ON FALLING Una actitud incomprensible

Reino Unido-Portugal 2024 104 min.
Guion y dirección Laura Carreira Fotografía Karl Kürten Intérpretes Joana Santos, Inés Vaz, Piotr Sikora, Neil Leiper, Jake McGarry, Itxaso Moreno, Leah MacRae, Billy Mack Estreno en el Festival de Toronto 6 septiembre 2024; en Portugal 27 marzo 2025; en España 19 septiembre 2025

Premiada el año pasado en San Sebastián con la Cocha de Plata a la mejor directora, el debut de la portuguesa Laura Carreira, bajo bandera fundamentalmente inglesa, fija su atención en una joven como ella que sobrevive con un trabajo precario y rutinario en una localidad de las islas británicas, mientras observa a su alrededor un entorno en el que no se ve capaz de encajar. Una mirada diferente al cine de carácter social, donde lo importante no es tanto contar una historia que nos conmueva y agite nuestra conciencia, sino acercarnos en modo crónica al día a día de una persona que carece de habilidades sociales.

Ahí es donde radica fundamentalmente el problema de la cinta, en insistir en un modelo de persona con carácter lo más parecido a una autista, con comportamientos que hacen su caso muy particular y aislado, en todos los sentidos. Mientras, a su alrededor vibra la vida, lo que no parece estar indicándonos que esa idéntica precariedad y el esclavismo universal al que, no lo olvidemos, estamos todos y todas condenadas, precisamente por aceptar un sistema que interesa sólo a unos cuantos, no afecta a toda persona por igual.

El enganche generalizado al móvil o a series de televisión de fácil consumo no parece tampoco potenciar esa sensación de aislamiento y falta de ternura que padece una protagonista incapaz de escapar de esa realidad aburrida, monótona y carente de interés en el que se siente sumergida, y para la que todos los recursos puestos a su disposición son sistemáticamente desaprovechados por su incomprensible actitud. Todo lo cual, rodado con el habitual feísmo que caracteriza este tipo de producciones, hace que el film se nos antoje poco agraciado y menos convincente. Hay muchas formas de rebelarse contra el sistema, y falta hace enfrentarse a él, pero la actitud de nuestra protagonista, en este sentido bien interpretada por Joana Santos, nos parece incomprensible.

GRAND TOUR Romance colonial

Portugal-Francia-Italia 2024 129 min.
Dirección Miguel Gomes Guion Telmo Churro, Maureen Fazendeiro, Miguel Gomes y Mariana Ricardo Fotografía Gui Liang, Sayombhu Mukdeeprom y Rui Poças Intérpretes Gomnçalo Waddington, Crista Alfaiate, Cláudio da Silva, Lang Khê Tran, Jorge Andrade, Joao Pedro Vaz Estreno en el Festival de Cannes 22 mayo 2024; en Portugal 19 septiembre 2024; en España 7 marzo 2025

No hay nada gratuito o al azar en las propuestas del más famoso director portugués del momento. Si en Tabú exploraba en clave romántica los estragos de la colonización portuguesa en Mozambique, en la trilogía de Las mil y una noches se trataba de la crisis económica de principios de siglo, y en Diarios de Otsoga ambientaba su experimento metacinematográfico en la pandemia, ahora se trata de regresar al universo de Tabú pero en Asia y aplicando parte del lenguaje y al estética experimentados en su celebrada trilogía.

De esta forma tenemos por un lado una gramática cercana al documental con colores rabiosos, seguramente trabajo del reconocido Sayombhu Mukdeeprom (Shyamalan, Guadagnino, Weerasethakul, el propio Gomes) y por otro un blanco y negro preciosista que parece rememorar el estilo del Hollywood clásico, con decorados evidentes y una narrativa deudora del melodrama exótico. Y por supuesto merodea la posibilidad de que parte de estos recursos se deban a una limitación presupuestaria. Así mismo, Gomes mezcla épocas y ambientes, quizás todo encaminado a mostrar los estragos de la colonización, cómo afecta a la cultura autóctona e impone la globalización, evidente por ejemplo en el contraste entre el espectáculo de marionetas y el karaoke al son de Sinatra.

