CABILDO DE AMY BEACH: EL ENCANTO DE LO SENCILLO

Ópera de cámara en un acto de Amy Beach. Libreto de Nan Nagby Stephens. Carmen Martínez-Pierret e Israel Fausto, dirección artística. Blanca Trabalón, dirección musical y piano. Ainhoa Amestoy, dirección escénica. Macarena Martínez, violín. Israel Fausto, violonchelo; y las voces de Alba Chantar, Aurora Galán, Marcelo Solís, Alonso Cano y Ricardo Llamas. Proyecto de formación de jóvenes cantantes. Programa completado con Trío Op. 150, For My Love Op. 51 nº 4, La belle Layotte y When My Soul Is Joined to Soul Op. 62. Sala Manuel García del Teatro de la Maestranza, sábado 7 de marzo de 2026

Aurora Galán, Alonso Cano, Marcelo Solís y Alba Chantar

La seducción que en la literatura romántica ha provocado el mundo de la piratería en mujeres especialmente insatisfechas por ser obligadas a reprimir su sexualidad, estimuló a la compositora estadounidense de finales del XIX y principios del XX a la hora de componer su única ópera. Una seducción de la que también el cine se ha hecho eco en multitud de ocasiones, como la fascinante El pirata y la dama que Mitchell Leisen dirigió en 1944, una de tantas joyas que integran su extensa filmografía, con títulos imprescindibles como Medianoche, Si no amaneciera, Recuerdo de una noche o la inimitable Vida íntima de Julia Norris.

Mujeres que sufrieron no poder vivir su sexualidad en libertad y que encontraron en la literatura de aventuras y romance una vía de escape para soñar y dar rienda suelta a sus frustraciones. En ese campo se basó Beach para componer una ópera de cámara que no se estrenó hasta unos meses después de fallecer la autora, y que ahora recuperan felizmente los artífices del ciclo Rasgando el silencio.

Carmen Martínez-Pierret e Israel Fausto han logrado así poner en pie, aunque sólo sea en versión semi escenificada, esta pieza que nunca antes se había estrenado en Europa, y del que existe un registro discográfico grabado en directo en el ciclo Great Performers at Lincoln Center en mayo de 1995. Han sido cinco años en los que Martínez-Pierret y Fausto han recuperado, con la colaboración inestimable del Teatro de la Maestranza, siempre en su sala Manuel García, la memoria de mujeres compositoras cuyo trabajo ha sido menospreciado y a menudo eclipsado. Cabildo de Amy Beach se ha erigido este viernes y sábado pasados en testimonio indiscutible de la fuerza y voluntad de estas heroínas.

Sencillez de base y resolución

Una fina y elegante sencillez fue la característica común a la obra y su representación, con una base instrumental constituida por piano, violín y violonchelo, tal como dejó escrito su autora, y un elenco vocal joven y entusiasta que puso toda la carne en el asador para llevar a buen puerto tan ilusionante proyecto de marcado acento andaluz.

Alonso Cano como el pirata Pierre Lafitte

Unos turistas visitan a principios del siglo XX el Cabildo, antiguo ayuntamiento colonial español en Nueva Orleáns que después pasó a convertirse en prisión, y allí estuvo encerrado el seductor pirata Pierre Lafitte, con quien una de las turistas tendrá un sueño revelador. Otro romance imposible con una dama de clase alta fue el detonante de su encarcelamiento, acusado de hundir su barco y matar a su amante para ocultar el presunto robo de un brazalete. Pero sus habilidades servirán al general Jackson, después presidente de Estados Unidos, para defender la ciudad en plena Guerra de la Independencia. Esos objetivos servirán al fantasma de su amada dama, en modo Cumbres borrascosas, para que el pirata acepte la libertad y se erija en héroe de guerra.

Con este argumento, Beach articuló una delicada y hermosa partitura, que los responsables de Rasgando el silencio prologaron con una semblanza de la autora, personificada en nuestra querida Aurora Galán, tan vinculada a proyectos imprescindibles como la Escolanía de Los Palacios o la Compañía Sevillana de Zarzuela. Tres canciones íntimamente relacionadas con la música de la ópera, entre ellas la criolla La Belle Layotte, fueron entonados por la soprano con un fuerte halo lírico algo apartado de la ligereza que demandaba la particular estética de estas piezas.

