OMAHA Un viaje sin retorno

USA 2025 83 min.
Dirección Cole Webley Guion Robert Machoian Fotografía Paul Meyers Música Christopher Bear Intérpretes John Magaro, Molly Belle Wright, Wyatt Solis, Talia Balsam, Christina Cooper Estreno en el Festival de Sundance 23 enero 2025; en Estados Unidos 24 abril 2026; en España 17 julio 2026

Sólo paseándose por el mayor número posible de festivales, sobreviven desgraciadamente trabajos como éste, un particular viaje físico y emocional de un padre y sus dos hijos pequeños hasta la ciudad del título, en Nebraska. Cole Webley debuta con esta cinta, y lo hace de forma tan delicada como inteligente, mientras John Magaro y la pequeña Molly Belle Wright, sin desmerecer al niño Wyatt Solis, prodigio de frescura y naturalidad, ponen rostro a una desgarradora historia de paternidad y visible pobreza, teñida de la consiguiente tristeza, siempre a la deriva en una aventura familiar con destino emocional indeterminado, cuya naturaleza se va desvelando a la vez que lo hace la mirada inocente pero suspicaz de la joven protagonista.

Para Magaro supone su primer protagonista desde la celebrada First Cow de Kelly Reinhardt, demostrando lo buen actor que es, la fuerza de su controlada expresividad y su capacidad para conmover tanto como lo hacen el preciso guion de Robert Machoian y la meticulosa dirección de Webley.

Una preciosista fotografía completa el equipo que hace realidad un film tan doloroso como éste, que esconde una realidad insufrible pero lamentablemente presente en sociedades supuestamente civilizadas como las nuestras, y que tanto y con tanto ingenio venden el muy cacareado concepto del bienestar. Un film necesario por su capacidad para conmover y concienciar, y convencernos sobre una realidad que se pasea a diario ante nuestros distraídos ojos. 

LA SOMBRA DE MI PADRE Una hermosa declaración de amor y esperanza

Título original: My Father’s Shadow
Nigeria-Reino Unido 2025 94 min.
Dirección Akinola Davies Guion Akinola Davies y Wale Davies Fotografía Jermaine Canute Edwards Música Cj Mirra y Duval Timothy Intérpretes Sope Dirisu, Chibuike Marvellous Egbo, Godwin Egbo, Efon Wini, Tosin Adeyemi, Ayo Lijadu, Uzoamaka Power Estreno en el Festival de Cannes 18 mayo 2025; en Nigeria 19 septiembre 2025; en Reino Unido 6 febrero 2026; en España 6 marzo 2026

Necesitamos películas como ésta, que nos reconcilien con la condición humana, aunque sólo sea a través de la mirada limpia e inocente de unos niños que añoran a su padre, y con el que viven una jornada llena de descubrimientos e ilusión, bajo la amenaza imperante de un régimen dictatorial como el que en los noventa del pasado siglo impidió la celebración de elecciones libres en un país tan castigado como Nigeria. Decía nuestro infame partido político en la oposición que la guerra de Trump y Netanyahu es legítima para salvaguardar los derechos humanos. Ni ellos se creen sus propias palabras, sabedores de que los derechos humanos se machacan en más del cincuenta por ciento de la población mundial, y nadie ha ido a invadir a unos y otros países para evitarlo. Nigeria fue al menos hasta 2011, cuando se celebraron las primeras elecciones presidenciales justas y libres, uno de esos países, como tantos otros del continente africano.

En ese entorno hostil y en la inmensa ciudad de Lagos se desarrolla este cuento infantil de reencuentro entre un padre y sus dos pequeños, que intentan llegar hasta el puesto de trabajo de él mientras sortean obstáculos en una convulsa metrópolis ilusionada con unos resultados electorales que no llegaron y bajo la sombra de una enorme tragedia silenciada por el gobierno, la matanza de Bonny Camp para reprimir a los opositores del régimen militar de Ibrahim Babangida, y que culminó con la anulación de los resultados electorales que daban como vencedor al demócrata M.K.O. Abiola. Lecciones de Historia que sirven de telón de fondo para una tierna y preciosa historia de amor, la de un padre y sus dos pequeños, los tres interpretados con toda riqueza de matices a las órdenes de la precisa dirección del debutante Akinola Davies y el hermoso guion escrito junto a su hermano, quizás protagonistas reales de una historia en la que el padre acaba siendo tan idealizado como puesto en tela de juicio.

Bellísimos episodios como las enseñanzas en valores y principios del progenitor, sus consejos al mayor para que se convierta en salvaguarda del menor, o la concentración en el epicentro familiar del cariño y el respeto verdaderos, hacen que secuencias como la del baño en la playa resulten tan elocuentes a pesar de su carácter recurrente. Postales de unas vivencias sinceras y llenas de realidad que marcan una infancia y ponen el acento en un futuro mejor y más esperanzador. Hermosa declaración de amor y fraternización en un mundo cada vez más despedazado y deshumanizado, que le valió recientemente el Bafta al mejor debut en la escritura, dirección o producción a su principal artífice, después de estrenarse en Cannes y pasearse por multitud de festivales, incluido el de Sevilla, donde se pudo ver en la sección Rampa.

LA CHICA ZURDA Colorista, luminosa pero desquiciada fábula

Título original: Zuopiezi nuhai
Taiwán-Francia-USA-Reino Unido 2025 149 min.
Dirección Shih-Ching Tsou Guion Sean Baker y Shih-Ching Tsou Fotografía Ko-Chin Chen y Tzu-Hao Kao Música Matthew Hearon-Smith Intérpretes Janel Tsai, Shi-Yuan Ma, Nina Ye, Teng-Hui (Brando) Huang, Akio Chen, Xin-Yan Chao, Teng-Hung Hsia Estreno en el Festival de Cannes 15 mayo 2025; en Taiwán 31 octubre 2025; en España 30 enero 2026

Estrenada en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes, supone el debut en la dirección en solitario de la taiwanesa Shih-Ching Tsou, asociada desde el cominezo de su carrera a director estadounidense Sean Baker, con quien co-dirigió en 2004 Take Out, produciendo e interpretando algunos de sus films posteriores, como The Florida Project y Red Rocket. Ahora es el director de Anora quien da un empujoncito definitivo a la carrera de la directora novel, produciendo, co-escribiendo y montando esta luminosa y colorista película rodada en su integridad con tecnología iPhone.

Es precisamente en el montaje donde a nuestro juicio cojea esta película, ofreciendo secuencias muy dinámicas y breves que poco ayudan a cogerle el punto a una historia en la que conviven tradición y modernidad. Ambientada en la bulliciosa ciudad de Taipei, en su mayoría en sus nocturnas calles y mercados profusamente iluminados con una publicidad radiante, la niña del título, Nina Mei, es directamente una criatura adorable, para comérsela. Las creencias de una sociedad antaño supersticiosa, lo que provoca cierto comportamiento en la protagonista por su condición de zurda, así como los secretos familiares consecuencias de una moral férrea anclada en el pasado, además de puntuales conductas delictivas, se dan cita en una apuesta por el entendimiento y la solidaridad al menos entre mujeres.

