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miércoles, 11 de febrero de 2026

LA PIEL DEL AGUA Hechuras de principiante

Costa Rica-Chile 2024 79 min.
Guion y dirección
Patricia Velásquez Fotografía Óscar Herrera Música Juan Carlos Díjeres, Fernando Fonseca y Óscar Herrera Intérpretes Ariana Chaves Gavilán, César Maurel, Juan Luis Araya, Lucía Sauma, Ana Beatriz Fernández Estreno en el Festival de Locarno 16 agosto 2024; en España (Filmin) 16 mayo 2025; 
en Costa Rica 17 julio 2025

Sorprendido (y encantado) debe haber quedado todo el equipo técnico y artístico de esta película al haber alcanzado una nominación al Goya a la mejor película iberoamericana. Muy mala ha tenido que ser la cosecha de este año en Sudamérica para que una cinta como ésta haya merecido la atención siquiera de la Academia. Aunque se trata del tercer largometraje de ficción de Patricia Velásquez, tras Dos aguas y Apego, parece enteramente un trabajo de principiantes, en todos sus aspectos, especialmente de dirección, guion e interpretación, los tres pilares básicos de una película que se precie.

Intenta contarnos las vicisitudes de una adolescente mientras se enfrenta a cuestiones presuntamente tan trascendentales como el primer amor, la relación con un padre hasta entonces ausente y ahora omnipresente, o la hospitalización de la madre por un accidente que en cierto modo ha provocado el lógico apetito de la joven protagonista por la diversión nocturna. Una serie de despropósitos que se van desgranando con cierta coherencia pero falta absoluta de ritmo y tensión, una puesta en escena primigenia y unos factores paupérrimos que hacen que su escasa hora y cuarto de duración parezca interminable.

martes, 1 de julio de 2025

RAMÓN Y RAMÓN Padres, amigos y virus

Perú-España-Uruguay 2025 100 min.
Dirección
Salvador del Solar Guion Salvador del Solar, Héctor Gálvez y Miguel Valladares Fotografía Inti Briones Música Gabriel Casacubierta y Hernán González Villamil Intérpretes Emanuel Soriano, Álvaro Cervantes, Jely Reategui, Beto Benites, Darío Yazbek Estreno en el Festival de San Sebastián 25 septiembre 2025; en salas 27 junio 2025

Salvador del Solar ha repartido su trabajo entre la interpretación y la dirección. Hace unos años destacó relativamente con su película Magallanes, y ahora nos llega esta cinta voluntariosa y bienintencionada. Un drama familiar ambientado en pleno confinamiento por el coronavirus en Lima y zonas rurales de Perú. Una producción en parte financiada por El Deseo, con cameo incluido de Agustín Almodóvar, que pretende analizar la difícil relación, ahora imposible de retomar, entre un hijo homosexual y su padre, a la vez que fija su atención en la relación de amistad que se produce entre el joven y un vecino español, siempre desde el prisma de aquella situación especial que nos invitó a todos y todas a romper con la rutina y sentir que otra forma de vida era posible, aunque el tiempo demostrara que la ilusión era efímera.

Lástima que con premisas tan atractivas, el film deambule entre sus buenas pero malogradas intenciones, un tiempo moroso que lastra el resultado y una falta de interés que se va afianzando paulatinamente. Merece la pena quizás por su envolvente paisajismo y por sus protagonistas, especialmente un Álvaro Cervantes que se convierte en catalizador de la traumática y catártica experiencia del protagonista, Emanuel Soriano, algo más perdido e impostado que su compañero de reparto. Por lo demás, su propia falta de objetivos claros y precisos la convierten en una película irrelevante.

Quiere quizás el virus erigirse en metáfora de las relaciones tóxicas y dependientes, la falta de comprensión y empatía hacia el prójimo y la agresión que todos y todas sufrimos a causa de un sistema que monotoriza nuestros comportamientos y hasta nuestros sentimientos. Pero si es así queda muy diluido, de nuevo falto de una orientación que deje claro el objeto de un análisis que nunca llega a fructificar.

martes, 17 de diciembre de 2024

EL LUGAR DE LA OTRA Oportunidad liberatoria

Chile 2024 95 min.
Dirección
Maite Alberdi Guion Inés Bortagaray, Paloma Salas y Maite Alberdi, según la novela “Las homicidas” de Alia Trabucco Zerán Fotografía Sergio Armstrong Música José Miguel Miranda y Miguel Tobar Intérpretes Elisa Zulueta, Francisca Lewin, Marcial Tagle, Pablo Macaya, Gabriel Urzúa, Gabriel Cañas Estreno en el Festival de San Sebastián 22 septiembre 2024; en Chile 30 septiembre 2024; en España (Netflix) 11 octubre 2024


El cruce entre los talentos de Maite Alberdi como directora y Pablo Larraín como productor deviene en esta interesante y original película que parte de un renombrado crimen ocurrido en el Chile de 1955 para trazar el retrato de una mujer como tantas otras oprimida por un sistema que sólo le reconoce como compañera y asistenta del hombre. La afamada directora de los documentales El agente topo y La memoria infinita, se pasa a la ficción definitiva (esos trabajos ya tenían algo de estructura y estilo de ficción) para narrarnos la historia de dos mujeres unidas por un crimen
La escritora María Carolina Geel, asesinó en el lujoso Hotel Crillón de la capital chilena a su amante, sin que nunca trascendieran los motivos y sin que se aclarase si se encontraba en plenitud de sus facultades mentales o no. Todo hace pensar que fue un crimen premeditado, quizás una rebelión contra el sistema, contra la consideración de sombra de los hombres que se tenía de las mujeres.

Lo cierto es que este hecho consumado da pie en la novela Las homicidas en la que se basa la película, para forjar el retrato de otra mujer, la secretaria del juez encargado del caso, que encuentra en el piso de la encausada el espacio en el que reafirmar su libertad y su independencia. Lástima que en su afán de centrarse en este análisis o tesis argumental, la película pronto se revele reiterativa y de insuficiente relevancia, a pesar de contar con las magníficas interpretaciones de Zulueta y Tagle, y de un diseño de producción muy determinado y determinista, colorido y luminoso en la mejor tradición del telefilm o teleserie de época.

Sin duda la reciente obtención del Premio Forqué a la mejor película latinoamericana impulsará algo más su discreto recorrido comercial, pero no cabe duda que haberse centrado también en la figura de la intrigante escritora, que escribió en reclusión Cárcel de mujeres y logró el indulto gracias a la intermediación de su amiga Gabriela Mistral, habría enriquecido su algo raquítica propuesta.

viernes, 9 de febrero de 2024

LA PECERA Muerte en Vieques

Puerto Rico-España 2023 92 min.
Guion y dirección
Glorimar Marrero Fotografía PJ López Música Sergio de la Puente Intérpretes Isel Rodríguez, Modesto Lacen, Magali Carrasquillo, Maximiliano Rivas, Georgina Borri, Anamin Santiago, Carola García Estreno en el Festival de Sundance 23 enero 2023; en España 26 mayo 2023

Otra película que conoció un estreno muy limitado en nuestras pantallas la primavera pasada, y que ahora que salta a las plataformas digitales, recupera su actualidad mediante la nominación al Goya a la mejor película iberoamericana que ha cosechado. En La pecera, ambientada fundamentalmente en Vieques, isla perteneciente al estado asociado libre de Puerto Rico, su debutante directora nos cuenta en clave muy femenina la historia de una mujer entrada en los cuarenta que se abandona al cáncer que padece cuando tras luchar denostadamente contra él, la metástasis lo ha convertido en imbatible y sólo queda afrontar el dolor y la despedida.

