SEFF 2025. DRAGONFLY La buena vecina

Reino Unido 2025 98 min.
Guion y dirección Paul Andrew Williams Fotografía Vanessa Whyte Música Raffertie Intérpretes Andrea Riseborough, Brenda Blethyn, Jason Watkins Estreno en Reino Unido 7 noviembre 2025

Aunque tiene una nutrida filmografía a sus espaldas, y numerosos trabajos para la televisión, el realizador británico Paul Andrew Williams sigue siendo un desconocido entre nosotros. Quizás esta interesante combinación de cine social y thriller lo saque del anonimato. Se trata de una inteligente y muy interesante reflexión sobre la soledad y la vejez, pero sobre todo la bonhomía, la generosidad y el altruismo que tanta desconfianza generan en una sociedad tan deshumanizada como la que vivimos.

Una cinta que se toma su tiempo para mostrarnos la relación que se entabla entre una anciana y su vecina, que el director trata con una atmósfera malsana y las suficientes dosis de intriga como para generar cierta inquietud y la certeza de que algo va a salir mal. Lástima que ese tiempo se dilate en exceso, de forma que tengamos cierta sensación de rutina y falta de giros necesarios, hasta que se instala por fin aquello que andábamos esperando, aunque sea de forma distinta a las expectativas, lo que celebramos en aras a esa sorpresa indispensable que merece el género.

Sus dos protagonistas absolutas se entregan en cuerpo y alma para incorporar a la vulnerable anciana, Brenda Blethyn, Oscar en 1989 por Mi pie izquierdo y más tarde extraordinaria protagonista de Secretos y mentiras, y su improvisada cuidadora, espléndida Andrea Riseborough en un registro muy diferente al que nos tenía acostumbrados. Cabe sin embargo plantearse dudas acerca de la oportunidad de su inesperado final, por cuánto de castigo ofrece para sus sufridos personajes, incluido un tercero en discordia.

MASPALOMAS Una condición más emocional que sexual

España 2025 115 min.
Dirección José Mari Goenaga y Aitor Arregi Guion José Mari Goenaga Fotografía Javier Agirre Erauso Música Aránzazu Calleja Intérpretes José Ramón Soroiz, Nagore Aranburu, Kandido Uranga, Zorion Eguileor, Kepa Errasti, Cristina Yélamos Estreno en el Festival de San Sebastián 20 septiembre 2025; en salas 26 septiembre 2025

Tras la académica serie sobre Balenciaga protagonizada por Alberto San Juan y la inquietante Marco sobre un falso superviviente español del holocausto nazi, los Moriarty, es decir Aitor Arregi y José Mari Goenaga, se embarcan en un proyecto posiblemente más afín a la estética del segundo que del primero. Y lo hacen como se dieron a conocer en 2014 con Loreak, en eusquera y confiando uno de los papeles protagonistas a la estupenda Nagore Aranburu, que tanto nos conmovió en la también serie Querer, de la recién ganadora de la Concha de oro Alauda Ruiz de Azúa. Un idioma original que demuestra la riqueza cultural y patrimonial de este país, tan digna de respetarse y protegerse como nuestros monumentos, gastronomía o literatura, por poner algunos ejemplos que cuentan con mayor consenso en este país siempre tan dividido y presto a la polémica.

Aplaudimos también que Goenaga haya prestado su atención a los homosexuales de la tercera edad, en un mundo dominado por cuerpos danone y mucha juventud. Allí, en la célebre playa de Gran Canaria que da título a la cinta, disfruta de su vejez el protagonista, un espléndido y matizado José Ramón Soroiz, justo ganador del premio a la mejor interpretación protagonista también en este Festival de San Sebastián. Desarmarizado de forma más relativa que real, al desarrollar su vida cotidiana en espacios presididos por el gueto gay, acabará armarizado de nuevo cuando se ve obligado por las circunstancias a regresar a Donosti e internarse en una residencia poco antes de desatarse un metafórico coronavirus.

