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viernes, 6 de marzo de 2026

EL ÚLTIMO VIKINGO Gente diversa en una comedia indefinida

Título original: Den sidste viking
Dinamarca-Suecia 2025 116 min.
Guion y dirección
Andres Thomas Jensen Fotografía Sebastian Blenkov Música Jeppe Kaas Intérpretes Mads Mikkelsen, Nikolaj Lie Kaas, Søren Malling, Sofie Brabøl, Nicolas Bro, Bodil Jørgensen, Lars Brygmann, Kardo Razzazzi Estreno en el Festival de Venecia 30 agosto 2025; en Dinamarca 9 octubre 2025; en España 6 marzo 2026

Director de la muy estimable Jinetes de la justicia y guionista de un puñado de buenas películas de Susanne Bier, como Hermanos, Después de la boda y la oscarizada En un mundo mejor, Anders Thomas Jensen dirige ahora esta fábula tragicómica hasta el punto de resultar indefinida en su tono y sus aspiraciones. Prologada con un cuento vikingo en el que la igualdad parte de la diversidad, a Jensen se la antojado habitar su particular historia de personajes excéntricos.

Así, encontramos desde enfermos mentales evadidos del centro hospitalario hasta un matrimonio disfuncional y un matón grotesco y cruel hasta lo infinito, todos arropando al insufrible personaje que interpreta Mads Mikkelsen, que sin embargo le ha valido una nominación al mejor actor en los premios de cine europeo. Sólo su hermano, al que da vida otro popular danés, Nikolaj Lie Kass, parece fuera de onda, mientras son sus motivaciones las que hacen progresar una estúpida trama encaminada a reforzar los vínculos de dos hermanos a los que el maltrato infantil hizo mella.

Guiños explícitos a la cultura pop de la generación de los sesenta y setenta, con The Beatles y Abba a la cabeza, y una serie de episodios a cual más esperpéntico, constituyen los supuestos atractivos de un film quizás gozoso para los y las aficionadas a la comedia negra con ingredientes gore y mucha violencia. No es desde luego de nuestro gusto. Fue la primera película en proyectarse en el pasado Festival de Cine Europeo de Sevilla, que no la de inauguración, que dejó de existir.

miércoles, 4 de febrero de 2026

LA CHICA ZURDA Colorista, luminosa pero desquiciada fábula

Título original: Zuopiezi nuhai
Taiwán-Francia-USA-Reino Unido 2025 149 min.
Dirección
Shih-Ching Tsou Guion Sean Baker y Shih-Ching Tsou Fotografía Ko-Chin Chen y Tzu-Hao Kao Música Matthew Hearon-Smith Intérpretes Janel Tsai, Shi-Yuan Ma, Nina Ye, Teng-Hui (Brando) Huang, Akio Chen, Xin-Yan Chao, Teng-Hung Hsia Estreno en el Festival de Cannes 15 mayo 2025; en Taiwán 31 octubre 2025; en España 30 enero 2026


Estrenada en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes, supone el debut en la dirección en solitario de la taiwanesa Shih-Ching Tsou, asociada desde el cominezo de su carrera a director estadounidense Sean Baker, con quien co-dirigió en 2004 Take Out, produciendo e interpretando algunos de sus films posteriores, como The Florida Project y Red Rocket. Ahora es el director de Anora quien da un empujoncito definitivo a la carrera de la directora novel, produciendo, co-escribiendo y montando esta luminosa y colorista película rodada en su integridad con tecnología iPhone.

Es precisamente en el montaje donde a nuestro juicio cojea esta película, ofreciendo secuencias muy dinámicas y breves que poco ayudan a cogerle el punto a una historia en la que conviven tradición y modernidad. Ambientada en la bulliciosa ciudad de Taipei, en su mayoría en sus nocturnas calles y mercados profusamente iluminados con una publicidad radiante, la niña del título, Nina Mei, es directamente una criatura adorable, para comérsela. Las creencias de una sociedad antaño supersticiosa, lo que provoca cierto comportamiento en la protagonista por su condición de zurda, así como los secretos familiares consecuencias de una moral férrea anclada en el pasado, además de puntuales conductas delictivas, se dan cita en una apuesta por el entendimiento y la solidaridad al menos entre mujeres.

Paradójicamente, es un personaje masculino el que abarca mayor positivismo, el de Johnny (Brando Huang), vecino de negocio de las tres mujeres protagonistas, la niña, su madre y hermana. Todo aparenta cierta amabilidad, sobre todo desde el punto de vista de una niña que nos recuerda en cierto modo a la protagonista de The Florida Project. Pero el conjunto descuida su narrativa y echa mano en su tramo final de una histeria casi colectiva que lastra sus posibilidades y emborrona sus objetivos.

lunes, 29 de diciembre de 2025

FATHER MOTHER SISTER BROTHER Regreso al núcleo familiar

USA-Irlanda-Francia 2025 110 min.
Guion y dirección
Jim Jarmusch Fotografía Yorick Le Saux y Frederick Elmes Música Jim Jarmusch y Annika Henderson Intérpretes Tom Waits, Adam Driver, Mayim Bilaik, Charlotte Rampling, Cate Blanchett, Vicky Krieps, Indya Moore, Luka Sabbat, Sarah Greene, Françoise Lebrun Estreno en el Festival de Venecia 31 agosto 2025; en España y Estados Unidos (internet) 24 diciembre 2025

Últimamente no parece tener mucho tirón ganar el León de Oro en Venecia. El director de Extraños en el paraíso, Down by Law y Los límites del control, lo ha hecho este año y su película apenas se ha distribuido directamente en internet en su país de origen. Sorprende porque se trata de una mirada inteligente, delicada y poética a las relaciones básicas entre los miembros de la familia nuclear. Llega en este momento justo en el que el reencuentro con progenitores y fraternidad se convierte en tradición ineludible que no todos y todas disfrutan por igual. Partimos de la base de que se trata del modelo anglosajón, donde impera más la independencia y el desarraigo a edades adultas, que en países de corte latino. Pero no hay que olvidar que la agresiva invasión cultural del Tío Sam alcanza también a nuestros lazos familiares, por lo que no nos resultan ajenas las situaciones que Jarmusch plantea en esta singular y hermosa película.

