HANGAR ROJO En caída libre

Chile-Alemania-Italia 2026 81 min.
Dirección Juan Pablo Sallato Guion Luis Emilio Guzmán Fotografía Diego Pequeño Música Alberto Micheli y Matteo Marrella Intérpretes Nicolás Zarate, Boris Quercia, Marcial Tagle, Catalina Stuardo, Aron Herenández, Renzo Fioretti, Taiu Braver Iosovich Estreno en el Festival de Berlín 13 febrero 2026; en España 8 mayo 2026

Nuestro país es el primero que saluda la vida comercial de una película que supone el debut en el largometraje de su director, Juan Pablo Sallato, con dos documentales y una serie de televisión a sus espaldas, y que ya fue reconocida en el Festival de Málaga con cuatro importantes premios, a su protagonista y al montaje, así como los del público y la crítica, tras estrenarse oficialmente un mes antes en el de Berlín. Hangar rojo ofrece una disección precisa y dura de aquel infame 11 de septiembre de 1973, cuando un golpe de estado militar acabó con el gobierno democrático de Salvador Allende. Una cinta que llega en el momento justo, cuando precisamente la democracia vive sus momentos más perversos y pervertidos, convirtiéndose paradójicamente en trampolín para el regreso de estos regímenes represores, negadores de derechos y realidades diversas, populistas y macarras. Se deja ver en su escueto y calculado desarrollo la injerencia estadounidense en unos episodios con los que avanzaron la cruzada anticomunista emprendida por el país de las supuestas libertades tras esa Segunda Guerra Mundial que tanto poder y popularidad les reportó, y que ojalá hubieran aprovechado en otra dirección mucho más moderada y humanista. Y se deja ver ahora también esa perversión democrática, perpetrada ahora a través del aparato publicitario que supone el cine, la televisión y los modos de vida imitados por un mundo en el que cada vez más se deja entrever la estulticia generalizada.

Con estos parámetros, Hangar rojo se revela como otro ejemplo necesario de advertencia y concienciación que, lamentablemente, sólo llega a quienes ya estamos advertidos y concienciados, pues poca utilidad tiene si no alcanza a ese público mayoritario emborregado y palomitero. Su discreta distribución lo demuestra, a pesar de los galardones y parabienes recibidos. Nuestro protagonista es un aviador militar que confiesa sentir una libertad absoluta cuando experimenta la caída libre que le proporciona el paracaidismo, pero que en el infernal día que le toca vivir, sólo puede experimentar otro tipo de caída libre, la de haber sido un día salvador del presidente chileno de un atentado, y sentirse obligado ahora a colaborar a regañadientes con un golpe que no comparte, y que tendrá sus consecuencias, relatadas en los títulos de crédito finales.

Un blanco y negro austero, una cámara pegada al protagonista y una puesta en escena precisa y contundente, potencian la escalada de asfixiante tensión que se va apoderando del público, al que por otro lado se le ahorran los horrores insoportables que se denotan del uso del sonido y el fondo desenfocado. Sólo cabe reprocharle algún desliz en el relato, fundamentalmente en detalles que bien podrían haberse pasado por alto. No podemos dejar de lado el excelente trabajo expresivo y gestual del pragmático e hierático protagonista, incluso del más caricaturesco pero necesario superior jerárquico, esa permanente amenaza para quienes disienten de su diabólica misión.

LA MISTERIOSA MIRADA DEL FLAMENCO Sexo y violencia con testigo inocente

Chile-Francia-Alemania-España-Bélgica 2025 110 min.
Guion y dirección Diego Céspedes Fotografía Angelo Faccini Música Florencia Di Concilio Intérpretes Tamara Cortés, Matías Catalán, Paula Dinamarca, Pedro Muñoz, Luis Dubó, Claudia Cabezas, Vicente Caballero, Bruna Ramírez, Sirena González Estreno en el Festival de Cannes 15 mayo 2025; en España 16 enero 2026

