LOS LAZOS QUE NOS UNEN Maternidad sobrevenida

Título original: L’attachement
Francia-Bélgica 2024 106 min.
Dirección Carine Tardieu Guion Carine Tardieu, Raphaële Moussafir, Agnès Feuvre y Agnès de Sacy, según la novela de Alice Ferney Fotografía Elin Kirschfink y Yann Maritaud Música Eric Slabiak Intérpretes Valeria Bruni Tedeschi, Pio Marmaï, César Botti, Vimala Pons, Raphaël Quenard, Catherine Mouchet, Marie-Christine Barrault Estreno en el Festival de Venecia 3 septiembre 2024; en Francia 19 febrero 2025; en España 26 septiembre 2025; en Movistar Plus+ 20 abril 2026

Estrenada de forma casi desapercibida en septiembre pasado, la llegada ahora a Movistar de este film, tras haber sido recientemente reconocida con el César a la mejor película de 2025, nos ha permitido ahora acercarnos a este intimista melodrama sobre maternidad sobrevenida y nuevas oportunidades para enderezar la vida. Una espléndida Valeria Bruni Tedeschi da vida a una mujer madura que ve cómo pierde paulatinamente su abrazada soledad y considerable independencia cuando un giro inesperado protagonizado por la familia vecina de enfrente pone su vida patas arribas y le hace replantearse algunas de las certezas de su vida.

Un interesante y prometedor punto de partida, de la mano de una exitosa novela y su adaptación a ocho manos, también galardonada con el premio galo, que pronto descubrimos se convierte en un bucle del que resulta difícil salir, merced a una dialéctica reiterativa y en cierto modo algo cansina. No obstante, la presencia siempre fascinante de la actriz, aunque fuera la algo excesiva Vimala Pons quien se alzara con el único César de interpretación del reparto, convierte la experiencia en algo así como gratificante. Lástima que el personaje de la afamada actriz aparezca casi de forma permanente fumando, incluso en interiores. Aún así su encanto y carisma justifica algunas de las reacciones que se suceden en un film que indaga sobre los giros inesperados que da la vida, la necesidad de vínculos sentimentales que la sustenten y la posibilidad de corregir errores provocados por despecho, o simplemente para curar heridas de manera urgente o precipitada.

Aunque la protagonista principal sea Bruni Tedeschi, se trata de un film coral en el que todos y todas, incluido un niño algo petardo pero así mismo entrañable, tienen su particular trato de cariño y amabilidad. En el reparto, nos fijamos especialmente en la veterana Marie-Christine Barrault, que tiene una intervención mínima como madre de la protagonista, y a la que recordamos por sus papeles en Cousin, cousine, Mi noche con Maud y Recuerdos (Stardust Memories), a pesar de que ha seguido haciendo cine, aunque en títulos cuya falta de trascendencia ha impedido su estreno en nuestras pantallas.

LA HERMANASTRA FEA La sustancia de la Cenicienta

Título original: Den stygge stesøsteren
Noruega-Dinamarca-Rumanía-Polonia 2025 110 min.
Guion y dirección Emilie Blichfeldt Fotografía Marcel Zyskind Música John Eirk Kaada y Vilde Tuv Intérpretes Lea Myren, Thea Sofie Loch, Naess, Ane Dahl Torp, Flo Fagerli, Isac Calmroth, Malte Grdinger, Adam Lundgren, Willy Ramnek Petri, Ralph Carlsson, Agnieszka Zulewska Estreno en el Festival de Sundance 23 enero 2025; en Noruega 7 marzo 2025; en España 17 octubre 2025

Recuperamos este título a propósito de su estreno en plataformas digitales (Movistar Plus+) el pasado 18 de febrero, y su nominación al Oscar al mejor maquillaje y peluquería. Su paso por los cines fue efímero, a pesar de haber ganado en Sitges el premio a la mejor película y de haberse paseado por festivales tan prestigiosos como Sundance o Berlín. El debut en la dirección de la joven directora noruega Emilie Blichfeldt se atreve con ingenio a poner en tela de juicio la conveniencia y oportunidad de los viejos cuentos clásicos tantas veces adaptados.

Se trata de La Cenicienta, cuyos infructuosos trabajos de actualización no han conseguido llegar a la verdadera esencia de su despropósito, que no es sino confinar a las mujeres a ser meros objetos decorativos en busca de su príncipe azul. Blichfeldt nos cuenta ahora esta archiconocida historia desde el punto de vista de una de sus hermanastras, cuya bondad inicial se va deteriorando conforme su hermosa rival va aumentando en popularidad, a la vez que demuestra un desprecio absoluto hacia su pariente por su desagradecido aspecto.

Todos los esfuerzos de la desdichada hermanastra por captar la atención del príncipe, su único propósito en la vida, convierten el relato en un insospechado espectáculo gore a través de operaciones quirúrgicas y mutilaciones voluntarias, como si de un encuentro entre el famoso cuento y La sustancia de Coralie Fargeat se tratara. Todo ello envuelto en una suntuosa producción, un abrazo entre países escandinavos y del este europeo, de un barroquismo extremo que dota al conjunto de un indiscutible atractivo.

BELÉN Grito necesario de libertad

Argentina 2025 105 min.
Dirección Dolores Fonzi Guion Laura Paredes, Dolores Fonzi, Agustina San Martín y Nicolás Britos Fotografía Javier Juliá Música Marilina Bertoldi Intérpretes Dolores Fonzi, Camila Plaate, Laura Paredes, Julieta Cardinali, Sergio Prina, Luis Machín, César Troncoso Estreno en Argentina 18 septiembre 2025; en España (Amazon Prime) 14 noviembre 2025

Ganadora del Premio a la mejor película latinoamericana en los Premios Forqué, y candidata en la misma categoría a los Goya, se trata de la segunda película como directora de la actriz Dolores Fonzi (El aura, Paulina, La cordillera), tras Blondi en 2023, y un alegato contra la marginación de la mujer y el derecho a disponer de su cuerpo en libertad a través del aborto, a partir de hechos reales ocurridos en Tucumán en 2014. Represión y corrupción política, policial y judicial se dan la mano en este terrible suceso que condenó a una mujer joven a perder varios años de su vida en una cárcel por supuestamente cometer un aborto inducido.

