MI MITAD PERDIDA Una comedia seudorromántica diferente

Título original: Twinless
USA 2025 100 min.
Guion y dirección James Sweeney Fotografía Greg Cotten Música Jung Jae-il Intérpretes Dylan O’Brien, James Sweeney, Aisling Franciosi, Lauren Graham, Tasha Smith, Chris Perfetti, François Arnaud, Susan Park Estreno en el Festival de Sundance 23 enero 2025; en Estados Unidos 5 septiembre 2025; en España 19 marzo 2026 (Movistar Plus+)

El joven actor y director James Sweeney parece especialmente interesado en las relaciones de pareja diversa, un gay y su mejor amiga en su anterior y primera película, Straight Up, un gay y un heterosexual ahora, maneniendo una entrañable relación a propósito de la pérdida que ambos han sufrido de un hermano gemelo. Con un tono distendido, dejando fluir la narración sin alardes pirotécnicos y un ritmo adecuado sin resultar aburrido, Sweeney va salpicando su enternecedor relato, siempre respetando una inconfundible y sincera vocación de comedia romántica original y diferente, de giros sorprendentes que van dando al conjunto una entidad propia y singular.

A ello se prestan tanto él, en modo enamorado obsesivo, como su pareja interpretativa, Dylan O’Brien, a quien hemos visto recientemente como coprotagonista junto a Rachel McAdams de lo último de Sam Raimi, Send Help. A ellos acompaña el habitual elenco dispar y atractivo, en el que destaca en un breve papel François Arnaud, protagonista de la historia paralela que se narra en la serie también gay Más que rivales (Heated Rivalry), así como participaciones de la veterana Lauren Graham, una divertida Susan Park como jefa de Sweeney, o la revelación de la cándida Aisling Franciosi.

Así es como se construye una comedia romántica agradable y original, sin pretensiones ni análisis profundos, aunque en el fondo subyaga una interesante tesis sobre la obsesión romántica y sus consecuencias, así como cierto interés en dejar constancia sobre el hueco emocional que deja un alma propiamente gemela.

A UNA ISLA DE TI Previsible comedia con fondo turístico

España 2026 102 min.
Dirección Alexis Morante Guion Fernando Pérez, Alexis Morante y Paula López Cuervo Fotografía Carlos García de Dios Música Lucas Vidal Intérpretes Freddie Dennis, Jaime Zatarain, Julia Martínez, Toni Acosta, Carlos González, Alba Goya, Leticia Etala, Aïda Ballmann, Horacio Colomé Estreno en el Festival de Málaga 10 marzo 2026; en salas 10 abril 2026

Nacido en Algeciras, Alexis Morante dirigió un documental sobre Camarón y se curtió realizando documentales y video clips para David Bisbal, Bunbury y Héroes del Silencio. En 2022 dio el salto al largometraje con El universo de Óliver, un fallido ejercicio nostálgico de trasplantar la atmósfera del cine juvenil estadounidense y ochentero a nuestra idiosincrasia. Después vino la más lograda ¿Es el enemigo? La película de Gila, que contó con más aprecio de la crítica que del público. Y ahora nos ofrece este viaje turístico a Gran Canaria y Fuerteventura a través de una previsible y condescendiente comedia romántica gay con apenas otros atractivos que los paisajes y la gastronomía de las islas.

Un catálogo de situaciones arquetípicas, enredos incluidos y el siempre socorrido artilugio cómico de puertas que se abren y cierran, se añade a un reparto de personajes aún más tópicos. Un joven inglés, el impersonal y desconocido Freddie Dennis, despechado por las infidelidades de su prometido, la joven canaria que conoció en Londres, una Julia Martínez incómoda en un papel decididamente ñoño, en las antípodas de su inquietante papel en Subsuelo, y el padre de éste, un Jaime Zatarain que resuelve su capacidad de seducción a fuerza de sonrisas y guiños forzados, mientras espera su oportunidad para convertirse en nuevo galán del cine español, conforman el trío protagonista.

A ellos y ella se unen la omnipresente Toni Acosta con sus tretas habituales, Carlos González perpetuando los gestos que ya había ensayado en series como Maricón perdido, y un puñado de personajes prescindibles, algunos y algunas extraídas de la farándula canaria. Se deja ver sin molestar, sobre todo gracias a sus hermosas localizaciones, pero no aporta nada, ni siquiera a nivel meramente lúdico o festivo.

LA HIJA PEQUEÑA Un proceso delicado

Título original: La petite dernière
Francia-Alemania 2025 106 min.
Guion y dirección Hafsia Herzi, según la novela de Fatima Daas Fotografía Jérémie Attard Música Amin Bouhafa Intérpretes Nadia Melliti, Park Ji-min, Louis Memmi, Mouna Soualem, Aloïse Sauvage, Amina Ben Mohamed Estreno en el Festival de Cannes 16 mayo 2025; en Francia 22 octubre 2025; en España 13 marzo 2026

Con más de cuarenta títulos a sus espaldas como actriz desde que debutara en 2007 con Cuscús, y alguna incursión en el cine estadounidense como protagonista (This Teacher), Hafsia Herzi dirige su tercer largometraje adaptando la novela autobiográfica de la militante LGTBI Fatima Daas, de origen argelino como la debutante protagonista del film. En ella cuenta el proceso de autorreconocimiento y descubrimiento de una joven estudiante francesa de origen argelino, cuando comienza a sentir atracción por las mujeres, y cómo esto afecta a su convicción como creyente y practicante musulmana. Una materia que podría haber provocado un trabajo más apasionante pero que se queda en discreción y delicadeza, muy alabado por parte de la crítica pero que a nuestro juicio se queda por debajo de su atractiva promesa.

Este proceso de descubrimiento narrado apenas contiene sorpresa ni originalidad, pasando por los episodios habituales de enamoramiento, desilusión, frecuencia de locales de ambiente y disfrute del sexo libre y desprejuiciado, mientras la compatibilidad con sus creencias religiosas apenas se esbozan sin que derive en conflicto palpable. Por si fuera poco, estos episodios de descubrimiento se suceden de forma caprichosa, de manera que obvian a menudo la convivencia familiar, tan decisiva en la cultura árabe.

Cabe aplaudir el trabajo de Nadia Melliti, sus ademanes algo masculinizados y su mirada a menudo intensa, a pesar de unas lágrimas en exceso artificiales y ese registro permanentemente serio con el que se quiere encubrir quizás la histeria y el trauma con el que otras películas del género abordan esta situación de supuesta crisis existencial. A la crítica y la profesión parece sin embargo haberle bastado la forma de abordar el personaje, no carente desde luego de cierto magnetismo, a juzgar por el premio a la mejor actriz logrado en Cannes y el César a la mejor actriz novel. Pudimos verla también en la sección oficial del pasado Festival de Cine Europeo de Sevilla.

