LOS DOMINGOS Lejos del mundanal ruido

España-Francia 2025 110 min.
Guion y dirección Alauda Ruiz de Azúa Fotografía Bet Rourich Intérpretes Blanca Soroa, Patricia López Arnaiz, Miguel Garcés, Juan Minujín, Mabel Rivera, Nagore Aranburu, Irina Robledo Espinosa, Guille Zani, Víctor Sainz, Itziar Aizpuru, Noe Chiroque, Florinda Okomo, Bego Aristegui Estreno en el Festival de San Sebastián 21 septiembre 2025; en salas 24 octubre 2025

La nueva película de Alauda Ruiz de Azúa, directora de Cinco lobitos y la serie Querer, llega a las pantallas con la Concha de Oro bajo el brazo, dispuesta a generar debate entre el numeroso público que de seguro está dispuesta a congregar. Y lo hace con un tema largamente abandonado en el cine mundial, salvo por ese arsenal de películas de carácter catecumenal que visitan las salas para gozo de las clases más reaccionarias, el de la vocación religiosa. Los cimientos están en el colegio concertado en el que cursa sus estudios la joven protagonista. Pero ahí lo cursaron también su padre y su tía, y sus miradas son muy distintas a la de ella, generando una especie de curiosa trinidad dispuesta a agitar nuestras opiniones al respecto de una decisión que afecta a una familia de la burguesía vasca. Allí, en el colegio, la joven canta en un coro que entona en castellano, inglés o vasco temas de amor al Santísimo, sigue las indicaciones de un joven y atractivo sacerdote que le sirve de asesor espiritual y quizás de gancho atractivo, y disfruta de retiros espirituales próximos a conventos que le abren la posibilidad, parafraseando a Thomas Hardy, de alejarse del mundanal ruido. El mismo ruido que representa una familia en la que no faltan los problemas económicos y sentimentales, y del que podría desembarazarse recluyéndose en un remanso de paz y silencio.

Puede, no obstante, que la sugestión y el autoconvencimiento le hagan realmente experimentar esa llamada que ansía, pues no nos encontramos ante un film contestatario, sino que más bien practica desde el respeto y la contención el sano ejercicio de dejar que seamos cada uno y una quienes interpretemos el drama que acosa a esta en otros tiempos acomodada familia. Quizás no sea ella, la joven a las puertas de la universidad y de conocer tantas y tantas experiencias, a las que desde luego no parece cerrarse del todo, sino su tía, magistralmente interpretada por Patricia López Arnaiz, quien funcione como eje central de esta inquietante historia. Quizás ella nos represente mejor que ningún otro personaje, centre nuestra incredulidad y nuestro convencimiento absoluto de que todo son patrañas, incompatible con la sensatez y, desde luego, con el rigor científico, que es lo que nos hace avanzar como sociedad en busca de una verdadera igualdad y un sincero bienestar. Ella es, con toda su fuerza, quien lucha contra una decisión a la postre disparatada, mientras un padre interesado se abandona a sus propios objetivos, más pendientes del saneamiento económico que de la felicidad de su hija, y la joven se presenta completamente convencida de su arriesgada decisión, mientras a su alrededor se teje una telaraña sibilina que la empuja a una presunta luz, especialmente tras una reveladora escena que ya no deja huecos a la trama.

Ruiz de Azúa es la autora del delicado guion, estructurado en gran parte alrededor de una mesa de comedor, mientras la matriarca logra domingo tras domingo, mantener a la familia aparentemente unida y dispuesta a debatir el problema, como también lo haremos nosotros y nosotras al término de la proyección. Un libreto tan inteligente como para dejarnos libres frente a la interpretación de los hechos. Pero sobre todo dirige, porque ésta es una película de actrices y actores, y ella sabe muy bien lo que necesita de cada uno y una de ellas, y lo consigue. Todo responde, en última instancia, a otro vestigio de épocas pasadas, a una involución que tarde o temprano nos pasará cuenta e irá, si no lo remediamos pronto, hacia la demolición de nuestros valores y principios, que creíamos tan asentados y a los que redes sociales y otros agentes tanto daño les están haciendo.

AMAL Integrismo en las aulas

Bélgica-Francia 2023 112 min.
Dirección Jawad Rhalib Guion Jawad Rhalib, David Lambert y Chloé Leonil Fotografía Lisa Willame Intérpretes Lubna Azabal, Fabrizio Rongione, Kenza Benbouchta, Ethelle Gonzalez Lardued, Mehdy Khachachi, Catherine Salée, Johan Heldenbergh, Babetida Sadjo Estreno en Bélgica 7 febrero 2024; en España 25 octubre; en Movistar Plus+ 3 julio 2025

Comienza esta dura e incómoda película con un debate en un aula de un instituto de Bruselas sobre la conveniencia o no de la pena de muerte. La profesora, una descomunal Lubna Azabal en un registro al que nos tiene poco acostumbrados, divide la clase en dos y rápidamente surgen los prejuicios y los peligrosos ideales alimentados por la religión, un islam al que se le ven rápidamente las costuras y que determina el extremadamente violento comportamiento de quienes acosan con fines destructivos a una joven igualmente musulmana que ha decidido afrontar abiertamente su homosexualidad. En este ambiente corrosivo y malsano, el director Jawad Rhalib, con más documentales que ficción en su filmografía – precisamente su primer trabajo, El Ejido, la loi du profit de 2007, denunciaba las condiciones infrahumanas con las que los agricultores de la localidad almeriense explotaban a los inmigrantes africanos que trabajaban sus tierras – expone los peligros de radicalización islámica en países europeos merced a unos programas de integración y convivencia que hacen muchas concesiones en su afán de buena voluntad, pero cuya gestión parece escaparse de las manos de sus responsables.

Aquí radica seguramente el inmenso valor de esta inquietante película, no tanto en juzgar métodos y legislación concebida para dar cabida a culturas y pueblos muy diversos, sino en saber gestionarlos con talento, ingenio e inteligencia, que es desgraciadamente lo que a menudo falta a nuestros políticos y legisladores. En esta maraña de situaciones desesperadas y agónicas, brilla el trabajo de una actriz comprometida, que transmite verdad y conciencia por todos los poros y a la que acompaña un grupo de jóvenes igualmente comprometidos y seguras del mensaje tan importante cuya responsabilidad han asumido.

Ingredientes que Rhalib maneja con las dosis necesarias y justas de tensión y angustia, optando por la contención y la histeria según corresponda, en dosis perfectamente estudiadas, de manera que toda la película se convierte en un viaje a una realidad que lleva llamando a nuestra puerta desde hace mucho y a la que hay que buscar soluciones urgentes. La película no las tiene, pero invita al debate para que entre todos y todas las encontremos fuera de los populismos que gracias a las redes sociales están tergiversando la realidad. Lástima que sean éstas y no películas tan atrevidas y valientes como ésta, las que acaparen la atención de nuestra con frecuencia atolondrada juventud, o una importante parte de ella.