Un film por lo tanto necesario ahora más que nunca, cuando los derechos adquiridos en el pasado, en este caso muy reciente, apenas cinco años, corren el peligro de sufrir la misma involución que estamos percibiendo en otros aspectos, muy especialmente en países que han optado democráticamente por regímenes propios de una dictadura, como es el caso de Argentina, y más recientemente hemos observado con ojos muy incrédulos en Chile. Fonzi pone interés y entusiasmo como directora a la hora de abordar esta terrible historia, de forma muy académica y profesional, más incluso que como protagonista, la abogada defensora de la infortunada, cometido que aborda con cierto distanciamiento emocional.

El film discurre por caminos muy convencionales, de manera que entretiene más que conmueve, siguiendo una línea directa y cómoda desde el punto de vista narrativo. Lástima que la trama se vaya resolviendon de forma atropellada conforme avanza su metraje, incluido el clamor popular que provocó el episodio y colaboró en la ley que permite el aborto en Argentina. Cabe reconocer la habilidad del cine de ese país para combinar denuncia social y política con recursos propios del thriller.

HEDDA Retrato distorsionado de arribismo femenino

USA 2025 107 min.
Guion y dirección Nia DaCosta, según la obra de Henrik Ibsen Fotografía Sean Bobbitt Música Hildur Gudnadóttir Intérpretes Tessa Thomson, Nina Hoss, Imogen Poots, Tom Bateman, Nicholas Pinnock, Finbar Lynch, Mirren Mack, Jamael Westman, Saffron Hocking Estreno en el Festival de Toronto 7 septiembre 2025; en Estados Unidos 22 octubre 2025; en España (Amazon Prime) 29 octubre 2025

La obra teatral de Ibsen Hedda Gabler ha sido llevada al cine y la televisión en multitud de ocasiones. Algunas de las más celebradas son la que interpretó Ingreid Bergman en 1962 para la televisión, así como la de Diana Rigg de 1981 para el mismo medio. Rosalind Russell interpretó a una actriz que daba vida en el escenario al personaje, con el que mimetizaba su propia experiencia, en Cae el telón de 1948, mientras Glenda Jackson se hizo cargo del personaje en 1975, y en 2004 se presentó una versión ambientada en época actual. La última adaptación fiel tuvo lugar en 2014. La que ahora firma una directora en auge como Nia DaCosta, de quien se acaba de estrenar en salas la cuarta entrega de la saga 28 días después, se traslada de la Noruega de finales del siglo XIX al Reino Unido de la década de 1950, además de tomarse la libertad de convertir a su protagonista en mujer de raza negra (también lo es el juez Brack) y bisexual, de la misma forma que el amante Eilert pasa a ser la amante Eileen.

Aparte de esas licencias, ¿qué aporta esta nueva aproximación a la obra maestra de Ibsen? Confusión principalmente, porque no acierta a definir a su protagonista como lo que de verdad es, una arribista sin escrúpulos, fría y manipuladora. Sólo con trazo grueso y muchas explicaciones dialécticas logra, a mitad de metraje, retratarla, pero entonces resulta impostado y frívolo. Mientras tanto asistimos a un suntuoso melodrama reducido a una sola noche en un solo espacio, una mansión británica, y una dislocada fiesta. Ahí se aloja la combinación de egos e intrigas que propone una trama mucho más maquiavélica y perversa de lo que es capaz de plasmar la realizadora con la ayuda de Tessa Thompson, que protagonizó su ópera prima, Little Woods, y aparecer en The Marvels, su particular incursión en la saga comiquera.

Por lo demás, nos encontramos de nuevo ante un equivocado y peligroso retrato de mujer, perversa por un lado y desquiciada por el otro (Eileen Lovborg, personaje interpretado por cierto de manera magistral por la alemana Nina Hoss). Una inquietante e inspirada banda sonora de Hildur Gudnadóttir, incluido un tema principal que parece inspirado en el poco allegretto de la Sinfonía nº 3 de Brahms, y una esmerada puesta en escena no acaban de resultar alicientes suficientes para elevar la película a la categoría que sin duda ambiciona.

DIE MY LOVE Irritante psicodrama

USA 2025 118 min.
Dirección Lynne Ramsay Guion Lynne Ramsay, Enda Walsh y Alice Birch, según la novela de Ariana Harwicz Fotografía Seamus McGarvey Música Raife Burchell, Lynne Ramsay y George Vjestica Intérpretes Jennifer Lawrence, Robert Pattinson, Sissy Spacek, Lakeith Stanfield, Nick Nolte Estreno en el Festival de Cannes 17 mayo 2025; en Estados Unidos 7 noviembre 2025; en España 14 noviembre 2025

Especializada en dramas psicoanalíticos, la realizadora británica Lynne Ramsay espacia mucho sus proyectos. Entre Tenemos que hablar de Kevin y En realidad nunca estuviste aquí pasaron seis años, y entre ésta y la que nos ocupa, ocho. La maternidad y la insatisfacción sexual se convierten en esta adaptación de una novela de cierto éxito, en tema para proponer una cita experimental en la que el desquicie de una mujer, y también de su pareja, un insufrible Robert Pattinson, se combina con secuencias oníricas, un montaje frenético y cierta sucesión de disparates que provocan también la desconexión desde prácticamente el arranque de la función.

De poco sirve pues que Jennifer Lawrence se entregue en cuerpo y alma a su cometido, desnudándose física y psicológicamente y prestándose a multitud de vejaciones con el fin de provocar en un espectador distraído y desinteresado, una pulsión anímica que se parezca lo más posible a la frustración experimentada por su atormentada protagonista. En este apartado tenemos que reconocer que, dentro de su extremista pesonaje, Lawrence logra cierta compostura sin entregarse a la sobreactuación prácticamente en ningún momento. Nada de esto sirve sin embargo a su cometido, mientras lo único que provoca es que miremos el reloj continuamente y luchemos por no quedarnos dormidos.

Que aparezca episódicamente Nick Nolte de poco sirve, pues apenas se le reconoce y a menos que la veamos con los deberes hechos, debido a la ausencia de créditos iniciales, una absurda moda que ya se alarga demasiado, no nos hacemos eco de su presencia en tan irritante película. Otro rescate de última hora cuando con lo poco que prometía cuando se estenó, decidimos obviarla. Ramsay, responsable también en parte de la banda sonora, se permite cantar en los créditos finales del clásico de Joy Division Love Will Tear Us Apart, en una versión tan olvidable como la propia película.