Paradójicamente, es un personaje masculino el que abarca mayor positivismo, el de Johnny (Brando Huang), vecino de negocio de las tres mujeres protagonistas, la niña, su madre y hermana. Todo aparenta cierta amabilidad, sobre todo desde el punto de vista de una niña que nos recuerda en cierto modo a la protagonista de The Florida Project. Pero el conjunto descuida su narrativa y echa mano en su tramo final de una histeria casi colectiva que lastra sus posibilidades y emborrona sus objetivos.

WEAPONS Un cuento trasnochado

USA 2025 128 min.
Guion y dirección Zach Cregger Fotografía Larkin Seiple Música Ryan Holladay, Hays Holladay y Zach Cregger Intérpretes Julia Garner, Josh Brolin, Alden Ehrenreich, Justin Abrams, Cary Christopher, Benedict Wong, Amy Madigan, June Diane Raphael, Whitmer Thomas, Callie Shuttera, Justin Long, Clayton Farris y la voz (en versión original) de Scarlett Sher Estreno en España y Estados Unidos 8 agosto

Tras un par de comedias dirigidas y protagonizadas junto a su colega Trevor Moore, y un sinfín de trabajos de producción y otras labores cinematográficas, Zach Cregger tuvo un alto reconocimiento con su primer largometraje en solitario y primera incursión en el género de terror, Barbarian. Muchos han querido ver ahora en Weapons (armas) la confirmación de un talento y una voluntad de regeneración del género que nosotros francamente no acertamos a percibir. Todo parece apuntar a una puesta al día del cuento clásico, con todo su alto componente perverso y traumático que la mayoría de historias de antaño solían contener. De nuevo son los niños las víctimas propiciatorias del argumento, y aunque durante gran parte del metraje parece que se trate de un ajuste de cuentas con aquellos que observan un mal comportamiento, en su disparatado tercio final, no exento de secuencias de gran impacto, esta diatriba se derrumba en favor de un gran guiñol que no favorece al conjunto.

Mientras tanto, Cregger juega con cierto ingenio y habilidad a las historias cruzadas, contando, primero a través de la voz en off de una niña narradora cuya identidad y protagonismo en la historia nunca se aclara, y después a través de diversos episodios cada uno protagonizado por uno de los personajes de una historia, aportando su particular punto de vista sobre el total, una truculenta historia de niños desaparecidos con reminiscencias del flautista de Hamelín. Un misterio que acapara nuestra atención, mientras somos testigos de los giros narrativos que se experimentan con cada nueva aportación, hasta que un banal y esperpéntico desenlace aporta respuestas poco o nada satisfactorias a una trama que prometía una más satisfactoria resolución. Por el camino surgen personajes de cuento clásico que merecen de una vez por todas desaparecer del imaginario colectivo, pero cuya recuperación quizás atienda a estos tiempos reaccionarios en los que todo lo pasado, por pésimo que fuera, resurge con tanta naturalidad como propia y peligrosa voluntad.

El atractivo reparto, encabezado por Julia Garner, actualmente en cartel como Silver Surfer en Los 4 fantásticos, y el veterano Josh Brolin enfundándose el papel de ¡padre de un niño de once años!, ayuda a una mejor digestión del producto. También destacan Alden Ehrenreich, a quien pocos recordarán como Han Solo en el spin-off que tan mala fortuna tuvo, así como una irreconocible Amy Madigan, activa desde tiempos de En un lugar del corazón junto a su esposo Ed Harris y Sally Field, y que hemos visto también en Campo de sueños y Adiós, pequeña, adiós, y una sugerente banda sonora en la que también participa su reconocido y laureado director.

TRAS EL VERANO Conflictos afectivos

España 2025 94 min.
Dirección Yolanda Centeno Guion Yolanda Centeno y Jesús Luque Fotografía José Luis Bernal Ibáñez Música Pablo Cervantes Intérpretes Alexandra Jiménez, Juan Diego Botto, Álex Infantes, Ruth Gabriel, Stéphanie Magnin, Alicia Moruno, Edu Rejón Estreno en el Festival de Málaga 20 amrzo 2025; en salas 16 mayo 2025

Como muchos otros y otras realizadoras debutantes en el largometraje, Yolanda Centeno tira de un cortometraje previo para desarrollarlo, con el añadido de basarse además en algún tipo de experiencia propia. En este caso, la directora echa mano de Imposible decirte adiós, de 2021, donde su protagonista, también Alexandra Jiménez, afronta la separación de su pequeño hijastro como consecuencia del fracaso sentimental con su pareja, en aquel trabajo Fele Martínez, ahora Juan Diego Botto. Se muestra así cómo la legislación, tan a menudo por detrás de las necesidades políticas y sociales, no da respuestas a nuevas sensibilidades. En este caso, un nuevo modelo de familia, alejado del convencional y tradicional modelo nuclear, no encuentra soluciones prácticas al conflicto de afectos que se genera entre una madrastra, el niño al que ha criado durante años, su ex pareja, la madre biológica y la nueva pareja de la protagonista, en este caso una mujer a la que da vida Ruth Gabriel, también presente en el mencionado cortometraje.

Pero la cinta no se centra en ningún tipo de batalla legal, aunque la mencione, sino en el conflicto de sentimientos que esta situación genera, especialmente de cara a la incomprensión, la frustración y la falta de respuestas que provoca en el más inocente de los personajes conjugados, el pequeño, magistralmente interpretado sin impostaciones ni afectaciones, con frescura y naturalidad, por Álex Infantes. El film se articula en torno a esta galería de personajes, pero sobre todo de la tierna y cómplice relación que se entabla entre la madrastra y el niño, sin énfasis en el sentimentalismo, aunque la delicadeza de la grácil situación pueda llegar a emocionarnos en una justa medida.

Con producción andaluza y rodaje en Málaga, Huelva y fundamentalmente Sevilla, se trata de una hermosa película que pone sobre la mesa un problema delicado con necesidad de respuestas acuciantes por parte de una legislación que en buenas manos deberá siempre perseguir la felicidad en el más amplio abanico de sus posibilidades, algo que las políticas conservadoras siempre serán reacias a cumplir. Con ellas nunca se avanza, aunque siempre acaben aprovechándose después, cuando las políticas progresistas dan respuesta a las nuevas necesidades.

