarla con intérpretes distintos de los que ahora aparecen en pantalla. Hasta treinta horas llegó a rodar para finalmente tener que abandonar el sueño y el metraje. Un sueño ahora recuperado y hecho realidad con esta mastodóntica película en la que cobran mucha relevancia los mismos logros digitales que ensayó con el musical del 82, aunque ahora han quedado manifiestamente anticuados e incluso parcialmente obsoletos, de forma que apunta a un largo videoclip añejo mezclado con película de súper héroes de bajo presupuesto, y a pesar de ello luce relativamente grandiosa en pantalla. No cabe duda de que en su película Coppola plasma la sempiterna lucha entre progreso y conservadurismo, también trasladable al mundo de la creación artística, como bien se han hecho eco a lo largo de la historia del cine multitud de títulos de referencia. Pero hay también mucho de profético declive del imperio estadounidense, comparándolo con la Antigua Roma, y más expresamente con esa República en la que destacaron César, Craso, Catilina y otros cuyos nombres sirven para identificar los personajes de esta crónica distópica de la actualidad, la eterna amenaza del fascismo y la utópica lucha por construir un mundo mejor, todo ello ambientado en un Nueva York rebautizado como aquella antigua pastelería sevillana, Nova Roma.

Por el camino parece que Coppola quisiera emular a Sorrentino, y a su vez a su mentor Fellini, para una vez recreadas bacanales, circos y ceremonias, centrarse en aquello por lo que hace tiempo fue destacado cineasta, las intrigas, traiciones y disputas familiares de El padrino. Pero nada de todo esto consigue traspasar la pantalla y llegar a interesarnos lo suficiente, y vaya si el director y su numeroso equipo se empeñan en ello, con un diseño de producción fastuoso a pesar del abuso del croma y otros efectos deliberadamente digitales, así como un elenco artístico de primer orden aunque muchos de sus intérpretes apenas tengan relevancia en la trama general. Un argumento que protagoniza Adam Driver, un joven romántico, idealista y emprendedor, creativo y revolucionario, a su vez arrogante y engreído, a quien se opondrá en todos los ámbitos, sentimentales, políticos y profesionales, el poder dominante de un alcalde al que da vida Giancarlo Esposito, pero que contará con la complicidad de una influencer interpretada por Nathalie Emmanuel y de un anciano y poderoso empresario al que presta su imagen un deteriorado Jon Voight, y la envidia y persecución de un pariente aficionado al travestismo, un trabajo sobreactuado de Shia LaBeouf. Todo con cierta tendencia a combinar nuevos lenguajes y texturas con otros recursos más anticuados, como la estimulante banda sonora de Osvaldo Golijov, colaborador habitual de Coppola en sus últimos trabajos.

NAPOLEÓN El estratega enamorado

Título original: Napoleon
USA-Reino Unido 2023 158 min.
Dirección Ridley Scott Guion David Scarpa Fotografía Dariusz Wolski Música Martin Phipps Intérpretes Joaquin Phoenix, Vanessa Kirby, Tahar Rahim, Rupert Everett, Edouard Philipponnat, Miles Jupp, Ian McNeice, Ben Miles, Matthew Needham, Youssef Kerkour, Phil Cornwell, Ludivine Sagnier Estreno en Estados Unidos y Reino Unido 22 noviembre 2023; en España 24 noviembre 2023

Suele suceder que cuando una película muy esperada viene precedida de críticas poco galantes, nos acercamos a ella con una conducta más complaciente y generosa y no la vemos tan mal. Es cierto que la visión que Ridley Scott da a sus casi noventa años del emperador francés es bastante plana y superficial, apenas enfocada en algunos episodios a plasmar su talento para la estrategia bélica, y en muchos otros a destacar su talante romántico sumergido en un romance eterno con Josefina. La figura del mítico mandatario ha sido llevada al cine muchas veces, pero de forma directa y biográfica que sea capaz de cubrir un amplio espectro de su vida, desde sus primeras victorias en Tolón, Egipto, Italia o contra la sublevación realista de 1795, hasta su retiro forzoso a la isla de Santa Elena después de haber ya probado el exilio en la isla de Elba, sólo la legendaria película de Abel Gance, uno de los últimos coletazos épicos del cine mudo, lo había abordado. Otras cintas trataron episodios aislados de su vida, ya fueran bélicos como Guerra y paz, Waterloo o Austerlitz, en relación a algunas de sus batallas más memorables y que conforman los momentos más espectaculares de la cinta de Scott, o sus episodios románticos como Desirée o Maria Walewska, amantes que en esta cinta han pasado directamente al olvido como si Bonaparte sólo hubiera amado de manera incondicional y fiel a Josefina.