BUGONIA El último timo de Lanthimos

USA-Irlanda-Reino Unido-Canadá-Corea del Sur 2025 118 min.
Dirección Yorgos Lanthimos Guion Will Tracy Fotografía Robbie Ryan Música Jerskin Fendrix Intérpretes Emma Stone, Jesse Plemons, Aidan Delbis, Stavros Halkias, Alicia Silverstone Estreno en el Festival de Venecia 28 agosto 2025; en Estados Unidos 31 octubre 2025; en España 7 noviembre 2025

Nos resistimos a verla cuando se estrenó en salas, y ahora que nos encontramos en plena temporada de premios, la rescatamos, traicionando nuestra postura original de no dejarnos más embaucar por el cine de este farsante griego que se llama Yorgos Lanthimos. Con Emma Stone de nuevo como protagonista, tras serlo en La favorita, Pobres criaturas y Kind of Kindness, ahora también productora, Lanthimos adapta en esta ocasión un film coreano de culto, Salvar el planeta Tierra, dirigido por Jang Joon-hwan en 2003, pero sin duda con menos encanto y peor sentido del humor.

Hay, sin embargo,, que agradecerle que se haya tomado la empresa con algo más de tranquilidad, menos desquicie y un ritmo más pausado que sus precedentes. Esto no sirve para acabar rendidos a un material cuyo mensaje se antoja tan ingenuo e infantil, sin aprovechar las posibilidades que en plena estulticia mundial podría tener un argumento en el que conspiraciones paranoicas se dan la mano con vida extraterrestre y apocalipsis global. Nada de esto infunda atractivo a un film cuyo interés decae prácticamente desde el minuto cero, y al que las interpretaciones comprometidas de sus protagonistas, incluido un Jesse Plemons muy delgado, no aportan mayor atractivo.

Al final tenemos que confesar que esta reseña sólo es parcial, por cuanto dicha falta de interés provocó nuestro sueño en más de una ocasión a lo largo de su metraje, menos abultado de lo habitual en este pretencioso director que tantos consideran de culto. Sólo salvamos la secuencia final, un relativamente inquietante montaje que se beneficia de la voz de Marlene Dietrich y su particular versión del clásico de Pete Seeger Where Have All the Flowers Gone?

JAY KELLY Vida personal

USA-Reino Unido-Italia 2025 132 min.
Dirección Noah Baumbach Guion Noah Baumbach y Emily Mortimer Fotografía Linus Sandgren Música Nicholas Britell Intérpretes George Clooney, Adam Sandler, Laura Dern, Billy Crudup, Riley Keough, Grace Edwards, Stacy Keach, Jim Broadbent, Patrick Wilson, Eve Hewson, Greta Gerwig, Alba Rohrwacher, Lars Eidinger, Isla Fisher, Charlie Rowe, Louis Partridge, Josh Hamilton Estreno en el Festival de Venecia 28 agosto 2025; en Estados Unidos 14 noviembre 2025; en internet (Netflix) 5 diciembre 2025

Cabe preguntarse qué motivó que el director Noah Baumbach (Historia de un matrimonio, Una historia de Brooklyn y los guiones escritos para su esposa, Greta Gerwig y su amigo Wes Anderson) y la actriz Emily Mortimer (Match Point, La librería) se asociasen para escribir esta presuntamente amarga crónica sobre el precio del éxito en lo personal cuando se es una estrella de cine. Tratado como si una de esas veteranas y anticuadas estrellas del Hollywood clásico se tratara, George Clooney se pone en modo intenso y trascendental para dar vida al actor del título, cuyo abundante séquito, liderado por un representante incondicional y amigo al que da vida un excelente y conmovedor Adam Sandler, no logra sustituir esa familia y amistades sinceras que para muchos y muchas conforman la razón de mantener la ilusión en esto que llamamos vida.

Nos encontramos pues ante el enésimo llanto del pobre niño rico, el actor de éxito, venerado por todos y todas, admirado en todo el mundo, que sin embargo no goza del cariño de quienes importan. Una tesis muy trillada y siempre inclinada hacia el cliché que, sin embargo, cae en la contradicción cuando sus artífices incluyen otro personaje, también actor de éxito, que sí goza de todo aquello que Kelly echa de menos. Luego, dónde queda la teoría del pobre triunfador, incapaz de mantener una vida personal satisfactoria, y lo que es peor, de conocerse en lugar de interpretarse a sí mismo.

Con todo, Baumbach dirige con elegancia, sin renunciar a algunas secuencias algo disparatadas y, una vez más, echando mano del imaginario cinéfilo, desde Truffaut al inicio, con referencias a La noche americana, a Woody Allen y sus Recuerdos, que a su vez bebía del Ocho y medio de Fellini. Localizaciones en unos tópicos París y la Toscana y, sobre todo, un reparto multiestelar, algunos con momentos dramáticos brillantes, como Laura Dern o Billy Crudup, hacen que la experiencia de disfrutar de esta película resulte atractiva y reconfortante.

FATHER MOTHER SISTER BROTHER Regreso al núcleo familiar

USA-Irlanda-Francia 2025 110 min.
Guion y dirección Jim Jarmusch Fotografía Yorick Le Saux y Frederick Elmes Música Jim Jarmusch y Annika Henderson Intérpretes Tom Waits, Adam Driver, Mayim Bilaik, Charlotte Rampling, Cate Blanchett, Vicky Krieps, Indya Moore, Luka Sabbat, Sarah Greene, Françoise Lebrun Estreno en el Festival de Venecia 31 agosto 2025; en España y Estados Unidos (internet) 24 diciembre 2025

Últimamente no parece tener mucho tirón ganar el León de Oro en Venecia. El director de Extraños en el paraíso, Down by Law y Los límites del control, lo ha hecho este año y su película apenas se ha distribuido directamente en internet en su país de origen. Sorprende porque se trata de una mirada inteligente, delicada y poética a las relaciones básicas entre los miembros de la familia nuclear. Llega en este momento justo en el que el reencuentro con progenitores y fraternidad se convierte en tradición ineludible que no todos y todas disfrutan por igual. Partimos de la base de que se trata del modelo anglosajón, donde impera más la independencia y el desarraigo a edades adultas, que en países de corte latino. Pero no hay que olvidar que la agresiva invasión cultural del Tío Sam alcanza también a nuestros lazos familiares, por lo que no nos resultan ajenas las situaciones que Jarmusch plantea en esta singular y hermosa película.

Amante de las historias por episodios, como evidenció en Mystery Train y, sobre todo, Noche en la tierra, y siguiendo la estela de ese cine oriental, sencillo y preciso, al que tanto interés profesa el director de Dead Man y Ghost Dog, en su última película plantea tres historias en cierta medida encadenadas que nos presentan el reencuentro de un hermano y una hermana con su padre, para rendirse al desapego y el vuelo libre de quien se sabe estar jugando sus últimas cartas, el de dos hermanas con su madre, que se centra en la frustración de retener a duras penas a unas hijas a las que parece no conocer, y el de otros hermano y hermana, gemelos para más seña, con el aspecto de conexión y dependencia que ello conlleva, que cuando deciden conocer a sus singulares padres, ya parece tarde.

