YO NO MORIRÉ DE AMOR Afrontar la adversidad cuando se es muy joven

España-Bélgica 2026 94 min.
Guion y dirección Marta Matute Fotografía Sara Gallego Música Simon Fransquet Intérpretes Júlia Mascort, Sonia Almarcha, Tomás del Estal, Laura Weissmahr, Guillermo Benet, Marc Domingo, Daniel Guerro, Fran Cantos, Lorea Intxausti, Sonia Ocampo Estreno en el Festival de Málaga 11 marzo 2026; en salas 8 mayo 2026

Gran triunfadora, precisamente junto a Hangar rojo, de la última edición del Festival de Málaga, donde se alzó con la Biznaga de Oro y los premios de interpretación a la joven debutante Júlia Mascort y al veterano Tomás del Estal, el también debut de la directora madrileña Marta Matute parece basarse, al menos parcialmente, en experiencias propias, como suele ocurrir en óperas primas. Supone el ya habitual ejemplo de doble debut femenino, realizadora y actriz, al que nos tiene acostumbrados y acostumbradas el cine español de los últimos años. En esta ocasión, nos acercamos a través de un análisis quirúrgico y certero al día a día de una familia afectada por la enfermedad degenerativa de la madre, una suerte de mezcla entre alzheimer y parkinson que exige cuidados intensivos y vigilancia permanente. Pero lo hacemos desde la experiencia vital de la hija menor, apenas dieciocho años truncados por una conciencia que, percibimos, se debate entre su anhelo de vida y búsqueda de propia identidad, y esa huida desesperada de una realidad que le supera y trunca sus expectativas vitales y emocionales.

Matute nos cuenta todo esto con una madurez impropia de una primera película, sin subrayados ni necesidad de esa incontinencia verbal con la que otros y otras justifican comportamientos y ademanes. Aquí todo es sutil, dejando al espectador o espectadora que experimente su propia conexión con una realidad que, desgraciadamente, no nos es ajena, ya sea real o en potencia. Lo logra por supuesto con la colaboración fundamental de un cuarteto protagonista excepcional, desde la joven protagonista debutante al padre, prodigio de expresividad sólo con miradas y gestos, pasando por la hermana, una adecuadamente autoritaria Laura Weissmahr en su mejor papel desde aquel Salve María que le reportó el Goya a la mejor actriz revelación, y por supuesto una sensacional Sonia Almarcha que hace acopio de tópicos para, sin embargo, regalarnos una interpretación sincera y mimética que nos hace olvidar a la actriz que incorpora al personaje.

Matute dirige con contención, sin atisbo de sensacionalismo, aunque alguna reiteración dramática se va apoderando de una función que, dentro de su excepcionalidad, no llega a marcar tanto como pretende, si bien deja la huella suficiente como para preocuparnos y concienciarnos sobre una realidad de la que es difícil escapar, pero que con un soplo de esperanza y la ayuda especializada necesaria, irrenunciable y conveniente, se puede llegar a conciliar y superar, con amor, voluntad y, sobre todo, responsabilidad.

TODO LO QUE FUIMOS Saga familiar en un escenario de tragedia y desolación

Título original: Ally baqi mink
Palestina-Alemania-Chipre-Jordania-Grecia-Catar-Arabia Saudí 2025 145 min.
Guion y dirección Cherien Dabis Fotografía Christopher Aoun Música Amin Bouhafa Intérpretes Cherien Dabis, Saleh Bakri, Mohammed Bakri, Adam Bakri, Maria Zreik, Muhammed Abed Elrahman Estreno en el Festival de Sundance 25 enero 2025; en Italia 18 septiembre 2025; en España 30 abril 2026

Vista hace poco en Águilas de El Cairo, Cherien Dabis es una actriz y directora palestino-estadounidense con una larga carrera a sus espaldas, que con éste realiza su tercer largometraje, tras Amerrika y El verano de May, ahora por primera vez bajo bandera del castigado país del que es originaria. Se trata de una clásica película río, que roza continuamente el folletín para quedarse sutilmente en el margen, sin renunciar a la tan necesaria denuncia, pero tratando con delicadeza y elegancia los frágiles materiales que le sirven de base. Dabis nos cuenta la tragedia del pueblo palestino, desde finales de los cuarenta, cuando los israelitas se asentaron en su territorio y fueron paulatina e ilegítimamente invadiéndolo, echando y masacrando a sus habitantes, hasta la actualidad, aunque antes de la aniquilación total a la que le ha sometido Netanyahu y Trump.

El relato se centra en una familia de clase media e intelectual que sirve a la directora para añorar aquello en lo que el país, hoy reconocido como tal por algunos de los países más decentes del planeta, podría haberse convertido, lejos de la barbarie y el salvajismo que se le adjudica simplemente por habérsele arrebatado las herramientas con las que construir una nación libre, justa e independiente. En este contexto recorremos setenta años haciendo paradas en las décadas de los cuarenta, setenta y ochenta del siglo pasado, y culminando en la actualidad. Al llanto por la tierra perdida se añade el del familiar asesinado, siempre dentro de un orden, sin cargar las tintas y haciendo especial hincapié en la mirada y la experiencia de los niños, caldo de cultivo para una sensibilidad y un sentimiento que tardará mucho en corregirse y enderezarse.

Lástima que Dabis empeñe demasiado metraje, perdiéndose a menudo en diálogos y situaciones estériles, que poco o nada aportan a la tesis central y argumental de la cinta. Esto hace que su visionado se antoje puntualmente tedioso, si bien se agradece su hábil y estudiada estructura, y sobre todo el buen trabajo de su elenco, en el que destacan tres actores de una misma familia, dos de ellos, padre e hijo, interpretando el mismo papel en diferentes edades, y el tercero dando vida al hijo de dicho personaje, y protagonista junto a la propia Dabis de la función. Cine de denuncia, pero también de sentimientos, rozando el melodrama y contando con un holgado presupuesto gracias a una frondosa coproducción, que le valió a su responsable el premio a la mejor dirección en el pasado Festival de Cine Europeo de Sevilla.

ROMERÍA Un mar de silencios

España-Alemania 2025 115 min.
Guion y dirección Carla Simón Fotografía Hélène Louvart Música Ernest Pipó Intérpretes Llúcia García, Mitch, Tristán Ulloa, Celine Tyll, Myriam Gallego, Janet Novás, José Ángel Egido, Sara Casanovas, Marina Troncoso, Alberto García Estreno en el Festival de Cannes 21 mayo 2025; en salas 5 septiembre 2025

Hay muchos y muchas realizadoras que cuando abordan su primer largometraje, fijan su atención en episodios íntimos y autobiográficos. El caso de Carla Simón va más allá, porque lleva tres películas analizando sus propias experiencias, y no le ha ido nada mal. Su infancia a través de aquel Verano 1993 que le valió un alto reconocimiento en los Goyas de 2017; en Alcarrás nos llevó al campo de su familia materna, y la gesta le valió el Oso de Oro en Berlín; y ahora, con Romería, ilustra su peregrinaje desde Cataluña a Galicia para conocer y reivindicar a su familia paterna, desvelando en el camino secretos del pasado y fantasmas de la incomprensión, lo que le ha permitido entrar en la sección oficial de Cannes.