PILLION Aceptar la sumisión

Reino Unido 2025 106 min.
Guion y dirección Harry Lighton, según la novela “Box Hill” de Adam Mars-Jones Fotografía Nick Morris Música Oliver Coates Intérpretes Harry Melling, Alexander Skarsgard, Douglas Hodge, Lesley Sharp, Jake Shears, Matt Hill, Nick Figgis, Zoe Engerer, Jake Sharp Estreno en el Festival de Cannes 18 mayo 2025; en Reino Unido 28 noviembre 2025; en España 6 marzo 2026

En España suele denominarse paquete al pasajero que viaja en la parte de atrás de una moto. Pillion significa sillín de moto, pero se utiliza también para denominar a dicho pasajero. Teniendo en cuenta el tema que trata esta película, en la que los genitales masculinos tienen una gran importancia e incluso cierta presencia explícita, haber titulado en nuestro país esta película como Paquete habría sido muy oportuno. Tras un par de cortometrajes, Pillion es el prometedor debut en el largometraje del joven Harry Lighton, coronado en la sección Un certain regard con el premio al mejor guion, mientras en los Bafta ha conseguido tres nominaciones, como mejor película británica, mejor debut y mejor guion. Por su parte, el joven pero ya veterano Harry Melling, a quien hemos visto en la saga Harry Potter y en Los crímenes de la academia, obtuvo en la Seminci el premio al mejor actor. Él es el alma de la película, el reservado e introvertido homosexual, funcionario y cantante que conoce por casualidad a un imponente motero con el que descubre un mundo completamente nuevo e ilusionante para él, el de las relaciones sadomasoquistas, que en jerga erótica se denomina BSDM.

Lighton describe así una relación que debería entrar en el concepto de tóxica pero a la que el consentimiento otorga legitimidad, descubriendo al público otra forma de disfrutar de la sexualidad, el sometimiento como base del placer y el disfrute, un estigma más que debe desaparecer, y que encuentra en el personaje de la madre del protagonista el clásico ejemplo de dificultad para aceptar lo nuevo y desconocido, siendo por otro lado mujer muy concienciada con la homosexualidad de un hijo al que busca incansablemente un novio.

Lighton consigue con estos ingredientes y un ritmo fluido, además del desfile frecuente de Alexander Skarsgard luciendo físico, un film que se digiere fácil y rápidamente. Contiene secuencias muy atrevidas, rayando, si no alcanzando directamente, la pornografía. Otro aliciente para acabar con prejuicios y prohibiciones y convertir el morbo en herramienta efectiva de normalización de conductas todavía alejadas de la regla imperante. Por si fuera poco, el compositor Oliver Coates ilustra la hazaña con una sensibilidad casi poética y unos hipnóticos arreglos del Gymnopédie nº 1 de Satie.

ELOY DE LA IGLESIA, ADICTO AL CINE Retrato poliédrico de un artista singular en una España gris

España 2025 99 min.
Dirección Gaizka Urresti Guion Gaizka Urresti, Moisés Garrido y Juan Barrero Fotografía Pepe Añón Documental Estreno en el Festival de San Sebastián 24 septiembre 2025; en salas limitadas 25 diciembre 2025; en Movistar Plus+ 17 enero 2026

Con una nominación al Goya bajo el brazo, aterriza en una plataforma digital, tras un breve y limitado paso por salas de cine, este documental dirigido por Gaizka Urresti. Tras realizar sendos documentales sobre Labordeta y esa Terapia de pareja que reunió a Rozalén y Marwán, Urresti analiza la controvertida figura del cineasta que acuñó como nadie aquello del cine quinqui de la transición política española. Pero su filmografía es mucho más variada, siempre desde el atrevimiento y la valentía, mientras su vida sufrió las consecuencias de la adicción a la droga y una homosexualidad vivida todo lo libre y abierta que se podía en una época de tanta duda y contradicción. La película recorre, con más hechuras de televisión que méritos propiamente cinematográficos, su carrera, desde Fantasía 3 y Algo amargo en la boca a su despedida con Los novios búlgaros, pasando por iconos de nuestro cine como La semana del asesino, La criatura, Los placeres ocultos, El diputado, Navajeros, Colegas y El pico. Un recorrido que se antoja algo insuficiente, al dejar de lado otros títulos emblemáticos de su cine como El techo de cristal, La otra alcoba o Miedo a salir de noche.

Un retrato poliédrico en un momento cumbre de nuestra historia reciente, aderezado con retazos de su vida, especialmente lo que tiene que ver con su propia drogadicción o su convulsa relación sentimental con el actor José Luis Manzano. Se echa en falta algo más de profundidad en un análisis que no llega a reflejar la verdadera dimensión de un cine hoy reivindicado, y que llevó a algunos a tildar al cineasta del Pasolini o Fassbinder español, toda una contradicción si tenemos en cuenta que su cine era eminentemente comercial y taquillero, mientras el que cultivaban estos cineastas europeos entraba más en el denominado cine de autor minoritario. No cabe duda, sin embargo, de que hay similitudes entre los tres cineastas, sobre todo en su afán de desnudar tabúes s hipocresías.

El recurso a testimonios de estudiosos y allegados, como José Sacristán, Fernando Guillén Cuervo, Valentín Paredes, Ángel Pardo, Pedro Olea, José Luis Garci, María Luisa San José, Claudia Gravy, Fernando Méndez-Leite, Diego Galán o el crítico Luis E. Parés, se alterna con imágenes de archivo, fundamentalmente entrevistas en televisión al propio Eloy de la Iglesia, e imágenes de documental y de su filmografía, entre la que también destaca su particular revisión del clásico de Henry James Otra vuelta de tuerca, siempre desde una óptica queer. Un film por lo tanto indispensable para entender una época, los estertores del franquismo, los últimos coletazos de la censura y los primeros pasos de una democracia incierta y ávida de libertad y color.

RECUERDO DE UN AMOR IMPERECEDERO

Drama X Música. Mark Milhofer, tenor. Luis Alberto Domínguez, actor. Manuel Navarro, piano. Rafael R. Villalobos, dirección, dramaturgia, vestuario e iluminación. Programa: He Who Loves Music (obras de Benjamin Britten, Henry Purcell y John Dowland). Espacio Turina, miércoles 28 de enero de 2026

Milhofer, Navarro, Villalobos y Domínguez

A pocos días del estreno en el Maestranza de El sueño de una noche de verano de Benjamin Britten, el Turina rindió su particular homenaje al compositor británico de la mano de uno de los más inquietos, atrevidos y a menudo polémicos directores escénicos nacidos en nuestra ciudad, Rafael Rodríguez Villalobos. Un espectáculo que se pudo ver y oír anoche en el espacio de la calle Imagen y que no contó con el apoyo masivo del mundillo cultural y artístico de la ciudad, a pesar de que a priori constituía todo un acontecimiento.

Una voz interrumpe Bohemian Rhapsody de Queen en la radio para anunciar la muerte de Britten, insigne compositor y baluarte de la cultura y la música del Reino Unido. A continuación, el recuerdo de su memoria y legado a través de la voz de Peter Pears entonando Before Life and Death, deja claro el carácter oficial de una relación sentimental que duró cuatro décadas. Más tarde, las condolencias de Isabel II al tenor afianza aún más esa concepción. Pero fueron muchos años de clandestinidad, de disimular sentimientos en público y mantener una férrea discreción para no caer en las garras de una justicia contraria al amor entre personas del mismo sexo.