LA RECETA PERFECTA Atajos para madurar

Título original: Vingt Dieux
Francia 2024 90 min.
Dirección Louise Courvoisier Guion Théo Abadie y Louise Courvoisier Fotografía Elio Balezeaux Música Charlie y Linda Courvoisier Intérpretes Clément Faveau, Maiwène Berthèlemy, Luna Garret, Mathis Bernard, Dimitry Baudry, Armand Sancey Richard, Lucas Marillier Estreno en el Festival de Cannes 17 mayo 2024; en Francia 11 diciembre 2024;: en España 12 junio 2025

Recibida como una auténtica sorpresa en el Festival de Cannes, donde acaparó dos premios de la sección Un certain regard, el del jurado joven a la mejor película y el del público, la ópera prima de Louise Courvoisier se revela como una sencilla y agradable película de ambiente rural que pretende narrar el proceso de maduración, acelerado, de un joven fiestero cuando al fallecer su padre, tiene que encargarse del cuidado de su hermana pequeña. Todo se apuesta sin embargo a la recurrente convención, de forma que la niña sólo aparece cuando conviene, sin devenir en ningún momento como un obstáculo a la rutina del joven y alocado protagonista.

Sin embargo, la necesidad de un porvenir le hará tomar decisiones muy discutibles que no siempre provocarán el efecto deseado. Así, entre idas y venidas, romances bañados por el sol, mujer decidida y con iniciativa, conductas delictivas y un atajo para hacerse con un prestigioso premio de la región de Franche-Comté, dirigido al mejor queso con dicha denominación de origen, la película se deja ver con cierta simpatía. A ello se consagra su reparto de aficionados, presumimos que de la misma región, y sin experiencia actoral alguna previa. Hay frescura en el conjunto y la sensación de haber puesto cariño en el empeño, aunque lo que más nos llama la atención es su tendencia a enfatizar las virtudes de la vida rural, la comunión con lo natural y la sinceridad que todo el equipo pone en el empeño. Supone además el bautismo cinematográfico de gran parte del equipo, incluidos los responsables de la banda sonora, hermano y madre de la debutante directora.

Consagrada además con dos César, a la mejor ópera prima y mejor actriz revelación, y el premio Punto de Encuentro en Valladolid, confesamos desconocer cuál sea el significado real de su título original, Veinte Dioses, frente al más adecuado Vaca sagrada internacional, y el algo más explícito español La receta perfecta. Y desconocemos por qué hemos utilizado tantos términos religiosos en una reseña de una película tan profana como ésta, a no ser que sea por esos títulos francés e internacional apuntados.

LA BUENA SUERTE Thriller sentimental

España 2025 90 min.
Dirección Gracia Querejeta Guion Gracia Querejeta y María Ruiz, según la novela de Rosa Montero Fotografía Juan Carlos Gómez Música Vanessa Garde Intérpretes Hugo Silva, Megan Montaner, Miguel Rellán, Eva Ugarte, Ismael Martínez, Francisca Horcajo, Álvaro Rico, Josean Bengoetxea, Chani Martín Estreno en el Festival de Málaga 16 marzo 2025; en salas 6 junio 2025

Nunca hemos sido de los que piensan que una película de Gracia Querejeta es de por sí una garantía de calidad. De sus diez películas hasta el momento, sólo nos ha convencido plenamente Héctor, por su retrato acertado y conmovedor de la juventud del momento, principios de siglo. Ahora, con La buena suerte, adapta una novela de Rosa Montero que aborda muchos temas, pero principalmente uno muy doloroso y lamentablemente actual, que afecta al odio creciente hacia lo diferente en nuestra sociedad, y paralelamente a la dificultad de educar a los hijos, sobre todo cuando éstos son problemáticos y necesitan de una ayuda especial. El stress y la vorágine en que hemos convertido, en cierto modo voluntariamente, nuestras vidas, afecta a nuestro entorno y a la manera de afrontar problemas, sobre todo de carácter sentimental. Nada mejor que una escapada a la España rural y su tan cacareada tranquilidad existencial para intentar, al menos, resolver algunas de estas cuestiones.

El film arranca con muchos misterios y una considerable carga de intriga, para poco a poco ir diluyéndose, adoptando un carácter más amable gracias a la introducción de un personaje femenino de índole santísima, y a la recuperación de ese gran actor de comedia que es Miguel Rellán, aunque sea en forma de arquetípico anciano mal humorado y contestón. La cosa va así funcionando de forma más o menos aceptable, pero conforme avanza y va retomando sus hechuras de thriller, una investigación policial artificiosa y cogida por los pelos, y cierta desgana en la composición de escenas y personajes secundarios, especialmente los menos amables, van lastrando el trabajo.

Hugo Silva parece querer seguir la buena senda de su intervención en Un amor, pero apenas logra salir de una interpretación monocorde en modo dolor absoluto y desdicha descomunal. Al final casi nada llega a convencer plenamente, aunque se puede agradecer las buenas intenciones de la directora y su equipo y el carácter amable, elegante y distendido que ha querido dar al conjunto, lo que por otra parte tampoco es poco. Pero se hubiera agradecido que temas tan relevantes como los que se tratan en el film, hubiesen obtenido un análisis más profundo.

ENEMIGOS Dulce venganza

España 2025 103 min.
Dirección David Valero Guion David Valero y Alfonso Amador Fotografía Alberto Pareja Música Steve Lean Intérpretes Christian Checa, Hugo Eelzel, Estefanía de los Santos, Luna Pamiés, José Manuel Poga, José María Peinado, Sara Vidorreta Estreno en el Festival de Málaga 15 marzo 2025; en salas 9 mayo 2025

Aunque pueda parecer otra película de contenido social con barrios marginados y problemas en la calle, en la línea de José Antonio de la Loma o Eloy de la Iglesia, perpetuado en este siglo por directores como Alberto Rodríguez o Achero Mañas, se trata en realidad de una película difícil de encasillar. Podríamos considerarla un cuento moderno, un entretenimiento bien urdido con ínfulas educativas; en definitiva, una cinta a la que resulta difícil resistirse y a la que preocupa hacerle una mala crítica. Lo peor es que apenas se puede contar ni de qué va, limitándonos a esbozar su argumento como la historia de una venganza diferente, en cierto modo edificante y reveladora.