Tiene mérito que el joven director chileno Diego Céspedes haya logrado con su primer largometraje, tras sólo un par de cortometrajes, convencer en Cannes, donde ha obtenido el premio a la mejor película en la sección Un certain regard, y en San Sebastián, donde se alzó con el premio de la juventud. Igualmente ha sido nominado a la mejor película iberoamericana en los Forqué y los Goya. Se trata sin embargo de un trabajo irregular, western se han apresurado a considerarlo gran cantidad de cronistas, quizás por el hecho de estar ambientado en pleno desierto en el seno de una comunidad de mineros, y más concretamente en la insólita cantina de travestís que amenizan sus tardes de ocio. Parece ser que todo obedece a unos recuerdos de infancia, cuando el joven realizador se crió en un ambiente similar, aunque en el film toma las riendas del argumento una niña adoptada por el pintoresco grupo de travestis y transexuales que adoptan nombres de animales, incluido el flamenco del título.

Corre el año 1982, cuando el sida comenzaba a hacer estragos, también en esta comunidad en cierto modo deudora del imaginario y la estética almodovoriana. En el confuso mundo que rodea a la joven protagonista, se suceden sin mucha consecuencia dramática cuestiones como la enfermedad, el odio, el machismo, la violencia y la venganza, sin que su ritmo premioso y sus incursiones en el realismo mágico logren atraparnos más allá de la mera contemplación y del cliché grotesco, actuación incluida en playback con la voz de la más grande, con el que se suele definir este tipo de personajes y ambientes en cierto modo sórdido.

Sorprende de cualquier forma que se ambiente en plena era Pinochet, ahora que la sombra del dictador vuelve a inundar el país, increíblemente a través del voto democrático, que cada vez más apuesta por esas extremas derechas que tanto daño hicieron y tantos derechos sesgaron. Cabe apreciar el buen trabajo de sus protagonistas, y una puesta en escena cuidada y colorista en la que cada escenario, desde una insospechada chabola a una charca fría, cobran su importancia.

EL LUGAR DE LA OTRA Oportunidad liberatoria

Chile 2024 95 min.
Dirección Maite Alberdi Guion Inés Bortagaray, Paloma Salas y Maite Alberdi, según la novela “Las homicidas” de Alia Trabucco Zerán Fotografía Sergio Armstrong Música José Miguel Miranda y Miguel Tobar Intérpretes Elisa Zulueta, Francisca Lewin, Marcial Tagle, Pablo Macaya, Gabriel Urzúa, Gabriel Cañas Estreno en el Festival de San Sebastián 22 septiembre 2024; en Chile 30 septiembre 2024; en España (Netflix) 11 octubre 2024

El cruce entre los talentos de Maite Alberdi como directora y Pablo Larraín como productor deviene en esta interesante y original película que parte de un renombrado crimen ocurrido en el Chile de 1955 para trazar el retrato de una mujer como tantas otras oprimida por un sistema que sólo le reconoce como compañera y asistenta del hombre. La afamada directora de los documentales El agente topo y La memoria infinita, se pasa a la ficción definitiva (esos trabajos ya tenían algo de estructura y estilo de ficción) para narrarnos la historia de dos mujeres unidas por un crimen. La escritora María Carolina Geel, asesinó en el lujoso Hotel Crillón de la capital chilena a su amante, sin que nunca trascendieran los motivos y sin que se aclarase si se encontraba en plenitud de sus facultades mentales o no. Todo hace pensar que fue un crimen premeditado, quizás una rebelión contra el sistema, contra la consideración de sombra de los hombres que se tenía de las mujeres.

Lo cierto es que este hecho consumado da pie en la novela Las homicidas en la que se basa la película, para forjar el retrato de otra mujer, la secretaria del juez encargado del caso, que encuentra en el piso de la encausada el espacio en el que reafirmar su libertad y su independencia. Lástima que en su afán de centrarse en este análisis o tesis argumental, la película pronto se revele reiterativa y de insuficiente relevancia, a pesar de contar con las magníficas interpretaciones de Zulueta y Tagle, y de un diseño de producción muy determinado y determinista, colorido y luminoso en la mejor tradición del telefilm o teleserie de época.

Sin duda la reciente obtención del Premio Forqué a la mejor película latinoamericana impulsará algo más su discreto recorrido comercial, pero no cabe duda que haberse centrado también en la figura de la intrigante escritora, que escribió en reclusión Cárcel de mujeres y logró el indulto gracias a la intermediación de su amiga Gabriela Mistral, habría enriquecido su algo raquítica propuesta.