Surgen entonces los clichés habituales en este tipo de productos que ambicionan cultivar un lenguaje eminentemente poético. La mujer lo deja todo atrás, incluso un marido que molesta por lo mucho que se preocupa de manera responsable por ella, para regresar al origen, el hogar familiar en la isla referida, que actúa como metáfora de destrucción y muerte al haber sido víctima de innumerables experimentos militares por parte de Estados Unidos durante décadas, cuyas consecuencias ahora procuran limpiar sus pobladores.

Allí la protagonista, estupenda Isel Rodríguez con un trabajo no sólo intelectual sino también muy físico, abraza el amor maternal, el primer amor, la tierra, el mar, la luz y la naturaleza en general en estado primitivo, manteniendo el cliché propio de este tipo de producciones líricas y sensibles. Para muchos el proceso se antoja caprichoso e irresponsable, aunque su cadencia y la atmósfera contribuyan a hacer su visionado algo amable dentro de la dureza de sus planteamientos y alguna que otra secuencia bastante desagradable.

domingo, 14 de enero de 2024

LA MEMORIA INFINITA Más cariño que compromiso

Chile 2023 85 min.
Guion y dirección
Maite Alberdi Fotografía Pablo Valdés Música José Miguel Tobar y Miguel Miranda Documental Estreno en el Festival de Sundance 21 enero 2023; en Chile 24 agosto 2024; en España 12 enero 2024

Hace un par de años la directora chilena Maite Alberdi saltó a la fama con su particular visión de la vida en un asilo combinando realidad y ficción con pericia y humor. El agente topo sintonizó con público y crítica y logró para su autora un enorme reconocimiento internacional. Ahora regresa con esa rara combinación, más cerca esta vez del documental que de la estricta ficción, pero con un sentimiento más hondo y cierta intención conmovedora a ultranza, para contarnos la historia de amor entre Paulina Urrutia y Augusto Góngora, este último aquejado por ese gran mal de nuestra época que es el alzheimer y que amenaza con borrar nuestra existencia y nuestra identidad antes incluso de que hayamos muerto.

Alberdi narra no sin cierta sensibilidad el día a día de la entrañable pareja en sus últimos días de convivencia, antes de que la enfermedad y el consiguiente deterioro emocional y físico acabaran con la vida del periodista hace escasamente unos meses. Resulta sin embargo recurrente que el drama se asiente una vez más sobre un ambiente burgués y acomodado, como si sólo en esa clase social los estragos fueran evidentes. En cine hemos atendido a los casos reales de Pasqual Maragall y pronto de Carme Elías en formato documental, y Julianne Moore o Norma Aleandro se han prestado a interpretar víctimas de esta enfermedad en galardonadas ficciones. Pero siempre desde ese ángulo de comodidad y bienestar que permite que los gestos de amor sean más fáciles, lo que sin duda resta mérito a esa presunta historia de amor imperecedero que la realizadora, apadrinada por Pablo Larraín en la producción, se empeñan en vendernos. Resulta que el perfil de sus protagonistas, periodista comprometido él, ministra de cultura de Bachelet ella, podría haber dado juego a la hora de dar al conjunto una dualidad que nos permitiera observar los estragos de una enfermedad que borra la memoria, y a la vez el borrado que tantos se empeñan en hacer de los horrores sufridos en el pasado, sea Pinochet en Chile o Franco en nuestro país, con el fin de seguir avanzando y progresando sin sufrir los tropiezos de antaño. Sin embargo, este particular sólo queda meramente apuntado en una cinta que prefiere quedarse en la anécdota sentimental y particular de la vida en pareja, por muchos cortes de documental y televisión que ofrezca para reflejar ese carácter público de los retratados. En este sentido acierta Alberdi al reivindicar las bondades de la imagen y el sonido archivados para protegernos del olvido.

El film queda así como un testimonio convencional del amor en pareja y los estragos de una enfermedad más temible que la propia muerte, por muchos galardones que haya recibido, el Premio del Jurado en Sundance o el Forqué a la mejor película latinoamericana incluidos, además de estar nominada al Goya a la mejor película iberoamericana y precandidata al Oscar a la mejor película internacional. Los paseos y postales sentimentales de la pareja son ilustrados a modo de videoclip con canciones de Silvio Rodríguez o Juan Luis Guerra y las voces de Pablo Collado o Ismael Serrano.

jueves, 25 de mayo de 2023

BLANQUITA Justicia de tintes épicos y místicos

Chile-México-Luxemburgo-Francia-Polonia 2022 94 min.
Guion y dirección
Fernando Guzzoni Fotografía Benjamín Echazarreta Música Chloé Thévenin Intérpretes Laura López, Alejandro Goic, Amparo Noguera, Marcelo Alonso, Daniela Ramírez, Ariel Grandón, Katy Cabezas, Nicolás Durán Estreno en el Festival de Venecia 3 septiembre 2022; en España 12 mayo 2023

Después de un par de largometrajes de moderado interés, el todavía joven realizador chileno Fernando Guzzoni salta a la consagración definitiva con este apasionante thriller que le ha valido un premio al mejor guion en el Festival de Venecia y el Colón de Oro en el de Huelva. Aparentemente se trata de un film de juicios con el abuso sexual contra menores en el seno de las instituciones políticas como telón de fondo. Pero la película de Guzzoni va más allá y pretende con éxito y contundencia erigirse en una denuncia y una justa protesta contra el desprecio de la memoria histórica que tantos supuestos demócratas abrazan como única solución a la convivencia, cuando en realidad predican el aquí no ha pasado nada y viva yo y mis circunstancias.

Blanquita es además una revisión de los iconos y mitos puramente religiosos, enmarcados en una realidad moderna pero incómoda, suburbial y residual, allí donde habitan quienes no nos importan, nos incomodan y apenas responden a nuestros intereses e inquietudes. Se trata pues de una apelación a nuestras conciencias, a que mucho tiene todavía que cambiar y apenas se ha hecho nada en algunas democracias, incluida lamentablemente la nuestra, para paliar el dolor de los desafortunados y someter a la más estricta y elemental justicia a quienes imparten sufrimiento parapetados por el poder y la fascinación que el mismo promueve.

Un concepto de nuevo mártir gravita por esta angustiosa y sobrecogedora película basada sorprendentemente en hechos reales, con un sacerdote y una joven madre dispuestos a hacer la justicia que las hipócritas instituciones políticas y religiosas no están dispuestas a conceder para no quebrantar sus cómodas posiciones. El mérito de Blanquita como producto estrictamente cinematográfico deriva de una dirección sobria y elegante, unas interpretaciones sobresalientes y un sentido narrativo inquietante y misterioso que invita a involucrarse en la trama tanto como a sentirse cómplice de la misma y dejarse llevar por el desasosiego que todo eso implica.

miércoles, 29 de marzo de 2023

ANDALESGAI 2023 (1)

WILDHOOD Buscando mi destino indígena

Canadá 2021 99 min.
Guion y dirección
Bretten Hannam Fotografía Guy Godfree Música Neil Haverty Intérpretes Phillip Lewitski, Joshua Odjick, Avery Winters-Anthony, Michael Greyeyes, Joel Thomas Hynes, Savonna Spracklin, Steve Lund, Mary-Colin Chisholm, Becky Julian Estreno en el Festival de Toronto 11 septiembre 2021; en Estados Unidos 24 junio 2022 (internet)

Realizada a partir de las propias vivencias de su director, la película no deja de ser una típica road movie con protagonistas jóvenes en busca de su destino. Pero tiene la particularidad de ambientarse parcialmente en la comunidad indígena que subsiste en Mi’Kma’Ki, en Nueva Escocia, Canadá, con parte de la película hablada en miq’maq.