En escena, el tenor velando a su amado en un féretro disimulado, dentro de una escenografía sencilla y elegante que combina sólo el blanco y el negro. Junto a él un joven actor que representa la belleza de la juventud, tan idealizada como inalcanzable, y siempre eterno rival de una sexualidad que se autoproclama insaciable, quizás porque los hombres no han sufrido la represión que sí han soportado las mujeres, hasta que ha quedado en los genes, y quedará durante mucho tiempo, siempre que los nuevos tiempos no nos obliguen a dar pasos atrás.

El diálogo y la interactuación entre Pears, esa bella y envidiable juventud y el pianista que también se presta a los juegos de seducción que propone un amante que se entrega al amor libre y la pareja abierta, constituye el material dramático que sale igualmente de la mano y mente de Villalobos. Entre los textos, cartas de amor de la pareja, el testamento sentimental que Britten dedicó a Pears, y poemas de Auden, el primero de los cuales fue fácil de identificar, el mismo que otro viudo dedicaba a su esposo en el funeral de la película de las cuatro bodas.

En el apartado musical, Villalobos selecciona una serie de composiciones, en su mayoría dedicadas al tenor en diferentes momentos de su vida en común, entre las que destacan tres de los siete Sonetos de Michelangelo, convenientemente traducidos al amor heterosexual para no herir la sensibilidad norteamericana frente a la que se estrenaron en 1942. También piezas de Purcell y Dowland que representan el compromiso del autor del War Requiem con la música de su país, de la que fue ferviente defensor y divulgador.

Y con todo este material, Villalobos diseña su particular réquiem, siempre en tono trágico y tétrico, invocando más el dolor y la tristeza de la pérdida que el gozo y la celebración del amor y la vida que muchos hubiésemos preferido. Una iluminación errática, con focos a menudo agresivos que quemaban la escena e impedían ver con nitidez los sobretítulos, en este caso tan elocuentes y necesarios, así como una mezcla de sonidos que en alguna ocasión resultó farragosa, combinando piano, canto y voz en off de manera descontrolada y caótica, completó la propuesta.

Destacó sin embargo la voz poderosa y apabullante del veterano Mark Milhofer, un todoterreno especialista en el autor británico pero también en el repertorio barroco del que supo exprimir con delicadeza y discreción sus ornamentos e inflexiones. Incluso se atrevió emulando a Freddie Mercury con voz aquilatada de poderosos agudos. Aunque evidenció en momentos puntuales incómodos roces en la voz, ésta mantuvo en todo momento una potente proyección y un hermoso timbre, ayudando al éxito una expresividad a flor de piel, si bien la carga dramática del evento no logró ser suficientemente conmovedora ni tierna. Villalobos sólo le permitió un tono jocoso y distendido a través de los arreglos de canciones populares que entonó a mitad del evento, mientras el resto fue puro lamento  romántico (Rendete a gli occhi miei) y desgarro emocional (O Might Those Sighes, de los Sonetos sagrados de John Donne). Con el mismo Before Life and Death que escuchábamos al principio en la voz grabada de Pears, terminó su actuación, demostrando que su voz poco difiere de la del tenor homenajeado.

Junto a él destacó Manuel Navarro, preciso y elocuente al piano, siempre atendiendo a las necesidades de la voz y ofreciendo un precioso solo, depurado en lo técnico y sobrio en lo expresivo, en Night-Music. También el joven efebo encarnado por Luis Alberto Domínguez logró sumar talento y dignidad a una propuesta que con los ajustes necesarios quedará lista para su presentación en otros espacios nacionales e internacionales. Nosotros así  lo deseamos a este director escénico y agitador cultural que ha crecido ante nuestros sentidos.

Excepto la primera, las demás fotos han sido tomadas del facebook de Rafael Villalobos

HEDDA Retrato distorsionado de arribismo femenino

USA 2025 107 min.
Guion y dirección Nia DaCosta, según la obra de Henrik Ibsen Fotografía Sean Bobbitt Música Hildur Gudnadóttir Intérpretes Tessa Thomson, Nina Hoss, Imogen Poots, Tom Bateman, Nicholas Pinnock, Finbar Lynch, Mirren Mack, Jamael Westman, Saffron Hocking Estreno en el Festival de Toronto 7 septiembre 2025; en Estados Unidos 22 octubre 2025; en España (Amazon Prime) 29 octubre 2025

La obra teatral de Ibsen Hedda Gabler ha sido llevada al cine y la televisión en multitud de ocasiones. Algunas de las más celebradas son la que interpretó Ingreid Bergman en 1962 para la televisión, así como la de Diana Rigg de 1981 para el mismo medio. Rosalind Russell interpretó a una actriz que daba vida en el escenario al personaje, con el que mimetizaba su propia experiencia, en Cae el telón de 1948, mientras Glenda Jackson se hizo cargo del personaje en 1975, y en 2004 se presentó una versión ambientada en época actual. La última adaptación fiel tuvo lugar en 2014. La que ahora firma una directora en auge como Nia DaCosta, de quien se acaba de estrenar en salas la cuarta entrega de la saga 28 días después, se traslada de la Noruega de finales del siglo XIX al Reino Unido de la década de 1950, además de tomarse la libertad de convertir a su protagonista en mujer de raza negra (también lo es el juez Brack) y bisexual, de la misma forma que el amante Eilert pasa a ser la amante Eileen.

Aparte de esas licencias, ¿qué aporta esta nueva aproximación a la obra maestra de Ibsen? Confusión principalmente, porque no acierta a definir a su protagonista como lo que de verdad es, una arribista sin escrúpulos, fría y manipuladora. Sólo con trazo grueso y muchas explicaciones dialécticas logra, a mitad de metraje, retratarla, pero entonces resulta impostado y frívolo. Mientras tanto asistimos a un suntuoso melodrama reducido a una sola noche en un solo espacio, una mansión británica, y una dislocada fiesta. Ahí se aloja la combinación de egos e intrigas que propone una trama mucho más maquiavélica y perversa de lo que es capaz de plasmar la realizadora con la ayuda de Tessa Thompson, que protagonizó su ópera prima, Little Woods, y aparecer en The Marvels, su particular incursión en la saga comiquera.

Por lo demás, nos encontramos de nuevo ante un equivocado y peligroso retrato de mujer, perversa por un lado y desquiciada por el otro (Eileen Lovborg, personaje interpretado por cierto de manera magistral por la alemana Nina Hoss). Una inquietante e inspirada banda sonora de Hildur Gudnadóttir, incluido un tema principal que parece inspirado en el poco allegretto de la Sinfonía nº 3 de Brahms, y una esmerada puesta en escena no acaban de resultar alicientes suficientes para elevar la película a la categoría que sin duda ambiciona.

SEFF 2025. IL MIO POSTO É QUI Crónica de la represión

Italia-Alemania 2025 110 min.
Guion y dirección Cristiano Bortone y Daniela Porto, según la novela de la primera Fotografía Emilio Maria Costa Música Santi Pulvirenti Intérpretes Ludovica Martino, Marco Leonardi, Bianca Maria D’Amato, Francesco Biscione, Adele Biotta, Anna Maria De Luca, Francesco Aricó, Antonino Sgró Estreno en Italia 9 mayo 2024

Adaptación de la novela de Daniela Porto, realizada por ella misma y su pareja sentimental, en clave honesta y absolutamente académica. Cuenta la historia de una joven italiana marcada por los estragos de la Segunda Guerra Mundial, que lucha por salir adelante en contra de los designios de una sociedad rural profundamente machista, influida al extremo por la Iglesia, primitiva al fin y al cabo. Narra paralelamente la relación de amistad que entabla con el homosexual oficial del pueblo, dos seres marginados por una época y una moral cruel y excluyente, lo que les exige un mayor esfuerzo y capacidad de decisión para salir del entorno y las limitaciones impuestas.