El film muestra hasta donde la prudencia le exige, esa fiesta homoerótica al que se abandona Vicente, el personaje, mientras su desarrollo posterior deja algunas cuestiones al debate y la convicción o no de cada uno, según se aprecie. Pero todo va encajando, y nos vamos quedando con la evolución del personaje, adquiriendo nuevas habilidades sociales y, sobre todo, superando esa homofobia que tantos homosexuales practican sobre sí mismos. En el camino, la ternura en forma de amistad imprevisible, se va convirtiendo en principal eje de emoción, además de ejercicio de comprensión y respeto hacia quien piensa diferente, erigiéndose en lo mejor y más conseguido del film, gracias en gran parte a un excelente trabajo de Kandido Uranga que, esperemos, no pase desapercibido en las próximas quinielas de premios. Aunque ningún premio es tan estimulante y liberador como un buen baño desnudo en el inmenso mar.

LA GRAN ESCAPADA Los muertos están muy vivos

Título original: The Great Escaper
Reino Unido-USA 2023 96 min.
Dirección Oliver Parker Guion William Ivory Fotografía Christopher Ross Música Craig Armstrong Intérpretes Michael Caine, Glenda Jackson, John Standing, Danielle Vitalis, Victor Oshin, Will Fletcher, Laura Marcus Estreno en Reino Unido 6 octubre 2023; en España 25 octubre 2024

Oliver Parker comenzó su carrera adaptando a los clásicos, Shakespeare en Othello y Wilde en Un marido ideal, La importancia de llamarse Ernesto y El retrato de Dorian Gray. Mientras tanto coqueteó con la comedia, a la que se ha consagrado en los últimos años, con títulos como Johnny English Returns o el remake de la película francesa El gran baño, Swimming with Men. En The Great Escaper nos cuenta la historia real de Bernard Jordan, ex combatiente de la Segunda Guerra Mundial y alcalde de Brighton que en sus últimos días de vida, cuando residía en un asilo junto a su esposa, decidió embarcarse rumbo a Francia para participar en los actos del setenta aniversario del desembarco de Normandía. No hace mucho se estrenaba una película titulada El viaje de Harold en la que Jim Brodbent también escapaba improvisamente de su hogar y dejaba a su esposa, Penelope Wilton, a la espera de su regreso. La motivación estaba también relacionada con un fantasma del pasado, un acto de reconciliación que es el que en última instancia inspira el viaje crepuscular de este veterano de guerra.

Asistíamos la semana pasada al estreno de la última película protagonizada por Maggie Smith, El club de los milagros, rodada un año antes de fallecer. Y asistimos ahora a la despedida de otros dos grandes del cine británico, Michael Caine, que con ésta anunció su retirada del cine, y Glenda Jackson, que falleció unos meses antes de que se estrenara este testamento cinematográfico. Se convierte así la película en un ejercicio de nostalgia y respeto hacia dos estrellas que emergieron de la nueva ola británica (Un ingenuo salvaje ella, Alfie él) al firmamento hollywoodiense, done ambos se consagraron con un par de Oscars cada uno y una, coincidiendo ambos en Una inglesa romántica, justo en una época en la que cada nuevo estreno protagonizado por la protagonista de Un toque de distinción se convertía en un acontecimiento para cualquier cinéfilo o cinéfila que se preciara.

Ahora, esta emotiva, sencilla y amable película, les hace justicia a la vez que nos marca abriéndonos los ojos hacia lo que con un poco de fortuna nos depara el futuro, y de verdad que provoca tristeza ante la decadencia física, especialmente de ella, a la vez que admiración por el excelente trabajo de ambos, sobre todo él, que con solo miradas es capaz de transmitir una infinidad de gestos y matices a su personaje. En el apartado estrictamente dramático, la cinta acierta al plasmar la futilidad de la guerra, evidente en la secuencia más emocionante, cuando Caine y el también veterano John Standing se encuentran con unos antiguos enemigos alemanes y estrechan lazos y manos.