Y tras el Trío op. 150, hábil combinación entre impresionista y neorromántica, con el que Blanca Trabalón, directora musical y pianista en sustitución de Martínez-Pierret, que desafortunadamente para ella sufrió una lesión que le impidió participar en el evento, dejó clara su delicadeza y refinamiento al instrumento. Le acompañaron en iguales condiciones, vuelo lírico y estilo acondicionado, Israel Fausto al violonchelo y una espléndida Macarena Martínez al violín.

Macarena Martínez, Blanca Trabalón e Israel Fausto

Ainhoa Amestoy encaró la producción con ropajes prácticos y una escueta escenografía, apenas un banco donde echarse la siesta, y una dramaturgia sencilla que quedó perfectamente expuesta con la ayuda de subtítulos, lo que hizo que su apasionado argumento se siguiera con facilidad. El elenco vocal aportó frescura y profesionalidad, destacando la voz aterciopelada de la rondeña Alba Chantar en su doble papel de turista soñadora y dama aristocrática, así como el vozarrón del barítono de artístico nombre barroco, Alonso Cano, como el enamorado pirata.

Juntos entonaron un apasionado dúo final en la línea de los primeros musicales estadounidenses, con referencia obligada a Sigmund Romberg, Rudolf Friml o Jerome Kern, después de habernos ofrecido alrededor de media hora de canto mayoritariamente recitado y música frecuentemente atonal, salpicada de recurrentes disonancias. La voz contundente del bajo-barítono Ricardo Llamas y menos autoritaria del también rondeño Marcelo Solís, además de la intervención también como turista de Aurora Galán haciendo acopio de potencia, buena proyección y timbre sedoso, lograron redondear esta feliz cita con el trabajo de otra mujer que abrió caminos. Mujer trabajadora que hoy merece nuestra felicitación, como todas las que lo son.

Fotos: Guillermo Mendo
Artículo publicado en El Correo de Andalucía

DIE MY LOVE Irritante psicodrama

USA 2025 118 min.
Dirección Lynne Ramsay Guion Lynne Ramsay, Enda Walsh y Alice Birch, según la novela de Ariana Harwicz Fotografía Seamus McGarvey Música Raife Burchell, Lynne Ramsay y George Vjestica Intérpretes Jennifer Lawrence, Robert Pattinson, Sissy Spacek, Lakeith Stanfield, Nick Nolte Estreno en el Festival de Cannes 17 mayo 2025; en Estados Unidos 7 noviembre 2025; en España 14 noviembre 2025

Especializada en dramas psicoanalíticos, la realizadora británica Lynne Ramsay espacia mucho sus proyectos. Entre Tenemos que hablar de Kevin y En realidad nunca estuviste aquí pasaron seis años, y entre ésta y la que nos ocupa, ocho. La maternidad y la insatisfacción sexual se convierten en esta adaptación de una novela de cierto éxito, en tema para proponer una cita experimental en la que el desquicie de una mujer, y también de su pareja, un insufrible Robert Pattinson, se combina con secuencias oníricas, un montaje frenético y cierta sucesión de disparates que provocan también la desconexión desde prácticamente el arranque de la función.

De poco sirve pues que Jennifer Lawrence se entregue en cuerpo y alma a su cometido, desnudándose física y psicológicamente y prestándose a multitud de vejaciones con el fin de provocar en un espectador distraído y desinteresado, una pulsión anímica que se parezca lo más posible a la frustración experimentada por su atormentada protagonista. En este apartado tenemos que reconocer que, dentro de su extremista pesonaje, Lawrence logra cierta compostura sin entregarse a la sobreactuación prácticamente en ningún momento. Nada de esto sirve sin embargo a su cometido, mientras lo único que provoca es que miremos el reloj continuamente y luchemos por no quedarnos dormidos.

Que aparezca episódicamente Nick Nolte de poco sirve, pues apenas se le reconoce y a menos que la veamos con los deberes hechos, debido a la ausencia de créditos iniciales, una absurda moda que ya se alarga demasiado, no nos hacemos eco de su presencia en tan irritante película. Otro rescate de última hora cuando con lo poco que prometía cuando se estenó, decidimos obviarla. Ramsay, responsable también en parte de la banda sonora, se permite cantar en los créditos finales del clásico de Joy Division Love Will Tear Us Apart, en una versión tan olvidable como la propia película.