Todo ello para contar una historia a dos bandas, la del huidizo novio incapaz de afrontar el compromiso matrimonial, hundido en un mar de melancolía, y la de la joven prometida que lo busca atravesando el continente asiático con Birmania como punto de partida. El resultado, como sucede siempre en el cine de este realizador luso, fascinará a unas, que lo encontrarán hipnótico, poético y fabulador, e irritará a otras, que simplemente lo encontrarán arbitrario, irregular y por momentos incluso irritante. De cualquier forma, fue reconocido en Cannes como mejor director, y en Valladolid como mejor montaje.

SEFF 21 (2024) BANZO La muerte de los desarraigados

Portugal-Francia-Países Bajos (Holanda) 2024 127 min.
Guion y dirección Margarida Cardoso Fotografía Leandro Ferrâo Música Rutger Zuydervelt Intérpretes Carloto Cotta, Hoji Fortuna, Rubén Simôes, Gonçalo Waddington, Joâo Pedro Bènard, Sara Carinhas, Maria do Céu Ribeiro Estreno en el Festival de Karlovy Vary 4 julio 2024

Curtida en el documental, Margarida Cardoso aborda esta crónica sobre los colonizados del antiguo imperio portugués con las formas que en el país vecino conforman ese nuevo cine que abraza los modos clásicos o académicos aprendidos del maestro Manoel de Oliveira, tan particular en las formas como difícil de digerir en su desarrollo dramático. De hecho a nadie se le escapa que la película trata sobre el desarraigo que produce el exilio, el que sufrieron miles de indígenas colonizados, separados de sus tribus y entorno doméstico para desempeñar duros trabajos primero como esclavos, más tarde como asalariados. La nostalgia y la melancolía que dicha situación les genera, provoca esta rara enfermedad del sueño, metáfora denominada banzo sobre la que gira en espiral una trama que nunca encuentra el desarrollo justo, entre paisajes bellísimos de islas tropicales, sin que nunca se aclare si se trata de las Azores, Madeira o cualquier otra de las que a principios del siglo XX todavía formaban parte de dicho imperio. La muerte como única escapatoria de un futuro sin esperanza, que Cardoso trata con delicadeza para cargar las tintas sólo en la pena del exilio, sin sumar la del trato vejatorio que haría más evidente la situación. La experiencia puede resultar atractiva, como su reparto cuidadosamente seleccionado, entre ellos el habitual de estas empresas Carloto Cotta, pero a la larga se antoja aburrida y considerablemente pesada.

ALMA VIVA Inocencia entre la vida y la muerte

Portugal-Francia-Bélgica 2022 88 min.
Dirección Cristèle Alves Meira Guion Cristèle Alves Meira y Laurent Lunetta Fotografía Rui Poças Música Amin Bouhafa Intérpretes Lua Michel, Ana Padrâo, Jacqueline Corado, Ester Catalâo, Duarte Pina, Arthur Brigas, Catherine Salée, Martha Quina, Leonel Reiss Estreno en el Festival de Cannes 18 mayo 2022; en Portugal 3 noviembre 2022; en España 9 junio 2023

Tras su paso por Cannes y ganar el premio a la mejor dirección novel en el de Valladolid, esta película se estrenó en muy pocas localidades de nuestro país en junio del año pasado, y ahora recobra actualidad por su nominación al Goya a la mejor película iberoamericana, un honor que si no nos falla la memoria nunca antes había recaído en el país vecino. Alves Meira, la realizadora del film, combina hábilmente ese cine rural que tanto se lleva cultivando en España en los últimos años, siempre desde un ángulo inconfundiblemente femenino, con el realismo mágico de los países de Sudamérica, logrando un film curioso e interesante en el que, para exorcizar la fama de tristón que tiene el cine portugués, no falta el humor.

La mirada de una niña a su entorno, en el pueblo donde pasa las vacaciones estivales en compañía de su abuela y sus tías, se convierte en un viaje hacia el más allá, los espíritus y las presencias que siempre nos acompañan, para avisarnos, guiarnos o consolarnos. Con un tono vitalista y luminoso, nos acercamos a ese universo rural en el que apenas se perdonan los deslices del pasado, se divierte en verbenas y se huye del peligro incendiario que acecha cada verano. En medio de todo esto asistimos a uno de los entierros más delirantes jamás mostrados en una pantalla sin tratarse de comedia abierta e hilarante. Se disfruta con amabilidad y curiosidad, sin llegar nunca a ser la gran sorpresa ni la obra excepcional que se le presume.