Por lo demás, cabe reconocer a Scott su capacidad para devolver la gran épica al cine de Hollywood, ya sea evitando los efectos digitales o disimulándolos tan bien que todo parece terriblemente realista como en aquellos tiempos en los que se contrataban miles de extras. El trío de escenas grandiosas lo completa la coronación, a imagen y semejanza del enorme cuadro de Jacques-Louis David colgado en el Louvre, y del que la cinta se hace eco a través del diseño in situ del boceto. Joaquin Phoenix, improbable físicamente como el personaje, hace lo que puede con el guion que le ha encomendado el irregular David Scarpa, que ya colaboró con el director de Alien en Todo el dinero del mundo, pero que recordemos también se cargó el remake de Ultimátum a la Tierra. Mientras, Vanessa Kirby se limita a prestar su físico y expresividad para lograr con éxito una reina seductora y a ratos desconcertada.

En el apartado musical el director no parece tener suficiente con la partitura original de Martin Phipps, quien entre otras cosas aprovecha la batalla sobre el hielo de Austerlitz para ponerle música al estilo de Prokofiev para Alexander Nevsky. Scott coloca además estratégicamente obras populares del clasicismo y el barroco, Boccherini y Vivaldi incluidos, y hasta música de otras películas, como el tema de Dario Marianelli para Orgullo y prejuicio en las escenas románticas. En cuanto a la polémica sobre haberse rodado íntegramente en inglés, no merece prestarle mucha atención, toda vez que aquí la mayoría la verá doblada al castellano, mientras lo lógico es rodarla en el idioma que domina la mayoría del reparto y el público mayoritario al que va destinada. Más lamentable es haber obviado el papel de España en la historia de Napoleón; no parece que a Scott le interese mucho el tema, ni siquiera teniendo un cronista tan ilustre como Goya para corroborarlo. Quizás en la versión de ¡cuatro horas! que se emitirá próximamente en Apple TV se acuerden del 2 de mayo. De cualquier modo lo más vulgar de la cinta son sus escenas ralentizadas, y son muchas. 

THE LOST KING Una mujer gana la última batalla de Ricardo III

Reino Unido 2022 108 min.
Dirección Stephen Frears Guion Steve Coogan y Jeff Pope Fotografía Zac Nicholson Música Alexandre Desplat Intérpretes Sally Hawkins, Steve Coogan, Harry Lloyd, James Fleet, Mark Addy, Alasdair Hankinson, Sharon Osdin, Lee Ingleby, Benjamin Scanlan, Adam Robb, John Paul Hurley Estreno en el Festival de Toronto 9 septiembre 2022; en Reino Unido 7 octubre 2022; en España 5 mayo 2023

Ni haberse estrenado coincidiendo con una fecha tan monárquica como la coronación de Carlos III, ni tratarse de una de esas comedias amables que tan bien filma el veterano Stephen Frears, parece haber sido suficiente para facilitar a esta película la distribución que merece. Entre tanta nadería, algo así de elegante y bien urdido, que cuenta una bonita historia de superación y determinación y de paso sugiere una serie de cuestiones que son de vital importancia y están tan de actualidad, como la memoria histórica o la manipulación mediática, debería contar con una mejor suerte a la hora de su promoción y divulgación. Claro que ni siquiera en su país de origen tuvo el estreno que merecía, apenas limitado hace ya medio año. Y es que quizás para la monarquía británica esta película que especula sobre si la leyenda cernida sobre Ricardo III a raíz de su posible condición de usurpador de la corona, corroborada siglo y medio después por la obra de Shakespeare, es cierta o no, puede resultar muy incómoda teniendo en cuenta que su suerte propició la llegada de los Tudor al poder del país.

La gesta de Philippa Jayne Langley, que en 2012 y casi como una estrategia para superar sus frustraciones laborales y, en menor medida, familiares, decidió encontrar los restos del monarca que atestiguaran en la medida de lo posible la falsedad de los datos que desde siempre arruinaron su reputación. Algo así como proceder a la exhumación de cadáveres para recuperar el honor y al dignidad que merecen, y de paso deslegitimar a quienes desde antaño controlaron y custodiaron la historia oficial en favor de sus intereses. Se viene haciendo desde siempre, pero de vez en cuando hay una voz que con su empeño y dedicación decide que la historia se puede reescribir y, en la medida de lo posible, reparar.

Para que todo esto resulte atractivo y emocionante hace falta una buena dirección y el trabajo solvente y convencido de una protagonista a la altura, y ambas condiciones se cumplen en el realizador de Las amistades peligrosas, La reina y Philomena, así como en la actriz Sally Hawkins, que compone un trabajo comedido y exquisito para lograr nuestra identificación con su particular gesta. En el vértice de estos talentos se encuentra el televisivo Steve Coogan, cuyo empeño personal le ha llevado a escribir el guion y producirlo, firmando junto a Frears otro estupendo documento, aunque quizás no tan entrañable como aquella Philomena a quien puso una tierna mirada Judi Dench. El compositor Alexandre Desplat tiene el mérito de potenciar con su magistral música casi todos los trabajos en los que interviene, y éste no es una excepción. No se trata del mismo Ricardo III al que buscó Al Pacino en su documental de 1996, donde elucubraba sobre la adaptación a la actualidad de los temas que apuntaba Shakespeare; Frears, Coogan y Langley denuncian el mal que hace al futuro las manipulaciones de un poder en malas manos.