BLANQUITA Justicia de tintes épicos y místicos

Chile-México-Luxemburgo-Francia-Polonia 2022 94 min.
Guion y dirección Fernando Guzzoni Fotografía Benjamín Echazarreta Música Chloé Thévenin Intérpretes Laura López, Alejandro Goic, Amparo Noguera, Marcelo Alonso, Daniela Ramírez, Ariel Grandón, Katy Cabezas, Nicolás Durán Estreno en el Festival de Venecia 3 septiembre 2022; en España 12 mayo 2023

Después de un par de largometrajes de moderado interés, el todavía joven realizador chileno Fernando Guzzoni salta a la consagración definitiva con este apasionante thriller que le ha valido un premio al mejor guion en el Festival de Venecia y el Colón de Oro en el de Huelva. Aparentemente se trata de un film de juicios con el abuso sexual contra menores en el seno de las instituciones políticas como telón de fondo. Pero la película de Guzzoni va más allá y pretende con éxito y contundencia erigirse en una denuncia y una justa protesta contra el desprecio de la memoria histórica que tantos supuestos demócratas abrazan como única solución a la convivencia, cuando en realidad predican el aquí no ha pasado nada y viva yo y mis circunstancias.

Blanquita es además una revisión de los iconos y mitos puramente religiosos, enmarcados en una realidad moderna pero incómoda, suburbial y residual, allí donde habitan quienes no nos importan, nos incomodan y apenas responden a nuestros intereses e inquietudes. Se trata pues de una apelación a nuestras conciencias, a que mucho tiene todavía que cambiar y apenas se ha hecho nada en algunas democracias, incluida lamentablemente la nuestra, para paliar el dolor de los desafortunados y someter a la más estricta y elemental justicia a quienes imparten sufrimiento parapetados por el poder y la fascinación que el mismo promueve.

Un concepto de nuevo mártir gravita por esta angustiosa y sobrecogedora película basada sorprendentemente en hechos reales, con un sacerdote y una joven madre dispuestos a hacer la justicia que las hipócritas instituciones políticas y religiosas no están dispuestas a conceder para no quebrantar sus cómodas posiciones. El mérito de Blanquita como producto estrictamente cinematográfico deriva de una dirección sobria y elegante, unas interpretaciones sobresalientes y un sentido narrativo inquietante y misterioso que invita a involucrarse en la trama tanto como a sentirse cómplice de la misma y dejarse llevar por el desasosiego que todo eso implica.

1976 Un animal salvaje

Chile 2022 95 min.
Dirección Manuela Martelli Guion Manuela Martelli y Alejandra Moffat Fotografía Soledad Rodríguez Música Mariá Portugal Intérpretes Aline Küppenheim, Nicolás Sepúlveda, Hugo Medina, Alejandro Goic, Antonia Zegers, Carmen Gloria Martínez, Marcial Tagle, Amalia Kassai, Gabriel Urzúa Estreno en el Festival de Cannes 26 mayo 2022; en Filmin 13 enero 2023

Tras varios largometrajes como intérprete y un par de cortometrajes como realizadora, Manuela Martelli presentó en el festival de Cannes del año pasado su impecable ópera prima y acaba de ser justamente galardonada con el Platino en dicha categoría. Se trata de un análisis, una variación, sobre el drama de la dictadura chilena desde el prisma de un inquietante thriller rodado con tanto sentido de la elegancia y la discreción como del suspense más envolvente, optando para ello por crear una atmósfera enrarecida a la que no es ajena la excelente banda sonora de la brasileña Mariá Portugal, que juega con la experimentación, los toques herrmannianos y el minimalismo para lograr ese ambiente claustrofóbico que expira la cinta.

Con un portentoso trabajo de interpretación, Aline Küppenheim da vida a una señora de clase acomodada y vida ordenada que ve la oportunidad de convertirse en un animal salvaje (como el disfraz que le pide una de sus nietas) y tomar conciencia en el drama que acosa a la nación desde apenas tres años atrás, cuando se le encomienda la tarea de cuidar de un joven cuyas heridas no parecen provenir de la razón que se esgrime y sí tener más relación con la opresión que sufre gran parte de la población chilena del momento, ese 1976 del título, en su mayoría joven.