LA VIDA A TRAVÉS DEL FOLCLORE ANDALUZ Dos películas andaluzas lo reflejan

LOS RESTOS DEL PASAR

España 2024 83 min.
Dirección Luis (Soto) Muñoz y Alfredo Picazo Guion Luis (Soto) Muñoz Fotografía Joaquín García-Riestra Guhl Música Juan Marpe y Pedro Catalán Intérpretes Rodrigo Ramírez, Paco Ariza y la voz de Antonio Reyes Estreno en el Festival de Cine Europeo de Sevilla 9 noviembre 2024; en salas (sólo Madrid) 29 noviembre 2024

Baena es la ciudad elegida para ambientar esta suerte de cuento sobre la infancia y lo efímera que es la vida. Para ello, el joven director Luis (Soto) Muñoz, apenas un par de meses de estrenar en Filmin su primer largometraje de ficción, Sueños y pan, nos sumerge con la asistencia de Alfredo Picazo y la voz en off de Antonio Reyes, en los recuerdos de infancia de un niño durante la Semana Santa, cómo conoció a un anciano pintor y cómo éste le enseñó acerca del milagro de la vida, el arraigo a la tierra y la brevedad de nuestra existencia.

Representada como si del pasado se tratara, en un estético y estudiado blanco y negro que se combina con un color también reminiscente de tiempos pretéritos, Muñoz y Picazo parecen hacerle guiños a la primera época de Summers, mientras denotan un exceso poco conveniente de ambición poética que cuaja sólo en determinados pasajes, resultando el conjunto tan pretencioso como ocasionalmente aburrido.

El contraste entre los ritos y enseñanzas religiosas y la visión práctica y pagana del ilustre pintor, interpretado por el igualmente artista, fallecido poco después de finalizar el rodaje, Paco Ariza, termina por erigirse en lo mejor y más sustancioso de la cinta. A pesar de eso, se alzó con el Premio Juan Antonio Bermúdez al mejor largometraje en la Sección Panorama Andaluz del último Festival de Cine Europeo de Sevilla. Premio también en Gijón y una nominación al mejor director en los Premios Asecan.

FANDANGO

España 2024 89 min.
Dirección Remedios Malvárez y Antonio Andújar Guion Remedios Malvárez y Miguel Ángel Parra Fotografía Luis Castilla Documental Estreno en el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva 22 noviembre 2024

Tras la excelente Pico Reja, Malvárez y Andújar vuelven a indagar sobre nuestra memoria histórica, esta vez de forma mucho más amable, a través de la cultura y el patrimonio andaluz, onubense para más señas. Se trata de analizar los orígenes, las fuentes y la trascendencia del fandango como palo del flamenco a menudo despreciado como cante menor al que cualquiera puede enfrentarse, dejando claro que sólo los más grandes le hacen justicia.

Y ahí aparecen Perlita de Huelva o, en imágenes de archivo, Toronjo, que junto a los testimonios y actuaciones de artistas como Arcángel, Sandra Carrasco o Argentina, y las semblanzas de intelectuales como Juan Cobos Wilkins y participaciones de artistas plásticos como Martín Lagares, tejen un particular viaje por la provincia de Huelva en un blanco y negro impostado que nos lleva de Alosno a la capital, pasando por Almonaster la Real, El Cerro de Andévalo o las Minas de Riotino.

Un viaje sentimental salpicado por hermosas actuaciones del bailaor Rafael Estévez en el muelle de hierro de la capital, o de Rocío Márquez, también directora musical del proyecto y que además colaboró en Pico Reja, en plan video clip elegante y estéticamente muy elaborado. Premio Talento Andaluz en Huelva y dos nominaciones (guion y dirección) en los Asecan avalan este artístico trabajo, quizás no tan riguroso y definitivo como pretende, pero ciertamente disfrutable incluso por quienes no cultivamos el flamenco.

RITA La barbarie bajo una mirada inocente

España 2024 94 min.
Guion y dirección Paz Vega Fotografía Eva Díaz Música Pablo Cervantes Intérpretes Sofía Allepuz, Alejandro Escamilla, Paz Vega, Roberto Álamo, Daniel Navarro, Paz de Alarcón, Amada Santos, Margarita Asquerino Estreno 25 octubre 2024

Paz Vega ha reconocido que siempre ha habido dentro de ella una directora en potencia, que por fin ahora sale a la luz, tras veinte años de carrera como actriz, seguramente un aprendizaje excelente para que su debut como realizadora se salde con tan estimulantes resultados. Cabe reconocerle su habilidad para tratar con niños, y que éstos, a pesar de las numerosas películas que la actriz sevillana ha protagonizado en Estados Unidos, no se encuentren infectados por el irritable tratamiento con el que el cine estadounidense los trata. Aquí tenemos, por el contrario, a una niña como tiene que ser, con su mirada inocente y sus textos a la altura de su edad, otro acierto de Vega, que también firma el guion. A la joven protagonista acompaña con gracia y ternura un hermanito que se beneficia de idéntico delicado tratamiento.

Sobre ellos, especialmente la niña Sofía Apelluz, recae la responsabilidad dramática de llevar a buen puerto una historia terrible de violencia machista en una democracia todavía incipiente que poco o nada cuestionaba la autoridad patriarcal, a pesar de que una ley del divorcio aprobada sólo tres años antes empezaba a proporcionar los recursos necesarios a las mujeres para empezar a liberarse, independizarse y perderle el miedo a esos frecuentes monstruos convivientes. Es por ello, por atender casi exclusivamente a la mirada intrigada pero ingenua de la niña, que la trama acumula menos tensión e impera un ambiente menos malsano de lo habitual en estos casos, lo que no supone menor gravedad sobre los hechos denunciados.

Sin embargo, a Vega le interesa más poner el acento en la luz que desprende su pequeña protagonista, y sobre todo, la esperanza en un futuro mejor para las nuevas generaciones, lo que no impide desgraciadamente que todavía se repitan esquemas y situaciones como las descritas en esta Sevilla de mediados de los ochenta con la que desgraciadamente, aún en la actualidad, cabe identificar algunos de sus barrios y gentes, como los de tantas y tantas otras urbes del planeta.

NO HABLES CON EXTRAÑOS La apacible casa del terror

Título original: Speak No Evil
USA-Croacia-Canadá 2024 109 min.
Dirección James Watkins Guion James Watkins, Christian Tafdrup y Mads Tafdrup Fotografía Tim Maurice-Jones Música Danny Bensi y Saunder Jurriaans Intérpretes James McAvoy, Mackenzie Davis, Scoot McNairy, Aisling Franciosi, Dan Hough, Alix West Lefler, Kris Hitchen, Motaz Malhees, Jakob Hojlev Jorgensen Estreno en Estados Unidos y España 13 septiembre 2024

Generalmente, cuando Hollywood realiza el remake de una película europea es para convertirla en éxito sin tener que recurrir a los temidos subtítulos. No es el caso de esta cinta basada en otra danesa de hace sólo dos años, dirigida y escrita por Christian Tafdrup, que se responsabiliza ahora también del guion, pues aprovechando que sus dos parejas protagonistas eran holandeses y daneses, se comunicaban en inglés durante casi toda la película. Comparadas ambas, encontramos en otros aspectos la necesidad estadounidense de repetir la cinta, y son cuestiones de moralidad y comprensión.