LA MUJER REY Trescientas

Título original: The Woman King
USA 2022 135 min.
Dirección Gina Prince-Bythewood Guion Dana Stevens y Maria Bello Fotografía Polly Morgan Música Terence Blanchard Intérpretes Viola Davis, Thuso Mbedu, Lashana Lynch, Sheila Atim, John Boyega, Jordan Bolger, Hero Fiennes Tiffin, Jimmy Odukoya, Masali Baduza, Jayme Lawson Estreno en el Festival de Toronto 9 septiembre 2022; en Estados Unidos 16 septiembre 2022; en España 25 noviembre 2022

Partía ya con razones para desconfiar de ella, y las dos procedían del título. Otra vez historias de reyes, y con una anomalía feminista, llamar a su protagonista mujer rey en lugar de directamente reina. Sin embargo esos prejuicios quedan justificados a lo largo del argumento, enfocado más bien hacia el liderazgo merecido y la razón natural para ser encumbrado jefe de un estado. El problema deriva sin embargo de otras consideraciones. Una película sobre el Reino de Dahomey, que en su tiempo (siglos XVII y XVIII) estuvo ubicado donde actualmente se encuentra la República de Benín, hacía esperar algo más instructivo y apasionante de lo que son capaces de ofrecer su directora y la actriz ocasionalmente metida a argumentista Maria Bello.

Gina Prince-Bythewood ya había dado muestras de no saber conciliar entretenimiento convencional con proclamas feministas en películas como La vida secreta de las abejas y Beyond the Lights, y repite ahora fracaso con esta vetusta cinta sobre un ejército de amazonas que habitó en el lugar cuando este y todo su entorno pretendía progresar a costa de la venta de esclavos y esclavas. Todo el potencial que la historia prometía se diluye en un espectáculo de aspecto rancio, envejecido hasta la médula por una concepción del cine histórico como de cartón piedra, entrañable cuando de revisar clásicos se trata pero imperdonable cuando se trata de hacer cine contemporáneo y comprometido. Si a eso se añade un folletín sentimental y emocional de muy baja intensidad y una desmesurada duración, el entretenimiento no puede resultar más decepcionante y aburrido.

Por si fuera poco, estas mujeres guerreras parecen repetir esquemas masculinos y machistas, al más puro estilo de los trescientos de turno pero con aptitudes dancísticas. Aunque pensándolo bien, y dada la escasa fortuna de la educación para paliar los efectos cada vez más preocupantes de la violencia machista, la única solución posible podría ser adiestrar a las víctimas en técnicas de lucha y defensa. Cabe reconocerle a Viola Davis el esfuerzo desplegado para mazarse de esa forma y lucir junto a una actitud de permanente enfado, un físico considerablemente musculado para lo que le conocemos habitualmente.

ARGENTINA, 1985 Justicia para todos

Argentina 2022 140 min.
Dirección Santiago Mitre Guion Santiago Mitre y Mariano Llinás Fotografía Javier Juliá Música Pedro Osuna y Michael Giacchino Intérpretes Ricardo Darín, Peter Lanzani, Alejandra Flechner, Norman Briski, Carlos Portaluppi, Alejo García Pintos, Claudio Da Passano, Gina Mastronicola, Laura Paredes, Susana Pampín, Daniela Leyva Becerra Acosta Estreno en el Festival de Venecia 3 septiembre 2022; en Argentina 29 septiembre 2022; en España 30 septiembre 2022 

En 1985 Argentina ganó su primer Oscar a la mejor película de habla no inglesa con La historia oficial, un melodrama de Luis Puenzo en el que una acomodada ama de casa abría los ojos recién terminada la dictadura militar de Videla, para descubrir el horror que había azotado su país y cómo había afectado incluso a su propia familia. Ese mismo año la judicatura argentina, con el presidente Alfonsín detrás, decidió abrir la causa judicial que una gran parte del país imploraba, contando para ello con el fiscal Julio Strassera, asistido por el joven idealista, y sin embargo de familia vinculada al mando militar, Luis Gabriel Moreno Ocampo. Juntos formaron la pareja de héroes a la que esta emocionante e imprescindible película rinde homenaje.

Santiago Mitre ha estado siempre comprometido con los entresijos de la política, a gran escala (La cordillera) y en la base (El estudiante), así como con los derechos humanos y sociales (Paulina). Ahora combina ambos temas y, en un alarde de sobriedad y discreción, abandona cualquier pretensión de estilo y autoría para simplemente narrar los hechos con la mayor objetividad posible y honestidad en unos acontecimientos que apenas dejan margen para la duda ni la incomprensión. La mayor de las aberraciones y crueldades humanas se dio cita en aquella dictadura que apenas duró siete años y que tanto daño hizo y sigue provocando. Argentina demostró con estos juicios al estilo de los de Nuremberg que era un país con dignidad, a pesar de que los resultados apenas arrojaran al dictador a un continuo ir y venir de cárceles, donde finalmente falleció a los 87 años.