Con una rica galería de personajes y el protagonismo de una precisa Ludovica Martino y un nostálgico Marco Leonardi (Cinema Paradiso, Como agua para chocolate), la cinta deambula por lugares quizás trillados pero hábilmente combinados, a través de un ritmo narrativo preciso y ajustado y una serie de episodios que enriquecen la trama, a pesar de sus hechuras un tanto televisivas y poco o nada arriesgadas, algo que por otro lado un producto de este género no necesita.

No cabe duda de que está hecha con cariño y las ideas muy claras, algo muy de agradecer. Consigue de esta manera traspasar la pantalla y conquistar nuestro corazón, aunque en el fondo no se trate más que de un producto aseado, bien intencionado y con los siempre bienvenidos buenos sentimientos que exige la propuesta.

SEFF 2025. ENZO Acéptame por ese nombre

Francia-Bélgica-Italia 2025 102 min.
Dirección Robin Campillo Guion Robin Campillo y Laurent Cantet Fotografía Jeanne Lapoirie Intérpretes Eloy Pohu, Maksym Slivinskyi, Pierfrancesco Favino, Elodie Bouchez, Malou Khebizi, Nathan Japy, Vladislav Holyk Estreno en el Festival de Cannes 14 mayo 2025; en Francia 18 junio 2025

Con esta película, Robin Campillo, especialmente sensible al tema homosexual (Chicos del este, 120 pulsaciones por minuto) y coescritor junto a Laurent Cantet del guion de varias de sus películas, entre ellas las memorables La clase y El taller de escritura, rinde homenaje a su mentor, fallecido antes de poder llevar a buen puerto este personal proyecto. Enzo es el joven protagonista de la película, un chico rebelde frente al sistema establecido, a la manera en que parecen hacerlo hoy muchos y muchas de su generación, rodeados de comodidades, inmersos en una atmósfera intelectual y de libertad que ya hubiesen querido las generaciones pasadas, y que sin embargo desprecian y malgastan esa herencia para construir a su alrededor una realidad caótica y regresiva.

En su caso, abandona estudios y un futuro acorde a su clase, para entregarse al trabajo obrero sin capacidades ciertas para su desempeño. En ese ambiente descubre el primer, tormentoso y desafortunado primer amor, en un proceso deudor en cierto modo al que disfrutábamos en un registro opuesto en Call Me by Your Name. Pero el libreto tarda mucho en presentar el verdadero drama, mientras se pierde en exceso en miradas y ambigüedades por parte de los dos principales personajes, el Enzo del título y el apuesto obrero ucraniano del que se siente atraído.

Una sucesión de clichés que no desvelaremos para evitar spoilers, lagunos excesivos, acaban por malograr definitivamente lo que podría haber sido un trabajo más depurado y sutil sobre los diversos problemas que plantea, demasiados quizás para caber en hora y media, y desarrollarse en apenas treinta minutos, desde la lucha de clases al contraste entre el despreocupado mundo del bienestar y el que sufre la guerra, o el narcisismo operado por quienes buscan en el halago y el deseo la solución a sus problemas de aceptación. Y nos preguntamos, ¿qué hace en la sección oficial de un festival una cinta estrenada en su país hace ya cinco meses?

EXTRAÑO RÍO Efebos en aguas curativas

Título original: Estrany riu
España-Alemania 2025 106 min.
Dirección Jaume Claret Muxart Guion Jaume Claret Muxart y Maritxell Colell Fotografía Pablo Paloma Música Nika Son Intérpretes Jan Monter, Nausicaa Bonnín, Jordi Oriol, Bernat Solé, Francesco Wenz, Roc Colell Estreno en el Festival de Venecia 29 agosto 2025; en salas 3 octubre 2025

Para su debut en la dirección de largometrajes, el joven Jaume Claret centra su atención en el río Danubio, que ya fue objeto de su inquietud en el corto Los Danubios, a partir de un relato de Claudio Magris, y donde un joven se le aparecía a un escritor como origen del mismísimo río. De viaje con la familia en bicicleta por las riberas alemanas del famoso río, un joven de dieciséis años se deja llevar por la experiencia sensorial de todo cuanto le rodea, para exorcizar sus propios miedos y traumas frente a la madurez intelectual y sexual que se le aproxima. Esta prometedora y poética ópera prima se adentra en esa etapa que para muchos y muchas dicen resultar bastante traumática, donde los radicales cambios que experimentamos acaban convirtiéndose en una a menudo amarga experiencia. Algunos, afortunadamente, necesitamos hablar en tercera persona cuando de este tema se trata, al no haber experimentado esos difíciles cambios de forma tan radical y problemática. Claret Muxart demuestra una madurez expresiva impresionante proponiendo esta experiencia inmersiva, una sabia combinación de realidad y ensueño, capaz del naturalismo más extremo y a la vez de recrear una experiencia onírica tan estimulante y, a todas luces, relajante.

Del agua, que es la vida, surgen las respuestas que el joven protagonista, un efebo heredero de Tadzio que podría iniciar así una interesante carrera como actor, si es esa su intención, encuentra para exorcizar las heridas de la edad, que tantos a esa edad consideran incurables. Una familia unida, comprensiva, consciente de los nuevos cánones románticos y sentimentales, en la que la única con experiencia en el cine es Nausicaa Bonnín, acompaña al joven protagonista en este viaje de feliz descubrimiento, una aventura iniciática que abre puertas y propone soluciones, siempre bajo el techo del idílico verano, bañado por las cristalinas aguas del río europeo más famoso, e ilustrado por un catálogo de sensibles partituras, desde Dafnis y Cloe de Ravel al adagio de Marcello arreglado por Bach, pasando por el bellísimo nocturno de la Suite Lírica de Grieg. Un derroche de sensibilidad sin maniqueísmos al que Claret añade otra de las que parecen ser sus inquietudes, la arquitectura moderna, que da pie a una lección del padre a los pies de una escuela al borde del río.

Un ser mágico y fascinante se encargará de ayudar a nuestro joven y todavía confuso protagonista a encontrar su camino, mientras seducidos por su fascinante apariencia, olvidamos si lo que vemos y oímos pertenece al mismo tratamiento naturalista y realista destinado a la familia y su fluido viaje salpicado de episodios y anécdotas, como el encuentro entre actrices que protagoniza la madre y una joven alemana, y que contribuye a esa palpable sensualidad que inunda esta acuática, refrescante y relajante experiencia. Estaremos atentos y atentas a la carrera de este prometedor director, deseando que este milagro no sea fruto de la casualidad.