FUEGO FATUO Estreno en salas

Reseña de la película, estrenada en el Festival de Cine Europeo de Sevilla
Estreno en salas comerciales 31 marzo 2023

SEFF 2022 7ª Jornada

FOGO FÁTUO Delirio de calendario

Portugal 2022 67 min.
Dirección Joâo Pedro Rodrigues Guion Paulo Lopes Graça, Joâo Rui Guerra da Mata y Joâo Pedro Rodrigues Fotografía Rui Poças Música Paulo Bragança y Oceano Cruz Intérpretes Mauro Costa, André Cabral, Joel Branco, Oceano Cruz, Anabela Moreira, Margerida Vila-Nova, Miguel Loureiro, Ana Bustorff, Raquel Rocha Vieira, Joâo Villas-Boas, Cláudia Jardim Estreno en el Festival de Cannes 24 mayo 2022; en Portugal 29 septiembre 2022

Quienes hayan seguido puntualmente la filmografía del director luso Joâo Pedro Rodrigues saben que entre cortometrajes, documentales y largometrajes, su mundo se centra básicamente en la fantasía homoerótica. De entre sus trabajos más conocidos sobresale El ornitólogo, que responde perfectamente a estas coordenadas que ahora se perpetúan en esta especie de comedia musical muy sui generis que dará respuesta a quienes hayan alguna vez fantaseado con los calendarios de bomberos.

El heredero de la corona portuguesa en la sombra se enrola en el cuerpo de bomberos concienciado por alguna campaña contra incendios al estilo de aquella que entonaba Serrat en la década de los ochenta en nuestro país. En la estación de bomberos se deja seducir por los sensuales entrenamientos y la camaradería de vestuario hasta encontrar el amor y entregarse a otro tipo de fuego más carnal, como deja claro el año en que comienza la historia, 2069, justo en el lecho de muerte del protagonista.

Rodrigues ofrece su lado más desenfadado y divertido en una propuesta completamente intrascendental y barata, en la que los bailes de pareja superan a los de conjunto, la música surge de cualquier fuente y género, y todo huele a underground económico y distendido. Y a pesar de todo esto y de que su duración apenas supere la hora de duración, agota.

LEONORA ADDIO Tres funerales y dos testamentos

Italia 2022 90 min.
Guion y dirección Paolo Taviani Fotografía Paolo Carnera y Simone Zampagni Música Nicola Piovani Intérpretes Fabrizio Ferracane, Matteo Pittiruti, Dania Marino, Dora Becker, Claudio Bigagli, Nathalie Rapti Gomez, Roberto Herlitzka Estreno en el Festival de Berlín 15 febrero 2022; en Italia 17 febrero 2022

En su primera película en solitario tras la muerte de su hermano Vittorio, Paolo Taviani parece estar escribiendo su propio testamento, del mismo modo que la novela El clavo (Il chiodo) se entiende como el testamento de Luigi Pirandello, el célebre poeta, novelista y dramaturgo al que el director italiano dedica esta significativa película. Ver una película de los Taviani, o de Taviani, a estas alturas parece más una reverencia de la que no se espera obtener apenas respuesta. Así ocurrió con Una questione privata hace cinco años, pero afortunadamente no sucede ahora con esta enigmática película ya desde su título. La única relación que parece existir entre la novela Leonora addio de Pirandello y esta película sobre su muerte y funeral es la tierra, Sicilia, en la que hunden sus raíces una y otra. Esa tierra a la que terminan yendo a parar nuestros huesos o cenizas, cuando dejamos de existir físicamente para, los más afortunados, solo sobrevivir en el recuerdo y la cultura.

La cinta de Paolo Taviani se centra en los tres funerales a los que fueron sometidas las cenizas del genial escritor, quien había dejado instrucciones en su testamento para que no se le sometiera a ningún homenaje ni funeral concreto. El grotesco, casi esperpéntico, periplo que sufren los restos en manos de un delegado del gobierno, sirven al veteranísimo realizador para reflejar en blanco y negro, y de paso poder alternar imágenes rodadas con otras documentales y secuencias de películas, el particular sentido de humor de Pirandello, mientras en su tercio final una libre adaptación de la novela El clavo en color sirve para dar fe del testamento literario del autor, desprovisto de su estilo humorístico y centrado en un suceso incomprensible que acabó con la vida de una niña en el Harlem de primera mitad del siglo XX.