Mitre se sirve de una narrativa convencional para sintetizar la causa y sus protagonistas, motivaciones y consecuencias, enarbolando en todo momento la bandera de la más pura y genuina emoción, apelando al corazón y salpicando su quirúrgica disección con momentos sublimes, algunos dotados de humor, otros de simple y llano sentimiento. Darín añade otro personaje extraordinario a su larga trayectoria, mientras el resto del reparto cumple con el compromiso y la complicidad que la empresa merece. El resultado mereció el Premio Fipresci de la Crítica Internacional en Venecia y el del Público en San Sebastián. Ninguna transición del autoritarismo a la democracia debe salir indemne y resultar indolora, y aquí lo estamos descubriendo cuarenta años después. Todos y todas merecen justicia.

EL VIAJE IMAGINARIO DE ALQHAI Y TABASSIAN

39 Femás. De Sevilla a Isfahán. Accademia del Piacere: Fahmi Alqhai, Rami Alqhai y Johanna Rose, violas da gamba. Constantinople: Kiya Tabassian, setar y voz; Didem Basar, kanun; Patrick Graham y Hamin Honar, percusión. Programa: Piezas de Francisco Guerrero, Luis de Narváez, Aga Mu’men, Alonso de Mudarra, Dimitri Cantemir, Miguel de Fuenllana, Fahmi Alqhai, Kiya Tabassian y anónimos. Espacio Turina, sábado 26 de marzo de 2022

Cada Femás, desde hace más de veinte ediciones, cuenta con un estreno de la mano de su director Fahm Alqhai, en los últimos años centrado en la fusión y el mestizaje musical, con propuestas que van del rock al flamenco con aires barrocos apoyados habitualmente en esa viola da gamba que domina a la perfección. Esta vez contó con la inestimable colaboración del grupo canadiense que lidera el músico iraní afincado en Canadá Kiya Tabassian, Constantinople, un conjunto de marcado acento étnico que maneja los instrumentos autóctonos con la misma perfección y destreza con que lo hacen los tres violagambistas a los que en esta ocasión quedó reducida la Accademia del Piacere, formación que lidera el sevillano de origen sirio que más ha exportado la música seria hecha aquí al resto del mundo.

Siguiendo las notas al programa de Juan Ramón Lara, se prometía uno de esos viajes de ida y vuelta que tanto ilustran nuestra historia y los lazos que nos unen a ese mundo tan aparentemente lejano que representa el Medio Oriente. Se trata de los viajes que el embajador de Enrique III de Castilla, Ruy González de Clavijo, documentó en su libro Vida y hazañas del Gran Tamorlán, cuando zarpó hacia la corte del sultán Temür para crear una alianza con la que enfrentarse a los turcos otomanos. Unos viajes que le llevaron a él y su séquito de Persia a la misma Constantinopla, y que Argote de Molina divulgó en los tomos que él mismo editó y prologó. También comenta Lara que de la misma forma, años después fue el príncipe conocido como Juan de Persia quien realizó un viaje de vuelta, de Isfahán, en el corazón de Irán, a las cortes europeas hasta instalarse en Castilla. Y de todo eso tenía que surgir este programa musical, pero fue imposible seguir estos apasionantes viajes así ilustrados con música de la época, ante la oscuridad reinante en la sala, que hacía imposible seguir sus escalas, y la falta total y absoluta de ningún tipo de explicación, ni hablada ni escrita sobre el fondo del escenario en el que el Espacio Turina suele proyectar tan oportunamente los textos cantados en recitales de toda índole, y que este Femás ha obviado por completo.

Así las cosas, y con un setar (pequeño instrumento persa de cuerda pulsada) y la voz de Tabassian sometidos a una amplificación que afectó a todo el conjunto y provocó un sonido seguramente brillante y hermoso pero tan uniforme que resultó difícil apreciar texturas y planos, lo que quedó fue un bonito y fluido concierto de música mestiza, con momentos aislados de inconfundible belleza, especialmente cuando se podía apreciar el trabajo más armonioso que contrapuntístico de las violas, todo ello tamizado con un trabajo de percusión mimado pero a menudo rutinario. En el camino ya daba igual si las piezas eran de Narváez, Mudarra o Guerrero, o si se trataba de un fandango, una fantasía o unas diferencias… todo estuvo tratado igual, bajo una misma discutible estética. No cabe duda de que el trabajo de los y las músicos fue impecable técnicamente, y que primó la belleza tímbrica por encima de cualquier otra consideración, pero el resultado a algunos nos pareció demasiado homogéneo y poco o nada ilustrativo de todo aquello que pretendía reflejar. Aun así suscitó el entusiasmo generalizado del público, si bien percibimos cierto desconocimiento y desconcierto entre los comentarios vertidos de mucha gente que ni siquiera era consciente de la colaboración concertada, y todo lo achacaba al popular conjunto del violagambista sevillano. Hubo también entre los especialistas en el género, quien aclaró que el programa era muy exigente técnicamente, lo que de ser así ciertamente contó con el buen hacer de los siete participantes, incluida la muy idiomática y exótica labor de la intérprete turca Didem Basar al kanun, una especie de salterio cuyo nombre traducido significa ley.