Un reducto en el que la espiritualidad y la desconfianza ante nuevas sensibilidades y orientaciones se hacen más palpables. No es ajeno a esta incomprensión el protagonista, un mestizo al que su padre maltrata y que busca a su madre y de paso su herencia identitaria, mientras en el camino se enfrenta a sus propios deseos y anhelos y al despertar del amor.

Se deja ver con agrado, sin conseguir ser nada diferente ni especial a pesar de su exótico paisaje humano, sino más bien echando mano de clichés estilísticos muy manoseados en este tipo de producciones amables de carácter independiente. Se agradecen sus generosos paisajes y la belleza de los cuerpos y rostros jóvenes que los cruzan.

SUBLIME Descubrimientos juveniles

Argentina 2022 100 min.
Guion y dirección
Mariano Biasin Fotografía Iván Gierasinchuk Música Emilio Cervini Intérpretes Martín Miller, Teo Inama Chiabrando, Azul Mazzeo, Joaquín Arana, Facundo Trotonda, Javier Drolas, Carolina Tejeda, Emma Subiela Estreno en el Festival de Berlín 12 febrero 2022; en Argentina 17 noviembre 2022


Al margen de la dificultad de entender los diálogos, en los labios de un grupo de jóvenes de 16 años de media que hablan con un acento muy cerrado y una dicción poco cuidada, esta película sobre una inquebrantable amistad apoya su interés en la ternura que transmite y en la nostalgia que provoca volver a esos años de descubrimiento de la propia identidad

Su primera escena, un falso video doméstico, nos muestra ya al joven protagonista, todavía niño, en espera impaciente de su mejor amigo para celebrar su cumpleaños. Varios años después ambos forman parte junto a otros compañeros de clase de un grupo de rock juvenil, entonando canciones expresamente compuestas para la película por Emilio Cervini.

A partir de ahí asistimos a una sucesión de episodios en los que el desencanto con la sexualidad pretendida y el descubrimiento de otras alternativas irán mermando la felicidad del joven protagonista, entre encuentros frustrados, tardes de playa y escenas de clase, tejiéndose en el interior del joven una serie de preguntas y respuestas que tendrá que dilucidar a través de decisiones cruciales. Premiada en San Sebastián con el Sebastiane a la mejor película iberoamericana, también se pudo ver en el Festival de Gijón.

MARTE UNO El despertar del insomnio

Título original: Marte Um
Brasil 2022 115 min.
Guion y dirección
Gabriel Martins Fotografía Leonardo Feliciano Música Daniel Simitan Intérpretes Cícero Lucas, Carlos Francisco, Camilla Damiao, Rejane Faria, Ana Hilario, Russo Apr, Robson Vieira, Juan Pablo Sorin, Tokinho Estreno en el Festival de Sundance 20 enero 2022; en Brasil 25 agosto 2022


Bajo apariencia de película amable y llena de ternura, el director brasileño Gabriel Martins ofrece un retrato emotivo y en cierto modo amargo de una familia de clase media-baja en una ciudad de provincias en el Brasil inmediatamente posterior a la llegada de Bolsonaro al poder. Esperanzas que se van diluyendo en una sociedad fuertemente capitalista en la que cada vez cuesta más sobrevivir y en la que la felicidad se confía a la posibilidad de convertirse en una figura del fútbol, colaboración de Sorin, estrella del Cruzeiro Esporte Clube, o formar una familia convencional heteronormativa. 
Ilusiones que se van perdiendo ante una realidad que impone su propia dinámica y en la que la llegada de la separación de los hijos se hace dolorosamente inminente.

Martins confía en su poderoso elenco para lograr la empatía del público, a través de episodios que siguen las vicisitudes de cada uno y una de las cuatro integrantes de esta familia humilde pero alegre, bajo una estética colorista y una banda sonora llena de ritmo y sabor que sirve para constatar el espíritu desenfadado y luchador de un pueblo que se resiste a sucumbir a las circunstancias, por malas que se prevean bajo el prisma de una ultraderecha corrupta y represora.

El sueño de llegar a escapar del planeta y colonizar otro, Marte, se confunde con el insomnio de la madre, afectada por bromas televisivas de dudoso gusto y el orgullo de sentirse amiga de uno de los más importantes influencers del país, la ambigua y sofisticada de baja estatura Tokinho, que imprime al conjunto de un agradable espíritu de tolerancia y diversidad, aun tratándose de los tradicionales consuelos de una sociedad eclipsada por valores poco aconsejables.

sábado, 18 de marzo de 2023

LOS REYES DEL MUNDO Poética del desarraigo

Colombia-Luxemburgo-Francia-México-Noruega 2022 111 min.
Dirección
Laura Mora Ortega Guion María Camila Arias y Laura Mora Ortega Fotografía David Gallego Música Leonardo Heiblum y Alexis Ruiz Intérpretes Carlos Andrés Castañeda, Davison Florez, Brahian Acebedo, Cristian Campaña, Cristian David Duque, Jacqueline Duque, Luis Eduardo Benjumea, Violeta Zabala, Esteher Posada Arias, María Adela Villa Estreno en el Festival de San Sebastián 21 septiembre 2022; en Colombia 6 octubre 2022; en España 17 marzo 2023

La flamante ganadora de la Concha de Oro en el pasado Festival de San Sebastián, ni siquiera considerada en los Goya para una merecida nominación a mejor película latinoamericana, es una valiente y desgarradora crónica sobre la ausencia de esperanza y el derroche de ilusión de unos jóvenes de Medellín condenados al desarraigo y privados de su herencia legítima. Cuenta en clave semi documental, desde el momento en que cada uno y una, incluida la funcionaria del registro, parecen interpretarse a sí mismos, el viaje épico y casi homérico de una pandilla de jóvenes sin futuro hacia la tierra prometida, en forma de predio arrebatado por las fuerzas paramilitares colombianas y ahora devueltas pretendidamente, en otro ejercicio de hipocresía institucional, a sus legítimos herederos. 
Un viaje jalonado de travesuras y aventuras, pero también de tragedia y dolor, que los cinco hombres, sin acceso a la educación y sumidos solo en la cultura de la violencia, emprenderán en un ejercicio de absoluta y rotunda libertad que quienes vivimos una vida cómoda pero convencional nunca experimentaremos.

Sorprende que sean mujeres, realizadora y guionista, quienes hayan urdido esta trama de machitos incontrolables, si bien es su sensibilidad la que logra dar al conjunto el tono poético que merece y da sentido al conjunto, consiguiendo una película dura y a la vez hermosa, tan bellamente fotografiada y con tan majestuosas localizaciones. Una cinta esmerada en todos sus detalles, contando para ello con el apoyo imprescindible de la producción europea, aunque en ella se eche en falta colaboración española. Los reyes del mundo es en última instancia un retrato más de los desheredados de este mundo, las víctimas de un sistema que necesita sacrificios para subsistir y en el que no tienen cabida ni la clemencia ni la esperanza, como muy bien representa ese hogar oníricamente calcinado de quienes ni en la vejez tienen derecho a un descanso digno.