La cinta del británico James Watkins, curtido en el terror y la intriga con películas como La mujer de negro y series como Black Mirror, repite fotograma a fotograma el original de referencia, permitiéndose sólo algunas pequeñas licencias, hasta que en cierto punto, muy avanzado el metraje, tira por otros derroteros, corrigiendo los defectos de comprensión de la otra, introduciendo las habituales secuencias de persecución y clímax adrenalítico final, y despreciando el desolador y extremadamente cruel final del film danés. Por eso sorprende que aun así Watkins sea capaz de ponerle al pastel una guinda tan espeluznante y fuera de los códigos morales imperantes. Sin contar con ese ambiente tan malsano del que los cineastas y narradores nórdicos son tan expertos, esta nueva versión resulta sin embargo más entretenida, con mejor pulso y más ritmo, que hace que su trama interese de principio a fin y la desazón experimente un crescendo de ansiedad que culmina justo cuando la trama llega a su desenlace.

Lástima que la maldad pura que exhibe aquella se diluya aquí en favor de una justificación materialista, si bien aplaudimos la fuerza y la decisión de la víctima femenina de la función, una estupenda Mackenzie Davis, convirtiéndose en auténtica heroína frente a un esposo más pusilánime y derrotista. El trabajo de James McAvoy como recipiente absoluto de la maldad más primitiva, acaba resultando mucho más convincente y hasta cierto punto moderado de lo que anunciaba su delatador tráiler. Como en aquélla, la inocencia infantil es la gran perjudicada.

REINAS Un trampantojo emocional

Perú-España-Suiza 2024 104 min.
Dirección Klaudia Reynicke Guion Klaudia Reynicke-Candeloro y Diego Vega Fotografía Diego Romero Intérpretes Abril Gjurimovic, Luana Vega, Gonzalo Molina, Jimena Lindo, Susi Sánchez, Fabrizio Aguilar Estreno en el Festival de Sundance 22 enero 2024; en Perú 22 agosto 2024; en España 6 septiembre 2024

Con una filmografía netamente suiza hasta el momento, la directora peruana Klaudia Reynicke regresa a su país para contarnos una historia que parece tener mucho de auto biográfica. Nos encontramos ante un relato ambientado en ese país andino, poblado en su mayoría por indígenas, pero de nuevo centrado en la población caucásica descendiente de los invasores, como de hecho ocurre en sus programas televisivos, culebrones incluidos. Esta vez tiene sentido por cuanto de auto biográfico parece contener una función que nos habla de los convulsos años noventa del pasado siglo, cuando Fujimori tenía al país en cuarentena, sometido a las fuerzas armadas y a sus políticas de austeridad económica.

En ese contexto, Reynicke centra su atención en la mirada ingenua y desprejuiciada de dos niñas, como suele ser habitual en muchas de las películas dirigidas por mujeres que nos han ido llegando en los últimos años. Dos jovencitas pertenecientes a una familia de izquierdas, y sin embargo aburguesada y acomodada, cuyos privilegios parecen ir despareciendo con el devenir de los tiempos. Ajenas a cualquier tipo de peligro, las niñas sólo piensan en su bienestar inmediato, al que están acostumbradas, mientras su madre anhela con salir del país y contar para ello con el permiso del irresponsable y divorciado padre.

Rodada en formato comedia como la vida misma, esconde en realidad la tragedia de un país azotado por la pobreza y el recorte de libertades, mientras asistimos como si de un trampantojo se tratara, a los episodios más o menos amables y distendidos que viven las dos chicas y su fantasioso padre, un Peter Pan que genera rechazo y simpatía a partes iguales. El principal mérito de Reynicke radica en contar estos tiernos episodios sin renunciar a la tensión de fondo y la zozobra de los adultos, entre quienes se encuentra la enorme Susi Sánchez apenas forzando el acento. Gran mérito el de las niñas protagonistas, especialmente la más pequeña, Abril Gjurimovic, de mirada tan emotiva como inocente y resultados siempre llenos de magia y brillo.

AMIGOS IMAGINARIOS Más colonización cultural

Título original: IF
USA 2024 104 min.
Guion y dirección John Krasinski Fotografía Janusz Kaminski Música Michael Giacchino Intérpretes Cailey Fleming, Ryan Reynolds, John Krasinski, Fiona Shaw, Alan Kim, Liza Colón –Zayas, Bobby Moynihan y las voces de Steve Carell, Phoebe Waller-Bridge, Louis Gosset jr., Awkwafina, Emily Blunt, George Clooney, Bradley Cooper, Matt Damon, Bill Hader, Richard Jenkins, Blake Lively, Sam Rockwell, Maya Rudolph, Amy Schumer, Jon Stewart y Brad Pitt Estreno en España y Estados Unidos 17 mayo 2024

Con esta nueva incursión del actor John Krasinski en la dirección, después de las dos entregas que hizo de la sobrevalorada Un lugar tranquilo, partimos de la base en nuestro país de la escasa o nula entidad que tiene eso de los amigos invisibles, aunque vista la habilidad del país norteamericano para vendernos todo lo que les apetece, nuestros niños y niñas acabarán también teniéndolos, con todo lo que de neurótico significa. A partir de aquí el director, guionista y protagonista parece querer invitarnos sin demasiado éxito a revivir nuestra infancia y recuperar la inocencia perdida, si bien los pocos niños que aparecen, la joven protagonista de doce años y un niño asiático de algo menos, parecen como suele ser habitual viejos recortados.

Hay en el conjunto cierta tendencia a equipararlo con el mundo de Pixar sin demasiado éxito, a pesar del generoso abanico de personajes inventados a los que ponen voz lo más granado del Hollywood actual, incluido un Brad Pitt cuyo personaje ni se ve ni se oye, toda una broma con la que cabe preguntarse cuál habrá sido la aportación del carismático actor. Y hay también alguna pretensión de convertir este producto en algo similar a lo que debieron significar en su momento películas como Mary Poppins, cuya desafortunada secuela protagonizó precisamente la esposa de Krasinski, Emily Blunt.

Pero lo cierto es que falta auténtica magia para que esta aventura digitalizada, edulcorada y algo cursi remonte el vuelo. Entre lo mejor de la función destaca el prólogo en el que dos divertidos progenitores juegan sin parar con su pequeña hija, haciendo de su infancia ese lugar mágico que sin duda tanto nos marca y define. También destacan las secuencias estrictamente musicales, como el concierto de Tina Turner, el del parque de atracciones al son de Nat King Cole y la añoranza dancística de Fiona Shaw al ritmo del Espartaco de Khachaturian, capaz de emocionarnos por encima del todo el resto de su calculada parafernalia.