Fotos: Anibal González (Femás)

Artículo publicado en El Correo de Andalucía

CUATRO DOCUMENTALES CANDIDATOS A LOS PREMIOS ASECAN

Entre los muchos e interesantes documentales que aspiran este año a una nominación a los Premios de la Asociación de Escritores y Escritoras de Cine de Andalucía, los ASECAN, destacamos cuatro por la diversidad de temas que tocan y el toque humano, sensible y sentimental que atesoran. En HISTORIAS DEL AGUA Paco Ortiz, candidato también en el mismo apartado por su película Algo salvaje: La historia de Bambino, y José Carlos de Isla hacen un emotivo y hermosísimo viaje por toda Andalucía a través del agua, tan presente en nuestras vidas y nuestra geografía, destacando toda la riqueza cultural y ecológica de nuestra tierra. Ríos, mares y océanos se visten de gala para recibir la luminosa luz con la que sus directores los han bañado, regalándonos un festín de imágenes, paisajes, arquitectura e historias tan humanas como sorprendentes. Del nacimiento del Guadalquivir en Cazorla a las playas de Huelva pasando por la magia de la Alhambra, las rutas multi aventura del Río Verde, el remo y la piragua a orillas de Sevilla, y los paisajes únicos de Almería. Visitamos también a quienes viven del medio, pescadores, buzos, gestores turísticos y culturales, en una aventura rodada en alta definición tan emocionante como sorprendente.

Emocionante y desgarradora es desde un principio la historia de la persecución y aniquilación de republicanos a principios de la Guerra Civil en una Sevilla que apenas vivió la conflagración, se rindió inmediatamente a las fuerzas rebeldes y quedó a merced de su odio y ansias de represión. Miles de hombres, mujeres y hasta niños y niñas fueron asesinadas en nuestra provincia y ocultos en fosas comunes que solo ochenta años después comienzan a salir a la luz. Todavía es visible el dolor y la angustia reflejado en familiares de ya casi una tercera generación de quienes sufrieron ese tormento y extinción, un genocidio apenas reconocido por un país que prefirió cerrar abruptamente heridas de la forma más indecente y abyecta para continuar con una supuesta democracia que ninguna justicia ha hecho con quienes siguen llorando y sufriendo el hostigamiento más inhumano y amoral. PICO REJA, LA VERDAD QUE LA TIERRA ESCONDE se hace eco de esta infamia a través del testimonio de familiares y arqueólogos que trabajan en la fosa común hallada en el Cementerio San Fernando de Sevilla, Pico Reja, y de un importante material documental y de archivo que recupera gran parte de nuestra más dolorosa memoria. Un trabajo sobrio, necesario y valiente de Remedios Malvárez y Antonio Andújar, al que quizás solo sobre la aportación un tanto impostada y folclórica de Rocío Márquez y Antonio Manuel Rodríguez gestando una nana para despertar conciencias e imaginar las vidas que fueron tan vilmente truncadas.

En LA MIRADA DE LAS MUSAS Laura Alvea a la dirección y José Ortuño al guion fijan su atención en las y los modelos de desnudo de la Facultad de Bellas Artes de Sevilla para tejer un análisis de la profesión, acabar con los falsos mitos y dar una pátina de humanidad y normalidad a quienes ponen su cuerpo inerte, lo que acarrea un buen número de afecciones físicas, al servicio del arte, pintura y escultura fundamentalmente, pero también la fotografía. El testimonio y la experiencia de Patricia Villaitodo sirven de línea argumental para un trabajo sencillo pero eficaz que ayuda a comprender las motivaciones que lleva a ejercer este trabajo y eliminar los tabúes que han crecido a su alrededor. Lástima que los cineastas se conformen con el testimonio de la retratada y otros agentes a su alrededor, sin indagar más sobre la historia de la profesión, sus altibajos y los obstáculos que a menudo han impedido su natural desarrollo. Laura Alvea por cierto se destaca actualmente como directora asistente de Benito Zambrano en la exquisita Pan de limón con semillas de amapola.

Al contrario que en el reciente documental de éxito España, la primera globalización de José Luis López-Linares, LA FLOTA DE INDIAS no es tan determinista ni pretende evangelizar sobre la grandeza de nuestro país, así como justificar nuestro imperio en contra de las corrientes que denuncian el expolio y la aniquilación que supuestamente lo sostienen. El documental de Antonio Pérez Molero va más allá, con una vocación eminentemente científica y testimonios muy acreditados que no se limitan a glorificar gratuitamente, con argumentos facilones, sino a divulgar de la manera más académica y educativa posible. Cierto que el empeño, así como la producción, es tan ambicioso que mucha de su información se queda en el camino por tanta acumulación de datos y detalles. Pero no cabe duda de que su puesta en escena es brillante, con cuidadas reconstrucciones de la época, los flamantes galeones de los que nosotros fuimos grandes ingenieros, y una profusa utilización de medios técnicos y recursos para dar al conjunto el empaque que luce. David Verdaguer pone voz a la narración, mientras las músicas mestizas rescatadas por Jordi Savall ilustran acertadamente las historias de comercio y piratería que protagonizaron esos siglos XVI y XVII de esplendor colonialista hispánico, con Sevilla naturalmente como gran capital económica y política de Europa. También la piratería moderna marítima tiene su hueco en esta producción, definiéndose tal como la representa Amenábar en su magnífica serie La Fortuna.