SEFF 2025. MOTHER Un carácter duro

Macedonia-Suecia-Bélgica-Dinamarca 2025 104 min.
Dirección Teona Strugar Mitevska Guion Goce Smilevski, Teona Strugar Mitevska y Elma Tataragic Fotografía Virginie Saint-Martin Música Magali Gruselle y Flemming Nordkrog Intérpretes Noomi Rapace, Sylvia Hoeks, Nikola Ristamovski, Iskin Corapci, Marijke Pinoy, Labina Mitevska Estreno en el Festival de Venecia 27 agosto 2025

En su cine, la macedonia Teona Strugar Mitevska parece querer analizar la particular relación de la mujer con la Iglesia Católica, para poner en entredicho las limitaciones y la posición que ésta le reserva. Lo hizo en Dios es mujer y se llama Petrunya, galardonada en Sevilla con el premio a la mejor actriz para Zorica Nusheva, y vuelve a hacerlo en esta película que no supone una biografía de la multirreconocida Madre Teresa de Calcuta, sino más bien un retrato de su miseria moral, y hasta cierto punto crueldad, desde un punto de vista estrictamente feminista, en los siete días que precedieron a su marcha del convento irlandés de Loreto, en pleno Calcuta, para fundar su propia orden volcada en la pobreza más absoluta y la ayuda extrema al más necesitado.

En estos días se le presenta un dilema moral que no es capaz de solventar desde un prisma más sensible y humanitario, sino desde los postulados y dogmas eclesiásticos, chocando incluso con las profundas reflexiones de un sacerdote al que, sin embargo, admira profundamente desde el punto de vista humanitario.

Todo esto lo propone Mitevska con una puesta en escena pretendidamente rompedora, introduciendo la función a ritmo de música heavy y haciendo uso de una gráfica austera y gigantesca. Noomi Rapace, que toma el relevo de Geraldine Chaplin y Olivia Hussey, que interpretaron a la protagonista en cine y televisión respectivamente, en producciones mucho más clásicas y académicas, ofrece un trabajo sólido y hasta cierto punto extenuante, mientras el conjunto se observa con menos interés del que demanda su inquieta responsable.

SEFF 2025. LA VIDA FUERA Libertad fuera de control

Título original: Fuori
Italia-Francia 2025 117 min.
Dirección Mario Martone Guion Ippolita Di Majo y Mario Martone Fotografía Paolo Carnera Música Valerio Vigliar Intérpretes Valeria Golino, Matilda De Angelis, Elodie, Corrado Fortuna, Sonia Zhou Fenxia Estreno en el Festival de Cannes 20 mayo 2025; en Italia 22 mayo 2025

Sólo unos minutos durante los títulos de crédito finales de la película, esos a los que sólo algunas personas dedican su dorado tiempo, podemos comprobar cómo la figura de Goliarda Sapienza resulta mucho más compleja e interesante de lo que es capaz de reflejar este film protagonizado por una a ratos lúcida, otros taciturna, Valeria Golino. Escritora de ideas progresistas, fue actriz y escritora antes de acabar con sus huesos en la cárcel por robar joyas a una amiga suya. Sólo póstumamente logró publicar su obra más difundida hasta el momento, El arte de la alegría, y hoy la consideran en su país la mejor escritora italiana de todos los tiempos.

El film cuenta sus correrías junto a otras compañeras de reclusión liberadas, durante el verano de 1980 en una Roma minuciosamente recreada para la ocasión. Pero lo que a priori prometía ser una interesante semblanza de su figura y genio, acaba paulatinamente naufragando merced a su escasa entidad dramática, que no salvan ni la protagonista de Rain Man, ni la presencia arrolladora de una a menudo desquiciada Matilda De Angelis, ni tan siquiera una serie de episodios moderadamente divertidos por su insólita resolución.

Al final queda lo de siempre, mujeres retratadas con cierto aire desequilibrado, además de una tesis sobre el empoderamiento y la fuerza de la mujer encarcelada frente a la flaqueza en libertad, propiciada por el machismo imperante, que Mario Martone y su equipo no son capaces de plasmar en su verdadera y convincente dimensión.