Romería ofrece una galería de personajes como pocas veces hemos disfrutado en nuestro cine, recordando en cierta medida a aquella impecable En la ciudad sin límites de principios de siglo. Pero Simón opta por esa estética premeditadamente descuidada que identifica al cine de carácter independiente, frente al depurado academicismo que mostraba Antonio Hernández. Quizás de haber aprovechado los generosos recursos que una corta pero tan estimulante filmografía a buen seguro le habrá reportado, nos encontraríamos frente a una cinta más lograda, un mejor trabajo de sonido que no lastrase algunos de sus diálogos, y un acabado más aseado en cuestiones tan fundamentales como la banda sonora o la propia imagen, a pesar de esos elocuentes injertos de grabación doméstica.

Con todo, la excelente interpretación de todos los personajes de la cinta, especialmente la joven debutante Llúcia García, cuyo desdoblamiento constituye la única y muy lograda apuesta técnica de la función, la réplica que le da esa suerte de Pancho que es Mitch, y el magnífico trabajo de Simón tanto al guion, convenientemente estructurado a dos tiempos, como a la realización, precisa y con los objetivos muy controlados, logran un trabajo que nos va progresivamente enganchando. Queda ahí, estupendamente plasmada, la hipocresía de una clase alta proclive al silencio y a tapar supuestas vergüenzas, cuando la mayor desvergüenza consiste en negar lazos familiares y comprar con dinero lo que el pudor y el sentimiento no es capaz de enmendar.

Pero Romería no es sólo un ajuste de cuentas con aquellos episodios oscuros de nuestro pasado, con esa transición también ennegrecida por la época, sus vicios y virtudes, sino que exhibe una hermosa historia de amor a dos bandas, en un pasado próximo y otro remoto, que genera una secuencia casi onírica en la que la imaginación se desborda para ofrecer una película dentro de la película tan atractiva como estimulante. Y dentro de ella una sorpresa en forma de número musical que escenifica lo que durante aquella década de los ochenta fue una tragedia a todos los niveles, y que a la postre sirve como mcguffin en una película a la que de verdad lo que interesa es la familia, el descubrimiento y la fuerza de una joven de dieciocho años con ideas mucho más claras, una personalidad más definida y una conciencia de género mucho más asentada de la que pudiera presumir su progenitora en aquella década presuntamente prodigiosa. Y todo ello frente a los prodigiosos paisajes de la Ría de Vigo.

RAMÓN Y RAMÓN Padres, amigos y virus

Perú-España-Uruguay 2025 100 min.
Dirección Salvador del Solar Guion Salvador del Solar, Héctor Gálvez y Miguel Valladares Fotografía Inti Briones Música Gabriel Casacubierta y Hernán González Villamil Intérpretes Emanuel Soriano, Álvaro Cervantes, Jely Reategui, Beto Benites, Darío Yazbek Estreno en el Festival de San Sebastián 25 septiembre 2025; en salas 27 junio 2025

Salvador del Solar ha repartido su trabajo entre la interpretación y la dirección. Hace unos años destacó relativamente con su película Magallanes, y ahora nos llega esta cinta voluntariosa y bienintencionada. Un drama familiar ambientado en pleno confinamiento por el coronavirus en Lima y zonas rurales de Perú. Una producción en parte financiada por El Deseo, con cameo incluido de Agustín Almodóvar, que pretende analizar la difícil relación, ahora imposible de retomar, entre un hijo homosexual y su padre, a la vez que fija su atención en la relación de amistad que se produce entre el joven y un vecino español, siempre desde el prisma de aquella situación especial que nos invitó a todos y todas a romper con la rutina y sentir que otra forma de vida era posible, aunque el tiempo demostrara que la ilusión era efímera.

Lástima que con premisas tan atractivas, el film deambule entre sus buenas pero malogradas intenciones, un tiempo moroso que lastra el resultado y una falta de interés que se va afianzando paulatinamente. Merece la pena quizás por su envolvente paisajismo y por sus protagonistas, especialmente un Álvaro Cervantes que se convierte en catalizador de la traumática y catártica experiencia del protagonista, Emanuel Soriano, algo más perdido e impostado que su compañero de reparto. Por lo demás, su propia falta de objetivos claros y precisos la convierten en una película irrelevante.

Quiere quizás el virus erigirse en metáfora de las relaciones tóxicas y dependientes, la falta de comprensión y empatía hacia el prójimo y la agresión que todos y todas sufrimos a causa de un sistema que monotoriza nuestros comportamientos y hasta nuestros sentimientos. Pero si es así queda muy diluido, de nuevo falto de una orientación que deje claro el objeto de un análisis que nunca llega a fructificar.

LOS TORTUGA Perdidas y desenfocadas

España 2024 109 min.
Dirección Belén Funes Guion Belén Funes y Marçal Cebrian Fotografía Diego Cabezas Música Paloma Peñarrubia Intérpretes Antonia Zegers, Elvira Lara, Mamen Camacho, Sebastián Haro, Guillermo Barbosa, Lorena Aceituno, Jordi Pérez Estreno en el Festival de Toronto 5 septiembre 2024; en salas 23 mayo 2025

Cinco años han pasado desde La hija de un ladrón, el celebrado debut en la dirección de largometrajes de la realizadora catalana Belén Funes, y casi nueve meses desde que esta su segunda película se estrenase en ese escaparate de temporada mundial que es el Festival de Toronto. Entre medias participó en la prescindible serie de televisión La ruta, ambientada en las discotecas del Levante durante la década de los noventa del pasado siglo, y ha cosechado tres importantes premios en la última edición del Festival de Málaga, el Especial del Jurado y los de mejor dirección y guion. Y con ese importante palmarés ha desembarcado por fin en la cartelera del país, logrando de nuevo el beneplácito de prácticamente la totalidad de la crítica española. Un parecer que no logramos compartir una vez comprobado que nos irrita tanto como lo hizo su ópera prima, por cuanto no encontramos la forma de empatizar con sus personajes y no vemos cuál pueda ser el objetivo y la determinación de su artífice a la hora de plantearnos la aparentemente difícil relación entre una madre y una hija que propone el film.