LA FORTUNA Serie imprescindible con hechuras cinematográficas

España 2021 300 min.
Dirección Alejandro Amenábar Guion Alejandro Amenábar y Alejandro Hernández, según el cómic “El tesoro del Cisne Negro” de Paco Roca y Guillermo Canal Fotografía Álex Catalán Música Roque Baños Intérpretes Álvaro Mel, Ana Polvorosa, Stanley Tucci, Clarke Peters, T’Nia Miller, Karra Elejalde, Manolo Solo, Pedro Casablanc, Blanca Portillo, Alfonso Lara, Mari Carmen Sánchez, Juan Carlos Vellido, Duncan Pow, Indy Lewis, Inma Ochoa, Santos Mallagray, Nico Romero, Sara Stewart, Sharon D. Clarke, Misa D’Angelo, Lelé Guillén, Pilar Bergés, Sebastián Haro, Stephen Boxer Estreno en el Festival de San Sebastián 24 septiembre 2021; en Movistar 30 septiembre 2021

En octubre del año 1804 la nave británica Amphon bombardeó y hundió la fragata Mercedes, una de los cuatro barcos españoles que venían de América con pasajeros que regresaban a la península y un tesoro de valor incalculable integrado por más de quinientas mil monedas de oro y plata. En el atentado murieron más de doscientos tripulantes, entre civiles y militares, y la tragedia se consideró antesala de la Batalla de Trafalgar. Doscientos años después, en mayo de 2007, el buque norteamericano Osyssey expolió en el Estrecho de Gibraltar los restos de la Mercedes, lo que se consideró un grave daño arqueológico y un delito de contrabando que la justicia de Estados Unidos, tras años de batalla judicial, falló en favor de nuestro país. Sin embargo, aquí su interminable proceso derivó en prescripción del delito, y aunque el pecio regresó a España y se conserva hoy en el Museo Nacional de Arqueología Subacuática de Cartagena, los responsables del expolio, con el magnate Greg Stemm al frente, nunca fueron procesados.

Los artistas gráficos Paco Roca (Arrugas, Los surcos del azar) y Guillermo Corral convirtieron esta historia en cómic y en él se ha inspirado Alejandro Amenábar para su primera incursión en la ficción televisiva. Seis capítulos de casi una hora de duración que constituye probablemente el proyecto más ambicioso de nuestra televisión, con resultados también altamente estimulantes. La pericia de Amenábar ha convertido esta crónica sin duda fascinante en una superproducción hablada en inglés y castellano en la que Álvaro Mel, curtido en televisión con series como Paraíso o La otra mirada, es el joven diplomático Álex Ventura, enrolado en el Ministerio de Cultura que preside un estupendo Karra Elejalde, al que se encarga la misión de gestionar esta crisis. Mel es si duda un descubrimiento de Amenábar, que curiosamente interpreta a un personaje inspirado en el arqueólogo Javier Noriega, que abanderó esta causa en la realidad y cuyo apellido curiosamente coincide con el de otro notable descubrimiento del director de Abre los ojos, Eduardo Noriega. A Ventura le ayuda otra funcionaria del departamento de Patrimonio muy comprometida con la causa, a la que da vida Ana Polvorosa en la que es  sin duda en la mejor oportunidad de su carrera, muy bien aprovechada por cierto.

Secundados por un reparto excelente de actores y actrices de uno y otro lado del charco, especialmente Clarke Peters como brillante abogado americano y Stanley Tucci incorporando al villano de la función Frank Wild, sosías del Greg Stemm que capitaneaba el Odyssey original, ahora denominado Pioneer. La serie de mueve con soltura y eficacia narrativa sin descuidar aspectos fundamentales como el valor del funcionariado, la importancia de una cultura siempre descuidada por la política, el tradicional pirateo del Reino Unido, pero también el nuestro en época de tanta corrupción como la actual, el sexo fluido, la dignidad y la mezquindad de la clase política, el papel fundamental de la mujer en cuestiones de calibre tan relevante, y tantas otras cuestiones que el excelente director pone al servicio de un espectáculo técnicamente impecable, narrativamente absorbente y de indiscutible calidad cinematográfica. Roque Baños pone a su servicio la que quizás sea su mejor banda sonora hasta el momento, con temas muy inspirados, una orquestación portentosa y una prodigiosa facilidad para generar emociones y atmósferas inquietantes. Serie por lo tanto de gran altura y lección de historia antropológica imprescindible.