Quizás el uso tan recurrente del caballo blanco sea el único reproche posible a una cinta que no necesitaba de ese trillado recurso para expresar con poesía todo ese dolor que es lo único que en última instancia encuentra arraigo en esa tierra tantas veces prometida y tan a menudo prohibida. Se exhibe con subtítulos dada la ininteligible jerga que utilizan sus protagonistas para comunicarse, por otro lado cinco jóvenes con todo el talento necesario para dar credibilidad a la empresa cuando lo más seguro es que ni siquiera sean capaces de entender la grandeza y el significado de la tragedia que están interpretando.

jueves, 9 de febrero de 2023

TRES NOMINADAS A LOS GOYA

OSWALD: EL FALSIFICADOR ¿Quién es este hombre?

España 2022 100 min.
Dirección
Kike Maíllo Guion Marta Castillo Fotografía Rubén Collado Música Marc Timón Documental Estreno en internet (Filmin) 30 septiembre 2022

Probó suerte con la ciencia-ficción (Eva) y el drama de acción (Toro), después con la televisión y ahora con el documental. Kike Maíllo nos acerca a un controvertido y excéntrico personaje, Oswald Aulestia, pero aunque se presenta como el más importante falsificador de arte de todos los tiempos, no encontramos información alguna sobre sus hazañas salvo a partir del estreno de la película y la relativa atención mediática que ha recibido desde entonces. Eso y el estilo narrativo de la cinta, con testimonios que más bien parecen impostados, si no directamente fruto de la interpretación de actores y actrices, hace que no nos fiemos demasiado de la autenticidad de lo que se cuenta. 
Sin embargo una lectura detallada de sus créditos finales aseguran que se trata de un documental en toda regla, con apenas modificaciones por razones puramente narrativas, y así ha debido entenderlo nuestra Academia de Cine, que lo ha nominado al mejor documental del año.

Maíllo y su protagonista han trabajado a fondo en su particular thriller sobre estafas y aventuras en medio mundo, con unos recursos holgados y continuas idas y venidas entre Barcelona, Miami y Florencia, además de un sinfín de colaboradores entre los que se cuelan sospechosos policías nacionales, psicólogos, marchantes de arte y hasta el hijo de Eduardo Chillida. Nada de esto sería un inconveniente si lograra atrapar al espectador, que se pierde entre anécdotas intrascendentes y un perfil del personaje tan difuminado como el que apenas logran dibujar sus presuntos allegados.

El aspecto de documental forzado ya lo encontrábamos en otros trabajos más lúcidos como En busca del Óscar, donde se analizaba la figura de un crítico de cine que no veía las películas, y El agente topo, donde un infiltrado protagonizaba una comedia en el seno de una residencia de ancianos. La de Maíllo no acaba de cuajar, apenas interesa y no logra perfilar una trama consistente que justifique la dedicación de un público en potencia. Al menos hay que reconocer que se trata de un trabajo elegante y organizado.

UNICORN WARS Bestias de peluche

España-Francia 2022 91 min.
Guion y dirección
Alberto Vázquez Música Joseba Beristain Animación Estreno 21 octubre 2022

Ganador del Goya en 2016 a la mejor película de animación por Psiconautas, Alberto Vázquez echa mano ahora de su cortometraje Sangre de unicornio, nominado así mismo al Goya en 2014, para recrear una cruenta batalla entre ositos de peluche y unicornios en una indigesta propuesta que combina mensajes ecologistas, antifascistas, antibélicos y antirreligiosos con una tremenda dosis de violencia gore, crímenes de lo más execrables y unas premisas que no son aptas no ya para niños y niñas sino para nadie en general.

El proceso recuerda a la muy reconocida e igualmente deleznable La famosa invasión de los osos en Sicilia, que como ésta era una coproducción francesa aunque en ese caso con Italia. En el aspecto estético Vázquez articula una combinación entre Disney tradicional y Manga que sucumbe al vicio de recrear animales y objetos como si fuesen humanos (los ositos tienen incluso genitales de nuestra especie), al objeto de criticar el miedo como arma invencible para dominar y pretexto para ofrecer momentos terriblemente violentos y desagradables.

En el lado bueno, a ese cuidado aspecto visual y conseguido tratamiento del color hay que sumar la acertada banda sonora de Joseba Beristain, Orfeón Donostiarra incluido, si bien no justifica la nominación al Goya a la mejor canción, además del correspondiente a película de animación, por mucho Ave Satani de Goldsmith para La profecía que le sirva de referencia y precedente.

UTAMA La épica del desarraigo

Bolivia-Uruguay-Francia 2022 87 min.
Guion y dirección
Alejandro Loayza Grisi Fotografía Bárbara Álvarez Música Cergio Prudencio Intérpretes Luisa Quispe, José Calcina, Santos Choque, Jorge Yucra Nogales, Félix Ticona Estreno en el Festival de Sundance 22 enero 2022; en Bolivia 29 septiembre 2022; en España 28 octubre 2022


Se nota en su primer trabajo como director que Alejandro Loayza Grisi ha sido hasta ahora fotógrafo, aunque en el film haya confiado esta labor a Bárbara Álvarez. De ella, de la mano naturalmente del debutante realizador y su particular visión y planificación, es el mérito de esta cinta que con pocos recursos y una narrativa muy sencilla, consigue sin embargo traspasar el umbral de lo épico y situarse al nivel de grandes superproducciones en lo que a tratamiento de la imagen se refiere.

Así, la región boliviana de Potosí aparece esplendorosa ante nuestros ojos, a pesar de una terrible, y casi insólita, sequía que nos lleva inmediatamente a pensar en el cambio climático, y que condiciona la supervivencia de quienes habitan la zona y se dedican fundamentalmente a la ganadería, como los protagonistas, dos abuelos a quienes la visita de su nieto urbanita les va provocar un revulsivo en sus vidas.

Loayza trata con mucho mimo y más ternura a sus personajes, que se comunican en castellano y quechua, dejan entrever sus filias y diferencias y comulgan con una naturaleza viva, entre llamas y espléndidas montañas, mientras comparten con los halcones el devenir futuro del ciclo vital. Un film precioso que logró en Sundance el Premio del Jurado en la sección World Cinema, y los de mejor película, dirección y música en la sección iberoamericana del Festival de Málaga, optando ahora al Goya en esa categoría.

viernes, 3 de febrero de 2023

BARDO, FALSA CRÓNICA DE UNAS CUANTAS VERDADES Onírica y pretenciosa

México 2022 159 min.
Dirección
Alejandro González Iñárritu Guion Alejandro González Iñárritu y Nicolás Giacobone Fotografía Darius Khondji Música Bryce Dessner y Alejandro González Iñárritu Intérpretes Daniel Giménez Cacho, Griselda Siciliani, Íker Sánchez Solano, Ximena Lamadrid, Louis Couturier, Luz Jiménez, Andrés Almeida, Clementine Guadarrama, Jay O. Sanders, Francisco Rubio, Noé Hernández, Fabiola Guajardo, Iván Massagué Estreno en el Festival de Venecia 1 septiembre 2022; en México 27 octubre 2022; en España 4 noviembre 2022; en internet (Netflix) 16 diciembre 2022

Daniel Giménez Cacho interpreta en esta interminable película a un cineasta documentalista mexicano que regresa a su país tras largos años viviendo y triunfando en Los Angeles, para recibir un homenaje de sus compañeros y compañeras periodistas. Le da la réplica, dando vida a su esposa, Griselda Siciliani, a quien vimos en Sentimental de Cesc Gay. La más acertada crítica que pueda hacérsele a esta película ya la pone Iñárritu en los labios de uno de los colegas, y declarado enemigo, del protagonista cuando se refiere a su último documental, al que define de onírico y pretencioso. Desmesurado y por momentos incluso irritante añadiríamos nosotros, además de repleto de referencias a otros cineastas, desde Fellini a Fosse pasando por Sorrentino y Buñuel, sin llegar en ningún caso a la grandeza ni el acierto de ninguno de ellos.