Tres funerales y dos testamentos unidos en una película en la que quizás cuesta entrar pero que provoca admiración cuando se conocen sus pilares e intenciones. En la aventura acompaña al Taviani superviviente la siempre sentimental música de Nicola Piovani, que incluso arregla uno de sus temas más icónicos de la filmografía de los hermanos para una secuencia de foxtrot y baile.

CHRISTINA Complejos de pecadora

Título original: Kristina

Serbia 2022 90 min.
Dirección Nikola Spasic Guion Milanka Gvoic Fotografía Igor Lazic Intérpretes Kristina Milosavljevic, Marko Radisic, Jelena Galovic, Zvonimir Pudelka, Gordana Djurdjevic Estreno en el Festival de Sevilla 9 noviembre 2022

En su corta trayectoria el director serbio Nikola Spasic se ha dedicado al corto y el documental, y su experiencia la vierte ahora en su primer trabajo de ficción, donde cuenta la historia real, con protagonistas también reales, de una chica trans que vive de lujo dedicándose a trabajos florales y a la prostitución de alto nivel.

Sus encuentros aparentemente casuales con un joven aspirante a religioso la ponen frente al espejo y le cuestionan su modo de vida. Un argumento en principio interesante pero que en la práctica acaba resultando insufrible e irrelevante, tedioso de principio a fin, y lo que es inadmisible, falto de todo el interés que debería haber suscitado.

LA EMPERATRIZ REBELDE Otra pobre niña rica

Título original: Corsage

Austria-Luxemburgo, Alemania-Francia 2022 112 min.
Guion y dirección Marie Kreutzer Fotografía Judith Kaufmann Música Camille Intérpretes Vicky Krieps, Colin Morgan, Finnegan Oldfield, Ivana Stojkovic, Alma Hasun, Aaron Friesz, Florian Teichtmeister, Manuel Rubey, Katharina Lorenz, Raphael von Bargen Estreno en el Festival de Cannes 20 mayo 2022; en Austria 7 julio 2022

Parece mentira que todavía hoy sigan suscitando tanto interés y atención estos personajes decadentes e impresentables que forman parte de una casta que en su mayoría nos ha chupado la sangre y empeorado la delicada situación del pueblo. Nos referimos a realeza y a emperadores y emperatrices como la que interpreta Vicky Krieps, que a este paso va a protagonizar una de las filmografías más irritantes de la historia. Se trata de la emperatriz Isabel de Baviera, más conocida como Sissi, a la que inmortalizó Romy Schneider tanto en su vertiente romántica en la serie de películas Sissi como en Ludwig de Visconti, aunque también otras actrices le han dado vida, por ejemplo Ava Gardner en Mayerling de Terence Young.

Centrada en sus debilidades de fábrica acentuadas con sus deberes como consorte de la máxima autoridad del Imperio Austrohúngaro, Krieps incorpora a una Isabel obsesionada con su figura, proclive a una depresión fomentada por las tragedias familiares, la muerte de su hija Sofía y la de su hijo Rodolfo, que no se integra en este fresco seudo histórico más preocupado por mostrar una vez más a esa pobre niña rica, aburrida y desesperada en que acaban por lo visto estos personajes tan privilegiados y a menudo caprichosos.

Si bien es cierto que la cinta es suficientemente ambigua como para no reparar solo en esa faceta del carácter sino también en sus aires déspotas e irritantes, en sustancia el conjunto carece a estas alturas de interés, y vestirlo de oropeles y lujosos ropajes no nos parece ya suficiente para justificar la empresa. Además, se prometía una emperatriz gamberra y divertida que no asoma por ninguna parte, con una banda sonora roquera que se reduce a una serie de cancioncillas más o menos dulces y amables de la cantautora francesa Camille Dalmais, que ni siquiera chirrían, como cabía esperar, en este pasteloso y redundante engendro.

18º FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA 4ª JORNADA

ESPÍRITU SAGRADO Ufología de barrio

España-Francia-Turquía 2021 97 min.
Guion y dirección Chema García Ibarra Fotografía Ion de Sosa Intérpretes Nacho Fernández, Llum Arques, Rocío Ibáñez, Joanna Valverde Estreno en el Festival de Locarno 11 agosto 2021; en España 26 noviembre 2021