Amante de las historias por episodios, como evidenció en Mystery Train y, sobre todo, Noche en la tierra, y siguiendo la estela de ese cine oriental, sencillo y preciso, al que tanto interés profesa el director de Dead Man y Ghost Dog, en su última película plantea tres historias en cierta medida encadenadas que nos presentan el reencuentro de un hermano y una hermana con su padre, para rendirse al desapego y el vuelo libre de quien se sabe estar jugando sus últimas cartas, el de dos hermanas con su madre, que se centra en la frustración de retener a duras penas a unas hijas a las que parece no conocer, y el de otros hermano y hermana, gemelos para más seña, con el aspecto de conexión y dependencia que ello conlleva, que cuando deciden conocer a sus singulares padres, ya parece tarde.

Con detalles recurrentes que conectan las historias, unos patinadores de skate libres y despreocupados, un Rolex símbolo de la conveniencia, o un brindis con agua, elemento puro por antonomasia, Jarmusch va tejiendo sus sencillas historias con la poética demostrada en títulos como Paterson, y la inteligencia suficiente para generar alrededor de cada personaje un pasado y un futuro, que adivinamos gracias a un libreto intelectual y brillante. Mientras, las sobresalientes interpretaciones de un elenco integrado por colaboradores y colaboradoras algunas incondicionales del cineasta, todos y todas en estado de gracia, así como las atractivas localizaciones en la exuberante naturaleza de New Jersey, el extrarradio de Dublín y las céntricas calles de París, logran redondear un producto disfrutable, desde su vocación hipnótica, de principio a fin.

martes, 9 de diciembre de 2025

VALOR SENTIMENTAL Puzzle de afectos

Noruega-Francia-Dinamarca-Alemania-Reino Unido 2025 135 min.
Dirección
Joachim Trier Guion Joachim Trier y Eskil Vogt Fotografía Kasper Tuxen Música Hania Rani Intérpretes Renate Reinsve, Stellan Skarsgard, Inga Ibsdotter Lilleaas, Elle Fanning, Andres Danielsen Lie, Jesper Christensen, Cory Michael Smith, Lena Endre, Catherine Cohen Estreno en el Festival de Cannes 21 mayo 2025; en Noruega 12 septiembre 2025; en España 5 diciembre 2025

La película más laureada de la temporada, Premio del Jurado en Cannes, Premio Puerta de América en Sevilla, nueve nominaciones a los Premios europeos y ocho a los Globos de Oro, y sin embargo no nos explicamos dónde reside su mérito. Está claro que, sin renunciar a su particular estilo, definido en películas como Oslo 31 agosto y La peor persona del mundo, Joachim Trier ha intentado aproximarse al universo familiar y traumático de Ingmar Bergman, pero tamizado con ese estilo más luminoso y lleno de ritmo que caracteriza al cine de nuestra época, situándose entre ese cine intelectual al que emula y el más comercial a cuya taquilla aspira.

Ya desde las primeras escenas, representando el miedo escénico de una actriz consagrada, bastante ridículo e inverosímil, queda claro que la cinta va de una mujer, otra, desequilibrada y fragmentada por su pasado familiar, protagonizado por una abuela marcada por su resistencia al nazismo y un padre cineasta ausente y mujeriego, y siempre con el suicidio en el horizonte. Quizás resulte más interesante como ensayo del cine dentro del cine, con los fantasmas del pasado como referente y el márketing como estrategia comercial a través de una estrella, ya sea local o hollywoodiense, que sirva de reclamo para un nuevo proyecto. Sin embargo, su análisis fundamentalmente psicológico sobre la influencia de la familia, los estragos y traumas apuntados, una posible reconciliación paternofilial y una fraternidad de cemento, lo mejor de la película, para curar heridas, quedan a nuestro juicio en un plano inferior.

Todo un puzzle de afectos algo indigesto a pesar del encanto que pretende dominar toda la función, quizás un logro tratándose de una fábula sobre la asunción del dolorNo obstante, todo esto parece ser lo que ha alimentado el reconocimiento casi unánime que ha recibido una cinta en la que por supuesto destacan las interpretaciones de su reparto, sobre todo Stellan Skarsgard, para quien el papel ha debido suponer un regalito. En el otro extremo, Renate Reinsve insiste en sus registros y mohines ya habituales, mientras una banda sonora en la que combinación de música original y piezas preconcebidas logran un paisaje sonoro muy atractivo. Por supuesto, en estos países nórdicos siempre reina el buen tiempo, lleno de luz y colores cálidos. 

martes, 18 de noviembre de 2025

SUBSUELO La prisión exterior

España-Uruguay 2025 115 min.
Dirección
Fernando Franco Guion Fernando Franco y Begoña Arostegui, según la novela de Marcelo Luján Fotografía Santiago Racaj Música Julia Martínez, Diego Garisa, Nacho Sánchez, Sonia Almarcha, Itzan Escamilla, Gerardo de Pablos, Jorge Cabrera, Lucía de la Puerta, Íñigo de la Iglesia, Elvira Cuadripani Estreno en el Festival de Valladolid 25 octubre 2025; en salas 7 noviembre 2025


Poco recorrido ha tenido en cartelera la última película del sevillano Fernando Franco, a pesar de tratarse de un thriller morboso e inquietante, ganador del premio al mejor guion en Valladolid. Con un arranque desgarrador, la película se adentra en la turbia relación de un hermano y una hermana mellizos, víctimas cada uno y una a su manera del trauma provocado por un siniestro cuya verdad se pretende mantener en secreto.