Está claro que el director de Amores perros y la insufrible Birdman se analiza a sí mismo, su país y su relación con el mismo, desde todo punto de vista, histórico, político, económico y social, en esta crónica saturada de momentos surrealistas y pistas diversas, a la que no obstante cabe reconocer su tremendo esfuerzo de producción, con un abultadísimo equipo internacional a su mando, y el concienzudo trabajo de su protagonista. No falta el collage musical en el que cumbias, cha cha chás, marchas, rancheras y música pop conviven con la partitura original de un Bryce Dessner que a menudo pretende emular a Morricone.

Entre sus numerosas secuencias y episodios caben destacar la de los desaparecidos, la conversación con Hernán Cortés sobre una montaña de indígenas cadáveres, y sobre todo el baile multitudinario en el que la cámara se mueve milagrosamente por todos los rincones y entre todos y todas las invitadas, mientras Cacho baila extasiadamente al son del Let’s Dance de Bowie a capellaPero a pesar de toda su espectacularidad, efectos visuales y una fotografía enfática excesivamente resuelta con gran angular y sin apenas primeros planos, además de continuos planos secuencia, todo resulta banal e intrascendente, frío y distante, convirtiéndose quizás en el trabajo menos logrado del director y su mayor fracaso hasta el momento. No hay en su película la poesía sincera e inspirada que profesa un auténtico bardo.

miércoles, 2 de febrero de 2022

LA CORDILLERA DE LOS SUEÑOS Como un espejo

Chile-Francia 2019 84 min.
Guion y dirección Patricio Guzmán Fotografía Samuel Lahu Documental Estreno en el Festival de Cannes 17 mayo 2019; en Francia 30 octubre 2019; en España a partir del 16 diciembre 2021

Dos años después de estrenarse en Francia y ser nominada allí al César al mejor documental, llega una nominación al Goya a la mejor película latinoamericana para esta nueva incursión del director chileno afincado en el país galo Patricio Guzmán en la historia reciente de su país. Cierra este poético y desgarrador film una trilogía sobre la fisonomía del país andino que se inició con Nostalgia de la luz, donde retrataba el norte del país, y El botón de nácar, sobre el sur. Es el turno ahora de la columna vertebral, la Cordillera de los Andes, como metáfora y contenedor de toda la desgracia y desolación que asoló el país durante más de veinte años de dictadura y que aún deja sentir su sombra sobre la pérdida de inocencia y alegría que según su director caracterizaba a su población.

Apoyado en una suntuosa fotografía, con un uso inteligente y apropiado de los drones y un estilo visual épico y majestuoso, Guzmán combina la poesía en su narrativa con su propia voz, con los testimonios de destacados voces de la cultura chilena y el inabarcable e imprescindible material de archivo de Pablo Salas, fotógrafo siempre con su cámara permanentemente a mano, atenta para retratar la vida cotidiana y, muy especialmente, las protestas y el dolor del pueblo. Fue precisamente este material de Salas el que sirvió a Guzmán para realizar en los setenta su díptico La batalla de Chile, y son estos momentos de realidad captados por la cámara en perfecto equilibro los que demuestran el desgarro del odio y la ira vertida sobre el pueblo cuando asoma el fascismo, siempre al acecho y más cuando los pueblos deciden olvidar su memoria, dar la espalda a la controvertida memora histórica, a menudo despreciada por esa derecha rancia y despreciable que nos ha llevado en el mundo entero, con la ayuda inestimable de la primera potencia mundial, a abrazar incondicionalmente el capitalismo, solo para cuestionarlo cuando no nos favorece, con la consecuente cada vez mayor brecha entre riqueza y pobreza.

De todo esto nos habla Guzmán desde una óptica eminentemente cultural. No en vano son gente de la cultura y la ciencia quienes tienen voz en este importante documento, como el escritor Jorge Baradit, los escultores Vicente Gajardo y Francisco Gazitúa, la cantante Javiera Parra, el vulcanólogo Álvaro Amigo y el pintor Guillermo Muño, además del ya mencionado Pablo Salas. Puede que no sea el mejor trabajo y más definitivo sobre la dictadura chilena que haya realizado Guzmán, entre los que se encuentran Salvador Allende en 2004, El caso Pinochet en 2001 y Chile, la memoria obstinada en 1997, pero es desde luego un trabajo concienzudo y aniquilador, que apela a nuestra conciencia no como personas ajenas al drama de un país que según su autor ha ido perdiendo paulatinamente la alegría, sino como protagonistas de un fenómeno que es mundial y que amenaza con destruir nuestra imprescindible comunión con la naturaleza y la sencillez de las cosas. La cordillera de los Andes se erige en este sentido como observadora y vigilante, contenedor de todo ese dolor e incomprensible rabia de unos contra otros, del opresor contra el oprimido, de la sinrazón y la ignorancia contra la naturaleza. Para nosotros y nosotras es como un espejo.

martes, 1 de febrero de 2022

CANCIÓN SIN NOMBRE Maternidad violada

Perú-España-Suiza-USA 2019 97 min.
Dirección
Melina León Guion Melina León y Michael J. White Fotografía Inti Briones Música Pauchi Sasaki Intérpretes Pamela Mendoza, Tommy Párraga, Luco Rojas, Ruth Armas, Maykol Hernández, Bruno Odar Estreno en el Festival de Cannes 16 mayo 2019; en Internet 15 septiembre 2021


La
realizadora peruana afincada en Estados Unidos, Melina León, estrenó este su primer largometraje en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes; ni esto ni contar con la producción de varios países y la colaboración del escritor norteamericano Michael J. White en el guion, le ha servido para estrenar de manera algo más holgada. Solo un puñado de países, entre ellos, ¡cómo no, Francia!, lo han hecho en salas, mientras otros lo han derivado a internet, como el nuestro, que lo estrenó en filmin el pasado septiembre. Nuestra aportación incluye al actor canario Maykol Hernández, cuyo personaje visibiliza el problema de la identidad sexual en los convulsos años ochenta peruanos, cuando terminada la dictadura del Gobierno Revolucionario de la Fuerza Armada, los nuevos gobernantes no quisieron poner fin a la corrupción y no fueron capaces de hacerlo con el terrorismo de extrema izquierda que asolaba la nación.

En este contexto la protagonista ve como su hija recién nacida es secuestrada en el paritorio para especular con su adopción. El drama de los niños y niñas robadas es por lo tanto el eje y tema del film. Desolada y desgarrada por el dolor, encuentra la ayuda de un periodista para esclarecer los hechos e interponer la correspondiente denuncia. En blanco y negro y con el formato de moda, en pantalla cuadrada, León sigue a sus personajes con cierta distancia, sin definirlos en exceso y dejando que sean las sensaciones, en parte por unos diálogos difíciles de entender entre el acento y la invasión de sonido ambiente y música, las que vayan proponiendo este viaje a la desesperanza que protagonizan ambos personajes.