Convertido en todo un referente de la auténtica marcianada gracias a los numerosos cortos que ha realizado, muchos de ellos muy celebrados en certámenes de todo el mundo, de Sundance a Rotterdam, pasando por Cannes y Berlín, Chema García Ibarra se adentra ahora en el largometraje ambientando en su ciudad, Elche, una historia de ufología, secuestros de menores y tráfico de órganos humanos con toda la socarronería y el humor negro del que ha sido capaz. Pero lo más interesante es el desfile de personajes estrafalarios que aglutina su película; dicen que Elche es una ciudad en la que abunda gente muy particular, y esta cinta no podría sino corroborarlo. Por lo demás, García Ibarra sabe manejar los recursos cinematográficos más elementales, una narrativa ágil, una dirección de actores acertada para el fin que pretende conseguir, y una serie de sketches que le acerca al humor de la televisiva Muchachada Nui y otros marcianos habitantes del planeta Tierra, en toda una hábil combinación de costumbrismo de barrio y argumento de ciencia ficción.

LA ISLA DE BERGMAN Sonrisas de verano en la isla del dolor

Título original: Bergman Island
Francia-Alemania-Bélgica-Suecia 2021 113 min.
Guion y dirección Mia Hansen LØve Fotografía Denis Lenoir Intérpretes Vicky Krieps, Tim Roth, Mia Wasilowska, Anders Danielsen Lie Estreno en el Festival de Cannes 12 julio 2021; en Francia 14 julio 2021; en España 22 diciembre 2021

Casi quince años han pasado desde que Mia Hansen-LØve debutara como directora de largometrajes. Antes había sido actriz y crítica cinematográfica. Con películas como El porvenir o Todo está perdonado, y su anterior film, Maya, estrenado en el Festival de Sevilla en su edición de 2018, ahora la directora francesa fija su atención y admiración en Ingmar Bergman y propone una suerte de Sonrisas de una noche de verano en la isla en la que el director sueco rodó algunas de sus películas más dolientes, en concreto la trilogía La hora del lobo, La vergüenza y La pasión de Ana. Un matrimonio formado por un director de cine norteamericano (Roth) y una guionista alemana (Krieps) se desplazan a Farö para rodar un drama sentimental, inspirándose para ello en los mismos escenarios en los que Bergman rodó aquellas y otras películas como la tremenda Como en un espejo o la no menos perturbadora Persona, y en la cama donde Liv Ullman y Erland Josephson desvelaron sus Secretos de un matrimonio. Nada que ver con aquel ambiente desenfadado que preside Sonrisas de una noche de verano y que sin embargo parece ser el paradójico referente para que Wasilowska y Danielsen Lie vivan un irrelevante romance entre luminoso y doloroso, entre prados y mareas. El film por lo tanto no traspasa la frontera de la mera cinefilia, con poco que contar al margen de esa admiración por el maestro, y con cuatro atractivas presencias que junto a los cálidos y agradables escenarios naturales escogidos justifican si acaso su visionado.

¿QUÉ VEMOS CUANDO MIRAMOS AL CIELO? Fútbol y maldiciones

Título original: Ras ukhedavt rodesac cas vukurebt?
Georgia-Alemana 2021 150 min.
Guion y dirección Alexandre Koberidze Fotografía Giorgi Fesharaki Música Giorgi Koberidze Intérpretes Ani Karseladze, Giorgi Bochorishvili, Oliko Barbakadze, Giorgi Ambroladze, Vakhtang Fanchulidze Estreno en el Festival de Berlín 16 junio 2021

Los cineastas, especialmente aquellos que se sienten más libres y ruedan cómo y lo que quieren, sin pretender carrera comercial alguna, son como niños, u hombres con complejo de Peter Pan. Por eso no es de extrañar que muchos sientan una especial predilección por los cuentos. El georgiano Alexandre Koberidze obtuvo con este su segundo largometraje el Premio Fipresci en el Festival de Berlín. Una voz nos va contando una historia de amor con particular afición por el fútbol y un maleficio de por medio que malogra la posibilidad de que la pareja protagonista se reencuentre. Hay que esperar sus dos horas y media de ocurrencias sin fin para averiguar si finalmente se produce o no ese reencuentro. Juega el director a esa moda, tan proclive en nuestros días, del cine por sketches, fundamentalmente surrealistas, aunque en esta ocasión los protagonistas sean siempre los mismos, una vez sometidos a esa maldición anunciada que por una vez no proviene de brujas sino de los objetos inanimados que invaden nuestra vida diaria alejándonos cada vez más de lo natural. Se agradece el enorme componente de ingenuidad y ternura que prima en la propuesta, pero se hace excesivo su metraje y la inútil reiteración de recursos estéticos y dramáticos, siempre en busca de una voz personal y genuina que quizás no acabe sino provocando tedio.

