TAL VEZ Un despropósito con ínfulas de autoría

España 2026 116 min.
Guion y dirección Arima León Fotografía Carolina Maltese Música Celia Rivero Intérpretes Adriana Ugarte, Tania Santana, Salva Reina, Antonia San Juan, Maykol Hernández, Aitor Luna, Andrea Zoghbi, Ruth Sánchez, María Sabaté, Lea Marks, María Isabel Díaz Lago, Lucifer Rodríguez Estreno 10 julio 2026

Planteada como una libre recreación de la presunta relación romántico sentimental entre la célebre trapecista Pinito del Oro y su frustrada biógrafa Natalia Sosa, la película desaprovecha todas las posibilidades del material de partida, debido fundamentalmente a un desarrollo dramático lleno de lagunas y despropósitos, así como evidenciando una falta de medios que convierte los últimos años laborales de la homenajeada en una desgracia descomunal, enterrada en un circo de tercera categoría en lugar del Price que le dio el merecido y emotivo adiós. Nada hace justicia aquí a quien llegó a ser tan popular internacionalmente que incluso dobló a Gina Lollobrigida en las escenas acrobáticas de la película Trapecio de Carol Reed.

El único glamour que transmite la película se lo debemos a la presencia de una Adriana Ugarte espléndida, radiante, que paradójicamente llegó al proyecto de rebote, cuando Marta Viera se apeó de él. Todo sin embargo, incluida la guardarropía, huele a naftalina, mientras el drama avanza a duras penas y sin más interés que dar trabajo a un puñado de solventes actores y actrices canarios, tierra de donde era la artista y la debutante directora, Arima León. No sirve ni como alegato a una época de represión en la que exhibir la homosexualidad era un atrevimiento heroico, dada la libertad y naturalidad con la que se expone la situación en el entorno familiar de la escritora y laboral de la trapecista.

Premiosa y aburrida, abandona su tesis romántica a una relación epistolar, si bien sólo las cartas de la escritora y poetisa se han hecho públicas, sin que al parecer Pinito del Oro revelase las suyas, lo que deja todo en una incógnita considerable. El irritante tramo final acaba por cargarse el trabajo del todo, cuando una anciana Natalia Sosa se entrega a un juego de la memoria de tintes oníricos, sospechosamente cerca de los biopics de Pablo Larraín, pero sin su talento ni creatividad.

SONG SUNG BLUE: CANCIÓN PARA DOS Una historia de amor y un puñado de grandes canciones

Título original: Song Sung Blue
USA 2025 131 min.
Dirección Craig Brewer Guion Craig Brewer y Greg Kohs Fotografía Amy Vincent Música Scott Bomar Intérpretes Hugh Jackman, Kate Hudson, Ella Anderson, Michael Imperioli, Fisher Stevens, James Belushi, Mustafa Shakir, King Princess, Hudson Hensley, Shyaporn Theerakulstit Estreno en Estados Unidos 25 diciembre 2025; en España 9 enero 2026

Siguiendo la estela de un documental dirigido por Greg Kohs en 2008, que narraba la historia de amor y superación de la pareja formada por Mike y Claire Sardina, que en la década de los noventa del pasado siglo alcanzaron cierta popularidad en Milwaukee y alrededores, como dúo musical Lightning & Thunder y su experiencia Neil Diamond, Craig Brewer lo adapta ahora a la ficción con la ayuda en el guion de quien dirigiera el documental de base. Brewer no se caracteriza precisamente por una filmografía brillante. Siempre a la sombra de proyectos de poca enjundia, logró sin embargo imbuir de ritmo y energía sus primeros pasos en el cine, con películas como Hustle & Flow o Black Snake Noan. A un olvidable remake de Footloose y una decepcionante La leyenda de Tarzán, siguieron dos vehículos a mayor gloria de Eddie Murphy en plataformas digitales, Yo soy Dolemite y El rey de Zamunda. Por eso resulta sorprendente la pericia y el cariño con que ha abordado esta bonita historia de amor aliñada con un puñado de grandes canciones que hicieron historia en los setenta del siglo XX de la mano del irrepetible Neil Diamond.