Claro que para llegar a ese resultado, su director, curtido fundamentalmente en el cortometraje y algún documental, siendo éste su primer largometraje de ficción, ha tenido que colmarse de valor e ingenuidad. De esta forma lo que queda es un producto con muy buena voluntad, con valores positivos y educativos, pero algo lastrado por un exceso de ingenuidad infantil. Una inocencia que, por otro lado, constituye también un aliciente. No cabe duda de que Valero y su coguionista se lo han trabajado bastante al dotar su amable y original propuesta de una buena estructura narrativa y un hilo conductor a través de la música y la poesía callejera, en definitiva el rap.

Cabe destacar como artífices indiscutibles del buen resultado de la operación a su reparto, encabezado por Christian Checa, a quien descubrimos en el debut en la dirección de Juan Diego Botto, En los márgenes, y Hugo Welzel, que interpretó un personaje también difícil en la miniserie El hijo zurdo. Junto a ellos cumplen sus funciones con esmero y dedicación los andaluces Estefanía de los Santos y José Manuel Poga, junto a la joven encantadora Luna Pamiés, en su segundo trabajo tras El agua. Ambientada en los supuestos barrios marginales de Alicante, su banda sonora y buena ambientación logran que se deguste con interés y curiosidad.

PRODIGIOSAS La sangre de la belleza

Título original: Prodigieuses
Francia 2024 101 min.
Dirección Frédéric y Valentin Poitier Guion Sabine Dabadie, Frédéric y Valentin Poitier Fotografía Danny Elsen Música Dan Levy Intérpretes Camille Razat, Mélanie Robert, Franc Dubois, Isabelle Carré, August Wittgenstein, Elisa Doughty, Thomas Landbo, Lennart Betzgen, Lola Aubrière Estreno en Francia 20 noviembre 2024; en España 16 abril 2025

Típico ejemplo de cómo una historia real se puede convertir en un sucedáneo lleno de tópicos y lugares recurrentes, la ópera prima de los padre e hijo Frédéric y Valentin Poitier, está tan llena de buenas intenciones como de constantes de género. Y es una lástima, porque en su primera mitad ofrece muchas razones para la esperanza, centrándose en el siempre difícil pero tan atractivo mundo del arte, en este caso el de la interpretación musical, donde la fuerte competitividad hace que muy pocos y pocas logren destacar. En esa primera mitad asistimos al sacrificio y la fuerza de voluntad de dos hermanas, supuestamente gemelas (las Pleynet en las que se basa la película claramente lo eran), aunque más bien responderían al patrón de mellizas, especialmente dotadas para el piano, impulsadas por la tópica obsesión de un padre cuyas propias frustraciones le lleva a forzar a sus hijas ante la mirada un tanto pasiva de una madre que luego se revelará más comprensiva y efectiva.

Pero llega una segunda parte en la que el ambiente estudiantil en una importante academia alemana, con el imprescindible mentor duro y severo hasta la médula, y la alegría de la juventud y el primer amor, da paso a una rara enfermedad en la que se centra el ánimo de superación de estas dos jóvenes prodigiosas a las que la película dignifica a través de un importante concierto, lejos de la exhibición circense a la que las verdaderas protagonistas fueron expuestas en un programa de televisión a principios de este siglo. La profundización en una sofisticada técnica que les permite tocar sin dañar las articulaciones, y que tiene un tanto de ritual dancístico, se convierte en el tema de esta segunda parte, si bien sus directores no logran desarrollarlo con el mismo acierto e ímpetu que el habitual sacrificio de todo artista que informa la primera mitad de la cinta.

Se acumulan los tópicos y la trama deja de interesar por una evidente falta de ingenio en su desarrollo, justo lo contrario que pretende, así hasta un final que se antoja inalcanzable. El arrojo de sus dos jóvenes protagonistas y el encanto siempre presente de Isabelle Carré, logran que el conjunto no se atragante demasiado. Su elegante puesta en escena, y su banda sonora de grandes éxitos del piano, aunque se cuele una irrelevante pieza de un tal Mario Forte, Concertante, en su resolutivo tramo final, logran también que la experiencia no llegue a ser indigesta.

MORLAIX Hermosa y romántica juventud

España-Francia 2025 124 min.
Dirección Jaime Rosales Guion Jaime Rosales, Fanny Burdino, Samuel Doux y Delphine Gleize Fotografía Javier Ruiz Gómez Música Leonor Rosales March Intérpretes Aminthe Audiard, Samuel Kircher, Mélanie Thierry, Álex Brendemühl, Jeanne Trinité Estreno en el Festival de Rotterdam 31 eenro 2025; en España 14 marzo 2025

Jaime Rosales regresa con esta bellísima película a su vertiente más atrevida y vanguardista, la que le dio a conocer con cintas tan insólitas como Las horas del día y La soledad. Morlaix es una pequeña localidad de Bretaña, perteneciente al departamento de Finisterre, donde la vida transcurre plácidamente, sobre todo para sus jóvenes estudiantes, que ven cómo su pequeño universo se ve transformado con la llegada de un interesante joven parisino. Con esta breve premisa, Rosales construye una poética crónica sobre el primer y verdadero amor en un contexto amable bañado por una idea absolutamente romántica que da al conjunto un toque poético al que se suma una estética oscilante entre el blanco y negro panorámico, el súper ocho colorido y la imagen congelada, y una melódica y relajada banda sonora a piano fundamentalmente.

En este marco, tres jóvenes juegan a los misterios del amor puro, las certezas y las dudas, los miedos y las caricias, con una elegancia y una sabia puesta en escena. Todo lo cual subyuga al espectador y lo introduce en su propia memoria en la que las primeras decisiones y la gente que nos marcó juegan un papel predominante. Pero no contento con todo eso, Rosales nos invita también a un juego metacinematográfico, cuando sus jóvenes protagonistas acuden a una sala de cine donde se proyecta una película que no es sino la propia proyección de sus experiencias e intrigas, lo que a su vez dará lugar a una interesante reflexión con la que cada joven muestra su particular punto de vista sobre la materia.

Junto a esta hechizante propuesta, la aparición de los personajes ya maduros nos coloca frente al espejo, uno de tantos cometidos que corresponde al cine, sobre todo cuando pretende ser comprometido y emocional. De esta forma se consigue potenciar el carácter eminentemente romántico y perturbador que tiene una cinta con la que el director de Girasoles silvestres y Petra logra perfeccionar aquella Hermosa juventud que dirigió hace años y que ahora se muestra como quintaesencia del amor romántico en su vertiente más poética y filosófica. El trabajo de Aminthe Audiard y Samuel Kircher como los enigmáticos enamorados, rubrica el más que estimulante ejercicio de melancolía, cinefilia y reflexión romántica que atesora la más hermosa película vista hasta el momento este año.