Para empezar, el título, referido a quienes desde ese sur al que el régimen sumió en la pobreza más absoluta para beneficiar a quienes más difícil ponían la continuidad de la dictadura, emigraban al norte o a Europa en busca de oportunidades con toda la casa a cuesta, como las tortugas, queda traicionado en una película que no trata directamente de ellos y ellas, sino de una ausencia que determina el bienestar, el futuro y la esperanza de estas dos mujeres. Funes de esta forma vuelve a incidir en la dependencia de sus mujeres en el referente masculino, poniendo el acento y el énfasis en el duelo que madre e hija experimentan, cada una a su manera, pero siempre de forma irritante y desvariada, frente al hombre que desaparece. Y en ese contexto retrata el campo del sur, la importancia ahí de la familia, pero también de las supersticiones y la superchería, cerrándonos la puerta a esa modernización de la que con justicia tan a menudo hacemos gala. También retrata, con más sentido del tópico que de otra cosa, la deshumanización urbana, donde tiene cabida la especulación y el desahucio, pero donde la camaradería entre compañeras de oficio, puede sustituir la falta del cariño familiar… otro tópico.

Pero la directora tiene buen oficio y sabe enganchar, a pesar de estas dificultades de sintonía y razón, llegando a involucrarnos en la peripecia emocional de estas dos mujeres, estupendamente interpretadas por la veterana actriz chilena Antonia Zegers y la verdadera revelación de la película, la joven Elvira Lara, pero cuyos personajes tan a menudo están sometidos a reacciones absurdas y chirriantes, siempre con esa ausencia como justificación, lastrando cualquier posibilidad de enaltecimiento del género, una vez más voluble y al borde del abismo sentimental, como si siguiéramos anclados en pleno siglo diecinueve. Mención aparte merece el enorme desagrado que nos merece ver tanto personaje, femenino siempre, fumando como hacía tiempo no veíamos en pantalla. Quizás una forma, como el alcohol, de huir de sus aparentemente mieserables vidas... más tópicos. Así las cosas, lo que más nos ha cautivado es la capacidad de mostrar varios tipos de vida a través de su generoso catálogo de personajes, las de quienes lo tienen todo por delante, las bloqueadas, las gastadas y las que han perdido toda esperanza.

TRAS EL VERANO Conflictos afectivos

España 2025 94 min.
Dirección Yolanda Centeno Guion Yolanda Centeno y Jesús Luque Fotografía José Luis Bernal Ibáñez Música Pablo Cervantes Intérpretes Alexandra Jiménez, Juan Diego Botto, Álex Infantes, Ruth Gabriel, Stéphanie Magnin, Alicia Moruno, Edu Rejón Estreno en el Festival de Málaga 20 amrzo 2025; en salas 16 mayo 2025

Como muchos otros y otras realizadoras debutantes en el largometraje, Yolanda Centeno tira de un cortometraje previo para desarrollarlo, con el añadido de basarse además en algún tipo de experiencia propia. En este caso, la directora echa mano de Imposible decirte adiós, de 2021, donde su protagonista, también Alexandra Jiménez, afronta la separación de su pequeño hijastro como consecuencia del fracaso sentimental con su pareja, en aquel trabajo Fele Martínez, ahora Juan Diego Botto. Se muestra así cómo la legislación, tan a menudo por detrás de las necesidades políticas y sociales, no da respuestas a nuevas sensibilidades. En este caso, un nuevo modelo de familia, alejado del convencional y tradicional modelo nuclear, no encuentra soluciones prácticas al conflicto de afectos que se genera entre una madrastra, el niño al que ha criado durante años, su ex pareja, la madre biológica y la nueva pareja de la protagonista, en este caso una mujer a la que da vida Ruth Gabriel, también presente en el mencionado cortometraje.

Pero la cinta no se centra en ningún tipo de batalla legal, aunque la mencione, sino en el conflicto de sentimientos que esta situación genera, especialmente de cara a la incomprensión, la frustración y la falta de respuestas que provoca en el más inocente de los personajes conjugados, el pequeño, magistralmente interpretado sin impostaciones ni afectaciones, con frescura y naturalidad, por Álex Infantes. El film se articula en torno a esta galería de personajes, pero sobre todo de la tierna y cómplice relación que se entabla entre la madrastra y el niño, sin énfasis en el sentimentalismo, aunque la delicadeza de la grácil situación pueda llegar a emocionarnos en una justa medida.

Con producción andaluza y rodaje en Málaga, Huelva y fundamentalmente Sevilla, se trata de una hermosa película que pone sobre la mesa un problema delicado con necesidad de respuestas acuciantes por parte de una legislación que en buenas manos deberá siempre perseguir la felicidad en el más amplio abanico de sus posibilidades, algo que las políticas conservadoras siempre serán reacias a cumplir. Con ellas nunca se avanza, aunque siempre acaben aprovechándose después, cuando las políticas progresistas dan respuesta a las nuevas necesidades.

IN THE SUMMERS Familia en pequeñas dosis

USA 2024 95 min.
Guion y dirección Alessandra Lacorazza Samudio Fotografía Alejandro Mejía Música Eduardo Cabra Intérpretes René Pérez Juglar “Residente”, Sasha Calle, Lio Mehiel, Luciana Lisa Quinonez, Dreya Castillo, Allison Salinas, Kimaya Thais, Emma Ramos, Leslie Grace, Sharlene Cruz, Gabriela Surodjawan, Indigo Montez Estreno en el Festival de Sundance 22 enero 2024; en Estados Unidos 20 septiembre 2024; en Andalesgai 15 marzo 2025

Suele ocurrir que, para su ópera prima, los y las cineastas indaguen en sus propias experiencias y traumas, fundamentalmente infantiles. Es el caso de la estadounidense de origen colombiano Alessandra Lacorazza, que en esta película analiza la relación con su padre y hermana a lo largo de cuatro veranos dilatados en el tiempo. Para ello ha contado con el protagonismo del popular rapero y compositor portorriqueño Residente, que da vida a un padre separado cuyas hijas le visitan cada verano, ocasión que aprovecha para tejer toda una sucesión de diversiones que no acaban de cuajar en los sentimientos y emociones de las jóvenes, siempre conscientes de la poca atención y el poco conocimiento que de ellas parece tener el progenitor, víctima además de una vida más bien disoluta y en apariencia caprichosa.

El mérito del film reside en que sin decir mucho y entregándose a una sucesión de anécdotas y momentos no especialmente relevantes, salvo alguno ocasional, logra transmitir esa sensación de abandono que sufren las protagonistas, mientras una de ellas reafirma su sexualidad como hombre trans sin aparente trauma ni rechazo del entorno.