Con detalles recurrentes que conectan las historias, unos patinadores de skate libres y despreocupados, un Rolex símbolo de la conveniencia, o un brindis con agua, elemento puro por antonomasia, Jarmusch va tejiendo sus sencillas historias con la poética demostrada en títulos como Paterson, y la inteligencia suficiente para generar alrededor de cada personaje un pasado y un futuro, que adivinamos gracias a un libreto intelectual y brillante. Mientras, las sobresalientes interpretaciones de un elenco integrado por colaboradores y colaboradoras algunas incondicionales del cineasta, todos y todas en estado de gracia, así como las atractivas localizaciones en la exuberante naturaleza de New Jersey, el extrarradio de Dublín y las céntricas calles de París, logran redondear un producto disfrutable, desde su vocación hipnótica, de principio a fin.

VIDA PRIVADA Una investigaciójn poco hipnótica

Título original: Vié privée
Francia 2025 103 min.
Dirección Rebecca Zlotowski Guion Anne Berest, Gaëlle Macé y Rebecca Zlotowski Fotografía Georges Lechaptois Música Rob (Robin Coudert) Intérpretes Jodie Foster, Daniel Auteuil, Mathieu Amalric, Virginia Efira, Vincent Lacoste, Luàna Bajrami, Sophie Guillermin, Noam Morgensztern, Aurore Clèment, Irène Jacob, Frederick Wiseman Estreno en el Festival de Cannes 20 mayo 2025; en Francia 26 noviembre 2025; en España 19 diciembre 2025

Tras un puñado de largometrajes, la directora francesa Rebecca Zlotowski logró un amplio reconocimiento con Los hijos de los otros, su particular visión del desarraigo familiar en torno a la difícil relación de una madrastra con los hijos de su pareja. Aquella película no lograba, sin embargo, mantener el tono justo, el equilibrio entre comedia y drama que proponía, más cerca entonces de lo segundo. En este trabajo sobre la investigación que lleva a cabo una psiquiatra norteamericana afincada en París a partir de la sospechosa muerte de una de sus pacientes, predomina la comedia, si se quiere sofisticada.

Lo que arranca como un capricho burgués al estilo del que motivaba a Woody Allen y Diane Keaton en Misterioso asesinato en Manhattan, se convierte en un encuentro consigo misma y la relación que mantiene con sus seres más próximos, especialmente su ex marido, pero también su hijo y nieto. Pero estas premisas quedan desdibujadas ante la mirada algo obtusa y las manos poco hábiles de la voluntariosa realizadora. En cambio, logramos disfrutar con la interpretación de una espléndida Jodie Foster dominando el francés, mientras echamos en falta una intervención más generosa de estrellas como Irène Jacob, Aurore Clèment e incluso Virginie Efira, que aunque su nombre rece cuarto en los créditos, apenas aparece con carácter episódico.

Entre lo que más nos ha llamado la atención, junto a esta Claire Starling aficionada, está la reivindicación kafkiana de la hipnosis como forma de indagar en nuestro subconsciente y resolver manías y traumas, como experimentaba Barbra Streisand de la mano de Yves Montand en Vuelve a mi lado de Vincente Minnelli, a partir del musical On a Clear Day You Can See Forever. Claro que poca capacidad para hipnotizarnos tiene esta cinta que en conjunto se antoja elegante pero su trama acaba feneciendo tras un punto de arranque prometedor e inspirado que no termina de cuajar.

EL EXTRANJERO Fallido análisis de personalidad

Título original: L’étranger
Francia 2025 122 min.
Guion y dirección François Ozon, según la novela de Albert Camus Fotografía Manuel Dacosse Música Fatima Al Qadiri Intérpretes Benjamin Voisin, Rebecca Marder, Pierre Lottin, Denis Lavant, Swann Arlaud, Christophe Malavoy, Nicolas vaude, Jean-Charles Clichet, Mireille Perrier Estreno en el Festival de Venecia 2 septiembre 2025; en Francia 29 octubre 2025; en España 19 diciembre 2025

Justo un año después de estrenar la muy interesante Cuando cae el otoño, François Ozon vuelve a cumplir con la cartelera con la misma cadencia que le caracteriza, una película al año. Pero ni él ni Luchino Visconti hace casi sesenta años acertaron al poner en imagen la compleja, introvertida y psicológica novela de Albert Camus que bautizó así, con ese ambiguo título que en muchos países se ha traducido como El extraño. Lo que no se entiende es que Ozon haya seguido a rajatabla la narrativa, casi fotograma a fotograma del film precedente, con apenas algunas secuencias de su cosecha. La única visible novedad es una esmerada puesta en escena, hoy más habitual que en aquel final de la década de los sesenta, aunque el firmante fuera otro esteta confeso como Visconti. Como resultado, tenemos un film rodado en un pulcro blanco y negro, con una exótica banda sonora de Fatima Al Qadiri (La abuela, de Paco Plaza), sin tanto sudor como asomaba en aquella cinta, y un tratamiento del ambiente y la imagen muy próximo a la publicidad cosmética.

Ni siquiera se ha apartado de las líneas de diálogo, con lo que la sensación de ver esta nueva adaptación es la de estar repitiendo la de Visconti. Se echa en falta un mayor análisis psicológico del personaje, más apático y antisociable en la novela, e incluso en el film protagonizado por Marcello Mastroianni, que en este de Ozon, donde Benjamin Voisin luce más como un narcisista empedernido, incapaz de emocionarse o de empatizar con un entorno con el que no se identifica, más por puro egocentrismo que por apatía común.

Donde Mastroainni respiraba anarquía y desconfianza ante el sistema imperante, sobre todo cuando religión y sentimiento moral quedaban tan expuestos en el acervo cultural y social de la época, Voisin sólo transmite una belleza etérea e inerte basada en el narcisismo extremo. En cualquier caso, ninguna de las dos visiones parece encajar con el complejo perfil de Meursault, y así supieron valorarlo en el Festival de Venecia, donde ambas versiones participaron en su sección oficial sin arañar premio alguno.