En este contexto Martelli articula una intriga absorbente en el que la vida cómoda y burguesa de la protagonista se convierte en el contrapunto de una aventura no al alcance de cualquier abuelita cuyo principal anhelo parezca ser la supervisión de las obras de su casa de veraneo, mientras la familia va y viene, ajena a las vicisitudes que de manera tan salvaje como estimulante está viviendo la otrora enfermera de la Cruz Roja. Todo está milimétricamente planteado y resuelto en esta excelente película, cuya denuncia fuerte y certera queda discretamente envuelta en el entramado de un thriller perfecto que atrapa de principio a fin.

EL CASTIGO Sinceridad maternal

Chile-Argentina 2022 86 min.
Dirección Matías Bize Guion Coral Cruz Fotografía Gabriel Díaz Música Gustavo Pomenarec Intérpretes Antonia Zegers, Néstor Cantillana, Catalina Saavedra Estreno en Chile 6 octubre 2022; en el Festival de Málaga 17 marzo 2023; en España 31 marzo 2023

La vida de los peces o La memoria del agua son algunos de los títulos estrenados entre nosotros del director chileno Martín Bize. Ahora alcanza definitivamente su madurez como cineasta con esta singular película que avanza en formato thriller para realizar, gracias a un preciso e inteligente guion, un certero análisis sobre la lejanía que estamos todavía de la igualdad entre sexos, y el dilema moral y sentimental que esta desigualdad genera en la mujer.

La trama es bien sencilla, y la presunta economía de recursos enmascara una puesta en escena sofisticada que echa mano del plano secuencia sin que apenas seamos capaces de darnos cuenta, tampoco de su metraje, que aunque breve pasa todavía más rápido ante nuestros ojos. Una trama que podría perfectamente derivar de una obra de teatro, pues aunque se desarrolla en exteriores, lo hace en un escenario muy reducido. Suficiente para generar la debida tensión relativa a la posible pérdida de un hijo en una inhóspita carretera bordeada de un frondoso bosque en el que el atardecer puede acarrear muy trágicas consecuencias.

Con solo tres personajes en pantalla, son especialmente Antonia Zegers y Néstor Cantillana quienes cargan con el mayor peso de la tragedia, interpretando a un matrimonio en el que no tardarán en aparecer los tradicionales estigmas que soporta el género femenino, algo que sin duda resultaría molesto si no contara con su aportación de coherencia en un guion milimetrado, inspirado e inteligentemente intencionado.  La cinta le valió a su director el premio a la mejor dirección en el Festival de Málaga.

LA CORDILLERA DE LOS SUEÑOS Como un espejo

Chile-Francia 2019 84 min.
Guion y dirección Patricio Guzmán Fotografía Samuel Lahu Documental Estreno en el Festival de Cannes 17 mayo 2019; en Francia 30 octubre 2019; en España a partir del 16 diciembre 2021

Dos años después de estrenarse en Francia y ser nominada allí al César al mejor documental, llega una nominación al Goya a la mejor película latinoamericana para esta nueva incursión del director chileno afincado en el país galo Patricio Guzmán en la historia reciente de su país. Cierra este poético y desgarrador film una trilogía sobre la fisonomía del país andino que se inició con Nostalgia de la luz, donde retrataba el norte del país, y El botón de nácar, sobre el sur. Es el turno ahora de la columna vertebral, la Cordillera de los Andes, como metáfora y contenedor de toda la desgracia y desolación que asoló el país durante más de veinte años de dictadura y que aún deja sentir su sombra sobre la pérdida de inocencia y alegría que según su director caracterizaba a su población.

Apoyado en una suntuosa fotografía, con un uso inteligente y apropiado de los drones y un estilo visual épico y majestuoso, Guzmán combina la poesía en su narrativa con su propia voz, con los testimonios de destacados voces de la cultura chilena y el inabarcable e imprescindible material de archivo de Pablo Salas, fotógrafo siempre con su cámara permanentemente a mano, atenta para retratar la vida cotidiana y, muy especialmente, las protestas y el dolor del pueblo. Fue precisamente este material de Salas el que sirvió a Guzmán para realizar en los setenta su díptico La batalla de Chile, y son estos momentos de realidad captados por la cámara en perfecto equilibro los que demuestran el desgarro del odio y la ira vertida sobre el pueblo cuando asoma el fascismo, siempre al acecho y más cuando los pueblos deciden olvidar su memoria, dar la espalda a la controvertida memora histórica, a menudo despreciada por esa derecha rancia y despreciable que nos ha llevado en el mundo entero, con la ayuda inestimable de la primera potencia mundial, a abrazar incondicionalmente el capitalismo, solo para cuestionarlo cuando no nos favorece, con la consecuente cada vez mayor brecha entre riqueza y pobreza.