Basada en la novela de Marcelo Luján, la cinta se adentra en el mundo de una familia acomodada, a lo largo de varias estaciones, fundamentalmente verano, y en el curso de unos acontecimientos que irán desvelando la prisión en la que se encuentra una joven psicológicamente martirizada. Mejor en su papel cruel y amoral Diego Garisa que como silenciosa castigada su hermana, a quien da vida con una modulación de la voz bastante insuficiente Julia Martínez.

El resto gira alrededor de la tensa y desagradable relación que se forja entre ambos, mientras Franco logra una narración fluida y un ambiente malsano, procurando no excederse y mantener siempre un tono frío y en cierto modo distante. Quizás le hubiera venido mejor excederse y llegar a ese punto desquiciante que la pieza parece pedir a gritos. De cualquier modo constituye un nuevo peldaño, en un género diferente, en la carrera del director de La herida, Morir y La consagración de la primavera.

miércoles, 12 de noviembre de 2025

SEFF 2025. EL AMOR QUE PERMANECE Entre el capricho y lo absurdo

Título original: Ástin sem eftir er
Islandia-Dinamarca-Suecia-Francia 2025 109 min.
Guion, dirección y fotografía
Hlynur Pálmason Música Harry Hunt Intérpretes Sverrir Gudnason, Saga Gardarsdóttir, Ída Makkín Hlynsdóttir, Grímur Hlynsson, Porgils Hlynsson, Kristinn Gudmundsson, Anders Mossling, Ingvar Sigurdsson Estreno en el Festival de Cannes 18 mayo 2025

Si la secuencia más interesante de la película es aquella en la que un galerista da una charla a la protagonista, mientras almuerzan, sobre los beneficios y virtudes de beber vino, ya se pueden imaginar cómo es el resto. Es cierto que no deja de tener su atractivo la nueva propuesta del director islandés Hlynur Pálmason tras el reconocimiento recibido hace unos años por Godland.

Un atractivo que reside en su belleza paisajística, la ternura que expide su pianística banda sonora a ritmo de jazz suave y melancólico, y el absurdo que rodea a gran parte de las desventuras de una familia con dos hijos pequeños y una adolescente (los gemelos y la hija del propio director) que afronta la ruptura definitiva de los progenitores.

Construida a fuerza de fragmentos episódicos en los que asistimos a la actividad artística de la madre y la profesional, pesquero industrial, del padre, así como a las travesuras de los niños, sin más cohesión dramática que esos factores antes apuntados de carácter paisajístico y musical. No hay mucho que escarbar en este caprichoso producto que pretende transmitir con una emoción que nunca traspasa la pantalla, la desazón ante ese nuevo proyecto de vida que espera a la pareja protagonista.

sábado, 19 de julio de 2025

UN 'LIKE' DE BOB TREVINO Un hombro en el que apoyarse

Título original: Bob Trevino Likes It
USA 2024 102 min.
Guion y dirección
Tracie Laymon Fotografía John Rosario Música Jacques Brautbar Intérpretes Barbie Ferreira, John Leguizamo, French Stewart, Rachel Bay Jones, Lauren “Lolo” Spencer, Ted Welch Estreno en el Festival de Valladolid 21 octubre 2024; en Estados Unidos 21 marzo 2025; en España 18 julio 2025


Es curioso cómo muchas y muchos directores adaptan sus propias experiencias para debutar cinematográficamente. Tracie Laymon incluso mantiene los nombres de su padre y su mascota para contarnos un esperanzador cuento sobre la necesidad de querernos a nosotros y nosotras mismas, sin abandonarse y superando traumas, prejuicios e inseguridades de todo tipo. La joven y desconocida Barbie Ferreira interpreta a una joven marcada por la falta de sintonía y empatía con un padre al que parece importarle bien poco. Por azar de las redes sociales, encuentra a otro hombre con el mismo nombre que su padre y comienza una relación de entrañable amistad que le sirve como inmejorable terapia para resolver sus traumas y recuperar la confianza en sí misma.

Una trama sencilla y previsible que no invalida las virtudes de una película hecha con cariño y ternura bien dosificada, donde brillan las interpretaciones de la joven protagonista y un recuperado John Leguizamo que, de paso, demuestra lo bien que nos puede hacer sentir a algunos y algunas la madurez. Sin trazos gruesos ni salidas de tono, Laymon consigue manejar cuestiones y situaciones arquetípicas para ofrecer una cinta amable y tan simpática como fácil de disfrutar aunque sólo sea para hacernos sentir un poquito mejor. Imaginamos que lo de Trevino será por la falta de familiaridad de los norteamericanos con la letra "ñ".

Con estas cualidades no resulta difícil comprender que se hiciera con el premio del público en el pasado Festival de Valladolid, y en otros muchos. Ahora lo que hace falta es que su directora tenga la misma gracia y talento para inventar otra historia en la que la memoria personal no tenga tanta cabida. De momento, con los tiempos que corren, nos encanta que el cine norteamericano de vez en cuando recupere ese estilo independiente con el que es capaz de contar historias sentimentales que se salgan de la ruta palomitera a la que cada vez nos tiene más acostumbrados y hastiadas.

lunes, 16 de junio de 2025

TODO SALDRÁ BIEN Voluntad traicionada

Título original: Cong jin yihou
Hong Kong-China 2024 93 min.
Guion y dirección Ray Yeung Fotografía Leung Ming-Kai Música Veronica Lee Intérpretes Patra Au, Lin-Lin Li, Tai-Bo, So-Ying Hui, Chung-Hang Leung, Fish Liew, Lai-Ha Li, Priscilla Leung Siu Wai Estreno en el Festival de Berlín 16 febrero 2024; en Hong Kong 1 mayo 2024; en España 12 junio 2025

Probablemente Ray Yeung sea el director hongkonés más concienciado con los problemas derivados de la homosexualidad en su entorno. Ha abordado el tema desde el prisma de la juventud, en la película británica Cut Sleeve Boys y en la estadounidense Front Cover. Ya de regreso a su país, con su tercera película, Suk Suk, fijó su atención en la edad madura, a través de la historia de dos hombres de edad avanzada y familias asentadas, que descubren el amor homosexual con todos los prejuicios y obstáculos que supone para sus respectivos hogares. 
La familia vuelve a ser el eje sobre el que transita ahora la historia de una pareja de lesbianas que tras convivir durante más de cuarenta años, al fallecer una de las dos genera un conflicto de intereses económicos con la familia de la fallecida, hasta entonces tan afín a la pareja.