TÓTEM Ensayo coral sobre la madurez

México-Dinamarca-Francia 2023 95 min.
Guion y dirección Lila Avilés Fotografía Diego Tenorio Música Thomas Becka Intérpretes Naíma Sentíes, Montserrat Marañón, Marisol Gasé, Teresa Sánchez, Iazua Larios, Mateo García, Saori Gurza, Alberto Amador, Juan Francisco Maldonado, Marisela Villarruel Estreno en el Festival de Berlín 20 febrero 2023; en México 30 noviembre 2023; en España 1 marzo 2024

La segunda película dirigida por la realizadora mejicana Lila Avilés ha tenido un largo recorrido por festivales, desde que se estrenara hace más de un año en el de Berlín, hasta alzarse hace poco con dos importantes nominaciones a los Premios Platino, los de mejor película y dirección, razón por la que la hemos recuperado en estas páginas tras pasar para nosotros desapercibida cuando se estrenó a principios de marzo. Avilés fija su atención en una niña que observa y de paso madura en un entorno familiar como se dice ahora, bastante disfuncional.

La niña deambula por una literal casa de locos, durante los preparativos para la fiesta de cumpleaños de su padre aparentemente moribundo, de cuyo cuidado se encargan una sus hermanas, tías de la niña, tan inmaduras en sus ademanes y manías como lo pudiera estar la niña protagonista. Ha también una paciente trabajadora doméstica a cargo de dicho menester. Todo se desarrolla en un ambiente abiertamente bohemio y alternativo, culminando en una fiesta multitudinaria en la casa a la que previamente una espiritista de nombre Lúdica ha liberado de malas presencias a iniciativa de una de las tías, mientras la otra demora su presencia en la fiesta con el pretexto de decorar la tarta de cumpleaños. 

Todo esto que parece tan atractivo sobre el papel y que obliga a su principal artífice a integrarse y zambullirse en este coro de almas perdidas casi en pena, resulta en la práctica bastante decepcionante, por no decir falto de interés. No alcanzamos a identificarnos con la mirada entre perpleja y llena de preguntas de la niña, mientras todo el conjunto se nos antoja extremo y quebradizo, tan lejos de la realidad cotidiana y tan descarado en su afán de feminizarlo todo a su manera, que realmente apenas logramos empatizar con sus propuestas.

1ª JORNADA SEFF 2023

FELIPE Adolescencia acorralada

Argentina-España-Guatemala-México 2023 83 min.
Guion y dirección Federico Schmukler Fotografía Elke Reisinger Intérpretes Felipe Szumik, Andrea del Carmen Charras, Pablo Limarzi, Analía Juan, Catalina Oliva Sección oficial. Estreno en el Festival de Cine Europeo de Sevilla 24 noviembre 2023

Sin fecha de estreno ni siquiera en su país, Felipe tuvo su puesta de largo definitiva en el Festival de Sevilla, donde comprobamos su inclusión con calzador en una sección oficial absurda, toda vez que no cuenta ni con jurado ni por supuesto palmarés, algo insólito en cualquier certamen cinematográfico que se precie.

Coincide el visionado de esta película algo insustancial con la victoria de la ultraderecha populista argentina como única balsa de salvación que algunos consideran posible para salir de la eterna crisis económica que asola el país. Y lo hace hablándonos del famoso corralito de 2001, imagen de fondo de las vivencias de un adolescente perdido y desorientado ante los problemas de índole sentimental de su edad, empezando por la clásica familia desestructurada en la que debatirse por vivir con el padre siempre ausente por motivos laborales en una presuntamente tumultuosa Buenos Aires, o con la madre ajetreada con sus vaivenes legales en defensa de los más desfavorecidos en la provinciana Córdoba.

Ante semejante indecisión surge también el primer amor, torpe e impreciso, y una serie de escapadas y episodios que van tejiendo su hora y media escasa de duración ante la perplejidad de quien se pregunta qué es realmente lo que nos quiere contar su director, o si acaso está tan perdido y desorientado como su joven y taciturno protagonista.

SALA DE PROFESORES La vida es dura desde que se nace

Título original: Der Lehrerzimmer
Alemania 2023 94 min.
Dirección Ilker Çatak Guion Johannes Duncker e Ilker Çatak Fotografía Judith Kaufmann Música Marvin Miller Intérpretes Leonie Benesch, Eva Löbau, Leonard Stettnisch, Michael Klammer, Anne-Kathrin Gummich, Rafael Stacxhowiak, Kathrin Wehlisch, Sarah Bauerett, Uygar Tamer, Ózgur Karadeniz Selección EFA. Estreno en el Festival de Berlín 18 febrero 2023; en Alemania 4 mayo; en España prevista en febrero de 2024

Galardonada con varios premios Lola del cine alemán y nominada a tres de los Premios Europeos del Cine, la película del director de origen turco Ilker Çataz pretende ser una disección más o menos acertada de la dificultad que tienen los profesores de colegios o institutos para resolver hasta el más nimio problema cuando todo se les echa encima, desde los padres del alumnado a la administración o la justicia, cuando no hay recursos disponibles para resolver lo más evidente. Es un problema con el que lidian millones de personas que se dedican al profesorado en todo el mundo, cuando el enorme esfuerzo reglamentario se ha volcado en defender a quien se considera más débil o vulnerable en una ecuación de difícil resolución.

La profesora protagonista de este calculado film de tesis, es partidaria de resolver cualquier problema paso a paso, siguiendo una metodología muy casuística y determinada. Pero su particular cubo de Rubik se viene abajo cuando forzada por las circunstancias, y tras una serie de acontecimientos que es incapaz de manejar y evitar, falla en sus propios postulados y se salta algunos de los pasos de su propia metodología. A partir de ahí deviene un particular calvario en el que todo se le pone en contra, hasta límites solo aceptables cuando de una ficción destinada a revolver conciencias se trata. Çatak acierta al generar una tensión en progreso irrespirable y dejarnos con muy mal cuerpo al comprobar cómo lo más sencillo puede complicarse tanto. Pero fracasa al encomendar casi todo el peso dramático de la función a un guion demasiado medido y orientado hacia un único camino, al que su bravísima protagonista se dedica en cuerpo y alma, logrando así que esa tensión dramática aludida funcione en todo su esplendor.

Otra cosa es colocar a adultos e infantes a un mismo nivel, especialmente visible en una improbable revista del colegio al que sus redactores y redactoras se dedican como si les fuera la vida en ello y, sin necesidad de pasar por la Universidad, ejercer el oficio periodístico con una profesionalidad increíble. Pero si hay algo que de verdad llama la atención en esta desigual película es su capacidad para mostrar lo dura que es la vida, incluso en los ambientes más acomodados, ya desde la misma infancia; cuánto se sufre y a menudo por tan poco desde que nacemos, expuestos y expuestas a situaciones que nos llevan al límite y que tan difícil nos resulta resolver. Y en este sentido es el personaje del muy inteligente Oskar, a quien Mendelssohn acompaña en las últimas escenas de la película, el que más nos atrae y conmueve.