KEEPER Géneros de terror combinados

USA-Canadá 2025 99 min.
Dirección Osgood Perkins Guion Nick Lepard Fotografía Jeremy Cox Música Edo Van Breemen Intérpretes Tatiana Maslany, Rossif Sutherland, Birkett Turton, Eden Weiss, Erin Boyes Estreno en Estados Unidos 14 noviembre 2025; en España 19 diciembre 2025

Osgood Perkins, hijo de Anthony Perkins, seguramente marcado por el éxito de su padre en Psicosis, se ha especializado en películas de terror. Longlegs y The Monkey preceden a este nuevo trabajo concebido en colaboración con Nick Lepard, el guionista que el pasado verano nos sorprendió combinando tiburones con psicópatas en serie en Dangerous Animals. El resultado es una estimulante, y hasta cierto punto marciana película que se suma a la moda de conjugar terror paranormal con violencia de carácter machista, además de otras constantes del género que tienen relación con la vida eterna.

Todo esto sin ánimo de hacer spoiler pero con la intención de dejar alguna pista de por dónde van los tiros. En su recorrido, el trabajo contenido e inquietante de Tatiana Maslany logra que podamos digerir una primera y dilatada parte en la que no queda muy claro lo que vemos y escuchamos en pantalla, más allá de una trama fantasmagórica ambientada en el habitual escenario de la casa en el bosque a la que a estas alturas nadie en su sano juicio debería dirigirse para disfrutar de un fin de semana relajante.

Perkins maneja con habilidad los recursos y materiales, de forma que su tramo final acaba sorprendiendo y aclarando todas las incógnitas que plantea su intrigante argumento. Por todo ello, podemos confirmar que el director estadounidense se está labrando un buen currículo como especialista en terror clásico con ínfulas de modernización, y un claro ejemplo es este extravagante trabajo.

FRAGMENTOS La isla de los sentidos

España 2025 91 min.
Dirección Horacio Alcalá Guion Frank Ariza Fotografía Elías M. Félix Música María Vertiz Intérpretes Manuel Vega, Asia Ortega, Emma Suárez, José Luis García Pérez, Sonia Almarcha Estreno en el Festival de San Sebastián 26 septiembre 2025; en salas 12 diciembre 2025

México une a los dos cineastas que han generado este extraño melodrama romántico. Horacio Alcalá nació allí, pero es ahora cuando después de dirigir dos largometrajes de ficción, Finlandia y Sobre las olas, regresa a España, donde comenzó su carrera cinematográfica con tres documentales. Natural de Barbate, Frank Ariza se ha encargado tanto de la dirección como del guion de un puñado de títulos, entre los que destacan los recientes Reversión y El vestido, mientras en el país norteamericano ha dirigido o escrito también algunos títulos. Lo que cabe preguntarse es en qué momento se interesaron por una idea como la que han plasmado en esta película, la confrontación en plan Quién teme a Virginia Woolf, pero al aire libre, de dos parejas de distinta generación, en un juego de amor y desamor que se antoja algo escurridizo y en el que, en última instancia, lo más interesante y cautivador son los escenarios escogidos, los extraterrenales paisajes de Lanzarote.

Manuel Vega, hijo del cineasta Felipe Vega, se esfuerza en este trabajo dramático como joven esposo enamorado pero desconfiado, mientras Asia Ortega muestra la cara menos amable, más antipática de la relación. En el otro lado, Emma Suárez se involucra más que José Luis García Pérez en dar forma a la otra pareja en liza, quizás menos ideal de lo que aparenta.

Su discreto metraje logra que la propuesta, a pesar de resultar algo marciana, se digiera con facilidad, si bien es, repetimos, el mágico paisajismo de la isla canaria lo que más subyuga al y la paciente espectadora, y quizás también influya en las decisiones y repentinos cambios de actitud de sus cuatro moradores. Junto a ellos, una quinta presencia, la de Sonia Almarcha, carece de entidad más allá de su esfuerzo por imitar el acento canario.

ROOFMAN: UN LADRÓN EN EL TEJADO El buen y romántico ladrón

Título original: Roofman
USA 2025 126 min.
Dirección Derek Cianfrance Guion Derek Cianfrance y Kirt Gunn Fotografía Andrij Parekh Música Christopher Bear Intérpretes Channing Tatum, Kirsten Dunst, Lakeith Stanfield, Peter Dinklage, Lily Collias, Kennedy Moyer, Juno Temple, Ben Mendelssohn, Uzo Aduba Estreno en Estados Unidos 10 octubre 2025; en España 12 diciembre 2025

Unas veces nuestros distribuidores le dejan el título original en inglés al producto, otras lo traducen de forma extremadamente imaginativa y a menudo desafortunada, y otras, como en esta ocasión, le añaden un ridículo apéndice que la mayoría de las veces ni siquiera aporta nada al original. En este film lo del "ladrón en el tejado" apenas cubre la casilla de salida de una trama en la que robar en un sinfín de McDonald’s y vivir durante una dilatada temporada en un Toys “R” Us, en una operación que parece pedir a gritos un patrocinio generoso, se combina perfectamente con un drama sentimental de primer orden y una fábula sobre la bondad humana que se hace cada vez más necesaria en este mundo qe padecemos.

Derek Cianfrance, que dirigió a Ryan Gosling en Blue Valentine, volvió a dirigirlo, esta vez junto a Bradley Cooper, en Cruce de caminos, a Michael Fassbender en La luz entre los océanos y a Mark Ruffalo en la serie La innegable verdad, elige ahora a Channing Tatum, un actor que no disfruta del reconocimiento que merece, para dar vida a Jeffrey Manchester, el ladrón de marras. Un hombre de buen corazón que vivió esta experiencia aunque real, absolutamente increíble. Una odisea que le llevó a utilizar su inteligencia y habilidad para escabullirse durante un buen período de tiempo de la policía, lo que hace reflexionar sobre la posibilidad de que alguien con sus talentos necesite del crimen para sanear sus cuentas y poder así recuperar a su familia, especialmente una hija a la que adora. Un periplo que le lleva en esta situación tan insostenible a acariciar la felicidad y encontrar el amor verdadero, algo que también se aleja de su pareja sentimental conforme se hace evidente que no hay salida, que seguramente hay pocas para los buenos.

Ese tono agridulce traspasa la pantalla gracias a la habilidad del director para dosificar sus delicados recursos, generar una narrativa fluida y lograr que la amabilidad se haga dueña de la función sin por ello descuidar la necesaria dosis de intriga que exige el conjunto. La química entre Tatum y una felizmente recuperada en plena forma Kirsten Dunst, colabora decisivamente para que esta película de otros tiempos llegue a tan buen puerto y nos deje ese sabor agridulce de boca que planea durante toda la función.