Yeung nos cuenta esta historia con tan buen gusto como sensibilidad, con ritmo pausado pero nunca aburrido, con la delicadeza de mostrar cada una de las motivaciones que conducen a los distintos comportamientos de los integrantes de este núcleo familiar. Sólo queda al final denunciar la voluntad que se traiciona aprovechando las condiciones legales, así como avisar de la importancia de legalizar cada situación, especialmente cuando las leyes nos dan las herramientas para hacerlo, evitando malos entendidos y afianzando situaciones que al fin y al cabo son justas y equilibradas.

No obstante, cuando la buena voluntad y la generosidad se imponen, cabe congratularse y mantener la confianza en las relaciones humanas, sin estridencias ni salidas de tono. Una sabia manera de respetar la memoria del ser querido, por encima de supercherías religiosas, argumentos de clase y degradación sentimental. La cadencia, la elegancia y las elocuentes miradas de los protagonistas en esta emotiva película, le proporcionan la categoría que merece. El Teddy del Festival de Berlín de 2024 es uno de los varios reconocimientos logrados por la emotiva cinta.

lunes, 14 de abril de 2025

TÚ NO ERES YO Por la deriva equivocada

España 2025 98 min.
Guion y dirección
Marisa Crespo y Moisés Romera Fotografía Víctor Entrecanales Música Joan Vilà Intérpretes Roser Tapias, Jorge Motos, Pilar Almería, Álvaro Báguena, Anna Kurika, Pilar Martínez, Yapoena Silva, Alfred Picó Estreno en salas 13 diciembre 2024; en Filmin’ 21 marzo 2025


Aprovechamos su reciente estreno en Filmin’ para rescatar una película que se estrenó a finales del año pasado, de forma muy residual en nuestra ciudad, donde apenas se pudo ver en una sesión especial para quienes se atrevieran a asistir con la misma falta de vestuario que disfrutan los personajes en alguna secuencia de la película. Parte este primer trabajo en formato largometraje de la pareja artística formada por Marisa Crespo y Moisés Romera, de una premisa muy interesante, que daba para mucho juego, pero que lamentablemente se va malogrando conforme avanza su metraje y nos vamos percatando de la falta de habilidad e imaginación de sus artífices.

Una joven vuelve a casa por Navidad, tras un largo período de ausencia, acompañada de su pareja y un bebé, para descubrir que sus padres la han sustituido por otra joven, a la que profesan todo su cariño y sus cuidados, por el contrario tratándola a ella como si fuera una casi desconocida y una molestia. La intriga está servida, pero un ritmo irregular y la sensación generalizada de que la trama va tomando derroteros harto inocentes, va restando interés a un trabajo por otro lado sobreactuado.

Casi una función escolar que pretende beber de algunos clásicos cuyos títulos no desvelaremos para evitar revelar aspectos de la trama, y que en definitiva se va tornando un ejercicio ridículo. Con todo, puede verse como una excentricidad, a la vez que cabe aplaudir a sus aguerridos realizadores que se hayan atrevido a hacer una película tan de género, puro entretenimiento que combina aspectos de terror con intriga psicológica, y que deviene dentro de su modestia en una experiencia al menos simpática, aunque en definitiva bastante olvidable.

miércoles, 2 de abril de 2025

GHOSTLIGHT Terapia familiar de choque

USA 2024 110 min.
Dirección
Alex Thompson y Kelly O’Sullivan Guion Kelly O’Sullivan Fotografía Luke Dyra Música Quinn Tsan Intérpretes Keith Kupferer, Katherine Mallen-Kupferer, Tara Mallen, Dolly De Leon, Hanna Dworkin, Dexter Zollicoffer, H.B. Ward, Tommy Rivera-Vega, Alma Washington, Matthew C. Yee Estreno en el Festival de Sundance 18 enero 2024; en Estados Unidos 14 junio 2024; en España 28 marzo 2025

Nada más comenzar, bajo los acordes de Oh, What a Beautiful Mornin’ del musical de Richard Rodgers Oklahoma! – luego también sonarán Out of My Dreams, y una de las protagonistas entonará en un karaoke I Can’t Say No -, esta sencilla y amable película nos pone en antecedentes. Se trata del poder sanador del arte respecto a las más duras heridas que nos puede dejar la vida. Una familia en la ficción, interpretada por otra en la vida real, sufre un particular duelo del que apenas vamos conociendo detalles a lo largo del metraje, que afecta de distinto modo a cada uno y una de sus tres integrantes, especialmente de forma introvertida en el padre, y todo lo contrario, con graves problemas de adaptación y un comportamiento agresivo, en la hija.

El también matrimonio formado por Alex Thompson y Kelly O’Sullivan resuelven con pericia, atención al matiz y el detalle, y sin caer en lo lacrimógeno, esta comedia agridulce donde ese arte redentor y la integración en una determinada comunidad, procuran obrar el milagro. Para ella, que escribió el guion de Saint Frances, la primera película de él, es su debut en la dirección, y vuelve a erigirse en autora del delicado y sensible libreto. La aportación de Dolly de Leon, a quien descubrimos en El triángulo de la tristeza, y la paulatina identificación entre el drama personal de esta familia obrera y el Romeo y Julieta de Shakespeare que irá sanando sus heridas, colaboran a la eficacia de esta pequeña y a la vez gran película que nos hace recuperar la confianza en una cinematografía que antes era generosa en dramas y comedias sentimentales.