BREAK NATION El insólito ritmo andaluz de los noventa

España 2023 90 min.
Dirección David Pareja Guion David Pareja y Antonio García Jiménez Fotografía Alberto Pareja Documental. Panorama Andaluz. Estreno en el Festival de Cine Europeo de Sevilla 24 noviembre 2023

Si sigue así, David Pareja se convertirá en todo un especialista en documentales musicales. Debutó en 2017 con Indestructible: El alma de la salsa, donde realizaba un recorrido espacial y sentimental por la América de la salsa de la mano de Diego El Cigala, y presenta ahora todo un sorprendente y revelador homenaje al fenómeno del Breakbeat andaluz de la década de los noventa del siglo pasado. Quizás porque me cogió un poco mayor, o más bien seguramente porque asumía responsabilidades que me hicieron quedar fuera de estos ámbitos, viví ese ambiente completamente ajeno, creyendo que la única movida interesante en ese momento era la ruta del bacalao valenciana. De esta forma el trabajo de Pareja nos descubre un fenómeno de masas que nació en Marbella al hilo de las influencias que llegaban de Inglaterra, y con la oposición firme, abusiva y hasta dictatorial del infame Jesús Gil. De ahí pasó a Málaga y Sevilla para acabar recorriendo toda la geografía andaluza, capitales y pueblos, llenando las pistas de música electrónica de tiempos rotos, como así se define, con la que organizar rabiosas raves.

Lástima que aunque cuenta con muchos testimonios de promotores y disc jockeys que trabajaron la escena, y con una ingente cantidad de material gráfico en su mayoría proveniente de videos domésticos de gente aficionada, el conjunto resulta demasiado disperso como para comprender en su totalidad la cronología y la amplitud de su influencia, de forma que sólo nos queda una idea ligera aunque sorprendente de lo que llegó a ser, y de cómo acabó fagocitando ideas y costumbres de Florida, así como funcionando solo en este hemisferio de la península ibérica, sin apenas repercusión a partir de Despeñaperros, con la sorpresa generalizada del resto de una Europa donde sus tentáculos no llegaron a alcanzar.

Hitos como el éxito de The Prodigy, o el final de la aventura a causa de su corrupción cani y, sobre todo, del desastre a nivel de organización y estupefacientes, resultado de muerte incluida, que supuso la celebración del séptimo aniversario del programa de Canal Sur Radio Mundo Evassion. Esto provocó la destitución de su principal artífice, Daniel Moreno, lo que quizás también pudo provocar su suicido unos años después, hechos que se convierten en inflexiones interesantes de este desigual pero muy trabajado documental. Después vino el reguetón, y a esto insólitamente no hay quien lo pare.

SECADEROS Un paisaje idílico sin porvenir

España 2022 98 min.
Guion y dirección Rocío Mesa Fotografía Alana Mejía González Música Paloma Peñarrubia Intérpretes Vera Centenera Carnero, Ada Mar Lupiañez Huertas, Tamara Arias, Cristina Eugenia Segura Molina, José Sáez Conejero Estreno en el Festival de San Sebastián 18 septiembre 2022; en salas 2 junio 2023

Mucho se he demorado en estrenarse este debut en el largometraje de la joven granadina Rocío Mesa, desde su primer pase en el Festival de San Sebastián, donde recibió el Premio Dunia Ayaso dedicado a películas con una inconfundible mirada femenina, y tras recorrer festivales como los de Sevilla y Gijón y algunos otros de calado internacional. Pocos reconocimientos ha recibido sin embargo para tratarse de una cinta tan compleja e inteligente, que invita a tantas interpretaciones como sensibilidades se acerquen a contemplarla, y que en definitiva constituye un ejercicio de técnica narrativa y visual cinematográfica de esos que impulsan la producción y motivan la creatividad. Con apenas una actriz profesional, Mesa, y el resto haciendo gala de naturalidad y entrañables acentos, analiza el papel en la sociedad moderna de esa España rural y vaciada de la que tanto eco parecen hacerse los medios de comunicación pero a cuyos problemas tan pocas soluciones se ofrecen. Y lo hace desde la mirada inocente de la infancia, de una niña capaz todavía de dejarse seducir por la magia y la fantasía.

Circunscrita en ese mini género de veranos idílicos infantiles en el medio rural que tanto parece haber seducido a las nuevas cineastas españolas, Mesa echa mano también de una feliz infancia en otro ejercicio de seudo-autobiografía, y coloca a esta niña en el centro de una narración doble, la de dos familias que ni se cruzan ni convergen pero con el denominador común de vivir de la tierra, en concreto de sus secaderos de tabaco, condenados a desaparecer por el bien de unos hijos herederos necesitados de comodidades y alivios, o por la especulación de la que tampoco se escapa un entorno rural al que nadie, y menos aún los que están por venir, parece tener intención de proteger. La otra protagonista es una joven a quien la madurez le está abriendo los ojos hacia la desesperanza y la desilusión, hacia un porvenir incierto y lleno de nubarrones, frente a una familia asfixiada por las deudas y unas amistades ahogadas en lo superficial, la diversión inmediata y el consumo rápido de reguetón y sustancias psicotrópicas a partir de las cuales la realizadora se permite introducir destellos de videocreación con tal naturalidad y acierto que no nos atreveríamos a ver en ello atisbo alguno de pretenciosidad.

El campo se queja en forma de criatura fantástica que se nos antoja heredera de aquellos monstruos de Spike Jonze, pero solo esa mirada ingenua de la infancia y los desheredados es capaz de verlo, hasta que los grises de nuestra rutinaria y planificada vida cieguen unos ojos a los que los poderes fácticos interesa tener vendados. Es como cuando nos cruzamos con niños y niñas por la calle; primero nos alegran el ánimo ante su gracia y espontaneidad, pero inmediatamente nos ataca la desazón por todo lo que les espera en una vida dura que adornamos con aislados momentos felices. Conviene por último destacar el hermoso entorno que constituye la vega granadina, así como una excelente factura, quizás consecuencia del hecho de que su directora reside en Los Angeles, donde se habrá empapado de mucha y buena técnica cinematográfica.

FATUM Tragedias familiares

España 2023 91 min.
Dirección Juan Galiñanes Guion Juan Galiñanes y Alberto Marini Fotografía Álex de Pablo Música Manuel Riveiro Intérpretes Luis Tosar, Álex García, Elena Anaya, Arón Piper, María Luisa Mayol, Pepa Gracia, Ethan Álvarez, Valentina Quiza, Xabier Deive, Derek León Estreno en salas 28 abril 2023

Mientras el director Juan Galiñanes debuta como director después de varios trabajos para la televisión gallega, las credenciales del guionista Alberto Marini incluyen títulos de éxito como Mientras dormías, El desconocido, Tu hijo o la serie Apagón. Se ha especializado en thrillers de buena factura y recursos competentes en los que la trama ha de funcionar como un mecanismo de relojería aunque para ello tenga que echar mano de continuos giros de guion y golpes de efecto que consigan mantener al espectador inquieto e interesado.