MASPALOMAS Una condición más emocional que sexual

España 2025 115 min.
Dirección José Mari Goenaga y Aitor Arregi Guion José Mari Goenaga Fotografía Javier Agirre Erauso Música Aránzazu Calleja Intérpretes José Ramón Soroiz, Nagore Aranburu, Kandido Uranga, Zorion Eguileor, Kepa Errasti, Cristina Yélamos Estreno en el Festival de San Sebastián 20 septiembre 2025; en salas 26 septiembre 2025

Tras la académica serie sobre Balenciaga protagonizada por Alberto San Juan y la inquietante Marco sobre un falso superviviente español del holocausto nazi, los Moriarty, es decir Aitor Arregi y José Mari Goenaga, se embarcan en un proyecto posiblemente más afín a la estética del segundo que del primero. Y lo hacen como se dieron a conocer en 2014 con Loreak, en eusquera y confiando uno de los papeles protagonistas a la estupenda Nagore Aranburu, que tanto nos conmovió en la también serie Querer, de la recién ganadora de la Concha de oro Alauda Ruiz de Azúa. Un idioma original que demuestra la riqueza cultural y patrimonial de este país, tan digna de respetarse y protegerse como nuestros monumentos, gastronomía o literatura, por poner algunos ejemplos que cuentan con mayor consenso en este país siempre tan dividido y presto a la polémica.

Aplaudimos también que Goenaga haya prestado su atención a los homosexuales de la tercera edad, en un mundo dominado por cuerpos danone y mucha juventud. Allí, en la célebre playa de Gran Canaria que da título a la cinta, disfruta de su vejez el protagonista, un espléndido y matizado José Ramón Soroiz, justo ganador del premio a la mejor interpretación protagonista también en este Festival de San Sebastián. Desarmarizado de forma más relativa que real, al desarrollar su vida cotidiana en espacios presididos por el gueto gay, acabará armarizado de nuevo cuando se ve obligado por las circunstancias a regresar a Donosti e internarse en una residencia poco antes de desatarse un metafórico coronavirus.

El film muestra hasta donde la prudencia le exige, esa fiesta homoerótica al que se abandona Vicente, el personaje, mientras su desarrollo posterior deja algunas cuestiones al debate y la convicción o no de cada uno, según se aprecie. Pero todo va encajando, y nos vamos quedando con la evolución del personaje, adquiriendo nuevas habilidades sociales y, sobre todo, superando esa homofobia que tantos homosexuales practican sobre sí mismos. En el camino, la ternura en forma de amistad imprevisible, se va convirtiendo en principal eje de emoción, además de ejercicio de comprensión y respeto hacia quien piensa diferente, erigiéndose en lo mejor y más conseguido del film, gracias en gran parte a un excelente trabajo de Kandido Uranga que, esperemos, no pase desapercibido en las próximas quinielas de premios. Aunque ningún premio es tan estimulante y liberador como un buen baño desnudo en el inmenso mar.

EL CAUTIVO Las mil y una noches de Cervantes

España-Italia 2025 133 min.
Música y dirección Alejandro Amenábar Guion Alejandro Amenábar y Alejandro Hernández Fotografía Álex Catalán Intérpretes Julio Peña Fernández, Alessandro Borghi, Miguel Rellán, Fernando Tejero, José Manuel Poga, Luis Callejo, Roberto Álamo, Albert Salazar, Luna Berroa, César Sarachu, Jorge Asín, Mohamed Said, Juanma Muniagurria Estreno en el Festival de Toronto 7 septiembre 2025; en salas 12 septiembre 2025

Seis años después de Mientras dure la guerra y tras el paréntesis televisivo de La fortuna, Amenábar nos presenta un proyecto que se antoja tremendamente personal, por cuanto construye alrededor de hechos extraídos de la vida de Cervantes, una fantasía y un delirio homoerótico, no obstante basado en indicios bastante plausibles del periplo del autor de El Quijote en tierras argelinas. El relato se circunscribe a los casi cinco años que Cervantes pasó en una cárcel de Argel, bajo la atenta e interesada mirada del Bajá o gobernador de la ciudad. Su pasado como condenado por un duelo ilegal, su exilio en Italia y su apresamiento por corsarios árabes, son episodios de su vida que surgen a través de pautas de guion bien integradas en la narración, y que el propio escritor documentó en relatos como El licenciado Vidriera, El trato de Argel o La Galatea. A partir de ahí asistimos a su cautiverio, sus intentos de fuga y la fascinación que ejerce sobre su carcelero, el Bajá. Una atracción que no parece descabellada a juzgar por las veces que éste pasó por alto su autoría de los intentos de fuga perpetrados junto a varios de sus compañeros de encierro.

La libertad imperante en una cultura, la árabe, que con el paso de los siglos ha ido evidenciando gigantescos pasos atrás, da pie a una exagerada galería de personajes y conductas homosexuales a lo largo y ancho de la ciudad mediterránea. Mientras, Cervantes se antoja como una suerte de Sherezade que se gana la confianza y la compasión de su señor a fuerza de relatos e ingenio, ganando tiempo para él y los suyos, entre quienes se encuentran el sacerdote Antonio de Sosa, quien cuenta esta historia en primera persona, y a quien da vida un entregado Miguel Rellán, así como otro sacerdote de inclinaciones más perversas, Juan Blanco de Paz, interpretado por Fernando Tejero. La película goza de un primer tercio en el que Amenábar acierta a plasmar con emoción y respeto el arte de contar historias, ya sea a través de la literatura, el teatro o el cine, y la necesidad que tenemos de oírlas o vivirlas, por mucho que nuestras experiencias también puedan ser extraordinarias. Sin embargo, continúa por derroteros más convencionales, como si faltase imaginación y todo transcurriera con trazo grueso y gramática impostada, especialmente cuando se descubre que lo que de verdad interesa a su atribulado director es la historia de amor que imagina entre Cervantes y el Bajá, rodada eso sí con delicadeza y suma elegancia.

No nos cabe duda de que el director de Los otros sabe contar historias y enganchar al público, incluso cuando emergen decepciones como las apuntadas. Pero el intenso trabajo de investigación, y cómo ha integrado episodios que dan buena cuenta de la biografía completa del homenajeado hasta regresar a España y antes de escribir su obra maestra, no da los frutos deseados, no resulta convincente y malogra lo que podría haber sido una mejor semblanza de Cervantes antes de que cambiara su segundo apellido, Cortinas, por Saavedra, quizás por cómo lo llamaba la gente de Argel, shaibedraa, traducido como tullido por su condición de manco. Hay además a lo largo de la cinta, secuencias que rozan el ridículo, si no lo pasan directamente, potenciados por una banda sonora que aunque inspirada y en estilo, del propio Amenábar, a veces resulta ampulosa. Con todo, sorpende comprobar cómo hasta los episodios más reales pueden parecer a veces completamente ficticios. 