LA ABUELA La juventud es un grado

España-Francia 2021 99 min.
Dirección Paco Plaza Guion Carlos Vermut y Paco Plaza Fotografía Daniel Fernández Abelló Música Fatima Al Qadiri Intérpretes Almudena Amor, Vera Valdez, Karina Kolokolchykova, Pierre-François Garel, Chacha Huang, Michael Collis Estreno en el Festival de San Sebastián 23 septiembre 2021; en salas comerciales 28 enero 2022

Esta reseña es producto más de la reflexión compartida con mi pareja que de mi propia experiencia, adulterada por el comportamiento atroz del (escaso) público asistente a la misma proyección por mí atendida y que tanto me impidió sumergirme en el universo propuesto por el director de Rec, Verónica y Quien a hierro mata. En La abuela Plaza, con la inestimable y bien visible ayuda de un perturbado cinematográfico como Carlos Vermut, director de Magical Girl, a la que la película hace un guiño bastante evidente, y Quién te cantará, Plaza aprovecha el auge que en estos tiempos de redes sociales y postureo tiene la belleza y la juventud asociada a ella, esa que siempre es un grado a la hora de apreciar el encanto de los cuerpos turgentes y amables que habitualmente asociamos a la edad de la inocencia, para proponer una inquietante fábula con aires de cuento infantil de aquellos que tanto nos aterrorizaban a quienes ya contamos con más de medio siglo de edad.

Una joven modelo que vive en París y a quien ya empieza a reprochársele la edad, ¡con veinticinco recién cumplidos!, tiene que regresar a Madrid de urgencia para hacerse cargo de su abuela, que ha sufrido un derrame cerebral que ha afectado severamente sus aptitudes más elementales. Hasta encontrar alguien que se haga cargo de la octogenaria, a quien da vida con espeluznante verosimilitud quien fuera reina de la belleza en los sesenta, la brasileña modelo de Chanel Vera Valdez, la joven deberá vivir una desagradable experiencia junto a la mujer que la crio. Visiblemente afectada por la edad, y afeada para la ocasión, Valdez se antoja un cruce entre Lola Gaos y Geraldine Chaplin que asegura ya el cincuenta por ciento del terror que propone la película. Pero como todo buen film del género que se precie, La abuela no se queda en la epidermis sino que indaga en el aspecto vampírico y satánico de la tan temida vejez, esa enfermedad a la que nadie queremos exponernos (salvo para jubilarnos) y que mucha gente estaría dispuesta a todo por vencer.

La relación que se entabla entre la joven modelo y su abuela se convierte en eje de una función tan ambiciosa como que pretende renovar el género y decir cosas nuevas en un cine tan apreciado por la afición. Las apariencias van dando paso a lo sobrenatural y lo fantástico en esta sorprendente y absorbente película que indaga con lucidez e ingenio en esa tan temida llegada de la vejez y las formas de exorcizarla. Aquí son brujas y vampiras quienes proceden a ese exorcismo, y los lazos familiares los que mejor que nada ejercen de metáfora sobre ataduras y sacrificios tan impuestos como impostados en una sociedad todavía demasiado influida por la moral religiosa judeo-cristiana. El duelo de actrices y la enigmática banda sonora de Fatima Al Qadiri aportan más calidad a esta insólita y desgarradora película española.

100 DÍAS CON LA TATA Reflexión sobre la vejez en pleno confinamiento

España 2021 82 min.
Dirección Miguel Ángel Muñoz Guion Jorge Laplace y Miguel Ángel Muñoz Fotografía José David Montero Música Sergio Jiménez Lacima Documental Estreno 29 diciembre 2021