Pero sobre todo destaca que la directora pone énfasis en las costumbres y tradiciones, la cultura, del pueblo indígena, duramente castigado durante siglos desde la invasión descubridora. Así lo demuestra esa canción de cuna a la que la madre seccionada se agarra para mitigar su dolor. Solo hace falta viajar al país andino para observar que las clases adineradas y empoderadas son caucásicas, mientras el resto de la población, la mayoría, es indígena y apenas sobrevive en el umbral de la pobreza. El film se erige por tanto en un documento necesario y relevante, en el que además se ha puesto interés en sus calidades artísticas, puramente cinematográficas, aunque su esquematismo, cierta falta de empatía, y la falta de respuestas acaben malogrando en parte su resolución. Fue en 2019 la película vencedora del Festival de Huelva y atesora este año una nominación al Goya.

domingo, 17 de octubre de 2021

DISTANCIA DE RESCATE Adivina, adivinanza

Perú-Chile-España-USA 2021 93 min.
Dirección
Claudia Llosa Guion Claudia Llosa y Samantha Schweblin Fotografía Óscar Faura Música Natalie Holt Intérpretes María Valverde, Dolores Fonzi, Guillermo Pfening, Germán Palacios, Emilio Vodanovich, Guillermina Sorribes Liotta, Marcelo Michonaux, Macarena Barros Montero Estreno en el Festival de San Sebastián 20 septiembre 2021; en España 8 octubre 2021; en Internet 13 octubre 2021


La directora de La teta asustada vuelve a fijar su atención en las relaciones entre madres e hijos e hijas, tras su primera producción española con No llores, vuela, rodada en inglés con reparto internacional. Su fuente de inspiración en esta ocasión es la novela corta de la argentina Samantha Schweblin, saludada hace siete años con todos los honores y definida como un maridaje perfecto entre estilo narrativo o forma y estado mental. No en vano parece ser que la historia cuenta los delirios de una madre en la cama de hospital donde supuestamente se está despidiendo de la vida. Su título original, Distancia de rescate, hace referencia al recorrido que puede llegar a hacer una madre para salvar a su hija o hijo en peligro, mientras el título anglófono, Fever Dream, resulta más explícito en cuanto al estado mental de su protagonista.

Ella es María Valverde, que desde que se convirtió en la esposa del exitoso director de orquesta Gustavo Dudamel se prodiga cada vez menos en el cine. Su belleza inmarchitable, que le hace seguir pareciendo una adolescente, no casa bien con una defectuosa dicción que, junto al acento chileno y argentino del resto del elenco, dificulta el entendimiento de una trama ya de por sí bastante complicada de seguir tal como la han planteado Llosa y la misma Schweblin en el guion. Todo parece indicar que se trata de las complejas relaciones entre madres e hijos, los miedos de la maternidad y el enfrentamiento a la misma en soledad. Para ello Valverde y Dolores Fonzi (La Patota) se entregan a una ambigua relación quizás sentimental que pone las cosas aún más difíciles, siempre dentro de parajes verdes y frondosos, en lujosas mansiones de campo con piscina incluida y generosas exhibiciones de cuerpos esbeltos en bikini.

Leemos en otras crónicas que lo mejor es abandonarse a la belleza estética de la propuesta y no preocuparse por la intensa psicología que plantea su enrevesada y desordenada trama. Bueno, es una manera de reconocer que no se ha entendido nada sin arriesgarse a condenar un tipo de producto que lamentablemente suele ser carne de defensa esnobista. Quizás es que no estuvimos atentos a los detalles, como advierte frecuentemente el niño que dialoga con la protagonista en off, una indicación que nos recuerda inevitablemente al personaje que interpretaba Ángel Garó en televisión, Juan de la Cosa, cuando planteaba una adivinanza.

martes, 7 de septiembre de 2021

EL BAILE DE LOS 41 Los privilegios de los hombres

México-Brasil 2020 93 min.
Dirección
David Pablos Guion Monika Revilla Fotografía Carolina Costa Música Carlo Ayhllón y Andrea Balency-Béarn Intérpretes Alfonso Herrera, Mabel Cadena, Emiliano Zurita, Fernando Becerril, Rodrigo Virago, Fernanda Echevarría, Sergio Solís, Álvaro Guerrero Estreno en México 19 noviembre 2020; en España (Netflix) 12 mayo 2021

El próximo sábado 25 de septiembre se entregan en México los Premios Ariel y esta película es la que cuenta con el mayor número de nominaciones, doce en total. Ya se sabe, una producción suntuosa de época acaba destacándose en el mayor número de categorías. Su director, David Pablos, se interesó en sus anteriores trabajos por las relaciones entre hermanos (La vida después) y por el tráfico de mujeres (Las elegidas), y ahora fija su atención en un caso que conmocionó a la opinión pública y la sociedad biempensante del México de Porifiro Díaz, a comienzos del siglo XX. Una redada en noviembre de 1901 acabó con la detención de más de cuarenta hombres que acudían a una fiesta en su mayoría travestidos, con síntomas evidentes de practicar la homosexualidad.

Se trataba de hombres de las altas esferas sociales y políticas del país, y entre ellos el propio yerno del presidente. El acontecimiento sirve a Pablos para analizar sin embargo una cuestión que se aparta considerablemente de la que en principio pudiera parecernos. No se trata aquí de denunciar el trato recibido por los homosexuales, la consabida represión y los sentimientos frustrados de dos hombres que se aman. La verdadera cuestión que suscita el interés del film es el martirio emocional al que es sometida la ingenua esposa, hija por cierto bastarda del presidente, india para más señas, y sin embargo bendecida con el trato de favor de su influyente padre. No se trata solo del engaño y la estafa a la que millones de mujeres han sido sometidas como consecuencia de un sistema que obligaba a guardar las apariencias y hacer infelices a ambos cónyuges, sino que Pablos logra transmitir esa sensación de privilegio que han tenido siempre los hombres, especialmente en las altas clases sociales, y que les ha permitido disfrutar de una doble vida, con sus inconvenientes pero también sus ventajas, frente a una mujer siempre obligada a callar y soportar.

Es ahí donde radica el interés y la originalidad de esta lujosa producción, que sin embargo y a pesar de su corta duración, tiende a estancarse en más de una ocasión, cuando su tesis queda tan cristalinamente expuesta que no necesita de mayores artilugios. A destacar el imponente trabajo del protagonista Alfonso Herrera, y sobre todo la sensacional interpretación de Mabel Cadena, así como una excelente fotografía, luminosa y contrastada, y una sugerente banda sonora en la que también tienen cabida populares sintonías clásicas.

viernes, 4 de junio de 2021

EL AÑO DE LA FURIA Folletín en tiempos de dictadura

España-Uruguay 2020 102 min.
Guion y dirección
Rafa Russo Fotografía Daniel Aranyo Música Claudia Bandagí Intérpretes Alberto Ammann, Joaquín Furriel, Daniel Grao, Martina Gusman, Maribel Verdú, Sara Sálamo, Paula Cancio, Miguel Ángel Solá, Daniel Freire, Sebastián Iturria Estreno en el Festival de Valladolid 25 octubre 2020; en salas comerciales 28 mayo 2021

Curtido en la escritura de guiones (Lluvia en los zapatos, Aunque tú no lo sepas), con varios cortometrajes y un largometraje (Amor en defensa propia) en su haber como director, El año de la furia supone el ambicioso regreso de Rafa Russo a la dirección de largometrajes, con resultados bastante decepcionantes. Y lo son por el tratamiento narrativo, excesivamente plano y convencional, y sobre todo por el guion, lo que es más grave teniendo en cuenta que lleva más de veinte años dedicado a ello.
 