INDOMABLES Juegos ocultos

Título original: On Swift Horses
USA 2024 117 min.
Dirección Daniel Minaham Guion Bryce Kass, según la novela de Shannon Pufahl Fotografía Luc Montpellier Música Mark Orton Intérpretes Daisy Edgar-Jones, Jacob Elordi, Will Poulter, Diego Calva, Sasha Calle, Don Swayze, Ryan Fitzgerald, Kat Cunning Estreno en el Festival de Toronto 7 septiembre 2025; en Estados Unidos 25 abril 2025; en España 8 agosto 2025

El actor Jacob Elordi (Priscilla, Saltburn) y la actriz Daisy Edgar-Jones (Twisters, La chica salvaje) debieron ver mucho potencial en la novela de temática queer de Shannon Pufalh On Swift Horses (Apostando a caballos veloces) como para decidir convertirse en productores ejecutivos de su adaptación cinematográfica. Para ello contaron con Daniel Minaham, un señor que desde 2001 no dirigía ningún largometraje cinematográfico (Series 7), para centrarse en las series de televisión, como Juego de tronos o American Crime Story. El resultado es un film hasta cierto punto atractivo, sobre todo por su puesta en escena, una cuidada ambientación en los últimos cincuenta del siglo pasado, y las posibilidades de una historia que el libro analiza seguramente con mayor acierto de lo que lo hace la película, el daño sufrido por la represión de millones de personas que durante tanto tiempo tuvieron que ocultar su identidad sexual, seguir las directrices de la sociedad convencional y afectar así a su entorno, provocando los consabidos daños colaterales.

La particularidad del caso, dada la cantidad de veces que todo esto ha sido tratado en literatura, teatro y cine, es que sus protagonistas son almas hasta cierto punto rebeldes, que no se conforman con el designio adjudicado y pretenden explorar y disfrutar su particularidad, con la misma decisión con la que se entregan al juego, sean las cartas o las apuestas de caballos, aunque todo ello provoque consecuencias no deseadas. Lástima que bajo tan atractivas premisas se esconda un film templado, desafortunado en ritmo y tensión.

Cierto es que sus protagonistas, a los que hay que añadir el también joven pero más veterano Will Poulter (Somos los Miller, Midsommer, Guardianes de la galaxia y la más reciente Warfare) y Diego Calva (Babylon, Bird Box Barcelona), se esfuerzan en dotar de enjundia al conjunto, pero éste resulta más anodino conforme avanza su metraje, mientras una vez más denunciamos la total falta de rigor e ingenio de nuestros distribuidores a la hora de traducir títulos, sustituyendo el original aludido, que hace precisamente referencia a esas arriesgadas apuestas, algo que pretende funcionar como metáfora de la experiencia y personalidad de sus personajes, por el tan vulgar por frecuente Indomables con el que la cinta se ha estrenado aquí.

¿QUIÉN QUIERE CASARSE CON UN ASTRONAUTA? Comedia romántica gay

España-Argentina-Uruguay 2024 94 min.
Dirección David Matamoros Guion Mónica Cambra, Ariadna Fortuny, Claudia García, Clara Hernández, David Matamoros, Xènia Puiggrós y Lucía Herrera Pérez Fotografía Mariano De Rosa y Albert G. Casademunt Música Gabriel Casacubierta y Hernán González Villamil Intérpretes Raúl Tejón, Raúl Fernández de Pablo, Alejandro Nones, Sabrina Praga, Lluïsa Mallol, Sofia Nemirovsky, Mauro Francisco, Sebastián Suñé, Francisco Andrade, Juan Pablo Brianza, Pablo Turturiello, Sang Min Lee, Monica McCollin Estreno en Sitges 14 noviembre 2024; en Argentina 22 mayo 2025; en España 1 agosto 2025

Esperábamos mucho menos de esta nada desdeñable comedia romántica, a pesar de lo cual acudimos a verla (y reseñarla), motivados por nuestra condición, que nos hace devorar todo lo que hable de nuestro entorno sexual más cercano. Independizado de su habitual pareja profesional, Ángeles Hernández, con quien ha coescrito algunos títulos y producido otros tan destacados como El hoyo, además de codirigir su primer trabajo como realizador, la tampoco desdeñable Isaac, donde también tocaba, aunque de forma tangencial, la homosexualidad, David Matamoros aborda ahora sin prejuicios ni tapujos la clásica comedia romántica, con la sola particularidad de estar protagonizada por homosexuales. Una señal de normalización total de la condición sexual, por una vez no objeto de traumas ni historias de aceptación, sino sólo como cuestión relativamente novedosa a la hora de enfrentarse a un género tan rosa como la comedia romántica con bodas.

Resulta, sin embargo, sorprendente que para escribir su guion se hayan necesitado siete manos, dada la simplicidad de su trama y la poca comicidad de sus chistes, aunque el conjunto resulte agradable, sin obviar que en más de un momento puede provocar sonrojo por su exceso edulcorante y su premeditada cursilería. A pesar de todo, que haya tenido que esperar en el cajón tantos meses después de su puesta de largo en Sitges el pasado mes de noviembre, y que su distribución sea tan parca que no facilite un éxito siquiera discreto, no hace justicia a una cinta no obstante aceptable y con un público en potencia al que no va a llegar.

El reparto, con actores y actrices del otro lado del charco esforzando en disimular su acento para parecer auténticos barceloneses, se toma la empresa con seriedad y empeño, especialmente sus dos protagonistas, Raúl Tejón (Machos Alfa) y un más comedido y menos esperpéntico Raúl Fernández de Pablo, recientemente visto en Votemos. Destacan también la veterna Lluïsa Mallol como madre amorosa y comprometida con su generación, así como Sang Min Lee, la más conseguida aportación al carácter de screwball comedy que pretende la cinta, como jueza de paz en una capilla de Las Vegas. La coproducción con Argentina y Uruguay posibilita una puesta en escena holgada en la que destaca el viaje a la capital de Nevada y parte de la Ruta 66, otro motivo personal que nos ha impulsado a verla, tras haber disfrutado de la experiencia (completa) hace ahora nueve veranos, y en compañía también de la persona adecuada, la que trae alegría y emoción a nuestras vidas.

NATIONAL ANTHEM Otro concepto de familia

USA 2023 96 min.
Dirección Luke Gilford Guion Kevin Best, Luke Gilford y David Largman Murray Fotografía Katelin Arizmendi Música Nick Urata y Perfume Genius Intérpretes Charlie Plummer, Eve Lindley, Rene Rosado, Mason Alexander Park, Robyn Lively, Joey DeLeon, Lee Knight, Fernando Casablancas, Mark Silversten Estreno en el Festival de Toronto 7 septiembre 2024; en Estados Unidos 12 julio 2024

Recuperamos este título no estrenado oficialmente en España, pero que se pudo ver en el último Festival Andalesgai. Para su debut en el largometraje, Luke Gilford ha adoptado un estilo fresco, natural y desenfadado para contarnos la estimulante historia de Dylan, un joven cowboy de Nuevo México que descubre que otra vida es posible cuando conoce a una utópica familia queer en un rancho al que acude para trabajar. Charlie Plummer, a quien conocimos como nieto de Christopher Plummer, con quien no guarda parentesco alguno, en la película de Ridley Scott Todo el dinero del mundo, y vimos también interpretando a un romántico cowboy en Lean on Pete, pone así físico y expresividad a este joven con familia disfuncional.