De todo esto nos habla Guzmán desde una óptica eminentemente cultural. No en vano son gente de la cultura y la ciencia quienes tienen voz en este importante documento, como el escritor Jorge Baradit, los escultores Vicente Gajardo y Francisco Gazitúa, la cantante Javiera Parra, el vulcanólogo Álvaro Amigo y el pintor Guillermo Muño, además del ya mencionado Pablo Salas. Puede que no sea el mejor trabajo y más definitivo sobre la dictadura chilena que haya realizado Guzmán, entre los que se encuentran Salvador Allende en 2004, El caso Pinochet en 2001 y Chile, la memoria obstinada en 1997, pero es desde luego un trabajo concienzudo y aniquilador, que apela a nuestra conciencia no como personas ajenas al drama de un país que según su autor ha ido perdiendo paulatinamente la alegría, sino como protagonistas de un fenómeno que es mundial y que amenaza con destruir nuestra imprescindible comunión con la naturaleza y la sencillez de las cosas. La cordillera de los Andes se erige en este sentido como observadora y vigilante, contenedor de todo ese dolor e incomprensible rabia de unos contra otros, del opresor contra el oprimido, de la sinrazón y la ignorancia contra la naturaleza. Para nosotros y nosotras es como un espejo.

EMA Retrato de una mujer con fuego regenerador

Chile 2019 102 min.
Dirección Pablo Larraín Guion Guillermo Calderón, Alejandro Moreno y Pablo Larraín Fotografía Sergio Armstrong Música Nicolas Jaar Intérpretes Mariana di Girolamo, Gael García Bernal, Santiago Cabrera, Paola Giannini, Giannina Fruttero, Mariana Loyola, Catalina Saavedra, Eduardo Paxeco, Antonia Giesen, Susana Hidalgo, Josefina Fiebelkorn Estreno en el Festival de Venecia 31 agosto 2019; en Chile 26 septiembre 2019; en España 24 enero 2020

Después de desplegar su lenguaje más radical hasta el momento en sus singulares aproximaciones a los personajes de Pablo Neruda y Jackie Kennedy, Pablo Larraín opta ahora por una narrativa más cercana y convencional para contar la curiosa historia de esta joven cuyo nombre da título a la película, de ideas claras y temperamento fértil. No por ello renuncia a seguir explorando vías de experimentación con las que proponer un entretenimiento moderno y sofisticado, igual que lo son sus personajes, que aunque parezcan sacados de la calle ni son arrabaleras ni imitan los tópicos habituales con los que se suele caracterizar ese particular universo de la juventud de los suburbios urbanos, que aquí conocemos como quinquis y chonis.

Larraín vuelve a poner en entredicho y denunciar las convenciones sociales consecuencia de una educación eminentemente religiosa, como hizo en la inquietante e incómoda El club. Para Ema la danza a ritmo de reguetón y trap es una forma de vida, tan sofisticada como si se dedicara al bel canto. En ese ámbito tiene sus propios problemas personales relacionados con los vínculos afectivos, su familia maternal, su pareja y su hijo adoptivo. Precisamente este último será quien desencadene una particular odisea que le llevará por los barrios de Valparaíso en una suerte de thriller en el que todo apunta a una venganza en la que el sexo y la danza como arma de seducción tomarán las riendas de la solución a la intriga y el dilema que plantea.

Entretenida y sorprendente, salpicada con saludables brotes de humor, y con la complicidad de una protagonista que conquista y enamora la pantalla, Ema es un espectáculo visual y sonoro moderno y extravagante sobre una mujer que genera vida a través del fuego, el que expide su mirada y su temperamento, y el que brota del lanzallamas con el que pone en escena sus singulares performances.