Sin pretensiones, con sentido del ritmo narrativo y exprimiendo al máximo los recursos puestos a su disposición, incluidas unas interpretaciones sobresalientes no sólo de la pareja protagonista sino de todo el universo característico a su alrededor, familiar, amistoso y profesional, Brewer ha conseguido que nos reconciliemos con ese cine estadounidense que tanto nos emocionaba, que hablaba de gente corriente con grandes ilusiones y aspiraciones, siempre desde un punto de vista eminentemente sentimental que tan bien les funcionaba. Cabe reconciliarse con un país que tanto nos abruma y decepciona, y lo hacemos gracias a la cultura, la música, el cine sencillo y amable que proporcionan productos como éste, destinado a emocionarnos, a recordarnos esas magníficas canciones con las que la voz baritonil de Diamond combinaba de su puño y letra hermosas melodías con inspiradores textos, el cantautor por antonomasia estadounidense, de otro tiempo, otra época, otra esperanza, hoy tan lejana.

Hugh Jackman vuelve a demostrar lo buen artista que es, su destacada capacidad para el musical, aunque a menudo parezca desmelenarse, literalmente. Mientras Kate Hudson sorprende contenida y emocionalmente entregada a su dramático papel, tan alejado de las rubias tontas y sobrepasadas a las que nos ha acostumbrado en su filmografía de comedia romántica. Vuelve a brillar también como cantante, como ya hiciera hace un par de décadas en Nine. Por lo demás, dejarse seducir de nuevo por himnos irrepetibles como Sweet Caroline, Play Me, Soolaimon, I Am I Said o la que da título al conjunto, Song Sung Blue, bien vale el precio de la entrada. Si además la película ofrece más, y lo hace, mejor.

FRAGMENTOS La isla de los sentidos

España 2025 91 min.
Dirección Horacio Alcalá Guion Frank Ariza Fotografía Elías M. Félix Música María Vertiz Intérpretes Manuel Vega, Asia Ortega, Emma Suárez, José Luis García Pérez, Sonia Almarcha Estreno en el Festival de San Sebastián 26 septiembre 2025; en salas 12 diciembre 2025

México une a los dos cineastas que han generado este extraño melodrama romántico. Horacio Alcalá nació allí, pero es ahora cuando después de dirigir dos largometrajes de ficción, Finlandia y Sobre las olas, regresa a España, donde comenzó su carrera cinematográfica con tres documentales. Natural de Barbate, Frank Ariza se ha encargado tanto de la dirección como del guion de un puñado de títulos, entre los que destacan los recientes Reversión y El vestido, mientras en el país norteamericano ha dirigido o escrito también algunos títulos. Lo que cabe preguntarse es en qué momento se interesaron por una idea como la que han plasmado en esta película, la confrontación en plan Quién teme a Virginia Woolf, pero al aire libre, de dos parejas de distinta generación, en un juego de amor y desamor que se antoja algo escurridizo y en el que, en última instancia, lo más interesante y cautivador son los escenarios escogidos, los extraterrenales paisajes de Lanzarote.

Manuel Vega, hijo del cineasta Felipe Vega, se esfuerza en este trabajo dramático como joven esposo enamorado pero desconfiado, mientras Asia Ortega muestra la cara menos amable, más antipática de la relación. En el otro lado, Emma Suárez se involucra más que José Luis García Pérez en dar forma a la otra pareja en liza, quizás menos ideal de lo que aparenta.

Su discreto metraje logra que la propuesta, a pesar de resultar algo marciana, se digiera con facilidad, si bien es, repetimos, el mágico paisajismo de la isla canaria lo que más subyuga al y la paciente espectadora, y quizás también influya en las decisiones y repentinos cambios de actitud de sus cuatro moradores. Junto a ellos, una quinta presencia, la de Sonia Almarcha, carece de entidad más allá de su esfuerzo por imitar el acento canario.

ROOFMAN: UN LADRÓN EN EL TEJADO El buen y romántico ladrón

Título original: Roofman
USA 2025 126 min.
Dirección Derek Cianfrance Guion Derek Cianfrance y Kirt Gunn Fotografía Andrij Parekh Música Christopher Bear Intérpretes Channing Tatum, Kirsten Dunst, Lakeith Stanfield, Peter Dinklage, Lily Collias, Kennedy Moyer, Juno Temple, Ben Mendelssohn, Uzo Aduba Estreno en Estados Unidos 10 octubre 2025; en España 12 diciembre 2025

Unas veces nuestros distribuidores le dejan el título original en inglés al producto, otras lo traducen de forma extremadamente imaginativa y a menudo desafortunada, y otras, como en esta ocasión, le añaden un ridículo apéndice que la mayoría de las veces ni siquiera aporta nada al original. En este film lo del "ladrón en el tejado" apenas cubre la casilla de salida de una trama en la que robar en un sinfín de McDonald’s y vivir durante una dilatada temporada en un Toys “R” Us, en una operación que parece pedir a gritos un patrocinio generoso, se combina perfectamente con un drama sentimental de primer orden y una fábula sobre la bondad humana que se hace cada vez más necesaria en este mundo qe padecemos.