Aquí no sale ningún arma, que ya es mérito tratándose de una película estadounidense, y sus protagonistas trabajan sus personajes desde el mimo y la contención. Se logra, por otro lado, que el papel redentor del bardo inmortal, recientemente reflejado también en la película Las vidas de Sing Sing, no caiga en la caricatura, y todo funcione dentro de un tono medido, amable y lleno de ternura pero sin compasión. El único reproche que podemos hacerle, desde el humor, es que la hija, de diecisiete años considere que Romeo y Julieta de Baz Luhrmann sea un clásico, obviando los de Cukor y Zeffierelli, que sí que lo son.

domingo, 2 de marzo de 2025

MI ÚNICA FAMILIA Una cuestión de catarsis emocional

Título original: Hard Truths
Reino Unido-España 2024 97 min.
Guion y dirección
Mike Leigh Fotografía Dick Pope Música Gary Yershon Intérpretes Marianne Jean-Baptiste, Michele Austin, David Webber, Ani Nelson, Sophia Brown, Tuwaine Barrett, Jonathan Livingstone Estreno en el Festival de Toronto 6 septiembre 2024; en Reino Unido 31 enero 2025; en España 28 febrero 2025

Hay directores, como Guédiguian, Allen o Loach, que reconcilian a una parte de la población cinéfila, que acude puntualmente a cada uno de sus estrenos buscándose a sí mismos a través de historias sencillas con las que sea fácil identificarse. Mike Leigh pertenece a ese selecto grupo. A sus ochenta años, y con la ayuda en la producción de la española Mediapro, tan atenta a este tipo de cine que no debe desaparecer de nuestra salas y de la experiencia sensorial pública, Leigh vuelve al universo que le hiciera popular en los años noventa del pasado siglo con Secretos y mentiras, y lo hace de la mano de su entonces joven protagonista, una Marianne Jean-Baptiste que borda aquí su cometido de mujer madura, ajada y en permanente disgusto con la vida, que le convierte en persona intratable y antisocial siempre al límite.

La película se debate necesariamente entre la comedia y el drama, pues la acumulación de improperios y exabruptos que lanza la protagonista durante gran parte de su metraje, invitan a la hilaridad, con el beneplácito de un guion lúcido al respecto. Puede parecer sin embargo que la cinta invierte demasiado tiempo en mostrarnos a esa persona cansada y amargada, aunque nada es poco cuando la intención es mostrar una catarsis emocional que cuenta con una antagonista muy concreta y especial, una hermana cuyo ambiente familiar se centra en el respeto, la complicidad y una envidiable tendencia a evitar problemas a quienes les rodea.

La cinta deambula así entre el tono simpático y desenvuelto, más relajado y luminoso que tenso y opresor, a pesar de sus premisas, que permite que el viaje sea placentero, y su reverso áspero y desesperanzado, del que la agria protagonista deberá saber salir casi sin ayuda de quienes observamos cómo es posible sentirse desgraciado a pesar de vivir rodeados de comodidades y cariño. A ese tono distentido contribuye la relajada banda sonora de Gary Yershon, habitual colaborador del director británico, en la mejor tradición del Alex North más intimista y dramáticamente comprometido.

jueves, 26 de diciembre de 2024

UN LÍO DE MILLONES Un motivo desaprovechado

España 2024 91 min.
Dirección
Susan Béjar Guion Susan Béjar y Ángela Armero, según el guion de Alexandra Leclère para la película “Mis queridísimos hijos” Fotografía Kiko de la Rica y Chus López Música Vanessa Garde Intérpretes Antonio Resines, Gracia Olayo, Clara Lago, Alberto Olmo, Itzan Escamilla, Lucía Caraballo, Raúl Cimas, Bianca Kovacs Estreno 20 diciembre 2024

Enésima revisión de otro éxito extranjero, francés para más señas, que se ha convertido en la fuente de inspiración casi absoluta de la comedia moderna española. No cabe duda de que su punto de partida tiene gancho y atractivo, y es desde luego su principal reclamo. Una pareja madura finge haber ganado la lotería de Navidad, para eso se ha estrenado en fecha tan señalada, y atraer así a sus descastados y desagradecidos hijos, que han volado del nido familiar dejándolo vacío.

A partir de aquí abunda la brocha gorda, la música omnipresente potenciando secuencias que no la necesitan, y las caracterizaciones extremas, con más acierto para los personajes secundarios – el jefe impresentable, la novia amable y cariñosa y la trabajadora doméstica rumana y descarada – que para los principales, que se limitan a lucir sobriedad en el caso de Resines, hilaridad impostada en el de Olayo y palmito en el caso de Lago y Olmo.

Poco más hay que rascar en una película que, a pesar de todo, se deja ver por su tono amable y familiar, por no caer en la astracanada con la que habitualmente se despacha la comedia ibérica, y por la habilidad de su debutante realizadora para al menos ofrecer un producto entretenido que no rechina demasiado. Sin embargo, todo resulta demasiado convencional y previsible, y se desaprovecha ese interesante punto de partida, que podría haber dado lugar a una reflexión algo más sofisticada acerca del nido vacío.

domingo, 15 de diciembre de 2024

CUANDO CAE EL OTOÑO Segundas oportunidades

Título original: Quand vient l’automne
Francia 2024 102 min.
Dirección
François Ozon Guion François Ozon y Philippe Piazzo Fotografía Jérôme Alméras Música Evgueni y Sacha Galperine Intérpretes Hélène Vincent, Josiane Balasko, Pierre Lottin, Ludivine Sagnier, Garlan Erolos, Sophie Guillermin, Malik Zidi, Paul Beaurepaire Estreno en el Festival de San Sebastián 21 septiembre 2024; en Francia 2 octubre 2024; en España 13 diciembre 2024


Después de la autoindulgente Peter von Kant y la disparatada Mi crimen, Ozon regresa con uno de sus mejores trabajos, un thriller espeso y ambiguo protagonizado por una impagable Hélène Vincent. La veterana actriz, que ya trabajó con Ozon en Gracias a Dios, interpreta a una abuela en conflicto permanente con su única hija, que le amenaza con prohibirle las visitas de su nieto, moneda de cambio en una tortuosa relación que puede acabar provocándole secuelas traumáticas irreparables.