REINAS Un trampantojo emocional

Perú-España-Suiza 2024 104 min.
Dirección Klaudia Reynicke Guion Klaudia Reynicke-Candeloro y Diego Vega Fotografía Diego Romero Intérpretes Abril Gjurimovic, Luana Vega, Gonzalo Molina, Jimena Lindo, Susi Sánchez, Fabrizio Aguilar Estreno en el Festival de Sundance 22 enero 2024; en Perú 22 agosto 2024; en España 6 septiembre 2024

Con una filmografía netamente suiza hasta el momento, la directora peruana Klaudia Reynicke regresa a su país para contarnos una historia que parece tener mucho de auto biográfica. Nos encontramos ante un relato ambientado en ese país andino, poblado en su mayoría por indígenas, pero de nuevo centrado en la población caucásica descendiente de los invasores, como de hecho ocurre en sus programas televisivos, culebrones incluidos. Esta vez tiene sentido por cuanto de auto biográfico parece contener una función que nos habla de los convulsos años noventa del pasado siglo, cuando Fujimori tenía al país en cuarentena, sometido a las fuerzas armadas y a sus políticas de austeridad económica.

En ese contexto, Reynicke centra su atención en la mirada ingenua y desprejuiciada de dos niñas, como suele ser habitual en muchas de las películas dirigidas por mujeres que nos han ido llegando en los últimos años. Dos jovencitas pertenecientes a una familia de izquierdas, y sin embargo aburguesada y acomodada, cuyos privilegios parecen ir despareciendo con el devenir de los tiempos. Ajenas a cualquier tipo de peligro, las niñas sólo piensan en su bienestar inmediato, al que están acostumbradas, mientras su madre anhela con salir del país y contar para ello con el permiso del irresponsable y divorciado padre.

Rodada en formato comedia como la vida misma, esconde en realidad la tragedia de un país azotado por la pobreza y el recorte de libertades, mientras asistimos como si de un trampantojo se tratara, a los episodios más o menos amables y distendidos que viven las dos chicas y su fantasioso padre, un Peter Pan que genera rechazo y simpatía a partes iguales. El principal mérito de Reynicke radica en contar estos tiernos episodios sin renunciar a la tensión de fondo y la zozobra de los adultos, entre quienes se encuentra la enorme Susi Sánchez apenas forzando el acento. Gran mérito el de las niñas protagonistas, especialmente la más pequeña, Abril Gjurimovic, de mirada tan emotiva como inocente y resultados siempre llenos de magia y brillo.

EL ORGULLO SE CUELA EN LAS SALAS DE CINE

Es fácil encontrar en las plataformas ciclos completos dedicados al cine sobre diversidad sexual estos días, pero son pocas, muy pocas - en Sevilla, sólo una y siempre la misma - las salas donde estos últimos días, coincidiendo con la celebración del Orgullo LGTBI+, se han ido estrenando algunas con cuentegotas y en sesiones limitadas. En concreto, un cuarteto de películas de contenido gay de muy diferente valor e interés, de las que nos hacemos eco por orden de estreno:

NORWEGIAN DREAM

Noruega-Polonia-Alemania 2023 97 min.
Dirección Leiv Igor Devold Guion Justyna Bilik, Gjermund Gisvold y Radoslaw Pazcocha Fotografía Patryk Kin Música Florian Tesslof Intérpretes Hubert Milikowski, Karl Bekele Steinland, Edyta Torhan Estreno en Noruega 17 marzo 2023; en España 25 junio 2024

El director polaco Leiv Igor Devold ha probado con todo, el cortometraje, el documental, la animación y ahora la ficción, volcando en su primer largometraje sus inquietudes acerca de la represión y la falta de oportunidades en su país, especialmente desde que rige allí la extrema derecha. Su película combina el drama de la emigración y el desarraigo con ese otro cada vez más candente de negación de la diversidad sexual.

Un joven encuentra su oportunidad de trabajo en una fábrica de pescado cerca de Trondheim, mientras a la vez experimenta la atracción sexual por un compañero, evidenciando aquello que tenía reservado pero siempre a punto para explotar. El film no encuentra sin embargo el punto necesario para inquietar y emocionar. Sus premisas quedan bastante solapadas por un tratamiento excesivamente frío y convencional de la materia, quedando simplemente como un testimonio de la cruda realidad que se vive en un país que no sólo es miembro de la Unión Europea sino al que se le permite presidir sus instituciones como a cualquier otro.

BIG BOYS

USA 2023 92 min.
Guion y dirección Corey Sherman Fotografía Gus Bendinelli Música Will Weinsenfeld Intérpretes Isaac Krasner, Dora Madison, David Johnson III, Taj Cross, Emily Deschanel, Marion Van Cuyck, Emma Broz, Jack De Sanz Estreno en Estados Unidos 31 mayo 2024; en España 28 junio 

La mejor y más refrescante de estas propuestas en celebración del orgullo LGTBI+, y seguramente una de las películas más hermosas y emotivas de la temporada, es ésta, debut en la dirección del cineasta estadounidense Corey Sherman, en el que posiblemente haya volcado algunos de sus fantasmas y experiencias de primera juventud. Aquí, un adolescente de catorce años experimenta el descubrimiento y la confusión cuando viaja junto a su cretino hermano, su prima del alma y el novio de ésta a un campamento en los frondosos bosques californianos.

El carisma del joven protagonista nos enamora desde el primer minuto, fundamental para empatizar con su vivencia de verano, esa estación en la que ocurren los episodios más maravillosos de nuestras vidas, época de descubrimiento, ilusión pero también frustración y valentía para afrontar todo lo que se nos ha de venir encima. Especialmente relevante en este sentido es la imaginación del joven enfocada a un futuro próximo en el que como adulto consigue afrontar su condición de diferente y por ello igualmente feliz.

Los cuerpos no normativos, incluido el atractivo objeto del deseo y el cariño pero no fibrado ni musculado de gimnasio, y la facilidad con la que los protagonistas departen sobre distintos temas relacionados con la temática principal, ayudan a hacer del visionado de este entrañable film una experiencia en la que cabe la risa, la sonrisa, la emoción y la ternura, derrochando gracia y frescura y alimentando nuestras ansias siempre renovables de disfrutar del verano y del amor. La banda sonora relajada y evocadora contribuye al encanto general de una película que merecía mejor distribución y más suerte en taquilla, sobre todo por su carácter educativo y de magnífico entretenimiento.