Con una madre alcohólica y desinhibida y un hermano pequeño al que consagra todo su cariño y atención, la visión del mundo del joven protagonista se expande cuando conoce a este singular grupo de gais, lesbianas, drags, transexuales y travestís, a la vez que se enamora de una de ellas, Sky, todo un símbolo de belleza salvaje y libertad absoluta. Pura delicadeza y ternura, Plummer y Gilford consiguen que nos hagamos con su historia, participemos de ella y nos dejemos llevar por la belleza del paisaje, la ternura de la narración, las preciosas canciones de antaño que lidera Brenda Lee, y el ambiente decididamente country del conjunto, rodeos y karaokes incluidos.

Quienes vemos tanto cine agradecemos estas propuestas diferentes, amables y distendidas, que glorifican la bondad y la generosidad del ser humano mientras nos hacen viajar por experiencias nuevas y liberadoras, tan llenas de encanto como de ternura, especialmente viniendo de un país hoy tan al margen de estos valores y premisas fundamentales para la convivencia y la felicidad. Todo en el film respira una atmósfera relajada de amor y profunda transformación.

TODO SALDRÁ BIEN Voluntad traicionada

Título original: Cong jin yihou
Hong Kong-China 2024 93 min.

Guion y dirección Ray Yeung Fotografía Leung Ming-Kai Música Veronica Lee Intérpretes Patra Au, Lin-Lin Li, Tai-Bo, So-Ying Hui, Chung-Hang Leung, Fish Liew, Lai-Ha Li, Priscilla Leung Siu Wai Estreno en el Festival de Berlín 16 febrero 2024; en Hong Kong 1 mayo 2024; en España 12 junio 2025

Probablemente Ray Yeung sea el director hongkonés más concienciado con los problemas derivados de la homosexualidad en su entorno. Ha abordado el tema desde el prisma de la juventud, en la película británica Cut Sleeve Boys y en la estadounidense Front Cover. Ya de regreso a su país, con su tercera película, Suk Suk, fijó su atención en la edad madura, a través de la historia de dos hombres de edad avanzada y familias asentadas, que descubren el amor homosexual con todos los prejuicios y obstáculos que supone para sus respectivos hogares. La familia vuelve a ser el eje sobre el que transita ahora la historia de una pareja de lesbianas que tras convivir durante más de cuarenta años, al fallecer una de las dos genera un conflicto de intereses económicos con la familia de la fallecida, hasta entonces tan afín a la pareja.

Yeung nos cuenta esta historia con tan buen gusto como sensibilidad, con ritmo pausado pero nunca aburrido, con la delicadeza de mostrar cada una de las motivaciones que conducen a los distintos comportamientos de los integrantes de este núcleo familiar. Sólo queda al final denunciar la voluntad que se traiciona aprovechando las condiciones legales, así como avisar de la importancia de legalizar cada situación, especialmente cuando las leyes nos dan las herramientas para hacerlo, evitando malos entendidos y afianzando situaciones que al fin y al cabo son justas y equilibradas.

No obstante, cuando la buena voluntad y la generosidad se imponen, cabe congratularse y mantener la confianza en las relaciones humanas, sin estridencias ni salidas de tono. Una sabia manera de respetar la memoria del ser querido, por encima de supercherías religiosas, argumentos de clase y degradación sentimental. La cadencia, la elegancia y las elocuentes miradas de los protagonistas en esta emotiva película, le proporcionan la categoría que merece. El Teddy del Festival de Berlín de 2024 es uno de los varios reconocimientos logrados por la emotiva cinta.

MUY LEJOS Volver a empezar

Título original: Molt lluny
España-Países Bajos 2025 100 min.
Guion y dirección Gerard Oms Fotografía Edu Canet Música Silvia Pérez Cruz Intérpretes Mario Casas, David Verdaguer, Ilyass El Ouahdani, Raúl Prieto, Jetty Mathurin, Hanneke van der Paardt, Nausicaa Bonnín Estreno en el Festival de Málaga 16 marzo 2025; en salas 11 abril 2025

Excelente debut en la dirección de largometrajes de Gerard Oms, actor y profesor de arte dramático que aparició, entre otras películas, en el también debut en la dirección de Mario Casas, Mi soledad tiene alas. Y es precisamente Casas quien pone rostro a esta confesión del propio director y guionista, algo también muy habitual en un primer trabajo de dirección, centrarse en algún episodio de carácter más o menos personal y autobiográfico. El alter ego de Oms da vida a un hombre que decide romper con su vida anterior y experimentar en primera persona lo que se siente cuando se es un desarraigado en busca del porvenir diario, de la supervivencia partiendo de cero, sin dinero, sin dominio de la lengua y sin documentación. Una aventura urbana que irá descubriendo al protagonista una serie de facetas de su propia personalidad que le irán enriqueciendo como persona, a la vez que le servirá como foco con el que analizar el comportamiento idealizado de otros países que se suponen más civilizados y quizás encierran miserias tan flagrantes como las nuestras, especialmente en relación a la inmigración, el racismo y la desigualdad de oportunidades.

Mientras el director se las arregla para mantener el ritmo y el interés durante todo el metraje, sumergiéndonos en las peripecias vitales de este paria voluntario, Casas borda su papel desde el punto de vista físico y dramático, dotándolo de una gran variedad de matices, procurando la naturalidad exacta que convierta el personaje en un universo propio con un pasado y un futuro. La combinación de estos dos talentos, también amigos, logra una película ejemplar en el marco de ese cine social que aquí, salvo Icíar Bollaín y Fernando León de Aranoa, apenas se cultiva, con hechuras más propias del cine belga o británico, tipo Ken Loach y los Dardenne, pero con personalidad propia y original, todo un mérito tratándose de una ópera prima.

El trabajo funciona también gracias a una galería inmejorable de secundarios, desde la hilaridad de un David Verdaguer que se sale, hasta la ternura de Jetty Mathurin como casera experimentada, pasando por la sincera vitalidad de Ilyass El Ouahdani. En el apartado musical, al margen del habitual catálogo de quejíos de Silvia Pérez Cruz, suenan algunos trabajos para violonchelo de genios como Haydn, Boccherini o Bach, aprovechando la calidad de estudiante del instrumento de un compañero de pensión del desorientado protagonista, cuyos descubrimientos y liberaciones le ayudarán con toda certeza a afrontar una vida mejor, seguramente no tan lejos de casa.

MISERICORDIA Disparatada subversión de las convenciones

Título original: Miséricorde
Francia-España-Portugal 2024 104 min.
Guion y dirección Alain Guiraudie Fotografía Claire Mathon Música Marc Verdaguer Intérpretes Félix Kysyl, Catherine Frot, Jacques Develay, Jean-Baptiste Durand, David Ayala, Sébastien Faglain, Salomé Lopes, Tatiana Spivakova Estreno en el Festival de Cannes 20 mayo 2024; en Francia 16 octubre 2024; en España 21 marzo 2025

Más de una década después de El desconocido del lago, Giraldillo de Oro en Sevilla, Alain Guiraudie vuelve a proponer una historia de intriga criminal con el deseo homosexual como telón de fondo. Hay quien cree ver en la película una revisión del universo pasoliniano de Teorema, otros la intriga rural chabroliana y hasta quien lo compara con Hitchock, aunque no faltaría razón a quien lo hiciera por ese bosque otoñal plagado de encuentros casuales tan reminiscente de ¿Pero quién mató a Harry?.