Rodada en Las Cruces, Nuevo México, la película supone además el reconocimiento de una comunidad de hispanoparlantes muy arraigada en la sociedad estadounidense, anterior a los esfuerzos de Trump por extinguir cualquier tipo de sensibilidad ajena a la suya propia. Se alzó con dos importantes premios en el Festival de Sundance, el especial del jurado en el apartado de mejor película estadounidense, y el de mejor dirección en el apartado de drama.

PRESENCE Inteligente variación sobre el cine de fantasmas

USA 2024 85 min.
Fotografía y dirección Steven Soderbergh Guion David Koepp Música Zack Ryan Intérpretes Lucy Liu, Chris Sullivan, Callina Liang, Eddy Maday, West Mulholland, Natalie Woolams, Lucas Papaellas, Julie Fox Estreno en el Festival de Sundance 19 enero 2024; en Estados Unidos 24 enero 2025; en España 7 marzo 2025

Poco antes de estrenar su nueva película, Confidencial, con Cate Blanchett y Michael Fassbender, llega a nuestras pantallas esta inteligente variante de Steven Soderbergh sobre el cine fantasmas y casa encantadas, en la que el director estadounidense suma fuerzas con el reputado guionista David Koepp, con resultados muy estimulantes. Lo curioso es que haya tardado un año en estrenarse en su país desde su presentación en el Festival de Sundance, y aún dos meses más en el nuestro. A quien se erigiera como gran promesa del cine independiente cuando se alzó con la Palma de Oro en Cannes con la ya mítica Sexo, mentiras y cintas de video, le gusta simultanear estrenos en un mismo año. Lo hizo en 2000 con Erin Brokovich y Traffic, en 2011 con Contagio e Indomable o en 2013 con Efectos secundarios y Detrás del candelabro. Y le gusta igualmente afianzar su posición en el ránking de taquilla, estrenando alternativamente películas de encargo, especialmente las sagas de Ocean y Magic Mike, con otras de carácter y ambición más personal, como la que nos ocupa, posiblemente un sueño como doble encargado de la dirección y la fotografía de sus películas, dado el protagonismo que aquí tiene su trabajo como lo segundo.

Con una escueta duración, Soderbergh nos sumerge en un único escenario, una suntuosa casa en los suburbios de una gran ciudad, con apenas exteriores siempre divisados desde el interior, donde asistimos a la vida cotidiana de una familia media de vida acomodada, con sus miserias y alegrías, más de lo primero habida cuenta el trauma que arrastra la hija, mientras el hermano se muestra poco empático. Los personajes se muestran acertadamente reales, con su propio pasado y posible futuro, mientras la cámara de Soderbergh, siempre a cuestas, los observa y los giros de guion se van sucediendo. Para ello, Koepp echa toda la carne al asador y aprovecha su amplia experiencia en el género, curtida junto a Brian de Palma, las adaptaciones de Dan Brown, su excelente trabajo para Steven Spielberg en La guerra de los mundos (también en los guiones de las dos últimas entregas de Indiana Jones) y sus propias y aclamadas películas como director, El efecto dominó y El último escalón.

Como resultado, tenemos una sorprendente historia de fantasmas, seguramente tan convincente y tan cerca de quienes aseguran haber tenido experiencias extrasensoriales con los seres queridos desaparecidos y haber percibido paralelamente su posible afán protector. Así, con el ingenio y el talento desplegado en esta unión de fuerzas entre Koepp y Soderbergh, resulta relativamente fácil dejarse convencer por la existencia de algo más allá de nuestra propia, ya de por sí absurda y convencional, vida.

HERE De aquí a la posteridad

USA 2024 104 min.
Dirección Robert Zemeckis Guion Eric Roth y Robert Zemeckis, según la novela gráfica de Richard McGuire Fotografía Don Burgess Música Alan Silvestri Intérpretes Tom Hanks, Robin Wright, Paul Bettany, Kelly Reilly, Zsa Zsa Zemeckis, Michelle Dockery, Jonathan Aris, David Fynn, Ophelia Lovibond, Nicholas Pinnock, Nikki Amuka-Bird, Anya Marco-Harris, Keith Bartlett, David Betts, Leslie Zemeckis, Joel Oulette, Dannie McCallum Estreno en Estados Unidos 1 noviembre 2024; en España 5 diciembre 2024

Zemeckis nos tiene acostumbrados a la sorpresa y la experimentación, sobre todo de carácter técnico. Los viajes en el tiempo adquirieron carta de naturaleza definitiva con la saga de Regreso al futuro, la perfección en la combinación de imagen real y dibujos animados encontró en ¿Quién engañó a Roger Rabbit? su vehículo perfecto, y la de imagen de archivo e imagen rodada fue uno de los grandes aciertos de Forrest Gump, después de frivolizar con los efectos digitales y deformar a conveniencia a Meryl Streep y Goldie Hawn en La muerte os sienta tan bien, y antes de mantenernos atentos a un Tom Hanks solitario en una isla desierta en Náufrago y de suspendernos literalmente de un hilo entre las Torres Gemelas en The Walk. Pero Zemeckis ha basado también su buena reputación en la habilidad para contar historias, entre ellas Contact y Aliados.

Here (Aquí) se puede entender como un capricho de madurez, en el que siguiendo las pautas, incluso estéticas, del historietista e ilustrador Richard McGuire, nos cuenta parte de nuestra historia, la de los seres humanos de una clase media con la que identificarnos, a lo largo de siglos y siempre, salvo el episodio de Benjamin Franklin y su hijo bastardo William, desde un punto de vista absolutamente doméstico. El eje central lo constituye la pareja formada por Hanks y Wright, convenientemente rejuvenecidos y envejecidos vía efectos digitales, con tal perfección que no ahoga nuestra atención, siempre centrada en lo que se cuenta y no tanto en cómo se hace. Una única habitación, el salón de casa en el que tantos y tantas hemos experimentado la mayor parte de nuestros recuerdos familiares, sirve a Zemeckis para viajar en el tiempo manteniéndose siempre en el mismo espacio, desde la prehistoria jurásica a la era post pandemia, pasando por la población indígena y las guerras mundiales del siglo XX. Una amplia y exhaustiva galería de personajes con el eje central de esta pareja que vive y padece, que se aman y discuten, se esclavizan para mantenerse a flote y recupera sus sueños de juventud cuando las circunstancias lo permiten.

Todo lo cual convierte quizás esta película en una de las más tristes y amargas del cineasta, como un espejo en el que se reflejan nuestras miserias y anhelos, las pequeñas alegrías, las frustraciones y la lucha sin fin en la que hemos convertido la vida, tan simple hace siglos como progresivamente complicada conforme avanzamos hacia un incierto futuro plagado de injusticias, fobias y desigualdades. Here es por todo ello un experimento técnico de enorme valor, pero también un ejercicio antropológico y humano, quizás ligero y amable, pero igualmente tristón y hasta cierto punto pesimista, a pesar de toda la carga emocional, de amor tradicional en el seno de la familia convencional, que pretende transmitir.