DRAMARAMA

USA 2020 91 min.
Guion y dirección Jonathan Wysocki Fotografía Todd Bell Música Chanda Dancy Intérpretes Nick Pugliese, Anna Grace Barlow, Megan Suri, Nico Greetham, Danielle Kay, Zak Henri Estreno en Estados Unidos 13 agosto 2020; en España 1 julio 2024

Como si de una versión queer de El club de los cinco se tratara, también los cinco protagonistas de esta película viven su particular encierro, esta vez no impuesto como castigo sino como fiesta exclusiva para despedirse antes de empezar cada uno y una su periplo universitario y artístico. Estos no son los malos estudiantes del instituto, sino todo lo contrario. Quizás más bien los raritos que quieren dedicarse a las artes, plásticas o escénicas, lo que da mucho juego para la identidad sexual. Un sexto personaje, el guaperas algo chulo pero inhábil para los estudios, sirve para desorientar al grupo y afectar a sus presuntamente inquebrantables lazos.

Ambientada en 1994 quizás con el fin de justificar la armarización de sus protagonistas, especialmente los dos masculinos, todo discurre a lo largo de una jornada de confesiones y desvelos que ponen en entredicho el valor de la amistad, sobre todo cuando se está a punto de pasar página y se sabe que todo empezará a ser diferente, empezando por las relaciones sociales. Más allá de eso, el film puede irritar todo lo que las tontas conversaciones de sus pijos protagonistas pueden deparar, sin que despierte un interés más allá del meramente coyuntural.

La última en estrenarse, Potato Dreams of America, lo hizo el 2 de julio en nuestras salas y de ella ya dimos cuenta cuando se pudo ver en el Festival Andalegai en abril de 2022.

Estreno en salas de HOW TO HAVE SEX

Reseña de la película, estrenada en el 20º Festival de Cine Europeo de Sevilla. Estreno en salas 15 marzo 2024

5ª JORNADA SEFF 2023

LAS JAURÍAS Cadena de infortunios

Título original: Les meutes
Marruecos-Francia-Bélgica-Catar-Arabia Saudita 2023 94 min.
Guion y dirección Kamal Lazraq Fotografía Amine Berrada Música Pauline Rambeau de Baralon (P.R2B) Intérpretes Ayoub Elaid, Abdelatif El Mansouri, Mohamed Hmimsa, Abdellatif Labkiri, Lahcen Zaimouzen Sección oficial. Estreno en el Festival de Cannes 19 mayo 2023; en Francia 19 julio 2023

El marroquí Kamal Lazraq ambienta en su ciudad natal, Casablanca, esta historia de desgraciados perdedores en forma de thriller claustrofóbico, rodado casi íntegramente de noche para potenciar su carácter oscuro y desasosegante, y con formas muy rudimentarias no se entiende muy bien si por carencias presupuestarias o afán de estilo. En él un padre y su hijo de mirada incrédula y ademanes desconcertados ante las torpezas y despropósitos de su progenitor, se encargan de un trabajo al margen de la ley que les llevará a enfrentarse de forma tan rudimentaria como episódica a obstáculos insondables y esas jaurías del título que asoman de forma puntual y esporádica.

El resultado no está ni de lejos a la altura de lo mínimamente esperable, evidenciando sus formas torpes y rudas, la escasa expresividad de sus protagonistas no profesionales, la previsibilidad de sus argumentos y giros dramáticos y el paulatino desinterés que se va apropiando de nosotros y nosotras dentro de un universo donde la mujer no existe, sólo lo hacen machos cabríos con poco seso y mucho afán de violencia. Quizás sea esta denuncia de una sociedad tan anclada en la violencia y el machismo lo que le hiciera obtener el Premio del Jurado en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes.

HOW TO HAVE SEX Consentimiento expreso

Reino Unido 2023 91 min.
Guion y dirección Molly Manning Walker Fotografía Nicolas Canniccioni Música James Jacob Intérpretes Mia McKenna-Bruce, Lara Peake, Enva Lewis, Shaun Thomas, Samuel Bottomley, Laura Ambler Selección EFA. Estreno en el Festival de Cannes 19 mayo 2023; en Reino Unido 3 noviembre 2023; en España previsto el 15 marzo 2024

En su primera película como directora después de haber rodado varios cortos y haberse encargado de la fotografía de largometrajes ajenos, el último acaba de estrenarse entre nosotros, Scrapper, la británica Molly Manning Walker traza un delicado trabajo destinado a sorprender y epatar, sobre la delgada línea que existe entre el compromiso expreso y la voluntad corrompida por convenciones y circunstancias externas. Lo que empieza como una fiesta desmadrada en uno de esos paraísos turísticos entregados a la plebe gamberra y descerebrada que sólo busca droga, alcohol, baile y sexo, al estilo de Ibiza o Magaluf, se convierte tras un estremecedor giro argumental en una pesadilla. La que vive la joven Mia McKenna-Bruce, nominada al premio de la Academia del Cine Europeo.

La joven personaliza con acierto y una notable capacidad para transmitir, toda la desazón y la angustia que provoca un encuentro en las antípodas de lo romántico, dominado por el deseo desnaturalizado y deshumanizado de un macho al que la sociedad no ha sabido dotar de los instrumentos necesarios para no sólo borrar siglos de patriarcado sino para no potenciar un comportamiento ahora aún más agresivo que en generaciones anteriores. La directora no escatima incluso en señalar como parte de la mecánica de este horror sexual a las propias chicas convencidas de que el mayor elixir de la vida se encuentra en manos del desmadre alcohólico, drogadicto, tabacalero y sexual más absoluto.

La inocencia manchada, la madurez sobrevenida y la falta de medios en la educación que supere una lacra que acecha en todos los países de nuestro entorno, se ponen de manifiesto en una cinta dura y transparente, por momentos irrespirable, tanto como el aire que domina en ese decorado matinal de basura y sordidez en el que la turba ha convertido el paraíso turístico, en esta ocasión Malia en Creta, en el que transcurre la trama. Se alzó con el premio de la sección Un Certain Regard en Cannes, y los de mejor dirección novel y del jurado joven en Valladolid, además de cosechar dos nominaciones más a los premios de la Academia del Cine Europeo.