ESPAÑA, LA PRIMERA GLOBALIZACIÓN Gloria eterna

España 2021 110 min.
Guion y dirección José Luis López Linares Documental Estreno 15 octubre 2021

En sus veinticinco años de carrera, desde aquel mítico documental Asaltar los cielos que analizaba la figura de Ramón Mercader, el asesino de Trotsky, José Luis López Linares se ha dedicado en cine y televisión a glosar fundamentalmente las glorias de nuestro país, fijando su atención en figuras del arte, la política y la cultura como Lorca, Buñuel, Sorolla, Fraga o Carrillo, así como fenómenos como la selección española de fútbol o instituciones del calibre del Teatro Real o el Museo del Prado, sin olvidar las Cuevas de Altamira, El palo cortado de Jerez o el aceite de oliva de Jaén. No es de extrañar pues que en su último y muy publicitado trabajo aglutine toda esa pasión patria y dedique casi dos horas, con el apoyo de un nutrido conjunto de especialistas en la materia, a reivindicar la grandeza de España y servir así de antídoto a una supuesta corriente reciente que proviene de la izquierda supuestamente radical y autodenominada más progresista, que se dedica parece ser a denigrar la importancia de nuestro legado y ensombrecer nuestra grandeza a partir del daño causado al planeta y sus habitantes.

Cuenta para ello López Linares con historiadoras e historiadores del calibre de Carmen Iglesias, Enriqueta Vila Villar, Adelaida Sagarra, Carlos Martínez-Shaw o incluso personalidades provenientes de otras parcelas como el chef Ferran Adriá, encargado de ensalzar el enriquecimiento de la cocina universal gracias de nuestros descubrimientos transoceánicos. Lástima que no cuente para su relato con opiniones de otro sesgo y signo que ayuden a comprender mejor todas esas gestas apuntadas, logrando así un producto de mayor envergadura, más opinión crítica y por lo tanto mayor poder de convicción. No vale insistir en que otros lo hicieron peor y nadie rechista, argumento mil veces repetido en referencia a horrores como las persecuciones de brujas y herejes en otros países, genocidios de todo carácter o abusos de poder entre la población indígena colonizada. No vale porque también otros países reniegan de sus errores, baste mirar al genocidio nazi, mucho más reciente que nuestra barbarie católica en América.

Justificar la Inquisición como proceso reglamentado frente a otras ejecuciones en el extranjero, es sencillamente impresentable. Que aquello no acabase en aniquilación como sí ocurrió prácticamente en Norteamérica no debe servirnos de pasaporte para sentirnos complacidos y mejores. Hubo grandeza, hubo prodigios y hubo acercamiento entre pueblos hasta entonces desconocidos, para bien y para mucho mal, y de celebrarlo se encargó el aparato propagandístico del régimen franquista anteayer mismo, así que no es tan grave que hoy exista una disidencia social y política acerca de todo ese dolor y toda esa intromisión. Reconocerlo e intentar repararlo nos hace mejores y más nobles, y si otros pueblos no lo hacen, allá ellos.

López Linares no echa mano para su trabajo de artificios ni grandes alardes técnicos, se limita a los testimonios de los convocados, imágenes de archivo y documentación gráfica, todo ello ilustrado con la voz en off del veterano actor Antonio Valero y la música barroca y mestiza de grupos como Todos los Tonos y Ayres y la cuerda pulsada de Aníbal Soriano, así como mucho Jordi Savall. Que la labor propagandística de otros imperios sirva para denigrar el nuestro solo nos convierte en un pueblo poco espabilado.

WORTH La muerte tiene un precio

USA 2020 118 min.
Dirección Sara Colangelo Guion Max Borenstein Fotografía Pepe Ávila del Pino Música Nico Muhly Intérpretes Michael Keaton, Amy Ryan, Stanley Tucci, Tate Donovan, Shunori Ramanathan, Laura Benanti, Talia Balsam, Chris Tardio, Ato Blankson-Wood Estreno en el Festival de Sundance 24 enero 2020; en Estados Unidos 27 agosto 2021; en España 10 septiembre 2021

Ha pasado más de un año desde la presentación de esta película en el Festival de Sundance hasta su estreno en salas comerciales. Alguien habrá pensado que un relato tan estremecedor, triste y compungido no tendría mucha suerte comercial si no se acercaba su estreno al vigésimo aniversario de la insoportable tragedia que le sirve de base, los atentados del 11 de septiembre de 2001. Nos encontramos sin embargo ante un film que acepta una doble valoración, bien como retrato psicológico de una tragedia de proporciones épicas, fallida como proceso parajudicial.