SEFF 21 (2O24) ALPHA. Nieve que quema

Países Bajos (Holanda)-Suiza-Eslovenia 2024 100 min.
Guion y dirección Jan-Willem van Ewijk Fotografía Douwe Hennink Música Ella van der Woude Intérpretes Reinout Scholten van Aschat, Gijs Scholten van Aschat, Pia Amofa-Antwi, Julien Genoud, Daria Fuchs, Pia Nikolic Estreno en el Festival de Venecia 4 septiembre 2024

Padre e hijo en la vida real, Gijs y Rein Scholten conservan también sus nombres en esta película en la que enfrentan sus caracteres y egos a través de una lucha por dominar y controlar una situación que para el segundo se convierte en insostenible. El director Jan-Willem van Ewijk ambienta esta guerra entre machos alfa en los Alpes suizos, coincidiendo así el drama familiar con la aventura por la supervivencia en un espacio tan hostil como suele serlo en las contadas películas que se han servido de la nieve para crear su particular escalada de tensión, desde The Eiger Sanction (Licencia para matar) a Máximo riesgo pasando por Everest o la más reciente La sociedad de la nieve. Cuenta con magníficos paisajes, bellamente fotografiados e ilustrados con una inquietante banda sonora, y un trabajo a nivel técnico impecable y complejo. Sus intérpretes se adaptan eficientemente a la trama, que logra interesar en su justa medida y demuestra que hasta las pasiones más encendidas pueden surgir en un ambiente tan frío; parafraseando a Karel Reisz, Nieve que quema.

SOLO Otro planteamiento mal enfocado

Canadá 2023 101 min.
Guion y dirección Sophie Dupuis Fotografía Mathieu Laverdière Música Charles Lavoie Intérpretes Théodore Pellerin, Félix Maritaud, Anne-Marie Cadieux, Alice Moreault, Tommy JHoubert, Vlad Alexis, Marc-André Leclair, Jean Marchand Estreno en el Festival de Toronto 9 septiembre 2023; en Canadá 15 septiembre 2023; en España 12 julio 2024 

No se trata de nuevas aventuras de Han Solo ni de aquel documental sobre un alpinista que logró el Oscar hace unos años. El solo del título de esta película se refiere a una actuación artística, ya sea instrumental, de canto, baile o monólogo. El que hace su protagonista es de transformismo y baile, el que hace su madre es de canto lírico, aunque la directora no tiene muy clara su tesitura, pues lo mismo le pone a cantar un aria de soprano que de mezzosoprano de la misma ópera y distinto personaje. Lo cierto es que el que interpreta con acierto y mucho esfuerzo Théodore Pellerin es un personaje que se ve incapaz de mantener una relación sólida y aceptable con ninguna de las personas que le rodean, especialmente un amante arribista y hasta cierto punto tóxico, y una madre distante y egoísta que antepone su carrera de diva por encima de cualquier situación de afecto familiar.

En otro nivel se encuentra una hermana abnegada que parece no tener vida propia y que sin embargo resulta la menos apreciada por su hermano, a juzgar por lo proclive que son ambos a discutir y distanciarse. En la pista Simon lo da todo, en la vida también, pero recibe más allí que aquí. A su alrededor todos son personajes negativos, incluso la plantilla de compañeras, exhibiendo infidelidad, envidia y cuantos malos atributos tradicionalmente se han asociado a este colectivo. Los otros dos vértices de esta relación insatisfactoria ya han quedado definidos, mientras Simon representa el porcentaje histérico que no puede faltar.

No cabe duda de las buenas intenciones de su responsable, Sophie Dupuis, pero una vez más se demuestra que quienes articulan este tipo de trabajos creen estar haciendo un bien social, una apuesta por la igualdad y la inclusión, cuando apenas logran repeler y repetir clichés, por mucho que todo parezca perfectamente aceptado y normalizado en pantalla. En el apartado meramente artístico, tampoco sus números de baile merecen especial atención, y son muchas las secuencias de baile y seducción que funcionan más como tiempos muertos que como aportación de información a un conjunto algo escuálido y carente de interés.

EX MARIDOS Reconciliaciones familiares

Título original: Ex-Husbands
USA-México 2023 99 min.
Guion y dirección Noah Pritzker Fotografía Alfonso Herrera Salcedo Música Robin Coudert Intérpretes Griffin Dunne, James Norton, Miles Heizer, Rosanna Arquette, Eisa Davis, Richard Benjamin, Lou Taylor Pucci, Pedro Fontaine, Echo Kellum, John Ventimiglia, Natalie Gold, Nate Mann, Rosa Gilmore, Ian Owens Estreno en el Festival de San Sebastián 24 septiembre 2023; en España 7 junio 2024

Tras su estreno en el Festival de San Sebastián y su paso por diversos festivales, la puesta en marcha de esta película se ha producido precisamente en nuestro país. Todo en su guion apunta a que su joven director, en el que es su segundo largometraje tras un paréntesis de casi una década, traslada algunos de sus episodios familiares a esta crónica sobre la dificultad en los tiempos actuales de mantener una vida convencional basada en el matrimonio y la descendencia tradicional. Pritzker reúne en esta comedia agridulce a Griffin Dunne, que aunque no ha parado de trabajar para la televisión, hacía mucho que no le veíamos en cine, y Rosanna Arquette, cuarenta años después de coincidir en ¡Jo, qué noche! de Scorsese.

Con mayor protagonismo del muy deteriorado actor y ocasional director (Adictos al amor), la película indaga sobre las relaciones entre un padre y sus dos hijos durante la despedida de soltero de uno de ellos en una ya no tan paradisíaca playa de México. Tan invadidos de llagas sentimentales como de algas lo está el mar que baña los lujosos resorts en los que unos y otros ahogan sus penas, los fracasos emocionales protagonizan unas relaciones intergeneracionales tan difíciles como susceptibles de reconstrucción. En este contexto asistimos con interés a situaciones y emociones que quizás no nos son ajenas, si bien todo está diseñado para dar cabida a clichés y tópicos muy reconocibles.

Nada de esto es obstáculo para que disfrutemos con la sensible y delicada propuesta de un director que parece mirar a un cine que ya no se hace en Estados Unidos, que prioriza el ingenio de un buen guion y la solvencia de unas destacadas interpretaciones al ritmo frenético y la puesta en escena sofisticada con la que hoy se resuelven este tipo de productos en la meca del cine. Ahí radica su mayor interés, en salirse de la horma diseñada en la industria de su país para ofrecer un trabajo añejo y por extensión tan rico al paladar, logrando en su exposición de diferentes formas de duelo y sus respectivas causas, su mayor baza. La cinta recupera también al muy veterano actor y director Richard Benjamin.