Miguel Ángel Muñoz es uno de esos jóvenes que con talento y mucho esfuerzo consiguen los retos que se proponen, a pesar de lo cual no llegan a ser lo relevantes que pretenden. Se convirtió en convincente bailarín de la nada para protagonizar Un paso adelante, la serie de Antena 3 que le dio a conocer, y ganó el primer Master Chef Celebrity sin aparentemente haber frito un huevo con anterioridad. En este su primer trabajo como director deja claro en su primer tramo su talante inquieto y en permanente movimiento, practicando todo tipo de deportes y actividades de cualquier índole. Del mismo modo da un par de pinceladas sobre la vida de su tata, la hermana de su bisabuela, apenas una mujer cuya felicidad quedó truncada por una madre delicada que necesitaba de continuos cuidados, y que ejerció como limpiadora doméstica para ganar un sustento que ahora se traduce en una pensión de mera supervivencia. Todo eso encaminado a justificar una relación de largo entre la anciana y el joven intrépido que se traduce en un intento de película-declaración de amor y que cristaliza merced a la pandemia en esos cien días juntos de autoconocimiento y cuidados intensivos, confinados en apenas treinta y cinco metros cuadrados.

Muñoz es novel y se nota, su película no puede evitar caer en algunas pérdidas de ritmo e interés, pero funciona como recipiente que llenar con interesantes reflexiones sobre esa enfermedad llamada vejez a la que medicina y sociedad apenas ponen remedio. La pensión aludida, la soledad, la precariedad en el trabajo de cuidadores y cuidadoras, siempre de nacionalidad extranjera, la especulación inmobiliaria, la falta de compromiso y atención hacia nuestros mayores… todo un universo de problemática conjugación al que miramos de reojo como si no fuera con nosotros y nosotras, olvidando convencernos de que la muerte nos llegará, y antes pasaremos por la penuria de la vejez.

Muñoz no duda en exhibirse a gusto en este su primer trabajo como director, sacando a relucir algunos de sus trabajos apenas conocidos dentro de nuestras fronteras, como una serie británica sobre Ben Hur o una película reciente junto a Sharon Stone, pero sobre todo fija su atención en su adorada Luisa Cantero, con quien comparte momentos muy emotivos y sentimentales, a pesar de que a menudo parezca caer en la impostura o la situación preparada con apariencia de improvisada. Hablar en primera persona sobre la muerte dignifica a su protagonista, mientras al nieto realizador lo hace reconocer su flaqueza y su rendición física y mental ante lo complicado que resulta hacerse cargo de alguien tan necesitada de cuidados. Su sincero y cálido trabajo le reportó el premio al mejor documental en los Premios Forqué, en cuya anterior edición ya adelantó este valioso reportaje.

EL AGENTE TOPO Investigación sentimental

Chile-Alemania-España-Países Bajos-Estados Unidos 2020 90 min.
Guion y dirección Maite Alberdi Fotografía Pablo Valdés Música Vincent van Warmerdam Intérpretes Sergio Chamy, Rómulo Aitken, Marta Olivares, Berta Ureta, Zoila González, Petronila Abarca, Rubira Olivares Estreno en el Festival de Sundance 25 enero 2020; en Estados Unidos y Chile (internet) 28 agosto 2020; en el Festival de San Sebastián 23 septiembre 2020

Hay dos cosas fundamentales que caracterizan a este film de la documentalista chilena Maite Alberdi. Una es su original formato, híbrido entre el documental y la ficción que puede desconcertar pero constituye una muestra incontestable de talento e ingenio. La otra es la especial sensibilidad con la que Alberdi y su troupe técnica y artística abordan un material pleno de ternura y amabilidad. Como si de una prolongación natural de su cortometraje Yo no soy de aquí, en el que una anciana gallega vivía cada día como si fuera el primero, celebrando sus raíces pero ignorando la nacionalidad chilena adoptada durante más de sesenta años, Alberdi genera ahora una ficción en forma de investigación criminal para mostrar una realidad, la de esas residencias donde los elefantes viejos, nuestros ancianos y ancianas, son abandonados para pasar sus últimos días sin molestar a nadie.

Parte de una premisa muy preocupante en la actualidad, como es la del posible maltrato y abandono sistemático de estos delicados huéspedes, que tanto ha dado que hablar especialmente en estos tiempos de pandemia. Pero poco a poco va sumergiéndose en otra realidad más velada, la de esa sociedad moderna sin hueco para los más vulnerables, y que tan poco margen de tiempo y disponibilidad deja a sus legítimos cuidadores, hijos, hijas, sobrinas o sobrinos, para hacerse cargo de ellos. Sin embargo se descuida en una de sus tesis, pues más que analizar la injusta soledad a la que son condenados, debería más bien cultivar otras formas de hacer frente a la vida, y que la soledad puede también ser una muy buena compañía, sin obviar que el propio documental muestra en ocasiones cómo en el seno de estas residencias se forman también nuevas familias.