Lo cierto es que Guiraudie parece tener muy claras cuáles son sus intenciones, dejando que sea nuestro problema si sintonizamos o no con su particular dialéctica narrativa en la que el deseo globalizado en una pequeña localidad a raíz de la llegada de un joven forastero, dándose la particularidad de que la homosexualidad campa a sus anchas, puede acabar descolocándonos y hasta irritarnos por su asumida convicción de que todo es posible. Redención y compenetración se dan entonces cita para subvertir las convenciones religiosas, morales y penales que, como tantas otras reglas asumidas, condicionan nuestro comportamiento y limitan nuestros instintos.

Sin embargo, su humor presuntamente corrosivo y sus personajes algo desquiciados, cerebralmente hablando, pues en su comportamiento resultan bastante relajados a pesar de las irracionales peleas en las que se involucran, puede resultar genial para quienes consideraron merecer la Espiga de Oro en la pasada Seminci, u ocho nominaciones en los César, pero a otros sencillamente nos parece tan inútil como falto de ese misterio que debería reinar en tan ambiciosa propuesta ética.

QUEER El amor es la droga

Italia-USA 2024 135 min.
Dirección Luca Guadagnino Guion Justin Kuritzkes, según la novela de William S. Burroughs Fotografía Sayombhu Mukdeeprom Música Trent Reznor y Atticus Ross Intérpretes Daniel Craig, Drew Starkey, Jason Schwartzman, Lesley Manville, Drew Droege, Omar Apollo Estreno en el Festival de Venecia 3 septiembre 2024; en Estados Unidos 13 diciembre 2024; en España 1 enero 2025

En sólo un año, Guadagnino ha colocado dos películas en la cartelera y ha suscitado la atención de crítica, público y premios. Vuelve a confiar en el debutante guionista de Rivales para adaptar una de las tan difíciles novelas de William S. Burroughs, que a pesar de ello ha sido llevado a la pantalla en al menos otras dos ocasiones, El almuerzo desnudo de David Cronenberg y Drugstore Cowboy de Gus Van Sant. Queer es, si no la última, una de sus últimas creaciones, coincidiendo con las otras en la proliferación de drogas, alcohol y sexo, constantes en la creación literaria de la Generación Beat, formada por escritores contestatarios estadounidenses de la década de los cincuenta del pasado siglo. Coincide Queer con El almuerzo desnudo no sólo en su representación de secuencias de carácter onírico, sino también en la elección de protagonista, algo seguramente inconsciente, Daniel Craig ahora, Peter Robocop Weller entonces, de parecidos físicos considerables.

Craig, por su parte, retoma uno de los papeles que le hicieron notable a finales de los noventa, cuando interpretó al amante de un torturado Francis Bacon en El amor es el demonio. Las tornas se han cambiado y ahora es él el atormentado creador, en su caso escritor, que cae en las redes del amor imposible y redentor cuando conoce a un joven apolíneo en su exilio mejicano, repudiado de Estados Unidos por su condición de heroinómano. La época y el lugar influyen para que el joven se pavonee y seduzca a discreción sin asumir abiertamente su condición homosexual, lo que le lleva a no considerar una relación firme y seria, y sumerja al protagonista en una vorágine de adicción y perdición que le lleva a adentrarse en el misterio de la jungla para buscar el elixir que le permita fundirse con su amante, en una de las escenas más empedernidamente románticas jamás vistas, impulsada por una cuidada coreografía a la que los cuerpos sensuales de Craig y Drew Starkey se prestan con absoluto deleite.

Ayuda a mantener toda esta atmósfera soñada e irreal una puesta en escena deliberadamente artificiosa, a fuerza de maquetas, decorados, trasparencias e infografía, y de una colorista y muy estilizada fotografía del internacional Sayombhu Mukdeeprom, descubierto en el cine de Apichatpong Weerasethakul (Tío Boonmee recuerda sus vidas pasadas, Memoria) y catapultado con las películas del portugués Miguel Gomes (Las mil y una noches, Grand Tour) y los estadounidenses Ron Howard (13 vidas) y M. Night Shyamalan (La trampa). Por su parte, Daniel Craig borda su papel, lo que le ha valido entrar en las quinielas de premios del año, tanto como lo hace su compañero de reparto e incluso un engordado Jason Schwartzman. Aunque cabe preguntarse si Craig no está igual de bien en cualquiera de sus incursiones jamesbondianas, especialmente en Skyfall, y todo esto de los premios y reconocimientos no responda más que a otro cliché.

POR DONDE PASA EL SILENCIO Crónica del desarraigo

España 2024 98 min.
Guion y dirección Sandra Romero Fotografía Angello Faccini Música Paloma Peñarrubia Intérpretes Antonio Araque, Javier Arque, María Araque, Mona Martínez, Nico Montoya, Emmanue Medina, Tamara Casellas Estreno en el Festival de San Sebastián 25 septiembre 2024; en salas 29 noviembre 2024

Como suele ocurrir con tantas otras óperas primas, la de la joven astigitana Sandra Romero tiene connotaciones autobiográficas, aunque ella ha fijado más su mirada en una familia amiga y vecina que en sus propias vivencias. Se trata de los Araque, uno de cuyos mellizos, Antonio, es actor profesional, el otro y la hermana no lo son y ésta supone su primera incursión en la interpretación cinematográfica, con muy buenos resultados, sobre todo en el caso de Javier. Que los padres estén incorporados por Mona Martínez y Nico Montoya, dos atribulados actriz y actor andaluces, y que lo que se cuenta sea tan íntimo y personal para cualquier familia, nos hace pensar que se trata de una ficción en torno a una familia desestructurada sobre la que pesa la enfermedad y, quizás en el pasado, la orientación sexual como posibles causas del desarraigo de una prole respecto a un padre desacreditado.

Romero apuesta por ese estilo naturalista tan próximo al documental que se hizo célebre con aquellos Vivir cada día de los setenta del pasado siglo, que seguramente la directora ni siquiera conoce. Un naturalismo que se hace presente también en el guion, seguramente pinceladas y pautas sobre las que los intérpretes articulan sus propios diálogos, frecuentemente declamados con acento difícil de entender. La película acierta a la hora de mostrar esa combinación entre vida de campo y vida urbana que permite una ciudad media como Écija, población que junto a Carmona ha servido de escenario. Pero ahonda en la adicción como método de dispersión frente a los problemas que no se quiere afrontar. En este sentido, lo más molesto del film es la cantidad de cocaína que consumen sus jóvenes protagonistas, como reflejo inevitable de una juventud desheredada y desencantada con la que se está construyendo una sociedad lamentable.

La necesidad de huir de un entorno familiar y local asfixiante, se convierte en tema principal de una cinta que no sigue un desarrollo argumental específico, sino el devenir de tres personajes, los dos hermanos y la hermana, cuyo deterioro emocional y físico se visibiliza a lo largo de un par de semanas cruciales para decidir sobre el futuro inmediato, en debate permanente con la propia responsabilidad. Este debut se ha convertido así en la gran apuesta del cine andaluz en un año que no ha sido muy fecundo, con premios en Almería para su protagonista y especial del jurado para la película, y seis nominaciones a los Premios Asecan de este año.