YO, CAPITÁN Un cuento sobre solidaridad y empatía

Título original: Io capitano
Italia-Francia –Bélgica 2023 121 min.
Dirección Matteo Garrone Guion Matteo Garrone, Massimo Ceccherini, Massimo Gaudioso y Andrea Tagliaferri Fotografía Paolo Carnera Música Andrea Farri Intérpretes Seydou Sarr, Moustapha Fall, Hichem Yacoubi, Issaka Sawadogo, Doodou Sagna, Ndeye Khady Sy Sección oficial. Estreno en el Festival de Venecia 6 septiembre 2023; en Italia 8 marzo 2023; en España previsto 5 enero 2024

El director de Gomorra acaricia en su nueva película el estilo fabulador, colorista y amable en las formas que acuñó en otros títulos suyos como Pinocho o El cuento de los cuentos, pero incluso en una cinta tan dura como Dogman. Lo hace para contarnos como si de un cuento moderno se tratara la desgraciada odisea de dos jóvenes primos que deciden probar fortuna en Europa desde la lejana Senegal en la que habitan. No quiere Garrone mostrarnos como lugar de partida unas vidas nefastas y dominadas por la pobreza más extrema; muestra todo lo contrario, la familia, la fiesta, el color y la alegría del Senegal, independientemente de las evidentes carencias, pobreza y dificultades que la asolan.

Pero la ambición está en otro lugar, esa Europa que alguien ya les avisa no es la que sale por televisión. Naturalmente el periplo no será fácil, eso ya lo sabemos sin que Garrone venga a subrayarlo. Pero sirve para exhibir la extrema empatía y capacidad solidaria que caracteriza al protagonista, el joven Seydou. Y es ahí donde radica el principal interés de esta cinta magníficamente fotografiada, rodada con mucha elegancia, buen gusto y sentido épico, e interpretada con toda la expresividad y emotividad que un par de jóvenes amateurs son capaces de imprimir a sus personajes.

El demonio de las armas como principal espada de Damocles que permite que gobiernos corruptos y crueles sigan campando a sus anchas por países subdesarrollados, mientras llenan las arcas del próspero occidente como antes lo hizo la colonización, la maldad de las mafias y el egoísmo de los países de nuestro entorno, incapaces de hacerse cargo de crisis humanitarias del calado de la que denuncia esta película, son cuestiones marginales que sirven al drama para tejer ese retrato de solidaridad, humanidad y buenos sentimientos que caracterizan al bueno de Seydou, el capitán del barco que no deja naufragar a sus pasajeros ni su tripulación. La atractiva propuesta, con toda la dureza que le toca adherirse y su extraordinario acabado formal, le ha valido a la cinta varios premios en Venecia, incluido el de mejor director y actor joven, además del premio del público en San Sebastián y dos importantes nominaciones a los Premios Europeos del Cine, al mejor director y mejor película.

EL AMOR DE ANDREA Una mater familias de quince años

España 2023 101 min.
Dirección Manuel Martín Cuenca Guion Manuel Martín Cuenca y Lola Mayo Fotografía Eva Díaz Música Vetusta Morla Intérpretes Lupe Mateo Barredo, Fidel Sierra, Cayetano Rodríguez Anglada, Agustín Domínguez, Irka Lugo, Jesús Ortiz, Inés Amueva, José Mª Verdulla Otero Estreno en el Festival de Valladolid 23 octubre 2023; en salas 24 noviembre 2023

La última película de Manuel Martín Cuenca (La flaqueza del bolchevique, Caníbal, El autor y La hija) quizás sea la propuesta más bonita y sentimental de la presente temporada cinematográfica. Con una sensibilidad extrema y una significativa bonhomía, el director almeriense se traslada de su tierra natal que tan bien retrató en la extraordinaria La mitad de Óscar, a la luminosa Cádiz, convirtiéndola en otro personaje entrañable de este cuento precioso sobre una adolescente obligada a ejercer de madre mientras reclama el amor perdido de un padre que prácticamente le ha abandonado a ella y a sus pequeños hermanos.

Cuenca, sabedor de que más de la mitad del éxito de su empresa recabará en sus jóvenes intérpretes, ha tenido el acierto de reclutar a cuatro criaturas adorables, la que da vida al carismático personaje central, sus dos sensacionales hermanitos, cada uno con su particular universo psicológico y ambos con unas energías y ganas de jugar apropiadísimas, y el amigo y compañero de instituto de la joven, a la postre quizás el verdadero amor que necesita esta auténtica princesa de cuento sin título nobiliario. Un padre sentimentalmente desaparecido y una madre áspera y ausente por motivos presuntamente profesionales, condicionan el periplo emocional de esta niña de aparente rictus inexpresivo que sin embargo encierra en su mirada una desazón inusitada que representa a la perfección la inquietud y la incomprensión que deben sentir millones de niños y niñas a quienes unos progenitores irresponsables les hacen víctimas de una trayectoria vital y sentimental injusta y a todas luces inmerecida.

La pericia y el ingenio del director para amasar estos ingredientes argumentales, la naturalidad con la que se prestan todos los personajes de la película, los buenos sentimientos que expiden la mayoría, con la debutante y prometedora Lupe Mateo Barredo a la cabeza, pero incluyendo también unos secundarios muy significativos, como una bogada feminista y un profesor comprometido, consiguen un film que emociona y convence, quizás uno de los títulos más hermosos, sinceros y llenos de esperanza vistos en mucho tiempo.

JUNIPER Terapia de choque

Nueva Zelanda 2021 94 min.
Guion y dirección Matthew J. Saville Fotografía Martyn Williams Música Marlon Williams y Mark Perkins Intérpretes Charlotte Rampling, George Ferrier, Marton Csokas, Edith Poor, Carlos Muller, Tane Rolfe, Cameron Carter-Chan, Alexander Sharman Estreno en Nueva Zelanda 26 agosto 2021; en España 1 noviembre 2023

No hay ningún personaje en esta película que atienda al nombre de Juniper, tal como parece querer indicar su título y el hecho de que en nuestro país no se haya traducido por Junípero, el árbol al que no sabemos muy bien por qué hace sin duda alguna referencia. Es difícil encontrar aquí una identificación entre este árbol frondoso y la relación entre una abuela y su nieto que propone su argumento como eje principal de su delicado análisis. Más de dos años desde su estreno en Nueva Zelanda, su país de origen, y tras su paso por el Festival de Valladolid hace poco más de una semana, se estrena casi de incógnito este pequeño pero interesante film.

El duelo interpretativo entre la veterana y siempre espléndida Charlotte Rampling y el joven George Ferrier centra la mayor parte del interés de una película que deambula entre el drama familiar psiconalítico y el telefilm de sobremesa con intenciones de ayuda sentimental. La superación de una pérdida, muy común entre los y las más jóvenes que padecen una profunda y larga crisis personal, y los sinsabores que da la vida cuando ya no queda mucho por delante para disfrutar, especialmente si tu profesión no sólo te ha apartado de los tuyos sino que te ha obligado a sufrir el dolor ajeno, convierten a los dos protagonistas de esta función en dos almas necesitadas de apoyo y comprensión. Corresponde a la pericia y el talento de su director y guionista conseguir que la terapia que resulte inevitablemente de este encuentro choque convenza holgadamente, cosa que lamentamos no poder plenamente confirmar.