DIARIOS DE OTSOGA Cine en pandemia

Título original: Diários de Otsoga
Portugal 2021 102 min.
Dirección Maureen Fazendeiro y Miguel Gomes Guion Maureen Fazendeiro, Miguel Gomes y Mariana Ricardo Fotografía Mário Castanheira Intérpretes Crista Alfaiate, Carloto Cotta, Joâo Nunes Monteiro Estreno en el Festival de Cannes 13 julo 2021; en Portugal 19 agosto 2021

Si en algún momento se han preguntado cuántas de las películas que se han estrenado a lo largo del año se han rodado durante el confinamiento, y cómo lo han hecho, quizás el último film de Miguel Gomes, director de las celebradas Tabú y Las mil y una noches, les dé la respuesta. En un ejercicio de metacine extremo, ya saben cine dentro del cine, Gomes y la también directora Maureen Fazendeiro nos invitan al rodaje de una película en condiciones tan particulares como las vividas en estos últimos dos años, pero con la presunta originalidad de narrar la historia hacia atrás, con lo que empezaremos observando secuencias de la película rodada en la ficción, y finalizaremos con los preparativos y los protagonistas interpretándose a sí mismos, entre ellos el actor fetiche de Gomes, un Carlotto Cotta con pintas de surfero. De esta forma todo el equipo técnico es también equipo artístico, la confusión entre cine y realidad se potencia y el experimento deviene una deconstrucción del arte cinematográfico. Como siempre en el cine de Gomes, gustará a sus admiradores, irritará a los detractores y aburrirá a la mayoría.

THE INNOCENTS Crueldad infantil del norte

Título original: De uskyldige
Noruega-Suecia-Dinamarca-Finlandia 2021 117 min.
Guion y dirección Eskil Vogt Fotografía Sturla Brandth GrØvien Música Pessi Lovanto Intérpretes Rakel Lenora FlØttum, Alva Brynsmo Ramstad, Sam Ashraf, Mina Yasmin Bremseth Asheim, Mortem Svartveit Estreno en el Festival de Cannes 11 julio 2021; en Noruega 3 septiembre 2021

Una vez más el luminoso aunque escueto verano báltico se convierte en escenario ideal para una de esas películas que solo pueden surgir de un pueblo tan perturbado como el nórdico, cuyas propuestas suelen rebasar los límites justificables de crueldad, ya sea en dramas o películas de terror como esta. Eskil Vogt dirige su segundo largometraje, después de sorprender a los más incautos con Blind y escribir varios guiones para Joachim Trier (Oslo, 31 de agosto). Los inocentes está sin duda llamada a ser película de terror de culto en un futuro no lejano, como ya lo son otros títulos como Déjame entrar o Border. Combina con habilidad las historias protagonizadas por niños, ya saben esos salvajillos sin sentido todavía de lo que está bien y lo que está mal, lo que les hace ser especialmente crueles a la vez que vulnerables, y esos ambientes malsanos tan queridos por ejemplo por realizadores como M. Night Shyamalan, pero con esa agravante anunciada de la mentalidad del norte europeo, cuyos fríos hacen tan proclive que la población genere tantas paranoias. No parece casualidad que dos de los cuatro infantes, tres niñas y un niño, sean de raza negra e india, dos culturas o civilizaciones muy asociadas a las magias negras, los poderes sobrenaturales y las supersticiones paranormales. En este entorno asistimos a un juego cruel, que se ceba especialmente en los animales al inicio, quedan avisados, en el que la telequinesia y la telepatía cobrarán un especial sentido para confeccionar una trama precisa y perturbadora, todo ello asistido de una especial habilidad para crear tensión e inquietud prácticamente de principio a fin.

LA METAMORFOSIS DE LOS PÁJAROS La madre conectada con Dios y la Naturaleza

Título original: A Metamorfose dos Pássaros
Portugal 2020 101 min.
Guion y dirección Catarina Vasconcelos Fotografía Paulo Menezes Música Madalena Palmeirim Documental Estreno en el Festival de Berlín 28 febrero 2020; en Portugal 1 septiembre 2020; en España 3 septiembre 2021

Nos cuesta conectar con este híbrido entre ficción y documental con el que la directora portuguesa Catarina Vasconcelos quiere contarnos la presuntamente fascinante historia de su familia. Como Irene Giménez Lorang en My Mexican Bretzel, Vasconcelos opta por un toque vanguardista y experimental para contarnos esa historia familiar, pero mientras la española optaba por el trampantojo y la ilusión para a partir de material documental doméstico ajeno lograr hilvanar esa historia íntima y personal, Vasconcelos echa mano más del material rodado de ficción para hablarnos de ausencias en ese tono característico gris y tristón que caracteriza al cine portugués que trasciende sus fronteras.