PUÑALES POR LA ESPALDA: DE ENTRE LOS MUERTOS Entretenido enredo criminal

Título original: Wake Up Dead Man: A Knives Out Mystery
USA 2025 144 min.
Guion y dirección Rian Johnson Fotografía Steve Yedlin Música Nathan Johnson Intérpretes Daniel Craig, Josh O’Connor, Glenn Close, Josh Brolin, Mila Kunis, Jeremy Renner, Kerry Washington, Andrew Scott, Cailee Spaeny, Daryl McCormack, Thomas Haden Church, Annie Hamilton Estreno en el Festival de Toronto 6 septiembre 2025; limitado en Estados Unidos 26 noviembre 2025, y en España 28 noviembre 2025; en Internet (Netflix) 12 diciembre 2025

El director de Looper y Los últimos Jedi insiste en poner a prueba su imaginación e ingenio con esta tercera entrega de los misterios de Benoit Blanc, el detective al que da vida Daniel Craig en un estilo distinto al del agente 007 pero igualmente con un inconfundible sello británico. Rian Johnson se encarga también en este título del guion, igual que lo hizo en los dos anteriores, combinando la ya conocida fórmula del elenco de estrellas involucradas en un crimen sofisticado, ahora con el universo gótico de fabuladores como Allan Poe. El resultado puede parecer artificioso, pero no se le puede negar habilidad para mantenernos interesados, incluso inquietos, ante el desafío que siempre suponen estos trabajos en los que averiguar quién cometió el crimen se convierte en un reto para nuestro intelecto.

Johnson vuelve a sorprendernos y aliviar nuestra sed de Agatha Christie, mientras una cuidada ambientación, esta vez en el seno de una pequeña y muy conservadora comunidad católica en el estado de Nueva York, logra que sintonicemos inmediatamente con la propuesta. No falta la ironía, el sarcasmo y el humor imprescindibles en este tipo de propuestas, a la vez que ese siempre agradecido desfile de rostros conocidos, algunos tan populares como Glenn Close o Josh Brolin, y otros representantes de las nuevas generaciones, como Cailee Spaeny (Priscilla) o Daryl McCormack (Buena suerte, Leo Grande).

Tampoco hay que pedirle más a una cinta que aprovecha sus bien dosificados y generosos recursos. Así, con la ayuda de una mente suficientemente hábil para crear tan estimulante intriga, arropada por el mismo equipo técnico y artístico que las anteriores entregas, el entretenimiento está asegurado y cabe esperar con interés nuevos capítulos de la serie.

SUEÑOS DE TRENES Un hombre sencillo y bueno

Título original: Train Dreams
USA 2025 102 min.
Dirección Chris Bentley Guion Chris Bentley y Greg Kwedar, según la novela de Denis Johnson Fotografía Adolpho Veloso Música Bryce Dessner Intérpretes Joel Edgerton, Felicity Jones, William H. Macy, Kerry Condon, Nathaniel Arcand, Clifton Collins jr., John Diehl, Paul Schneider, Alfred Hsing y la voz de Will Patton Estreno en el Festival de Sundance 26 enero 2025; en Estados Unidos 7 noviembre 2025; en España (Netflix) 21 noviembre 2025

Chris Bentley forma junto a Greg Kwedar una pareja de cineastas que firman los guiones de sus películas a dúo mientras cada uno dirige alternativamente por separado. De esta forma, mientras el segundo ha dirigido Transpecos y Las vidas de Sing Sing, Bentley es el responsable de El jockey y ahora esta bellísima película basada en una novela de Denis Johnson. Los dos son los autores de los guiones de los cuatro films. En esta película de poético y evocador título, nos cuentan la historia de un hombre sencillo, tímido y solitario. Un anónimo que se gana la vida a principios del siglo XX talando árboles con los que construir los puentes y las vías que de forma metafórica habrán de recorrer trenes que unen vidas, lugares, costumbres y acontecimientos, además de tendencias, razas y estilos de vida.

En un contexto hostil en el que se persigue a los orientales, donde el color es objeto de ejecución y venganza, y los indios han quedado reducidos a un papel secundario en la página de la construcción del país que se autoproclama nuevo imperio del mundo, nuestro personaje vaga sin provocar daño alguno a nadie, ni empuñar un arma, ni participar en ninguna hoguera de vanidades ni escarnios. Por el contrario, alberga la sensibilidad suficiente para cargar sobre sus espaldas el dolor de la injusticia sufrida por semejantes, y que ello le marque de por vida. Dos tragedias puntúan su periplo, mientras el afán de supervivencia, siempre desde la humildad y la sinceridad, irá marcando su camino.

Bentley ha sabido reflejar todo este viaje con una enorme sensibilidad, una carga poética considerable aunque siempre al alcance de cualquiera, y una hermosísima puesta en escena que evoca a través de la transparente, precisa, detallista y luminosa fotografía de Adolpho Veloso, un paisaje de exuberante naturaleza en el que al más típico estilo de Terrence Malick, se enmarcan los recuerdos de quien en algún momento logró ser feliz, ya sea por el contacto con seres amados o por una experiencia aeronáutica que deja ver el mundo con otra perspectiva. Por una vez no sobra la voz en off, un narrador que da carácter épico y crepuscular a tan hermosa crónica en la que un montaje ágil y dinámico no impide que el resultado sea pausado y relajante. Una bellísima partitura de Bryce Dessner y una dulce canción de Nick Cave ponen la guinda al pastel. Y todo ello demostrando que al final nadie es insignificante y todos y todas albergamos recuerdos que potencian esta idea.

VALOR SENTIMENTAL Puzzle de afectos

Noruega-Francia-Dinamarca-Alemania-Reino Unido 2025 135 min.
Dirección Joachim Trier Guion Joachim Trier y Eskil Vogt Fotografía Kasper Tuxen Música Hania Rani Intérpretes Renate Reinsve, Stellan Skarsgard, Inga Ibsdotter Lilleaas, Elle Fanning, Andres Danielsen Lie, Jesper Christensen, Cory Michael Smith, Lena Endre, Catherine Cohen Estreno en el Festival de Cannes 21 mayo 2025; en Noruega 12 septiembre 2025; en España 5 diciembre 2025

La película más laureada de la temporada, Premio del Jurado en Cannes, Premio Puerta de América en Sevilla, nueve nominaciones a los Premios europeos y ocho a los Globos de Oro, y sin embargo no nos explicamos dónde reside su mérito. Está claro que, sin renunciar a su particular estilo, definido en películas como Oslo 31 agosto y La peor persona del mundo, Joachim Trier ha intentado aproximarse al universo familiar y traumático de Ingmar Bergman, pero tamizado con ese estilo más luminoso y lleno de ritmo que caracteriza al cine de nuestra época, situándose entre ese cine intelectual al que emula y el más comercial a cuya taquilla aspira.