JUNIPER Terapia de choque

Nueva Zelanda 2021 94 min.
Guion y dirección Matthew J. Saville Fotografía Martyn Williams Música Marlon Williams y Mark Perkins Intérpretes Charlotte Rampling, George Ferrier, Marton Csokas, Edith Poor, Carlos Muller, Tane Rolfe, Cameron Carter-Chan, Alexander Sharman Estreno en Nueva Zelanda 26 agosto 2021; en España 1 noviembre 2023

No hay ningún personaje en esta película que atienda al nombre de Juniper, tal como parece querer indicar su título y el hecho de que en nuestro país no se haya traducido por Junípero, el árbol al que no sabemos muy bien por qué hace sin duda alguna referencia. Es difícil encontrar aquí una identificación entre este árbol frondoso y la relación entre una abuela y su nieto que propone su argumento como eje principal de su delicado análisis. Más de dos años desde su estreno en Nueva Zelanda, su país de origen, y tras su paso por el Festival de Valladolid hace poco más de una semana, se estrena casi de incógnito este pequeño pero interesante film.

El duelo interpretativo entre la veterana y siempre espléndida Charlotte Rampling y el joven George Ferrier centra la mayor parte del interés de una película que deambula entre el drama familiar psiconalítico y el telefilm de sobremesa con intenciones de ayuda sentimental. La superación de una pérdida, muy común entre los y las más jóvenes que padecen una profunda y larga crisis personal, y los sinsabores que da la vida cuando ya no queda mucho por delante para disfrutar, especialmente si tu profesión no sólo te ha apartado de los tuyos sino que te ha obligado a sufrir el dolor ajeno, convierten a los dos protagonistas de esta función en dos almas necesitadas de apoyo y comprensión. Corresponde a la pericia y el talento de su director y guionista conseguir que la terapia que resulte inevitablemente de este encuentro choque convenza holgadamente, cosa que lamentamos no poder plenamente confirmar.

Lograda en algunos de sus aspectos, el conjunto no llega a emocionar suficientemente, mientras en su desarrollo se atisban lagunas difíciles de encajar. Al duelo interpretativo, lo mejor de la función, hay que añadir la competente comparsa que integra a un padre huidizo, una cuidadora complaciente y unos colegas inocentes. La elegante y calmada cadencia de su desarrollo y los amables paisajes en los que se ambienta, hacen el conjunto más digerible de lo que su propósito, sin duda interesante pero insuficientemente desarrollado, reclama.

¡SALTA! y créetela

España 2023 85 min.
Dirección Olga Osorio Guion Olga Osorio y Araceli Gonda Fotografía Elías M. Félix Música Manuel Riveiro Intérpretes Tamar Novas, Marta Nieto, Mário Santos, Rubén Fulgencio, Mabel Rivera, Irene Jiménez, Saúl Esgueva, Manuel Manquiña, Machi Salgado Estreno 1 septiembre 2023

Otro debut español en la dirección de largometrajes, esta vez basado en el propio corto de la realizadora Olga Osorio, Einstein-Rosen, una especie de cuento moderno sobre el amor fraternal con ínfulas de ciencia ficción. Lástima que Osorio no logre captar la esencia de lo que quiere contar, quizás por un exceso de ambición unido a cierta falta de atención por los detalles, lo que se traduce en un trabajo con los tiempos poco convincente, una resolución atropellada de los fenómenos que expone, los agujeros de gusano que permiten viajar en el tiempo, y unas interpretaciones poco comprometidas, especialmente de su pareja protagonista y el niño Rubén Fulgencio, que ya participó en un trabajo de corte similar, El universo de Óliver.

Y es que la ópera prima de Olga Osorio pretende mezclar la cultura ibérica, en este caso gallega, con las películas de ciencia ficción americanas protagonizadas por jóvenes y adolescentes de los años ochenta, pero el conjunto no cuaja ni convence. Por fallar lo hacen hasta unas premisas científicas y lógicas que hagan mínimamente plausible su desarrollo y resolución. El exceso de música, a menudo descoordinada con lo que apreciamos en pantalla, tampoco favorece a un film que se ve con cierta vergüenza ajena, a pesar del encanto algo redicho de su joven y avispado protagonista, Mário Santos. No cabe duda de que prima la buena voluntad y los mejores sentimientos, pero mal engarzados y peor dosificados en un conjunto del que lo mejor que se puede decir es que dura poco.

BEAU TIENE MIEDO El accidentado viaje de un trastornado

Título original: Beau Is Afraid
Canadá-Finlandia-USA 2023 179 min.
Guion y dirección Ari Aster Fotografía Pawel Pogorzelski Música Bobby Krlic Intérpretes Joaquin Phoenix, Patti Lupone, Nathan Lane, Amy Ryan, Parker Posey, Denis Ménochet, Kylie Rogers, Zoe Lister-Jones, Armen Nahapetian, Julia Antonelli, Stephen McKinley Henderson, Richard Kind, Hayley Squires Estreno en Estados Unidos 21 abril 2023; en España 28 abril 2023

Quienes disfrutamos con las insólitas y arriesgadas propuestas de Ari Aster en Hereditary y Midsommar, esperábamos con ilusión su nueva apuesta, y llega en forma de película río que desestructura las sagas familiares para generar un absorbente y a menudo irrespirable análisis sobre el trastorno provocado por una madre excesivamente controladora y dominante. Para ello no duda en emplear un generoso metraje, nada reprochable en tiempos en que muchas de las historias que el público mayoritario engulle nos llegan en forma de mini series televisivas que superan la duración de este particular viaje al fondo de la mente y sus más terribles pesadillas.

El protagonista, un Joaquin Phoenix relativamente moderado para como es él y el papel que se le ha confiado, ve el mundo de forma radicalmente adversa y amenazante, y así nos invita Aster a verlo también. Un barrio conflictivo se convierte en una zona de guerra patrullada por lo más parecido a zombis, una amable familia de posición acomodada esconde motivaciones peligrosas y una hija absolutamente perversa, un ex combatiente de guerra se comporta como un salvaje, una troupe artística en medio del bosque es un espejo hacia el pasado, presente y futuro del torturado protagonista, y el amor de la niñez y la madre posesiva acaban de desfigurar a un hombre torturado a quien predicadores y psicoanalistas no hacen sino empeorar su delicada situación.