ADORABLE Otro retrato de mujer inestable emocionalmente

Título original: Elskling
Noruega 2025 101 min.
Guion y dirección Lilja Ingolfsdottir Fotografía Oystein Mamen Intérpretes Helga Guren, Oddgeir Thune, Kyrre Haugen Sydness, Heidi Gjermundsen, Marte Magnusdotter Solem, Elisabeth Sand, Maja Tothammer-Hruza Estreno en el Festival de Karlovy Vary 2 julio 2024; en Noruega 11 octubre 2024; en España 3 octubre 2025

Un año después de su estreno en Noruega, nuestro país recupera esta película traduciendo el título internacional inglés en lugar del original Cariño. De cualquier forma, sea cariño o adorable, el título parce responder a una intención puramente irónica, por cuanto presenta a una mujer muy inestable, insoportable, que fracasa en cualquiera de las relaciones sentimentales y familiares que se le ofrezcan, ya sea con un marido tipo modelo publicitario al que no logra retener, sus hijos, potenciando esa maldad que se supone a la adolescencia, o incluso su madre. Nos encontramos por lo tanto de nuevo ante ese, a nuestro juicio, malentendido sentido de responsabilidad de la mujer, que si no es bruja es enferma mental o posee cualquier otro defecto inconfesable.

Su particular calvario, penitencia y redención, sirve a la debutante realizadora Lilja Ingolfsdottir, ampliamente curtida en el cortometraje, para obtener el reconocimiento casi unánime de la crítica y los premios especializados. Puede que seamos nosotros quienes erremos en nuestra apreciación de lo que es verdaderamente justo para la mujer, y desde luego no negamos que pueda ser inestable, caprichosa y todo lo malo que se nos antoje, pero despreciamos que sea casi siempre esto lo que se subraye en aras a conseguir todo lo contrario, que empaticemos con su condición y problemática.

Puede que sobrellevar cargas familiares, renunciar a una carrera profesional y sufrir la ausencia de una pareja continuamente de viaje por motivos laborales, acabe con su paciencia y le proporcionen ese carácter insufrible que exhibe la protagonista, y que Helga Guren afronta con todo tipo de gestos y mohines. Todo esto sería válido si supiésemos algo más de su pasado, sin que también su madre sentencie un comportamiento egoísta, nada generoso, evidenciado también en sus crónicas de cuando apenas era una niña. Cámara en mano, a menudo nerviosa, estirando ese estilo nórdico tan gastado, completa este desaguisado que a algunos, sólo unos pocos, no nos ha convencido en absoluto.

DIAMANTI El costurero de las reinas

Italia 2024 135 min.
Dirección Ferzan Ozpetek Guion Gianni Romoli y Ferzan Ozpetek Fotografía Gianfilippo Corticelli Música Giuliano Taviani y Carmelo Travia Intérpretes Luisa Ranieri, Jasmine Trinca, Vanessa Scalera, Sara Bosi, Geppi Cucciari, Aurora Giovinazzo, Milena Mancini, Stefano Accorsi, Anna Ferzetti, Vinicio Marchioni, Edoardo Purgatori, Carmine Recano, Paola Minaccioni, Elena Sofia Ricci, Lunetta Savino, Carla Signoris, Kasia Smutniak, Milena Vukotic, Loredana Cannata, Lorenzo Franzin, Nicole Grimaudo, Valerio Morigi, Dario Samac Estreno en Italia 19 diciembre 2024; en España 4 julio 2025

Ferzan Ozpetek (El baño turco, El hada ignorante o la más reciente Nuovo Olimpo) reúne a un espléndido elenco de actrices italianas y les propone un emotivo proyecto en el que el amor al cine y a las mujeres que lo hace posible, se cruzan en un taller de costura de principios de los años setenta del pasado siglo, especializado en confeccionar el vestuario de producciones cinematográficas y teatrales, y por lo tanto a trabajar con divas de la interpretación.