Sara Colangelo, que hace unos años conseguía hacer una competente revisión del film israelí La profesora de parvulario, consigue un retrato sobrio y elegante de un momento tan triste de la historia reciente, un reflejo certero del dolor, la ausencia y la incomprensión, poniendo rostro a las víctimas de esta barbarie, las que se fueron y las que lamentan su pérdida. Su tesis se centra, con la ayuda del guionista Max Borenstein, quien curiosamente solo se había ocupado hasta la fecha de films de Godzilla, en el precio estimado por cada vida perdida, una estimación que el gobierno americano encargó al prestigioso bufete de abogados de Kenneth Feinberg, especializado en indemnizaciones por desastres cuya responsabilidad es fundamentalmente administrativa. Michael Keaton ofrece de nuevo una soberbia caracterización; en él descansa la responsabilidad de convencer del cambio drástico de opinión y valoración, moral y ética, de cuanto le estuvo desbordando durante más de dos años de cálculos, entrevistas y trabajo arduo con las familias, reconocidas o no, de las víctimas. Le ayuda un excelente plantel de intérpretes dando vida a sus colaboradores y colaboradoras, especialmente una Amy Ryan de mirada inquieta y piadosa, pero también las propias víctimas, lideradas por un estupendo Stanley Tucci dispuesto a modificar los criterios de valoración de la administración. También entre estos últimos se encuentra lo peor de la función, la familia de un bombero en la que recae el episodio más melodramático y manipulador de la película. Todo en este sentido está bastante conseguido, logrando crear esa atmósfera lúgubre que demanda el guion y trasciende al espectador, dejando además muy claras las debilidades de un sistema tan anclado en la mercaduría, la ganancia comercial y la falta de recursos e instrumentos sociales que palien la desigualdad entre la ciudadanía.

Pero hay también un sistema de cálculos, que queda expuesto desde el inicio cuando como profesor universitario Feinberg explica a su alumnado el valor de la vida humana en cifras, y una lucha de intereses en un procedimiento cuyas reglas no quedan bien expuestas y apenas disfrutan de un seguimiento mínimamente interesante que esté al alcance del espectador medio. Esto lastra considerablemente las posibilidades de un film que así hubiera resultado extraordinario. Pero al menos sirve para concienciar, dejarse llevar por su atmósfera funeraria, con esa ambientación típica de las cintas de abogados, código de vestimenta incluido, y una contenida pero efectiva banda sonora de Nico Muhly ilustrando este particular calvario y proceso de concienciación que sufre su protagonista en manos de un ejemplar Michael Keaton.

EL BAILE DE LOS 41 Los privilegios de los hombres

México-Brasil 2020 93 min.
Dirección David Pablos Guion Monika Revilla Fotografía Carolina Costa Música Carlo Ayhllón y Andrea Balency-Béarn Intérpretes Alfonso Herrera, Mabel Cadena, Emiliano Zurita, Fernando Becerril, Rodrigo Virago, Fernanda Echevarría, Sergio Solís, Álvaro Guerrero Estreno en México 19 noviembre 2020; en España (Netflix) 12 mayo 2021

El próximo sábado 25 de septiembre se entregan en México los Premios Ariel y esta película es la que cuenta con el mayor número de nominaciones, doce en total. Ya se sabe, una producción suntuosa de época acaba destacándose en el mayor número de categorías. Su director, David Pablos, se interesó en sus anteriores trabajos por las relaciones entre hermanos (La vida después) y por el tráfico de mujeres (Las elegidas), y ahora fija su atención en un caso que conmocionó a la opinión pública y la sociedad biempensante del México de Porifiro Díaz, a comienzos del siglo XX. Una redada en noviembre de 1901 acabó con la detención de más de cuarenta hombres que acudían a una fiesta en su mayoría travestidos, con síntomas evidentes de practicar la homosexualidad.

Se trataba de hombres de las altas esferas sociales y políticas del país, y entre ellos el propio yerno del presidente. El acontecimiento sirve a Pablos para analizar sin embargo una cuestión que se aparta considerablemente de la que en principio pudiera parecernos. No se trata aquí de denunciar el trato recibido por los homosexuales, la consabida represión y los sentimientos frustrados de dos hombres que se aman. La verdadera cuestión que suscita el interés del film es el martirio emocional al que es sometida la ingenua esposa, hija por cierto bastarda del presidente, india para más señas, y sin embargo bendecida con el trato de favor de su influyente padre. No se trata solo del engaño y la estafa a la que millones de mujeres han sido sometidas como consecuencia de un sistema que obligaba a guardar las apariencias y hacer infelices a ambos cónyuges, sino que Pablos logra transmitir esa sensación de privilegio que han tenido siempre los hombres, especialmente en las altas clases sociales, y que les ha permitido disfrutar de una doble vida, con sus inconvenientes pero también sus ventajas, frente a una mujer siempre obligada a callar y soportar.

Es ahí donde radica el interés y la originalidad de esta lujosa producción, que sin embargo y a pesar de su corta duración, tiende a estancarse en más de una ocasión, cuando su tesis queda tan cristalinamente expuesta que no necesita de mayores artilugios. A destacar el imponente trabajo del protagonista Alfonso Herrera, y sobre todo la sensacional interpretación de Mabel Cadena, así como una excelente fotografía, luminosa y contrastada, y una sugerente banda sonora en la que también tienen cabida populares sintonías clásicas.