Presentados los personajes, a los que hay que añadir la mejor amiga de la primera y el ex convicto hijo de esta última, el director francés teje una trama de carácter rural en la que las sospechas y los sentimientos se dan la mano para analizar el espinoso tema de las segundas oportunidades. Con una narrativa precisa y sencilla, la película nos invita a un juego de espejos y sospechas, así como a reflexionar sobre la oportunidad de la muerte como forma a menudo de resolver situaciones que trastornan a los implicados y su entorno, una manera de extirpar un tumor.

Todo ello haciendo gala de una gramática clásica, confiando el resultado a un ritmo sobrio y elegante, unas interpretaciones cómplices y un apartado artístico en el que sobresalen la luminosa fotografía y la relajante banda sonora, resultando un film sencillo, atractivo y muy disfrutable. Triunfó en San Sebastián en los apartados de mejor guion (Premio del Jurado) y mejor interpretación masculina de reparto (Pierre Lottin).

miércoles, 27 de noviembre de 2024

POR DONDE PASA EL SILENCIO Crónica del desarraigo

España 2024 98 min.
Guion y dirección
Sandra Romero Fotografía Angello Faccini Música Paloma Peñarrubia Intérpretes Antonio Araque, Javier Arque, María Araque, Mona Martínez, Nico Montoya, Emmanue Medina, Tamara Casellas Estreno en el Festival de San Sebastián 25 septiembre 2024; en salas 29 noviembre 2024

Como suele ocurrir con tantas otras óperas primas, la de la joven astigitana Sandra Romero tiene connotaciones autobiográficas, aunque ella ha fijado más su mirada en una familia amiga y vecina que en sus propias vivencias. Se trata de los Araque, uno de cuyos mellizos, Antonio, es actor profesional, el otro y la hermana no lo son y ésta supone su primera incursión en la interpretación cinematográfica, con muy buenos resultados, sobre todo en el caso de Javier. Que los padres estén incorporados por Mona Martínez y Nico Montoya, dos atribulados actriz y actor andaluces, y que lo que se cuenta sea tan íntimo y personal para cualquier familia, nos hace pensar que se trata de una ficción en torno a una familia desestructurada sobre la que pesa la enfermedad y, quizás en el pasado, la orientación sexual como posibles causas del desarraigo de una prole respecto a un padre desacreditado.

Romero apuesta por ese estilo naturalista tan próximo al documental que se hizo célebre con aquellos Vivir cada día de los setenta del pasado siglo, que seguramente la directora ni siquiera conoce. Un naturalismo que se hace presente también en el guion, seguramente pinceladas y pautas sobre las que los intérpretes articulan sus propios diálogos, frecuentemente declamados con acento difícil de entender. La película acierta a la hora de mostrar esa combinación entre vida de campo y vida urbana que permite una ciudad media como Écija, población que junto a Carmona ha servido de escenario. Pero ahonda en la adicción como método de dispersión frente a los problemas que no se quiere afrontar. En este sentido, lo más molesto del film es la cantidad de cocaína que consumen sus jóvenes protagonistas, como reflejo inevitable de una juventud desheredada y desencantada con la que se está construyendo una sociedad lamentable.

La necesidad de huir de un entorno familiar y local asfixiante, se convierte en tema principal de una cinta que no sigue un desarrollo argumental específico, sino el devenir de tres personajes, los dos hermanos y la hermana, cuyo deterioro emocional y físico se visibiliza a lo largo de un par de semanas cruciales para decidir sobre el futuro inmediato, en debate permanente con la propia responsabilidad. Este debut se ha convertido así en la gran apuesta del cine andaluz en un año que no ha sido muy fecundo, con premios en Almería para su protagonista y especial del jurado para la película, y seis nominaciones a los Premios Asecan de este año.

domingo, 10 de noviembre de 2024

SEFF 21 (2024) DESMONTANDO UN ELEFANTE Breve pero no conciso

España 2024 82 min.
Dirección
Aitor Echevarría Guion Aitor Echevarría y Pep Garrido Fotografía Pau Castejón Intérpretes Emma Suárez, Natalia de Molina, Darío Grandinetti, Alba Guilera, Milo Taboada, David Climent, Marta Bessa, María Ribera Estreno en el Festival de Sevilla 9 noviembre 2024; en salas 10 enero 2025


Hay en la nueva película de Aitor Echevarría (Morir cada día, La voluntaria) un trabajo técnico formidable para contarnos una historia de desajustes emocionales, adicciones tóxicas y sentimentales, siempre enfocadas a la sufrida mujer, en un ambiente sofisticado de familia de alta burguesía, tan socorrido para hacer más atractivo el conjunto. Se agradece su brevedad, a la vez que se echa de menos algo más de concisión, menos reiteración y un enfoque más preciso en sus postulados y lo que con ellos se quiere transmitir. Así como también se agradece el trabajo de sus dos protagonistas, siempre espléndidas Emma Suárez y Natalia de Molina, que además aprovecha para exhibir su talento y habilidad a la danza contemporánea. Por cierto, sus números coreográficos son de lo mejor de la película, bellísimamente fotografiados por Pau Castejón.