Hay sin embargo un alto componente místico, casi religioso, en su propuesta que la acerca a menudo a ese cine catecúmeno que salpica nuestras pantallas desde que hace tiempo las hordas de la derecha más intransigente y rancia pretende recuperar el terreno perdido. Vasconcelos, que por supuesto pertenece a una familia burguesa y adinerada, que parece ser la única clase cuyas vivencias particulares merecen ser contadas, exige la máxima atención al público para que no pierda el hilo de sus elaborados textos de una literatura exasperante, incansablemente declamados por una omnipresente voz en off. A la vez experimenta con la imagen y el sonido, la primera para que nos sintamos como si admirásemos un cuadro, quizás ese Sorolla o la Boda campesina de Brueghel El Viejo con los que prácticamente arranca el film; este último casualmente protagonizó una de las pruebas más veteranas del concurso televisivo Saber y ganar solo un día antes de estrenarse entre nosotros la película. Experimenta también con el sonido, como si de un trabajo digno de exhibirse más en un museo que en una sala de cine destinada a contar historias, para sumergirnos en un mar (literal) de misticismo y confusión que sirva para construir esa oda a la madre a la que esta enigmática y a menudo irritante película parece querer dirigirse.

No nos sorprende sin embargo que la cinta haya recibido tantos premios (menores quizás, como el Fipresci en la sección Encuentros de Berlín o el Zabaltegi-Tabakalera en San Sebastián) y vítores críticos, tan proclives a celebrar cualquier cosa que se aparte del lenguaje tradicional y nos invite a esforzarnos en encontrar poesía y sugestión en propuestas desde luego tan elaboradas pero en muchos aspectos insufribles como esta. También su preciosista cartel publicitario ha sido galardonado en algún festival.

SEFF 2019. TECHNOBOSS Musical anti estrés laboral

Portugal-Francia 2019 112 min.
Dirección Joâo Nicolau Guion Joâo Nicolau y Mariana Ricardo Fotografía Mário Castanheira Música Pedro Da Silva Martins, Norberto Lobo y Luis José Martins Intérpretes Miguel Lobo Antunes, Luísa Cruz, Américo Silva, Duarte Guimarâes, Matias Neves, Tiago Garrinhas, Sandra Faleiro, Ana Tang Estreno en e Festival de Locarno 11 agosto 2019; en Portugal 7 noviembre 2019; en el Festival de Sevilla 14 noviembre 2019

Como casi todo lo que nos llega a través de festivales del vecino Portugal, nos encontramos ante una insólita propuesta que combina musical con comedia, drama social y hasta romántico. Realizado tan precariamente que incluso un viaje a Sevilla es resuelto con un fundido en negro tras el que escuchamos las experiencias del protagonista en El Corte Inglés, seguido de una típica mesa de velador sevillano con cerveza y aceitunas y fondo negro, y rematado con el protagonista bailando el Aserejé de las Ketchup junto a su coche, de cuya radio sale este éxito de los noventa. El hilo argumental gira en torno a un hombre ya maduro, próximo a la jubilación, que se dedica a suministrar a grandes y pequeñas empresas mecanismos de seguridad que no siempre funcionan correctamente. Su buen talante e infinita paciencia hace que se tome esta última etapa de su vida laboral con extrema tranquilidad, mientras intenta seducir a la encargada de la consejería de un hotel de lujo y lidia con su hijo, nieto y jefe, siempre bajo la supervisión y los buenos consejos de un hipotético jefe con el que solo habla por teléfono y que es quien le inspira esa paciencia infinita. Todo esto puesto en escena con extrema pulcritud y economía de medios, incluidos algunos fondos pintados que francamente descolocan, pero con ese encanto que saben desplegar los portugueses y que se extiende a unas canciones amables y distendidas. Evidentemente no vale gran cosa pero se deja ver aunque sea como producto extraño, simpático y un punto marciano.