Lograda en algunos de sus aspectos, el conjunto no llega a emocionar suficientemente, mientras en su desarrollo se atisban lagunas difíciles de encajar. Al duelo interpretativo, lo mejor de la función, hay que añadir la competente comparsa que integra a un padre huidizo, una cuidadora complaciente y unos colegas inocentes. La elegante y calmada cadencia de su desarrollo y los amables paisajes en los que se ambienta, hacen el conjunto más digerible de lo que su propósito, sin duda interesante pero insuficientemente desarrollado, reclama.

PRIMAVERA REJUVENECEDORA CON LA OJA

Concierto de Pascua de la Orquesta Joven de Andalucía. Álvaro Albiach, director. David Alonso, saxofón. Alejandro del Cerro, tenor. José Antonio López, barítono. Programa: De Paz interna, Concierto para saxofón de Daahoud Salim; La canción de la Tierra, de Mahler. Teatro de la Maestranza, lunes 10 de abril de 2023

De izquierda a derecha, en el centro: Albiach, Salim y Alonso

Celebrar su concierto anual un Lunes de Pascua tiene por un lado el significado que le da la fecha de renovación y rejuvenecimiento, pero por otro supone para los y las jóvenes integrantes de la orquesta sacrificar los días previos, en plena Semana Santa, trabajando duro para dejar bien atado un concierto que para ellos y ellas supone tanto. Tiene además el inconveniente de encontrarse con un Maestranza a media entrada, tras tantos días de saturación festiva y un fin de semana previo a las procesiones protagonizado por dos citas tan atractivas como las que cerraron el Festival de Música Antigua, que supusieron para el coliseo un lleno absoluto. De cualquier forma, la de ayer fue una nueva demostración de la calidad que han alcanzado las nuevas generaciones de músicos y músicas andaluzas, capaces de enfrentarse una vez más a caballos tan difíciles de domesticar como Mahler o Bruckner.

La cita de este año ha tenido la particularidad de contar con un estreno absoluto, protagonizado por quien años atrás formara parte también de la plantilla de esta orquesta para jóvenes en prácticas. Hijo del extraordinario saxofonista norteamericano afincado en Sevilla, Abdul Salim, Daahoud Salim parece mirar a su admirado padre a la hora de enfrentarse a esta página de encargo que conserva las líneas básicas y convencionales de una pieza concertante. Perfectamente tonal y de clara inspiración melódica, la pieza del joven y excelente pianista y músico de jazz se debate entre el canto espiritual negro con el que arranca y continúa en el segundo movimiento, hasta el apabullante canto africano de fuerte percusión que lo cierra, pasando por un meditativo y delicadísimo nocturno que sirve como tránsito en el tercer movimiento. A todos estos aromas y estéticas se plegó como un guante el saxofonista valenciano David Alonso, que para los movimientos extremos extrajo del saxo soprano un sonido sedoso y envolvente, en ningún momento estridente, y del tenor en los centrales un sonido más robusto y autoritario, nunca exento de la sensualidad que atesora toda la sugerente y magníficamente orquestada partitura. Como propina, un joven integrante de este programa educativo musical de la Junta de Andalucía dirigió una breve pieza musical, también de Salim, para saxofón acunado por la cuerda.

Temperamento y meditación

Todas las secciones de la joven orquesta tuvieron oportunidad de lucirse en la pieza de Daahoud Salim, desde los metales del voluptuoso arranque a la apabullante percusión del final pasando por las delicadas maderas y un exigente trabajo en la cuerda para crear las subyugantes atmósferas imaginadas por su autor. Supuso pues un calentamiento perfecto para enfrentarse a una página en la que cada sección de la orquesta tiene que superar también unas enormes exigencias, y que toda la plantilla aprobó con matrícula de honor. Sin saber todavía si la huelga permitirá que el ciclo que la ROSS está dedicando a Mahler esta y la próxima temporada tenga continuidad el próximo jueves con la Sinfonía nº 7, la OJA se atrevió con una de sus obras más relevantes y reconocidas, para algunos la más representativa de su catálogo, al aunar las dos vertientes fundamentales del compositor bohemio, la sinfonía y el lied.

José Antonio López. Fotografía: Guillermo Mendo

Álvaro Albiach, director también valenciano, dio ya buenas muestras de saber manejar con maestría y profesionalidad la pieza de Salim. Pero con Mahler fue capaz de imbuir la música de toda la poesía, el candor, la desesperación, el temperamento y la meditación que El canto de la Tierra merece. Contó para ello con dos extraordinarias voces ya familiares del público del Maestranza. Por un lado el tenor Alejandro del Cerro, integrante del elenco que hace solo unos días estrenaba La vida breve, y que mostró unas cualidades excelentes en proyección y carácter, imprimiendo de angustia y elocuencia su participación desde la sombría canción de los bebedores al desdén que provoca la llegada de la primavera, entonada con cierto tono irónico que del Cerro manejó con una voz en todo momento controlada pero arrolladora. Más poéticas fueron las intervenciones del barítono José Antonio López, a quien hemos visto junto a la ROSS, la Barroca y en ópera, y que para la ocasión moldeó su voz alcanzando colores muy sugerentes y atractivos, teniendo en cuenta la dificultad de adaptar los textos a su tesitura, ya que lo habitual es que los entone una mezzo o contralto, capaz de dotar a la partitura de gestos más abiertos y expansivos. La suya fue sin embargo una aportación delicada y aterciopelada, que alcanzó en El adiós con el que el hombre se encuentra desesperado y perdido frente a la Naturaleza que le sirve de entorno y que no alcanza a comprender ni dominar, su punto álgido y más conmovedor. Algo a lo que no fue ajena la excelente aportación de la orquesta, con solos de madera magistrales, como por ejemplo los protagonizados por los hermanos Eric Joseph y Marco George Aragó Bishop, al oboe y al fagot respectivamente, apellidos tan familiares a nuestra Sinfónica y que demuestran lo mucho que ha supuesto para la ciudad el esfuerzo y el trabajo desplegado por la misma desde su fundación en 1991.