Ya desde las primeras escenas, representando el miedo escénico de una actriz consagrada, bastante ridículo e inverosímil, queda claro que la cinta va de una mujer, otra, desequilibrada y fragmentada por su pasado familiar, protagonizado por una abuela marcada por su resistencia al nazismo y un padre cineasta ausente y mujeriego, y siempre con el suicidio en el horizonte. Quizás resulte más interesante como ensayo del cine dentro del cine, con los fantasmas del pasado como referente y el márketing como estrategia comercial a través de una estrella, ya sea local o hollywoodiense, que sirva de reclamo para un nuevo proyecto. Sin embargo, su análisis fundamentalmente psicológico sobre la influencia de la familia, los estragos y traumas apuntados, una posible reconciliación paternofilial y una fraternidad de cemento, lo mejor de la película, para curar heridas, quedan a nuestro juicio en un plano inferior.

Todo un puzzle de afectos algo indigesto a pesar del encanto que pretende dominar toda la función, quizás un logro tratándose de una fábula sobre la asunción del dolor. No obstante, todo esto parece ser lo que ha alimentado el reconocimiento casi unánime que ha recibido una cinta en la que por supuesto destacan las interpretaciones de su reparto, sobre todo Stellan Skarsgard, para quien el papel ha debido suponer un regalito. En el otro extremo, Renate Reinsve insiste en sus registros y mohines ya habituales, mientras una banda sonora en la que combinación de música original y piezas preconcebidas logran un paisaje sonoro muy atractivo. Por supuesto, en estos países nórdicos siempre reina el buen tiempo, lleno de luz y colores cálidos. 

GOLPES Historias en transición

España-Francia 2025 102 min.

Dirección Rafael Cobos Guion Rafael Cobos y Fernando Navarro Fotografía Sergi Vilanova Música Bronquio Intérpretes Jesús Carroza, Luis Tosar, Teresa Garzón, Cristina Alcázar, Carlos Bernardino, Cristalino, Paco Mora, Antonio Estrada, María José Mariscal, Juan Carlos Villanueva, José Rasero, Alejandro escamilla, Lorenzo Ares Ayllón Estreno en el Festival de Valladolid 26 octubre 2025; en salas 5 diciembre 2025

Interesante debut en la dirección de Rafael Cobos, colaborador incondicional de Alberto Rodríguez como guionista prácticamente desde el inicio de su carrera. Ahora, en solitario, y quizás aprovechando todo lo aprendido respecto a nuestra transición política para generar el documentado y meticuloso guion de la serie Anatomía de un instante, nos cuenta una historia marcada por los años del franquismo, la desdicha sufrida por dos hermanos y cómo les marca para el futuro, cuando en la década de 1980 uno se muestra rebelde con la sociedad, mientras el otro se ha adaptado a ella. Sin embargo, a pesar del bagaje, los personajes se muestran bastante estereotipados y algo acartonados. El hermano más joven resulta más jovial, decidido y comprometido con el cambio que el mayor, de mirada taciturna, incapaz de mejorar su existencia en lo profesional ni en lo personal.

Jesús Carroza tiene por lo tanto mayor posibilidad de lucimiento que Luis Tosar, encerrado en un personaje sin luz ni apenas matices, policía amargado en busca y captura de su hermano líder de una banda de ladrones con los que pretende amasar la pequeña fortuna que le permita lograr la justicia que la transición no se atrevió a formular respecto a una memoria histórica entonces todavía reciente. Por lo tanto, el film no carece de interés, recreando en cierto modo la fórmula del cine quinqui de los ochenta, que tuvo también su homenaje hace unos años de la mano de Daniel Monzón y La ley de la frontera, pero en esta ocasión al servicio de una reivindicación social y jurídica que todavía hoy en día no ha recibido satisfacción.

Una acertada ambientación de la Sevilla de la época y la sorprendente banda sonora de Bronquio logran un trabajo aseado, quizás por debajo de la sofisticación a la que nos tiene acostumbrados Cobos en sus libretos, pero funciona como entretenimiento y nueva y necesaria llamada a una justicia que no acaba de cuajar ante los múltiples impedimentos que ejerce la derecha institucionalizada. Golpes se estrenó en el Festival de Valladolid, lo que nos sirve para entonar un merecido recuerdo a José Luis Cienfuegos, su director y durante más de una década director del Festival de Cine Europeo de Sevilla, fallecido el pasado martes a los sesenta años por un derrame cerebral. Nuestro agradecimiento más sincero a quien tanto trabajó y con tanto acierto por nuestro festival.

LA VOZ DE HIND Infancia feliz

Título original: Sawt al-Hind Rajab
Túnez-Francia 2025 89 min.
Guion y dirección Kaouther Ben Hania Fotografía Juan Sarmiento G. Música Amin Bouhafa Intérpretes Motaz Malhees, Saja Kilami, Amer Hlehel, Clara Khoury Estreno en el Festival de Venecia 3 septiembre 2025; en Túnez 17 septiembre 2025; en España 28 noviembre 2025

Soy incapaz de imaginar cómo habrán resuelto nuestros distribuidores españoles la versión doblada de esta estremecedora película, cuya principal habilidad y mérito cinematográfico reside en combinar hábilmente la ficción con las grabaciones reales de una de tantísimas, infinitas, tragedias humanitarias sufridas en aquella región del mundo masacrada por la sinrazón del hombre. Gaza es el lugar en el que cientos de miles de personas son diariamente castigadas por algo que una organización terrorista execrable hizo hace un par de años en una fiesta de privilegiados jóvenes que disfrutaban de algo que a escasos metros de distancia otros y otras jóvenes jamás hubieran soñado disfrutar, tal es la brecha social y humana provocada por una irrespirable ocupación perpetrada inexplicablemente por quienes a su vez sufrieron el mayor desastre humanitario conocido en nuestro entorno en más de un siglo, dejando aparte otras masacres y desventuras tan o más trágicas de las que nuestros poderes fácticos apenas se hacen eco.