Derek Cianfrance, que dirigió a Ryan Gosling en Blue Valentine, volvió a dirigirlo, esta vez junto a Bradley Cooper, en Cruce de caminos, a Michael Fassbender en La luz entre los océanos y a Mark Ruffalo en la serie La innegable verdad, elige ahora a Channing Tatum, un actor que no disfruta del reconocimiento que merece, para dar vida a Jeffrey Manchester, el ladrón de marras. Un hombre de buen corazón que vivió esta experiencia aunque real, absolutamente increíble. Una odisea que le llevó a utilizar su inteligencia y habilidad para escabullirse durante un buen período de tiempo de la policía, lo que hace reflexionar sobre la posibilidad de que alguien con sus talentos necesite del crimen para sanear sus cuentas y poder así recuperar a su familia, especialmente una hija a la que adora. Un periplo que le lleva en esta situación tan insostenible a acariciar la felicidad y encontrar el amor verdadero, algo que también se aleja de su pareja sentimental conforme se hace evidente que no hay salida, que seguramente hay pocas para los buenos.

Ese tono agridulce traspasa la pantalla gracias a la habilidad del director para dosificar sus delicados recursos, generar una narrativa fluida y lograr que la amabilidad se haga dueña de la función sin por ello descuidar la necesaria dosis de intriga que exige el conjunto. La química entre Tatum y una felizmente recuperada en plena forma Kirsten Dunst, colabora decisivamente para que esta película de otros tiempos llegue a tan buen puerto y nos deje ese sabor agridulce de boca que planea durante toda la función.

TOGETHER El efecto andrógino del amor

Australia-USA 2025 102 min.
Guion y dirección Michael Shanks Fotografía Germain McMicking Música Cornel Wilczek Intérpretes Alison Brie, Dave Franco, Damon Herriman, Mia Morrissey, Karl Richmond, Jack Kenny, Francesca Waters, Aljin Abella Estreno en el Festival de Sundance 26 enero 2025; en Estados Unidos 30 julio 2025; en España 31 octubre 2025

Puede que el cine de terror sea el género que más busca regenerarse a través de historias diferentes y originales. Es lo que pretende el debutante Michael Shanks con esta reflexión sobre la dualidad corporal y espiritual de una pareja, siguiendo la estela del mito de Platón, que creía en la búsqueda del otro yo a partir de la dualidad originaria de nuestro ser, y que partidos en dos nos deriva hacia la búsqueda de nosotros mismos en otro ser. De alguna manera esto es lo que plantea esta singular película, siguiendo las coordenadas y algunos de los tópicos del cine de terror, casa suntuosa en medio del bosque y peligros acechantes de carácter místico alrededor.

Pareja en la vida real, Dave Franco y Alison Brie se prestan a esta disección del amor en pareja, con cuestiones como el sexo y el respeto de por medio, con resultados algo desequilibrados. Acabamos sucumbiendo más a sus estéticos y originales efectos visuales, y a la generosa ración de efectismo gore, que a esa supuestamente profunda reflexión sobre la pareja, el deseo y el amor que propone.

Mejor y más entregada ella que él, aunque circundados por diversos personajes secundarios, se trata de un film con dos protagonistas absolutos y permanentemente en pantalla, mientras únicamente un tercer personaje asoma de vez en cuando para ir perfilando la situación y terminar arrojando alguna luz sobre los inexplicables hechos que van consumiendo y horrorizando a la pareja. Un trabajo que se ve con interés y curiosidad, pero que decae frente a sus propias ambiciones.

GRAND TOUR Romance colonial

Portugal-Francia-Italia 2024 129 min.
Dirección Miguel Gomes Guion Telmo Churro, Maureen Fazendeiro, Miguel Gomes y Mariana Ricardo Fotografía Gui Liang, Sayombhu Mukdeeprom y Rui Poças Intérpretes Gomnçalo Waddington, Crista Alfaiate, Cláudio da Silva, Lang Khê Tran, Jorge Andrade, Joao Pedro Vaz Estreno en el Festival de Cannes 22 mayo 2024; en Portugal 19 septiembre 2024; en España 7 marzo 2025

No hay nada gratuito o al azar en las propuestas del más famoso director portugués del momento. Si en Tabú exploraba en clave romántica los estragos de la colonización portuguesa en Mozambique, en la trilogía de Las mil y una noches se trataba de la crisis económica de principios de siglo, y en Diarios de Otsoga ambientaba su experimento metacinematográfico en la pandemia, ahora se trata de regresar al universo de Tabú pero en Asia y aplicando parte del lenguaje y al estética experimentados en su celebrada trilogía.