Artículo publicado en El Correo de Andalucía

LOS REYES DEL MUNDO Poética del desarraigo

Colombia-Luxemburgo-Francia-México-Noruega 2022 111 min.
Dirección Laura Mora Ortega Guion María Camila Arias y Laura Mora Ortega Fotografía David Gallego Música Leonardo Heiblum y Alexis Ruiz Intérpretes Carlos Andrés Castañeda, Davison Florez, Brahian Acebedo, Cristian Campaña, Cristian David Duque, Jacqueline Duque, Luis Eduardo Benjumea, Violeta Zabala, Esteher Posada Arias, María Adela Villa Estreno en el Festival de San Sebastián 21 septiembre 2022; en Colombia 6 octubre 2022; en España 17 marzo 2023

La flamante ganadora de la Concha de Oro en el pasado Festival de San Sebastián, ni siquiera considerada en los Goya para una merecida nominación a mejor película latinoamericana, es una valiente y desgarradora crónica sobre la ausencia de esperanza y el derroche de ilusión de unos jóvenes de Medellín condenados al desarraigo y privados de su herencia legítima. Cuenta en clave semi documental, desde el momento en que cada uno y una, incluida la funcionaria del registro, parecen interpretarse a sí mismos, el viaje épico y casi homérico de una pandilla de jóvenes sin futuro hacia la tierra prometida, en forma de predio arrebatado por las fuerzas paramilitares colombianas y ahora devueltas pretendidamente, en otro ejercicio de hipocresía institucional, a sus legítimos herederos. Un viaje jalonado de travesuras y aventuras, pero también de tragedia y dolor, que los cinco hombres, sin acceso a la educación y sumidos solo en la cultura de la violencia, emprenderán en un ejercicio de absoluta y rotunda libertad que quienes vivimos una vida cómoda pero convencional nunca experimentaremos.

Sorprende que sean mujeres, realizadora y guionista, quienes hayan urdido esta trama de machitos incontrolables, si bien es su sensibilidad la que logra dar al conjunto el tono poético que merece y da sentido al conjunto, consiguiendo una película dura y a la vez hermosa, tan bellamente fotografiada y con tan majestuosas localizaciones. Una cinta esmerada en todos sus detalles, contando para ello con el apoyo imprescindible de la producción europea, aunque en ella se eche en falta colaboración española. Los reyes del mundo es en última instancia un retrato más de los desheredados de este mundo, las víctimas de un sistema que necesita sacrificios para subsistir y en el que no tienen cabida ni la clemencia ni la esperanza, como muy bien representa ese hogar oníricamente calcinado de quienes ni en la vejez tienen derecho a un descanso digno.

Quizás el uso tan recurrente del caballo blanco sea el único reproche posible a una cinta que no necesitaba de ese trillado recurso para expresar con poesía todo ese dolor que es lo único que en última instancia encuentra arraigo en esa tierra tantas veces prometida y tan a menudo prohibida. Se exhibe con subtítulos dada la ininteligible jerga que utilizan sus protagonistas para comunicarse, por otro lado cinco jóvenes con todo el talento necesario para dar credibilidad a la empresa cuando lo más seguro es que ni siquiera sean capaces de entender la grandeza y el significado de la tragedia que están interpretando.

QUIÉN LO IMPIDE La suma a veces resta

España 2021 220 min.
Guion, dirección y fotografía Jonás Trueba Música Rafael Berrio, Alberto González, Andrei Mazga y Pablo Gavira Intérpretes Candela Recio, Pablo Hoyos, Silvio Aguilar, Pablo Gavira, Claudia Navarro, Marta Casado, Rony-Michelle Pinzaru, Javier Sánchez Estreno en el Festival de San Sebastián 23 septiembre 2021; en salas 22 octubre 2021

La reconquista, película dirigida por Jonás Trueba en 2016, está en la génesis de un proyecto entre el documental y la ficción que ha acaparado la atención del cineasta y su productora, Los Ilusos, durante los últimos cinco años. Allí los jóvenes Candela Recio y Pablo Hoyos daban vida a los protagonistas en edad adolescente, inspirando a la vez a su director un ambicioso proyecto que hablara de los jóvenes del nuevo milenio, sus problemas e inquietudes. Cuatro episodios a lo largo de casi cinco horas ocuparon el proyecto, un work in progress que ahora da luz a un largo de generosa duración, aunque para ello sacrifica una hora del metraje rodado y somete todo el material a un trabajo de edición, montaje y sonido, que en parte malogra a nuestro juicio el resultado final. Así, todo lo que en Solo somos, Principiantes, Si vamos 28, volvemos 28 y Tú también lo has vivido, era frescura y dejaba a sus protagonistas respirar y manejarse libremente, lo que acababa siendo muy revelador, en el global Quién lo impide adopta cierta impostura y acerca más su acabado al universo romántico y bobalicón de su autor.

Dos de aquellas cuatro películas se pudieron ver en el Festival de Sevilla del 2018, mientras la totalidad tuvo su estreno en la Cineteca de Madrid antes de la pandemia. Al material recopilado ahora se le ha añadido un prólogo y un epílogo que refleja el confinamiento y la incertidumbre que el coronavirus ha provocado en una generación a la que de momento se le ha escatimado prácticamente un año de sus vidas, en una edad en la que es fundamental aclararse, responder a sus preguntas y progresar en la vida ante la llegada de la madurez y la responsabilidad. Algo así como las trascendentales preguntas que uno de los jóvenes se hace acerca del amor y la muerte, y que desgraciadamente cobran ahora un mayor relieve de inseguridad e incertidumbre, de forma paradójica en grave contraste con unos planes de estudios que van alejándose paulatinamente de la asignatura que nos hace más libres, la filosofía. El mensaje es que aunque esto se produzca en aras de un mayor control sobre nuestras vidas, nada impida el ejercicio de un libre pensamiento y una reflexión informada sobre el sentido y el destino de nuestra existencia, que nadie impida que ese pensamiento y esa postura ante todo lo que nos rodea nos siga motivando. Llama poderosamente la atención comprobar cómo podemos sentirnos identificados con estas nuevas generaciones y sus anhelos quienes hemos entrado ya en la cincuentena, demostrando que al fin y al cabo y a pesar de la tecnología y los avances socioeconómicos, tampoco hemos cambiado tanto.

Lástima sin embargo que el estilo de su responsable, Jonás Trueba, siempre decantado hacia un romanticismo más bien ñoño, como también podíamos comprobar en su anterior película, La virgen de agosto, aunque posterior al material que da vida a esta última cinta, se apodere de un trabajo que en origen tenía otra intención e intensidad dramática. Queda la audacia de someternos a un ejercicio de metaficción en el que nunca acertamos a saber con exactitud lo que es verdad y lo que es inventado, una licencia apuntada ya desde un principio, y la frescura de un reparto juvenil que consiguió en San Sebastián el premio a la interpretación coral. También allí la película se hizo con el Fipresci de la crítica internacional y el Feroz en la sección Zinemaldia. A ellos les queda por delante la gran aventura de la vida, con sus desánimos, sus alegrías y sus miserias, demasiado camino por recorrer y muchas preguntas todavía por hacer.