En fin, es nuestra historia y lo seguirá siendo, a la vista del auge igualmente inexplicable del neofascismo y la extrema derecha en todos los países de nuestro alrededor, negando espacio a la libertad, la igualdad, la diversidad y la convivencia, y dando humos a los y las Trump, Putin, Milei, Bolsonaro, Ayuso y, por supuesto, Netanyahu que lideran este maltrecho planeta. En este contexto, una película como La voz de Hind Rajab (aquí le hemos amputado el apellido a su desgraciada niña protagonista) se hace necesaria, imprescindible, aunque sus formas cinematográficas se nos antojen bastante simples, básicas e irremediablemente sensacionalistas. Cuatro trabajadores y trabajadoras de la Media Luna Roja luchan denostadamente al otro lado del teléfono, cada uno y una a su manera, por la supervivencia de una niña cuya familia ha sido asesinada en su coche por el ejército israelí simplemente porque pasaban por allí.

Ella era entonces la única superviviente y el momento aquel infernal enero de 2024 en un territorio ya reducido a escombros. La niña a la que, como a otros y otras miles, se le negó cualquier posibilidad de disfrutar de una infancia feliz, como se llamaba el colegio al que dejó de ir. Manifestaciones a lo largo y ancho del mundo exhiben fotografías de niños y niñas palestinas cuyas vidas han sido truncadas o marcadas, y en todas les vemos felices, jugando y sonriendo. La aprobación de unos ridículos protocolos, paradójicamente en manos de los propios verdugos, dilató en exceso el particular calvario de la niña y el irrespirable sufrimiento de quienes pretendieron salvarla, en un ejercicio que procura hacer sentir al público la misma desazón y sensación de impotencia que sufrieron sus protagonistas.

Detrás de la divulgación de este importante documento se encuentran personalidades del espectáculo del lado considerado progresista norteamericano, tal como entienden allí el término, como Brad Pitt, Joaquim Phoenix, Rooney Mara, Alfonso Cuarón o Jonathan Glazer, dándole el necesario empuje para que el resultado sea visto lo más posible y alcance las mayores glorias de la temporada, en materia de premios y distinciones. Ya se ha hecho con el Premio del Jurado en Venecia y el del Público en San Sebastián, y ha situado definitivamente a su comprometida directora en la cúspide del cine reivindicativo, tras el éxito cosechado con la estilizada El hombre que vendió su piel y el doloroso documental Las cuatro hijas. Esa hábil combinación de ficción y documental proporciona a esta película su particular estilo cinematográfico, mientras su desgarrador mensaje le proporciona su carácter de denuncia imprescindible e ineludible.

SINGULAR Dolor virtual

España-Finlandia 2025 100 min.
Dirección Alberto Gastesi Guion Álex Merino y Alberto Gastesi Fotografía Esteban Ramos Música Jon Agirrezabalaga y Ana Asuaga Intérpretes Patricia López Arnaiz, Javier Rey, Miguel Irirarte, Íñigo Gastesi, Emilia Lazo Estreno en el Festival de Sitges 11 octubre 2025; en salas 28 noviembre 2025

Tras una serie de cortometrajes y video-clips para Malú y Pablo López, Alberto Gastesi debutó en el largo con La quietud de la tormenta, una cinta que como ésta jugaba a combinar y difuminar realidad y fantasía a través del romance entre dos personas que se conocen en la visita a un apartamento en venta, para descubrir que quizás comparten un pasado remoto juntos. Ahora, el director donostiarra nos lleva de la mano por los vericuetos de la inteligencia artificial contándonos una historia de dolor no superado, al que una catarsis emocional y un tránsito protagonizado por una obsesión robótica, irá mostrando el camino para la asunción y la consecución de la paz y el consuelo ansiados. Gastesi mantiene un ritmo pausado y una atmósfera inquietante, y aunque conforme avanza la trama nos puede ir pareciendo rara o marciana, nunca llega a excederse en estos términos, de forma que consigue tenernos en vilo, intrigados por el devenir de unos acontecimientos que, incluso cuando entran en bucle obligado, nunca dejan de generar interés por su incógnita deriva.

Para que la estrategia funcione, sus protagonistas aportan un gran y meticuloso trabajo, especialmente Patricia López Arnaiz, que en su gesto de casi permanente extrañeza, diametralmente opuesto a la introducción de su personaje, logra generar en nosotros y nosotras esa inquietud e intriga necesarias. Por otro lado, el personaje le sirve para salir del encasillamiento de madre y tía en dramas familiares al que nos ha acostumbrado. También Javier Rey está a la altura del proyecto, mientras la inquietante mirada del joven Miguel Irirarte logra generarnos incertidumbre sobre la naturaleza y realidad de la narración.

La recurrente casa en el bosque, tan habitual en películas del género, cobra aquí cierto significado. Una evocadora fotografía, que se deleita en paisajes boscosos y un grisaceo lago en un incierto clima, así como la rompedora y excitante banda sonora, incluyendo el acertado uso del clásico de Bob Geldof y The Boomtown Rats I Don't Like Mondays, consigue redondear un producto original e insólito, al que unos aseados efectos visuales ponen la guinda definitiva.

BELLA Publirreportaje tópico pero necesario

España 2025 61 min.
Dirección Manuel H. Martín y Amparo Martínez Barco Guion Manuel H. Martín y Carmen Jiménez Fotografía (animación) Hilario Abad Música Beatriz López-Nogales Voces Michelle Jenner, Víctor Clavijo, Juan Carlos Villanueva, Gema Abad, Mercedes Hoyos, Numa Hoyos, Bernabé Rico, Hilario Abad, Manuel H. Martín Estreno en el Festival de valladolid 27 octubre 2025; en salas 28 noviembre 2025

Manuel H. Martín fue el responsable del documental animado 30 años de oscuridad sobre una víctima de la Guerra Civil que tuvo que vivir escondido, y del documental de imagen real El viaje más largo, sobre Magallanes y Elcano. Ahora presenta en colaboración con Amaro Martínez y Carmen Jiménez esta ficción basada en una historia real que inspiró a miles de mujeres, echando mano de la animación. Se sirve para ello de una técnica bastante sencilla y simplista, bastante esquemática, a partir de una planificación previa fotográfica, combinada en los pasajes oníricos con otras técnicas de animación que le dan cierto empaque al conjunto.

El resultado más bien parece un publirreportaje institucional sobre violencia de género, previsible de principio a fin, recorriendo todas las fases de esta lacra, desde la seducción y el enamoramiento hasta el desenlace trágico o veladamente feliz, lo dejamos abierto para no generar más spoiler, pasando por la negación, la justificación y la toma de conciencia.

Todo muy básico y divulgativo, orientado a la concienciación y la educación, lo que no ha impedido lograr una nominación al Forqué en el apartado de largometraje de ficción. Puede que una narrativa fluida haya influido para merecer tal distinción, por encima de sus logros estéticos y su arquetípico planteamiento.