Todo ello en torno a un viaje que nunca parece arrancar y que sufre todo tipo de adversidades, mientras nosotros y nosotras somos invitadas a padecer el accidentado y a ratos terrorífico viaje al mundo fantástico de un Oz pervertido que representa el peregrinaje del pobre Beau a las mismas entrañas de la madre que ya anuncia el prólogo. Por el camino disfrutamos con las interpretaciones de dos grandes del musical hecho en Broadway, Nathan Lane y Patti Lupone, la segunda con un monólogo sensacional y amargo. Seguramente irritante para gran parte del público, no del todo fascinante como su autor posiblemente pretenda, pero de cualquier forma estimulante frente a tanto lugar común, cliché y narraciones convencionales. Aster cuenta las cosas de otro modo, y se le quiere o se le detesta por ello.

TO LESLIE Pequeño ensayo sobre la redención

USA 2022 115 min.
Dirección Michael Morris Guion Ryan Binaco Fotografía Larkin Seiple Música Linda Perry Intérpretes Andrea Riseborough, Marc Maron, Owen Teague, Allison Janney, Stephen Root, James Laandry Hébert, Catfish Jean, Andre Royo, Matt Lauria Estreno en Estados Unidos 7 octubre 2022; en España 3 marzo 2023

El origen de esta pequeña y sensible película se encuentra en una difícil relación maternofilial marcada por el alcoholismo y el abandono familiar. Una relación que pone de relieve a los dos principales y más valiosos baluartes del film, la interpretación de Andrea Riseborough que da vida a la trastornada madre y el guion de Ryan Binaco en el que ha depositado sus personales vivencias como hijo de una mujer que tras ganar una importante suma de dinero en una lotería, dilapida su pequeña fortuna y abandona a su hijo. Lo que desconocemos es lo que ha llevado al joven que aquí figura como obrero, a iniciar una carrera cinematográfica produciendo un par de títulos y escribir otros dos, a un nivel de clarísima serie B, hasta que le ha llegado la oportunidad de exorcizar su amarga experiencia.

Dirige con oficio y pericia un director acostumbrado al formato televisivo y que sin embargo en este su primer trabajo cinematográfico ha sabido adaptarse al medio y disimular sus maneras aprendidas. El resultado quizás no sea tan conmovedor como pudiera parecer, seguramente porque se ha tenido el pudor de no convertir este episodio autobiográfico y doloroso en un circo sentimental dominado por el exceso y la desesperación. Por el contrario, Binaco ha decidido homenajear y comprender a su madre, dar testimonio a la vez de ese ángel de la guarda que tanto necesitamos cuando nos encontramos perdidos y que el propio hijo fue incapaz de encarnar, y sobre todo plasmar esa nueva oportunidad y esa redención que todo el mundo merece, y por la que incluso los sistemas penales más avanzados abogan. Se trata de creer en esa segunda oportunidad, en esa redención que tanto nos negamos como sociedad a ofrecer a quien ha cometido errores, a veces incluso crímenes, en el pasado.

Y es que ya se sabe, seguimos creyendo en el ojo por ojo, la cárcel permanente, incluso la pena de muerte, el castigo en definitiva, más que en la segunda vida, la fuerza de voluntad y la confianza en el prójimo de que un nuevo horizonte es posible. Nada que nos sorprenda habida cuenta de la educación inevitablemente religiosa que arrastramos. Esta pequeña pero valiente película, seguramente visible gracias fundamentalmente a su nominación al Oscar a la mejor actriz, apuesta por esos valores y exhuma humanidad en su cometido. Contribuye sobremanera a ello la espléndida interpretación de Andrea Riseborough, a quien tras muchos años perdida como protagonista o secundaria en películas poco memorables, hemos visto esta temporada en Amsterdam y Matilda de Roald Dahl, el musical.

AFTERSUN Fantasma de amor paterno

Reino Unido-USA 2022 98 min.
Guion y dirección Charlotte Wells Fotografía Gregory Oke Música Oliver Coates Intérpretes Paul Mescal, Francesca Corio, Celia Rowlson-Hall, Brooklyn Toulson, Spike Fearn, Frank Corio, Ruby Thompson Estreno en el Festival de Cannes 21 mayo 2022; en Reino Unido 18 noviembre 2022; en España 16 diciembre 2022

Triunfó en Cannes y también en Sevilla, donde obtuvo el Premio a la mejor película en la sección Nuevas Olas del Festival de Cine Europeo, y está triunfando también en la taquilla del cine más introspectivo y menos popular. No se le puede discutir sin embargo contar con una gramática muy singular a la hora de contar una típica historia de descubrimiento y reconciliación entre un padre joven y su hija fruto de una relación fracasada.

Hay en este sentido cierta tendencia entre la crítica a comparar esta con aquel Somewhere que Sofia Coppola dirigió hace más de una década. Sin embargo, tanto en las formas como en el contenido de esta relación paternofilial que en la película de la directora de Lost in Translation protagonizaban Stephen Dorff y Elle Fanning habían tantas diferencias como similitudes con la que ha diseñado la joven británica Charlotte Wells. Se trata de un verano compartido en el litoral turco por un joven y su casi desconocida hija de once años, lo que para ella supondrá un revulsivo y un autodescubrimiento que todavía le marcará veinte años después.

La gramática aparentemente vacua de su directora, así como esa a menudo impertinente alternancia entre ficción y realidad, entre formatos estéticos que van de la videocámara de los noventa al formato digital de la narración, hacen que resulte difícil entrar en la dinámica de esta película, que sin embargo, y poniendo algo de nuestra parte, acabará enganchando e involucrándonos en lo que no parece sino una tragedia anunciada, con una conversación del padre de ficción con el padre natural de la actriz protagonista quizás como punto clave. Todo ello como línea de partida para una personalidad para siempre influida por la figura de un padre ausente que una vez se apareció como un fantasma.

LA CASA ENTRE LOS CACTUS Una buena historia mal desarrollada

España 2022 88 min.
Dirección Carlota González-Adrio Guion Paul Pen, según su propia novela Fotografía Kiko de la Rica Música Zeltia Montes Intérpretes Ariadna Gil, Daniel Grao, Ricardo Gómez, Zoe Arnao, Aina Picarolo, Anna Ruis Solera, Carla Ruiz Solera, Judith Fernández, Marga Arnau Estreno 16 septiembre 2022

Hay una buena historia en este debut en el largometraje de la directora catalana Carlota González-Adrio, pero aunque su guion lo firma el propio autor de la novela en que se basa, decepciona su desarrollo. Agradecemos las películas con una duración standard de hora y media, tantas veces traicionada por ambición y para no dar más que vueltas sobre lo mismo. Pero aquí precisamente el metraje se pierde entre mohines e imposturas que aportan poco a una trama cuya consistencia exige más convicción, más datos y más información, por no decir la cantidad de detalles que escapan a la lógica.