Entre diversos pasajes la cinta muestra con ternura y sensibilidad la búsqueda de la ilusión del amor, el respeto hacia el prójimo, el cariño hacia desconocidas, y las habilidades sociales incluso cuando éstas parecen perdidas. Pero es en la forma donde El agente topo mantiene s mayor frescura y capacidad de atracción, entre la comedia amable y distendida y la crónica de una investigación, en la que personajes presuntamente ficticios interactúan con entrañables ancianitas y un no menos tierno protagonista, ese Sergio Chamy pletórico de vida, ilusión y felicidad aun en pleno duelo por la pérdida de su esposa.

FALLING Una relación incomprensible

Canadá-Reino Unido 2020 112 min.
Guion , música y dirección Viggo Mortensen Fotografía Marcel Zyskind Intérpretes Lance Henricksen, Viggo Mortensen, Terry Chen, Sverrir Gudnason, Hannah Gross, Laura Linney, David Cronenberg, Bracken Burns, Piers Bijvoet, Grady McKenzie, Ella Jonas Farlinger Estreno en el Festival de Sundance 31 enero 2020; en España 2 octubre 2020

Cuesta entender qué ha podido motivar a Viggo Mortensen para no solo dirigir sino también escribir, producir y hasta componer la banda sonora de este su debut en la dirección de largometrajes, más allá de la voluntad de erigir un vehículo para el lucimiento de su estrella principal, un Lance Henricksen al que estamos acostumbrados a ver en películas de segunda categoría, generalmente de acción o ciencia ficción, tanto en cine como en televisión, pero al que pocas veces ponemos cara y ahora encuentra así la oportunidad de, a la vejez y sin haber parado nunca de trabajar, exhibir unas aptitudes que le pueden llevar a recoger premios en la próxima temporada. Aunque lo cierto es que la cinta de momento solo se puede ver en nuestro país, quizás por el hecho de que Mortensen vive en Madrid junto a su pareja Ariadna Gil, y espera estreno poco a poco en otros países europeos.

Lo cierto es que se trata del típico drama familiar con traumas del pasado en el que el protagonista es un personaje tan execrable y nauseabundo, déspota y desequilibrado, que cuesta entender qué inspira a su hijo homosexual, vilipendiado y censurado por su terrible progenitor, a preocuparse por su vejez, acompañarlo y mostrarle tanta generosidad. Esto es como Precious, todo llevado al límite, al extremo. Es cierto que entre tanto flashback observamos algunas escenas de camaradería y cierta ternura entre padre e hijo, pero insuficientes para marcar positivamente al segundo, y que la insoportable personalidad del primero se pueda entender fundamentalmente como derivada de su senectud y pérdida de capacidades. Incapaz de mostrar algo de simpatía hacia su familia, salvo una nieta adoptiva, y siempre dispuesto a generar tensión a su alrededor, desde joven, interpretado por un también excelente Sverrir Gudnason (Borg McEnroe), resulta incomprensible la voluntad de acercamiento de sus hijos, con una recuperada Laura Linney dando vida a la hermana de Mortensen.

El resto es un ejercicio de cierta contención dramática, pausada pero a buen ritmo, con el que el actor ahora realizador demuestra pericia y buena mano, aunque el libreto acuse ese exceso de mala uva e incomprensible capacidad de reajuste y redención, que solo se salva gracias a su justo final. Entre las curiosidades destaca la broma que supone contar con David Cronenberg, que dirigió a Mortensen en Una historia de violencia y Promesas del este, interpretando a un doctor que en su despacho atesora multitud de utensilios quirúrgicos y cuadros con generosa exposición de anatomía humana.