De esta forma tenemos por un lado una gramática cercana al documental con colores rabiosos, seguramente trabajo del reconocido Sayombhu Mukdeeprom (Shyamalan, Guadagnino, Weerasethakul, el propio Gomes) y por otro un blanco y negro preciosista que parece rememorar el estilo del Hollywood clásico, con decorados evidentes y una narrativa deudora del melodrama exótico. Y por supuesto merodea la posibilidad de que parte de estos recursos se deban a una limitación presupuestaria. Así mismo, Gomes mezcla épocas y ambientes, quizás todo encaminado a mostrar los estragos de la colonización, cómo afecta a la cultura autóctona e impone la globalización, evidente por ejemplo en el contraste entre el espectáculo de marionetas y el karaoke al son de Sinatra.

Todo ello para contar una historia a dos bandas, la del huidizo novio incapaz de afrontar el compromiso matrimonial, hundido en un mar de melancolía, y la de la joven prometida que lo busca atravesando el continente asiático con Birmania como punto de partida. El resultado, como sucede siempre en el cine de este realizador luso, fascinará a unas, que lo encontrarán hipnótico, poético y fabulador, e irritará a otras, que simplemente lo encontrarán arbitrario, irregular y por momentos incluso irritante. De cualquier forma, fue reconocido en Cannes como mejor director, y en Valladolid como mejor montaje.

MEMORY Una sombra blanca y pálida

México-USA 2023 103 min.
Guion y dirección Michel Franco Fotografía Yves Cape Intérpretes Jessica Chastain, Peter Sarsgaard, Brooke Timber, Merritt Weaver, Josh Charles, Elise Fisher, Jessica Harper Estreno en el Festival de Venecia 8 septiembre 2023; en Estados Unidos 5 enero 2024; en España 19 junio 2024

Siempre bajo bandera mexicana, Michel Franco ha coqueteado con el cine europeo a través de sus sofisticados castings (Emma Suárez en Las hijas de Abril, Tim Roth en Chronic, Charlotte Gainsbourg en Sundown), aunque su mayor reconocimiento lo obtuvo con un reparto coral todo latino en la muy violenta Nuevo orden. Ahora es el cine estadounidense el que le seduce, siempre sin abandonar la producción autóctona, ofreciendo otra crónica de la violencia contemporánea, esta vez soslayada, oculta tras un melodrama romántico de resortes tan aparentemente originales como ciertamente recurrentes. Chastain interpreta a una mujer cuyo pasado le hace vulnerable, que pasa su tiempo ayudando a otras personas más delicadas aún y marginadas que ella, y reniega de un pasado que no le es favorable.

En su camino, y de una forma tan sorprendente como poética, se cruza un hombre con falta de memoria inmediata al que da vida un excelente Peter Sarsgaard, galardonado en Venecia con la Copa Volpi al mejor actor. Se trata de un hombre también vulnerable y sobre protegido por una familia quizás algo interesada, y entre ambos surge una relación perjudicada por elementos que no les son favorables. Franco retrata así otro tipo de violencia al que la nueva sociedad se ha acostumbrado sin remedio y que depara vidas desgraciadas para quienes la sufren.

Contenido y pausado, el director mexicano construye su historia de amor, respeto y consideración con la ayuda inestimable y muy involucrada de sus dos protagonistas, pero también de una pléyade de secundarios que personifican otros tipos de amores, el solidario y empático de una hija adolescente hacia su madre, el de una hermana incapaz de corregir los errores del pasado, e incluso el envenenado de una abuela a la que mirar hacia otra parte se convirtió en su única vía de escape, a la que da vida Jessica Harper, cincuenta años después de El fantasma del paraíso y más de cuarenta de Dinero caído del cielo. Al tono melancólico general alcanzado en este tierno melodrama romántico contribuyen las elegantes e icónicas notas del mítico A Whiter Shade of Pale de Procol Harum, tan apropiadas para un anuncio de perfume como para una historia de desgarro emocional como la que nos ofrece esta delicada película.