Es una pena porque, repetimos, hay una buena historia dentro, que se va desgranando partiendo de situaciones tópicas y mil veces vistas para ir desembocando en una trama más compleja y atrevida, representando así a la perfección aquello de que nada es lo que parece. Sin embargo se acumula impostura, sobre todo en un primer tercio en el que las relaciones familiares se presentan poco naturales, y la ambientación en los setenta y en pleno corazón de Gran Canaria no hacen sino redundar en ese toque a lo vírgenes suicidas que parece querer darse al conjunto. Ese desarrollo decepcionante e insuficiente hace que la inquietud decaiga por momentos, que hayan continuas caídas de tensión y que, finalmente, la empresa naufrague por una considerable falta de cohesión entre todas sus evidentes artimañas.

Es el problema de ser pretenciosos, y González-Adrio lo demuestra con su caligrafía pausada y presuntamente de qualité, rodeándose además de importantes valores como Kiko de la Rica en su esmerada fotografía o Zeltia Montes en su esta vez más discreta aunque casi omnipresente partitura. En el apartado de las interpretaciones, Ariadna Gil resulta poco creíble, algo más se lo trabaja Daniel Grau y poco se deja a Ricardo Gómez para lucirse, mientras las niñas se limitan a resultar monas y dulces.

UN AMOR INTRANQULO Desequilibrio dramático y narrativo

Título original: Les intranquilles
Bélgica-Luxemburgo-Francia 2021 118 min.
Dirección Joachim Lafosse Guion Lou Du Pontavice, Juliette Goudot, Joachim Lafosse, Chloé Leonil, Anne-Lise Morin y François Pirot Fotografía Jean-François Hensgens Música Olafur Arnalds Intérpretes Leïla Bekhti, Damien Bonnard, Gabriel Merz Chammah, Patrick Descamps, Jules Waringo, Alexandre Gavras, Joël Delsaut Estreno en el Festival de Cannes 16 julio 2021; en Francia 29 septiembre 2021; en Bélgica 6 octubre 2021; en España 11 febrero 2022

Siempre a la búsqueda de temas transcendentales para el ser humano, los efectos inmobiliarios de una crisis familiar en Después de nosotros, la intervención humanitaria en una guerra civil africana en Los caballeros blancos o el redescubrimiento de un hijo en Continuar, el realizador belga Joachim Lafosse regresa con Los intranquilos a esa Pérdida de la razón que le dio mayormente a conocer hace ahora una década.

Si en aquella película los encuadres incómodos no lograban reflejar eficazmente el proceso de deterioro psicológico de una joven, las elipsis y un notable desequilibrio entre el tiempo que el director y su nutrido equipo de guionistas, entre los y las que suponemos se encontrarán varias personas especialistas en la materia, dedican a mostrar al problema de bipolaridad que sufre un artista y padre de familia, y el que dedican a su difícil proceso de estabilización, malogra en este caso la efectividad de un trabajo que tiene en sus intérpretes y una inagotable colección de episodios domésticos delicados su principal baza. Por si fuera poco se resuelve con una incomprensible elipsis el cambio de actitud de la esposa y si viene motivada por la fatiga y la desesperación, ya que en ningún momento una enfermedad mental podemos considerarla contagiosa.

Bekhti y Bonnard se dejan la piel en esta incómoda y difícil crónica de una crisis familiar motivada por la enfermedad mental, lo que les ha valido sendas nominaciones al César, pero es el niño Gabriel Merz Chammah quien gracias a la pericia del director concita el mayor número de situaciones irrespirables que tanto marcan una personalidad a tan temprana edad, y el abuelo incorporado por Patrick Descamps el que mejor refleja la sordidez y la desolación de una situación semejante. Por lo demás son demasiadas las redundancias dramáticas en las que incurre la película, mientras lamentamos no se haya puesto más interés en desarrollar esa difícil y relativa recuperación y los efectos que provoca en un matrimonio que a priori parece estar tan unido y compenetrado.

TODO HA IDO BIEN Cita con la muerte

Título original: Tout s’est bien passé
Francia 2021 112 min.
Guion y dirección François Ozon, según la novela de Emmanuélle Bernheim Fotografía Hichame Alaouié Intérpretes Sophie Marceau, André Dussollier, Geraldine Pailhas, Charlotte Rampling, Hanna Schygulla, Grégory Gadebois, Éric Caravaca, Judith Magre, Jacques Nolot, Daniel Mesguich, Nathalie Richard Estreno en el Festival de Cannes  julio 2021; en Francia 22 septiembre 2021; en España 28 enero 2022

Tenemos la impresión de que el público y la crítica han tratado mal a esta película, o no la han entendido o hemos visto en ella cosas diferentes. Para empezar se dice y repite hasta la saciedad que su director, el afamado responsable de En la casa y las recientes Gracias a Dios y Verano del 85, no se posiciona ante el grave problema que plasma en esta película, la eutanasia. Tenemos en este punto una apreciación completamente divergente, considerando que no solo que se posiciona a favor sino que la banaliza y aboga por una sociedad mejor y más moderna en la que estas cuestiones no debieran ni plantearse, liberarnos aun más de la herencia castradora religiosa y sentirnos más dueños de nuestro cuerpo y destino.

En esta adaptación de las memorias autobiográficas de la escritora Emmanuélle Bernheim, a quien da vida con enérgica convicción una recuperada Sophie Marceau, quien fuera princesa en Braveheart y chica Bond en El mundo nunca es suficiente, su padre, un soberbio André Dussollier, acuerda una cita con la muerte que le libere de una vejez dependiente, sin que para ello tenga que ser el vegetal al que habitualmente se asocia esta todavía delicada cuestión en películas cruciales como Mar adentro o Million Dollar Baby, ambas de 2004. Ozon trata el tema, su argumento y personajes sin la carga melodramática que se le supone, con respeto y énfasis en las notas de humor y de color que la transitan, sin renunciar a la denuncia política y la apelación al amor familiar y la humanidad global.

El resultado es un film tan sobrio como humorísticamente sorprendente y saludable. Ozon y el libro en el que se basa se desarrolla en los siempre agradecidos ambientes burgueses en los que suenan Brahms, Schubert y Mozart y todo el mundo lee o al menos tiene suntuosas bibliotecas en sus elegantes domicilios. Pero esta vez ese detalle funciona más como ingrediente de esa misma denuncia política que como atractivo añadido a un film que se debería ver con la conciencia tranquila y los prejuicios a buen resguardo. La constatación de que los personajes homosexuales cada vez se introducen mayor naturalidad, sin necesidad de justificar una historia de amor imposible o salida del armario, es otro de los alicientes de una película a nuestro juicio incomprendida, que exorciza la tan temida muerte para otorgarle ese privilegiado significado de descanso y paz al que realmente deberíamos asociarla.