Es también el caso de este nuevo film de acción ambientado en Galicia que tanto nos hace recordar el buen sabor que nos dejó El desconocido del hoy consagrado Dani de la Torre. Pero en este caso la trama no solo se centra en la acción y la resolución de una situación desesperada, sino que entraña el cruce de tragedias familiares que, siempre relacionadas con la infancia, sufren los dos antagonistas del film, un desgraciado aficionado al juego, a quien da vida un quizás algo excesivo Luis Tosar, y un policía, convenientemente desesperado Álex García, a la espera de un nuevo corazón para su hijo. Ambos coinciden en el atraco a una casa de apuestas, y de sus particulares tragedias converge una situación asfixiante provocada por ese destino o fatum del título, en la que Elena Anaya interpreta el eje o bisagra en un papel de inspectora de policía que borda en todos sus matices y afectos.

La buena definición de los personajes, incluidos unos niños que se comportan como tales, y el buen pulso que mantiene la narración consigue que, aunque se palpe casi desde el inicio la consecuencia de estas convergencias, la historia inquiete y nos mantenga tensos. Se trata de cine de puro entretenimiento, bien urdido y realizado, que no pretende hacer análisis alguno ni sobre la ludopatía ni sobre los trasplantes, sino a partir de esas dos problemáticas, tejer una historia envolvente y emotiva.

THE QUIET GIRL Los ojos de una niña

Título original: An Cailín Ciúin
Irlanda 2022 95 min.
Dirección Colm Bairéad Guion Colm Bairéad y Claire Keegan Fotografía Kate McCullough Música Stephen Rennicks Intérpretes Catherine Clinch, Carrie Crowley, Andrew Bennett, Michael Patric, Kate Nic Chonaonaigh Estreno en el Festival de Berlín 11 febrero 2022; en Irlanda 13 mayo 2022; en España 24 febrero 2023

Con su primera película, el director irlandés Colm Bairéad ha conquistado audiencias de todo el mundo. Aquí ya lo hizo cuando se estrenó en el pasado Festival de Cine de Sevilla, y amenaza con volver a hacerlo ahora que se ha estrenado en nuestros cines. Y es que ha conseguido que una película sencilla y muy íntima llegue al corazón de todo tipo de público, con la complicidad de la mirada limpia e inocente de una niña silenciosa y tranquila (que ambas acepciones permite su título original) bajo cuya responsabilidad queda toda la dinámica y narrativa de esta crónica sobre una infancia desgraciada, en el seno de una familia sin atisbo de ternura ni complicidad.

El giro y la oportunidad llega cuando en verano es enviada a casa de unos familiares con los que experimentará esa otra infancia, la que todo niño y niña merece, acompañada del amor y la caricia que le dan seña de identidad y posición memorable en la biografía de cada uno y una de nosotras. El primerizo realizador consigue trasladar sutilmente las emociones de esta niña y su entorno, apoyándose en una fotografía preciosa que se enmarca como lo hacen hoy tantas producciones en ese formato cuadrado con el que se pretenden encerrar mejor los sentimientos y los matices de una cinta tan intimista como costumbrista. El verde paisaje irlandés y el uso del gaélico potencian esta sensación de lirismo que impregna una cinta tan evocadora, discreta y sugerente que consigue su cometido aunque en el camino su falta de evidencia absoluta y su sinceridad aparquen una mayor dosis de emoción y complicidad con el drama que, en última instancia, vive esta niña.

El bálsamo que para sus padres postizos representa esta niña de dulce e inquieta mirada, se traduce recíprocamente en la experiencia de amor y vida que ella vive junto a ellos. Su sencillez y la ternura y el cariño que sus responsables han depositado en ella le hacen merecedora de un puesto importante en el cine estrenado el pasado año, nominación al Oscar a la mejor película internacional incluida.

Estreno en salas de CLOSE

 Reseña de la película, estrenada en el 19º Festival de Cine Europeo de Sevilla

EL SECRETO DE VICKY Un cariño terapéutico

Título original: Mystère
Francia 2021 84 min.
Dirección Denis Imbert Guion Denis Imbert, Matthieu Oullion y Stéphane Vasseur Fotografía Fabrizio Fontemaggi Música Armand Amar Intérpretes Vincent Elbaz, Shanna Keil, Marie Gilain, Eric Elmosnino, Tchéky Karyo, Vincent Déniard Estreno en el Festival de Sevilla 6 noviembre 2021; en Francia 15 diciembre 2021; en España 29 abril 2022

Si no fuera porque está basada en un hecho real, diríamos que esta pequeña y entrañable película se parece mucho a E.T.. Su estructura, presentación, desarrollo y desenlace es prácticamente el mismo, solo que la criatura venida del espacio es sustituida por un lobito, igual de peligroso para los adultos no concienciados con el cariño que le profesa su pequeña protagonista, que lo era el carismático personaje de la película de Spielberg para científicos y autoridades empeñadas en estudiarlo hasta poner en peligro su integridad física.

Aquí la niña sufre un trastorno como consecuencia de la muerte de su madre, del que solo en compañía de su curiosa y juguetona mascota sabrá salir. Su director se esmera en dar al conjunto un aspecto de fábula combinada con drama y un poco de comedia que sirve perfectamente a sus cometidos, a la vez que nos permite disfrutar de unos hermosísimos paisajes, delicadamente potenciados con la música del veterano Armand Amar, y sin caer en el empalago ni el exceso a la hora de retratar esta bonita amistad teñida de mensaje ecológico y de sumo respeto a los animales, especialmente los que viven en libertad.

Su título original obedece al nombre del animal, mientras a la niña siempre la llaman por su nombre completo, Victoria, y no por el diminutivo del título español e internacional, lo que a su vez emparenta involuntaria e inconvenientemente esta con la anterior cinta de su realizador, llamada simplemente Vicky. Un mes antes de su estreno oficial pudimos verla en la sección Cine en familia del Festival de Sevilla.

MAMÁ O PAPÁ Reaccionaria pero simpática e inofensiva

España 2020 103 min.
Dirección Dani de la Orden Guion Eric Navarro, según la película de Martin Bourboulon Fotografía Sergi Gallardo Música Zacarías M. de la Riva y Alfred Tapscott Intérpretes Paco León, Miren Ibarguren, Sofía Oria, Iván Renedo, Laura Quirós, Miquel Fernández, Eva Ugarte, Berto Romero, Ester Expósito, Julián Villagrán, Pedro Casablanc, Mari Paz Sayago Estreno en salas 17 diciembre 2021

Tras casi dos años esperando fecha de estreno debido a la pandemia, esta comedia fue todo un éxito las pasadas Navidades, y todavía se mantiene en cartelera. Se trata de la última propuesta del especialista en la materia Dani de la Orden, que muy atrás dejó ya aquel díptico de debutante, Barcelona, noche de verano y Barcelona, noche de invierno, para embarcarse en productos descaradamente comerciales como El mejor verano de mi vida o Hasta que la boda nos separe.