miércoles, 3 de julio de 2024

CASA EN LLAMAS Modelo de familia tóxica

Título original: Casa en flames
España-Italia 2024 105 min.
Dirección
Dani de la Orden Guion Eduard Sola Fotografía Pepe Gay de Liébana Música Maria Chiara Casà Intérpretes Emma Vilarasau, Enric Auquer, María Rodríguez Soto, Alberto San Juan, Clara Segura, José Pérez-Ocaña, Macarena García, Flavio Marini Estreno en el Festival de Barcelona 18 abril 2024; en salas 28 junio 2024

El joven catalán Dani de la Orden, director de El mejor verano de mi vida, Mamá o papá, Hasta que la boda nos separe y Loco por ella, regresa al cine con el que se dio a conocer hace una década, sin abandonar la comedia pero con algo más de trascendencia y ambición de lo que escondían esos títulos comerciales y puramente alimenticios. Rueda además en catalán combinado con castellano, como hiciera en el díptico Barcelona, noche de verano y Barcelona, noche de invierno, y recupera su relación con el escritor Eduard Sola, que escribe un guion en el que la comedia se torna agria y cínica en función de un mensaje corrosivo y sin remisión, como ya ocurriera en otro de sus trabajos relacionado con la familia, María y los demás.

Se trata de la enésima denuncia de las tensiones e intrigas de una familia burguesa en torno esta vez a un inmueble, su posible venta y el pretexto de una mujer madura para reunir a sus hijos, con quienes apenas tiene relación muy a su pesar. Al final todo circula alrededor del egoísmo humano, de la ambición por ser felices sin saber muy bien el significado del concepto, sacrificando todo lo que de verdad importa en alas de una satisfacción siempre egocéntrica y narcisista. Con ese universo como trasfondo, Sola y de la Orden construyen un film más cerca de Litus y El test que de los títulos antes apuntados, quizás con más malicia y mayor acierto, a pesar de un punto de partida bastante discutible e irresponsable, y de un pretexto argumental algo manido.

Así, aún tratándose de una cinta entretenida y con más de una divertida ocurrencia, lo que más destaca en este nuevo trabajo del codirector de 45 segundos es su capacidad para definir personajes, dotando a cada uno y una de una entidad propia y una psicología particular que nos permite adivinar un pasado y un posible futuro. Cabe destacar también la posible asunción de peligro por parte de algunos de sus intérpretes, especialmente Auquer y Gómez en el aire y Rodríguez Soto en el agua. El paisaje de Cadaqués en el que se sitúa la trama, aunque pretenda ser veraniego pero mucho no lo parezca, contribuye también a los evidentes atractivos de una cinta en la que sobresale la interpretación de la veterana Emma Vilarasau.

martes, 7 de mayo de 2024

TÓTEM Ensayo coral sobre la madurez

México-Dinamarca-Francia 2023 95 min.
Guion y dirección
Lila Avilés Fotografía Diego Tenorio Música Thomas Becka Intérpretes Naíma Sentíes, Montserrat Marañón, Marisol Gasé, Teresa Sánchez, Iazua Larios, Mateo García, Saori Gurza, Alberto Amador, Juan Francisco Maldonado, Marisela Villarruel Estreno en el Festival de Berlín 20 febrero 2023; en México 30 noviembre 2023; en España 1 marzo 2024

La segunda película dirigida por la realizadora mejicana Lila Avilés ha tenido un largo recorrido por festivales, desde que se estrenara hace más de un año en el de Berlín, hasta alzarse hace poco con dos importantes nominaciones a los Premios Platino, los de mejor película y dirección, razón por la que la hemos recuperado en estas páginas tras pasar para nosotros desapercibida cuando se estrenó a principios de marzo
Avilés fija su atención en una niña que observa y de paso madura en un entorno familiar como se dice ahora, bastante disfuncional.

La niña deambula por una literal casa de locos, durante los preparativos para la fiesta de cumpleaños de su padre aparentemente moribundo, de cuyo cuidado se encargan una sus hermanas, tías de la niña, tan inmaduras en sus ademanes y manías como lo pudiera estar la niña protagonista. Ha también una paciente trabajadora doméstica a cargo de dicho menester. Todo se desarrolla en un ambiente abiertamente bohemio y alternativo, culminando en una fiesta multitudinaria en la casa a la que previamente una espiritista de nombre Lúdica ha liberado de malas presencias a iniciativa de una de las tías, mientras la otra demora su presencia en la fiesta con el pretexto de decorar la tarta de cumpleaños. 

Todo esto que parece tan atractivo sobre el papel y que obliga a su principal artífice a integrarse y zambullirse en este coro de almas perdidas casi en pena, resulta en la práctica bastante decepcionante, por no decir falto de interés. No alcanzamos a identificarnos con la mirada entre perpleja y llena de preguntas de la niña, mientras todo el conjunto se nos antoja extremo y quebradizo, tan lejos de la realidad cotidiana y tan descarado en su afán de feminizarlo todo a su manera, que realmente apenas logramos empatizar con sus propuestas.

martes, 31 de mayo de 2022

CINCO LOBITOS Servidumbres de mujer

España 2022 104 min.
Guion y dirección
Alauda Ruiz de Azúa Fotografía Jon D. Domínguez Música Aránzazu Calleja Intérpretes Laia Costa, Susi Sánchez, Ramón Barea, Mikel Bustamante, José Ramón Soroiz, Amber Williams, Asier Valdestilla, Gloria Helguera Estreno en el Festival de Berlín 11 febrero 2022; en el Festival de Málaga 20 marzo 2022; en salas 20 mayo 2022

Con una comedia romántica, Eres tú, pendiente de estreno en Netflix, la joven cineasta vasca Alauda Ruiz de Azúa convenció y venció en Málaga con su ópera prima, una elocuente y eficiente mirada a la mujer como espejo y reflejo de cientos de años de cultura y educación machista. Un clarividente ejercicio tan íntimo y delicado como para no provocar dolorosas susceptibilidades y guiar con su fluida narrativa por la experiencia vital de una mujer ya no tan joven que se debate, como tantísimas otras, entre lo que se espera de ella como condición de género y lo que desea de la vida.