Hay aquí un sinfín de personajes conectados por el azar en una ciudad tan poblada como Montevideo y un momento tan delicado como la amenaza del totalitarismo militar a principios de los años setenta del pasado siglo, que conviven y se relacionan merced a ese fenómeno tan querido por el cine español como es la casualidad. De esta manera no hay quien se trague que en una pensión convivan guerrilleros tupamaros con humoristas comprometidos con la libertad y la anticorrupción y una prostituta que compagina este antiguo oficio con el de dependienta en una zapatería que regenta el marido del antiguo amor de uno de los intelectuales humoristas, y que acaba también por azar aliviando el dolor de conciencia del torturador de uno de los residentes en la pensión. Tela marinera para apenas dos horas de metraje rodados como si fuera un folletín de sobremesa, con imagen filtrada y azulada para emular el tono de las fotografías de la época, y música de saldo muchas veces inoportuna.
 
Se salva por su vocación de entretenimiento, su buena voluntad de denunciar la barbarie del totalitarismo y el respaldo que la administración Nixon llevó a cabo entonces en dictaduras en ciernes como las de Uruguay, Argentina y Chile, una forma de colonialismo económico que sigue ejerciendo ahora con otros enemigos que suplantan al fenecido comunismo. Pero no hay aquí profundidad de análisis o reflexión como sí pudimos encontrar en No de Pablo Larraín, o ni siquiera en La noche de 12 años de Álvaro Brechner. El reparto funciona bien, y su entramado de pasiones frustradas entretiene aunque ni conmueve ni apenas logra interesar, todo lo cual converge en un producto tan inútil como malogrado.

martes, 11 de mayo de 2021

EL OLVIDO QUE SEREMOS Santo y mártir laico

Colombia 2020 136 min.
Dirección
Fernando Trueba Guion David Trueba, según la novela de Héctor Abad Faciolince Fotografía Sergio Iván Castaño Música Zbigniew Preisner Intérpretes Javier Cámara, Juan Pablo Urrego, Nicolás Reyes Cano, Patricia Tamayo, María Tereza Barreto, Clara Londoño, Elizabeth Minotta, Kami Zea, Camila Zarate, Whit Stillman, Laura Rodríguez, Luz Myriam Guarin, Aida Morales, Gustavo Angarita Estreno en Colombia 22 agosto 2020; en España 7 mayo 2021

Se nos escapan las razones que han llevado al cine colombiano a confiar en Fernando Trueba para dirigir esta película sobre uno de los hombres más emblemáticos de la lucha reciente en ese país por los derechos humanos y las causas humanitarias. No tanto si en lugar de venderla como una película de encargo lo hubiesen hecho mejor como un proyecto personal del director de Belle Époque para el que ha encontrado financiación en el país que fue patria de Héctor Abad Gómez y su hijo, cuya mirada plasmada en una novela autobiográfica se convierte en narradora de tan entrañable historia. La participación de David Trueba en el guion, que no colaboraba con su hermano desde La niña de tus ojos, hace que la balanza se decante por la segunda hipótesis, dado el carácter afable y eminentemente humanista del realizador de Vivir es fácil con los ojos cerrados. Suya puede ser también la responsabilidad de que Javier Cámara tome las riendas de este proyecto, en un registro muy diferente al que nos tiene acostumbrados, y con resultados altamente estimulantes.

Pero Trueba se ha decidido por el melodrama familiar y romántico más que por la crónica política y social que un personaje como éste demandaba. A la vez la película se erige como un canto de amor de un hijo hacia su padre, repitiendo ese esquema que tanto sorprendió en la inigualable Un lugar en el mundo, donde no asistíamos a ningún acontecimiento del que su infante protagonista no hubiera sido testigo directo. Aquí dos actores incorporan al único hijo entre una pléyade de hijas, el más pequeño con más fortuna que el mayor, pero en cualquier caso dando relieve humano y sentimental a este personaje tan agradecido por haber recibido de su padre una educación en valores fuera de los tradicionales y especialmente los religiosos. Los Trueba lanzan una fina lluvia de estos valores, sin profundidad ni análisis, desde la generosidad y el compromiso con el prójimo al cultivo de los bienes espirituales por encima de los materiales, en un claro ejemplo de progresía burguesa que poderes públicos y capos del narco prefirieron tildar de marxista. Esa lucha por una sanidad universal que encabezó el reputado médico se diluye entre tanto episodio entrañable y melodramático familiar.

No encontramos así en el conjunto un estudio considerable de la situación del país y la época, fundamentalmente década de los setenta del pasado siglo, sino más bien un culebrón familiar en la línea de un Cuéntame como pasó pero con producción de mayor empaque y algunas soluciones estéticas que pretenden proporcionar modernidad a un producto previsiblemente anticuado, un poco rancio. Se agradecen no obstante sus buenas intenciones, el cariño depositado en la empresa tanto por su equipo técnico como por el artístico, y el extraordinario trabajo de un Javier Cámara que merecía haberse lucido en un producto de mayor alcance y relieve.

jueves, 18 de febrero de 2021

NUEVO ORDEN Crueldad extrema

México-Francia 2020 88 min.
Guion y dirección
Michel Franco Fotografía Ives Cape Intérpretes Naian González Norvind, Diego Boneta, Darío Yazbek Bernal, Patricia Bernal, Analy Castro, Fernando Cuautle, Roberto Medina, Lisa Owen Estreno en el Festival de Venecia 10 septiembre 2020; en México 22 octubre 2020; en España 19 febrero 2021

Con su anterior película, Las hijas de Abril, protagonizada por Emma Suárez, muchos quisieron ver en Michel Franco la mirada de Luis Buñuel. Razón no les debía faltar porque también en esta película parece filtrarse algo del universo del director aragonés, en el retrato de los personajes, la lucha de clases y la visión distópica de una catástrofe humana, política y social inevitable ante la deriva autoritaria que están tomando muchos de los regímenes que consideramos democráticos.

Franco se afana ahora en retratar con todo lujo de detalles y una puesta en escena descomunal una suerte de revolución francesa en el México actual, pero alejándose del estilo al que nos tiene acostumbrados Hollywood en este tipo de cintas catastrofistas, en las que una pizca de sentimiento y algo de aventura suele relajar y rebajar el componente estrictamente violento de la función. Franco por el contrario muestra una lucha cruenta, dura y descarnada, prácticamente insostenible para cualquier carácter sensible. Cierto que maneja los recursos con agilidad y solvencia, y es capaz de hacernos reflexionar sobre estas modernas revoluciones manipuladas desde el poder con el fin de cambiar el estado de las cosas a fuerza de embaucar a un proletariado cada vez más hastiado, perdido y confundido.