Como tantas otras comedias recientes surgidas en nuestro país, Mamá o papá se basa también en un éxito del cine francés –la italiana, la argentina o la mexicana son las otras cinematografías elegidas para hacer remakes patrios – que fue también un éxito de taquilla en su país de origen en 2015. Con un mensaje bastante reaccionario, plantea la historia de unos supuestos malos progenitores para quienes los hijos se convierten en el principal obstáculo en sus prometedoras carreras ahora que han decidido divorciarse. Arreglárselas para que sea el o la contrincante quien se haga cargo de la custodia, al revés de lo que suele ser habitual, da lugar a una serie de situaciones más o menos divertidas en las que el carisma y la vena cómica de su pareja protagonista se lleva el mayor peso, sin caer nunca en el mal gusto y con resultados estimulantes dentro de sus limitadas intenciones.

Se trata sin duda de alcanzar algún que otro mercado internacional, ahora que las plataformas digitales lo ponen más fácil, por lo que no se duda en importar estilos a menudo ajenos a nuestra cultura y forma de vida, y más identificables con modelos aprendidos en el cine americano, lujos caseros e institutos incluidos. Con todo, y a pesar de su conservador pero inofensivo mensaje, se disfruta por su indudable y sana comicidad, además de cierta frescura, sin mayores pretensiones.

LA ÚLTIMA PELÍCULA Magia a través de la luz y el ingenio infantil

Título original: Last Film Show
India-USA-Francia 2021 102 min.
Guion y dirección Pan Nalin Fotografía Swapnil S. Sonawane Música Cyril Morin Intérpretes Bhavin Rabari , Bhavesh Shrimali, Dipen Raval, Richa Meena, Kishan Parmar, Shoban Makwa, Rahul Koli, Vijay Mer, Bikas Bata Estreno en el Festival de Valladolid 24 octubre 2021; en salas 18 marzo 2022

Hasta quienes advierten de que esta no es una versión india de Cinema Paradiso, no pueden evitar citar la famosa película de Tornatore. Y es que las similitudes son evidentes, como también las hay con la película del recientemente fallecido Peter Bogdanovich con la que comparte título (casi hasta en inglés): The Last Picture Show. Como en esta, la exhibición de la última película en el cine local, en esta ocasión solo por su carácter análogo, dando paso a la era digital, se convierte en eje crucial alrededor del cual se suceden las anécdotas y vivencias que engrosan su argumento. Y como en aquella, la amistad entre un niño y el proyeccionista del cine en cuestión, y el progresivo enamoramiento del séptimo arte, se convierte en tema central que, sin embargo, en esta ocasión deriva hacia otro mundo, el del ingenio, la creatividad y la frescura con la que cuando somos niños acometemos algunas tareas, en este caso la de encontrar en la luz la magia para crear la imagen y disfrutar con ella en movimiento.

Por el camino somos testigos de ese otro mundo que también está en este y que tanto se diferencia del nuestro, donde las necesidades básicas están por encima de las comodidades y caprichos de los que disfrutamos en nuestro sistema presuntamente ordenado. Y volvemos a sorprendernos de que en otros rincones del planeta se siga viviendo como en tiempos muy pretéritos. La filmografía del director indio Pan Nalin se caracteriza precisamente por salirse de ese Bollywood oficial y tradicional, festivo y espectacular, que genera el mayor ingreso económico del país asiático. Sus películas van más bien dirigidas a un público occidental, a veces con intenciones divulgativas, otras simplemente porque sus intereses comulgan más con los de nuestra idiosincrasia que la de sus congéneres. Samsara, Faith Connections o 7 Diosas, siempre con intervención de capital extranjero, son ejemplos de esta tendencia.

Con ese estilo colorista y desenfadado que caracteriza el cine de su país, Nalin teje un emotivo fresco sobre la infancia para acabar firmando una declaración de amor al Cine, que culmina con un sentido agradecimiento a directores y directoras entre quienes no se cuelan ni el citado Tornatore ni ninguno español, ya sea Buñuel o Almodóvar. Claro que nada sería igual sin la presencia inevitable del niño guapo y de mirada curiosa e inocente, y también algún que otro inevitable comentario inadecuado a su edad, al que da vida Bhavin Rabaro, una constante en este tipo de fábulas, ni el dibujo de una familia marcada por el machismo, ni por supuesto la presencia de la igualmente colorista y especiada cocina india, aunque uno se pregunta qué hace la madre de Samay cocinando tantísimo. Sus bondades e inequívoca intención buenista le llevaron a lograr la Espiga de Oro en el último Festival de Valladolid.

UN PEQUEÑO MUNDO Terror a cámara agachada

Título original: Un monde
Bélgica 2021 72 min.
Guion y dirección Laura Wandel Fotografía Frédéric Noirhomme Intérpretes Maya Venderbeque, Günter Duret, Karim Leklou, Laura Verlinden, Sandrine Blancke, Lena Girard Voss, Simon Caundry, Thao Maerten, James Seguy, Naël Ammama, Émile Salamone Estreno en el Festival de Cannes 8 julio 2021 en Bélgica 20 octubre 2021; en España 25 febrero 2022

Sorprendente debut en el que únicamente cabe preguntarse cómo se las ha ingeniado su responsable para lograr de su pequeña protagonista una interpretación tan conmovedora y eficaz. En la estrategia seguida para conseguirlo encontraremos la respuesta para dilucidar si estamos ante una película excepcional o un trabajo limítrofe con la pornografía. Y es que Wandel en su ópera prima retrata a través de la mirada limpia e inocente de una niña de poca edad, que se inicia en el ritual académico, ese mundo hostil al que asomamos al poco de nacer y que nos enfrenta de inmediato a la maldad intrínseca al ser humano cuando aun no ha sido moldeada nuestra personalidad a través de la educación y el amor.

Más que una crónica sobre el abuso infantil en los colegios, más concretamente en el recreo en el que se desarrolla gran parte de la trama, Wandel nos invita a sumergirnos en ese microcosmos, con un rotundo éxito gracias en parte a una cámara agachada a la altura de su pequeña protagonista. Casi desde el inicio comprendemos que esta experiencia inmersiva nos va a provocar una insoportable inquietud, una zozobra casi irrespirable. Nos va a hacer cómplices del drama por el que pasan una hermana y un hermano en los primeros días de colegio de la más pequeña, que ve cómo él es víctima de los irrefrenables abusos de sus compañeros de juego, a la vez que se ve censurada para que no tomar parte en la tragedia y no empeorar así las cosas, solo para comprender que quizás quienes un día fueron víctimas acaben convirtiéndose en verdugos. Es ese pequeño mundo en el que se cocinan nuestras personalidades radica el terror que provoca que de adultos la convivencia sea tan difícil y frecuentemente injusta.

Todo eso lo rueda la novel realizadora con un notable sentido de la austeridad, dejando a lo largo del metraje caer pequeñas pistas que nos horrorizan y nos hacen tomar conciencia de qué es lo que están aprendiendo las nuevas generaciones, cuáles son los mensajes que están recibiendo de sus familias y docentes, qué escuchan en casa, qué viven en clase o en el recreo, y de verdad que da mucho miedo. Ganadora del Premio de la Crítica en la sección Una cierta mirada del Festival de Cannes.