Retratada desde un principio como otra víctima de una maternidad no tan instintiva como se supone, que siente dolor físico y moral a pesar de no evitar el comprensible y natural aprecio por la criatura a la que acaba de dar a luz, que no cuenta con el apoyo suficiente de su pareja, más entregado, liberado y permitido a seguir con su vida profesional, y que sufrirá en un corto período de tempo el lazo con su hija y el que le une irremediablemente a su madre, provocándole tantas obligaciones como sinsabores y dilemas, siempre desde una mirada atenta, frágil y emocionalmente contenida.

Cuenta para ello con un soberbio guion, tan lleno de detalles y matices que engloba en sus apenas dos horas de duración todo un universo de experiencias femeninas a lo largo de varias décadas, con impagables diálogos y frases siempre divertidas que la extraordinaria Susi Sánchez convierte en dechado de ocurrencias y risas. También Laia Costa borda su papel, siempre al precipicio de la debacle emocional, consiguiendo entre todos y todas una película disfrutable y proclive al debate y la reflexión, con el aliciente de aumentar todavía más la sana y abundante nómina de mujeres realizadoras en nuestro país que tienen mucho que contar y una sensibilidad muy especial para hacerlo.

lunes, 21 de marzo de 2022

MAMÁ O PAPÁ Reaccionaria pero simpática e inofensiva

España 2020 103 min.
Dirección
Dani de la Orden Guion Eric Navarro, según la película de Martin Bourboulon Fotografía Sergi Gallardo Música Zacarías M. de la Riva y Alfred Tapscott Intérpretes Paco León, Miren Ibarguren, Sofía Oria, Iván Renedo, Laura Quirós, Miquel Fernández, Eva Ugarte, Berto Romero, Ester Expósito, Julián Villagrán, Pedro Casablanc, Mari Paz Sayago Estreno en salas 17 diciembre 2021

Tras casi dos años esperando fecha de estreno debido a la pandemia, esta comedia fue todo un éxito las pasadas Navidades, y todavía se mantiene en cartelera. Se trata de la última propuesta del especialista en la materia Dani de la Orden, que muy atrás dejó ya aquel díptico de debutante, Barcelona, noche de verano y Barcelona, noche de invierno, para embarcarse en productos descaradamente comerciales como El mejor verano de mi vida o Hasta que la boda nos separe.

Como tantas otras comedias recientes surgidas en nuestro país, Mamá o papá se basa también en un éxito del cine francés –la italiana, la argentina o la mexicana son las otras cinematografías elegidas para hacer remakes patrios – que fue también un éxito de taquilla en su país de origen en 2015. Con un mensaje bastante reaccionario, plantea la historia de unos supuestos malos progenitores para quienes los hijos se convierten en el principal obstáculo en sus prometedoras carreras ahora que han decidido divorciarse. Arreglárselas para que sea el o la contrincante quien se haga cargo de la custodia, al revés de lo que suele ser habitual, da lugar a una serie de situaciones más o menos divertidas en las que el carisma y la vena cómica de su pareja protagonista se lleva el mayor peso, sin caer nunca en el mal gusto y con resultados estimulantes dentro de sus limitadas intenciones.

Se trata sin duda de alcanzar algún que otro mercado internacional, ahora que las plataformas digitales lo ponen más fácil, por lo que no se duda en importar estilos a menudo ajenos a nuestra cultura y forma de vida, y más identificables con modelos aprendidos en el cine americano, lujos caseros e institutos incluidos. Con todo, y a pesar de su conservador pero inofensivo mensaje, se disfruta por su indudable y sana comicidad, además de cierta frescura, sin mayores pretensiones.

lunes, 10 de enero de 2022

EL MÉTODO WILLIAMS Padre e hija hacia la gloria

Título original: King Richard
USA 2021 138 min.
Dirección
Reinaldo Marcus Green Guion Zach Baylin Fotografía Robert Elswit Música Kris Bowers Intérpretes Will Smith, Aunjanue Ellis, Saniyya Sidney, Demi Singleton, Joe Bernthal, Tony Goldwyn, Kevin Dunn, Craig Tale, Dylan McDermott Estreno en Estados Unidos 19 noviembre 2021; en España 21 enero 2022


Film aseado y constructivo en el que Will Smith se esfuerza considerablemente para dar vida al padre de las estrellas del tenis Venus y Serena Williams, convirtiéndose con su convicción y su actuación en el auténtico reclamo de una cinta que por otro lado solo ofrece la típica crónica amable y épica de lucha y superación tan afín al espíritu combativo y competidor de los americanos.

Ambientada en Compton, en Los Angeles, la película repasa el esfuerzo y la obstinación de un padre por dar salida al talento de sus hijas, dos de cinco hermanas que destacan por su destreza y habilidad con la raqueta y que a lo largo del film parecen disfrutar tanto de su juego favorito como de un padre siempre dispuesto a todo por ellas. Queda claro que el tono es amable y que todo gira en torno a esta figura paternal, seguro y firme que no duda en imponer su plan a los propios entrenadores a los que convence por la sola genialidad de sus hijas.

El apoyo de la madre, estupendamente interpretada por Aunjanue Ellis, y el repaso a esas primeras gestas de, sobre todo, Venus Williams, incluido su combate con la número uno mundial del momento, Arancha Sánchez Vicario, cuando la primera solo contaba catorce años, aseguran un disfrute y un entretenimiento sano y distendido, a pesar de su larga duración y del convencimiento lógico de que no todo debió ser tan sencillo ni amable como parece, a pesar de escenificar también algunos encuentros accidentados con esa delincuencia de raza que se le presupone a la población afroamericana y tanto mancilla su condición.