Sin embargo la empresa se nos antoja algo fallida desde el momento en que a pesar de su escasa duración, el relato se nos hace largo y repetitivo, casi como si su autor no tuviera mucho que contar y despachara el drama con un argumento demasiado directo y trivial, sin los relatos alternativos y complementarios habituales en este tipo de producciones. El resultado es devastador e incómodo, lo que no le ha impedido hacerse con el Gran Premio del Jurado en Venecia y con el Forqué a la mejor producción latinoamericana del pasado año, con cuya tragedia es fácil identificar y comparar algunas de las propuestas de este particular apocalipsis, aunque en este sentido la cinta solo fuera profética. Como curiosidad cabe destacar la presencia en el reparto de la madre y el hermanastro de Gael García Bernal.

martes, 2 de febrero de 2021

YA NO ESTOY AQUÍ Desarraigo cultural

México-USA 2019 112 min.
Guion y dirección
Fernando Frías de la Parra Fotografía Damián García Intérpretes Juan Daniel García, Coral Puente, Angelina Chen, Jonathan Espinoza, Leo Zapata, Leonardo Garza, Yahir Alday Estreno en el Festival de Morelia 20 octubre 2019; en internet 27 mayo 2020

La gran triunfadora de los Premios Ariel del cine mexicano del año pasado, Ya no estoy aquí supone también la consagración de un cineasta ya saludado como gran artista y mago de la imagen, Fernando Frías de la Parra, con tan solo una película (Rezeta) y dos series de televisión en su haber. 
Estrenada en Netflix después de recorrer varios festivales, la cinta cuenta una historia de desarraigo, la de un joven apasionado de las kolombias, bailes y músicas frecuentadas en Monterrey y objeto de una contracultura de barrio marginal, que debido a una serie de circunstancias debe emigrar a Estados Unidos, donde vivirá entre la nostalgia y la determinación por volver.

Su protagonista rebosa personalidad y un físico atractivo y nada convencional, pero paradójicamente se instala en la inexpresividad, lo que en cierto modo hace naufragar las intenciones de la empresa. Por otro lado su extraña narrativa, dividida entre sus andaduras por barrios marginales de la ciudad mexicana y sus experiencias en Nueva York, sin orden ni preaviso, complican la empatía e identificación con lo que se cuenta en pantalla, a lo que hay que añadir la dificultad de seguir muchos de sus diálogos, plagados de expresiones callejeras.

Nada de eso sin embargo impide que reconozcamos la fuerza de sus imágenes, el competente trabajo de sus intérpretes, al parecer ninguno de ellos ni ellas profesionales, y el relativo interés que supone sumergirse en estas comunidades tan desconocidas de países en cierto modo de nuestro entorno.

lunes, 25 de enero de 2021

LA LLORONA Justicia diabólica

Guatemala-Francia 2020 97 min.
Guion y dirección
Jayro Bustamante Fotografía Nicolás Wong Música Pascual Reyes Intérpretes María Mercedes Conroy, Sabrina de la Hoz, Julio Díaz, Juan Pablo Olyslager, Ayla-Elea Hurtado, María Telón, Margarita Kenéfic Estreno en el Festival de Venecia 30 agosto 2019; en Francia 22 enero 2020 


Con esta película y Temblores, ambas estrenadas este año, el director guatemalteco Jayro Bustamante se perfila como uno de los más interesantes valores del actual cine latinoamericano, especialmente dotado para el manejo de la imagen y la sugestión. En esta ocasión echa mano de uno de los mitos más sobresalientes del imaginario espectral del continente, el de la mujer que tras ahogar a sus hijos, arrepentida vaga por tierra y mar aterrorizando con sus llantos y venganzas.

El ingenio del guionista y director enmarca el fantasma en los no menos terribles recuerdos de las matanzas perpetradas durante Guerra Civil de Guatemala entre 1960 y 1966. Desde allí viaja nuestra desdichada llorona, también inmortalizada en la música, para hacer con uno de los generales responsables del genocidio lo que la justicia parece no lograr. Algo así necesitaríamos en muchos países donde la conveniencia no deja despejar los terribles nubarrones que dejaron los crímenes atroces cometidos en un tiempo que tantos consideran demasiado pretéritos y otros todavía muy presentes.

Bustamante consigue también ahora construir una fábula donde el terror es más tangible cuando proviene de la mano del prójimo que cuando lo hace desde el más allá. Y lo hace con un uso inteligente del encuadre y la fotografía, una capacidad envolvente para la sugerencia y un trabajo coral del elenco de primer orden. Aquí lo que interesa es recordar las atrocidades del pasado, procurar que no se repitan y dar al conjunto un tratamiento cinematográfico digno y perdurable, y lo consigue, perfilándose como firme candidata a ser considerada la más lograda producción latinoamericana del pasado año.

EL AGENTE TOPO Investigación sentimental

Chile-Alemania-España-Países Bajos-Estados Unidos 2020 90 min.
Guion y dirección
Maite Alberdi Fotografía Pablo Valdés Música Vincent van Warmerdam Intérpretes Sergio Chamy, Rómulo Aitken, Marta Olivares, Berta Ureta, Zoila González, Petronila Abarca, Rubira Olivares Estreno en el Festival de Sundance 25 enero 2020; en Estados Unidos y Chile (internet) 28 agosto 2020; en el Festival de San Sebastián 23 septiembre 2020

Hay dos cosas fundamentales que caracterizan a este film de la documentalista chilena Maite Alberdi. Una es su original formato, híbrido entre el documental y la ficción que puede desconcertar pero constituye una muestra incontestable de talento e ingenio. La otra es la especial sensibilidad con la que Alberdi y su troupe técnica y artística abordan un material pleno de ternura y amabilidad. Como si de una prolongación natural de su cortometraje Yo no soy de aquí, en el que una anciana gallega vivía cada día como si fuera el primero, celebrando sus raíces pero ignorando la nacionalidad chilena adoptada durante más de sesenta años, Alberdi genera ahora una ficción en forma de investigación criminal para mostrar una realidad, la de esas residencias donde los elefantes viejos, nuestros ancianos y ancianas, son abandonados para pasar sus últimos días sin molestar a nadie.

Parte de una premisa muy preocupante en la actualidad, como es la del posible maltrato y abandono sistemático de estos delicados huéspedes, que tanto ha dado que hablar especialmente en estos tiempos de pandemia. Pero poco a poco va sumergiéndose en otra realidad más velada, la de esa sociedad moderna sin hueco para los más vulnerables, y que tan poco margen de tiempo y disponibilidad deja a sus legítimos cuidadores, hijos, hijas, sobrinas o sobrinos, para hacerse cargo de ellos. Sin embargo se descuida en una de sus tesis, pues más que analizar la injusta soledad a la que son condenados, debería más bien cultivar otras formas de hacer frente a la vida, y que la soledad puede también ser una muy buena compañía, sin obviar que el propio documental muestra en ocasiones cómo en el seno de estas residencias se forman también nuevas familias.

Entre diversos pasajes la cinta muestra con ternura y sensibilidad la búsqueda de la ilusión del amor, el respeto hacia el prójimo, el cariño hacia desconocidas, y las habilidades sociales incluso cuando éstas parecen perdidas. Pero es en la forma donde El agente topo mantiene s mayor frescura y capacidad de atracción, entre la comedia amable y distendida y la crónica de una investigación, en la que personajes presuntamente ficticios interactúan con entrañables ancianitas y un no menos tierno protagonista, ese Sergio Chamy pletórico de vida, ilusión y felicidad aun en pleno duelo por la pérdida de su esposa.