Un film por lo tanto de esos que rinden un tributo especial, lleno de cariño y nostalgia, en este caso a una profesión y una condición de género. Pero no queda ahí la idea, sino que el director de origen turco se empeña en darle la vuelta a la situación en general de las mujeres de la época, y de cada una en particular a través de sus anécdotas individuales, regalándoles el poder de decisión y dirección de sus vidas, y convirtiendo a los jóvenes que les rodean, secretarios, transportistas, trabajadores en general, no importa la edad que ellas tengan, en el mismo juguete sexual que las mujeres fueron en la vida real durante siglos, no importa la edad que ellos tuvieran.

Un giro de realidad que se eleva entre lo más interesante de un film que resulta demasiado impostado en la sucesión de situaciones que propone, y que persigue ese toque melancólico y elegante que acaba convirtiéndose en afectación y estéril sentimentalismo. El recuerdo a los grandes cineastas de la época, Visconti y Fellini a la cabeza, y los y las grandes diseñadoras de vestuario que lo ataviaron, se convierte, junto a la estimulante presencia de un elenco interminable, en lo más atractivo del film.

ELLAS EN LA CIUDAD Mina, Juani, Victoria y otras chicas de valor

España 2025 70 min.
Dirección Reyes Gallegos Guion Reyes Gallegos y Rafael Cobos Fotografía Alejandro Toro, Sergio Caro y Hugo Cabezas Música María Durán y Novia Pagana Documental Estreno en Movistar Plus+ 22 mayo 2025

Como persona inquieta e interesada en la imagen urbanística de su ciudad, Sevilla, la arquitecta Reyes Gallegos dirige en primera persona, recorriendo los barrios periféricos de la ciudad, este sensible e imprescindible documental sobre la transformación de estos espacios gracias al trabajo, la fuerza y la ilusión de las mujeres que los pueblan. Una idea que parte de ella misma en colaboración con el guionista habitual de Alberto Rodríguez, Rafael Cobos, y que cristaliza en una valiosa obra de recuperación de memoria histórica, ese concepto que la derecha está tan empeñada en borrar, para hacer justicia a esas mujeres anónimas que se convirtieron en verdaderas artífices de la humanización de esta ciudad, trasladable a cualquier otra del país. El film pone por lo tanto el acento en un puñado de mujeres valientes y resueltas, que llegaron a esos barrios que el tardo franquismo vendió como símbolo de modernización, dejando claro que no se trataba más que de no lugares invadidos por el hormigón pero sin las mínimas infraestructuras para generar vida y proporcionar calidad. Mujeres que encargadas de cuidar de la familia y hacer vida exclusivamente en esos inhóspitos barrios, dedicaron su esfuerzo y sacrificio en dotarlos de recursos para hacer de ellos una convivencia social digna.

No fueron noticia, la medalla como siempre se la colgaron los miserables políticos, esos machos cabríos del momento, pero sin ellas no habría centros sociales, ni bibliotecas, ni espacios educativos y deportivos… todo lo que fueron reivindicando y por lo que dedicaron su causa. Mujeres a quienes la pobreza y el género condenaron a la ignorancia. ¡Cuántas científicas, profesoras, artistas, economistas, arquitectas, médicas o abogadas, por citar algunas profesiones, se perdieron por el camino! ¡Cuánta frustración parcialmente aliviada gracias a este trabajo de equipo y esa ilusión compartida que se ha convertido en la mejor herencia para las nuevas generaciones, muchos de cuyos integrantes parecen obviarlo e incluso despreciarlo, exhibiendo comportamientos infames e ingratos frente a quienes demostraron una humanidad y un sentido cívico fuera de lo común.

Gallegos no se conforma con dar testimonio e imagen a estas heroínas anónimas, sino que embellece su trabajo con cuidados recursos cinematográficos como la pantalla partida o una trabajada banda sonora, mientras siguen siendo ellas las protagonistas de este valioso trabajo, emotivo y emocionante. Victoria Ropero, Juana Ruiz o la fallecida Guillermina Elías, mujer agitadora conocida como Mina, a quien nada se le ponía por delante y a quien finalmente se dedicó una plaza en la barriada de San Diego, son algunas de estas valerosas luchadoras, amazonas de la humanización de nuestro entorno. Alcosa, Rochelambert, La Oliva, Pino Montano, Polígono San Pablo… les deben tanto. Ya era hora de que las conociéramos y les pusiésemos en el lugar que les corresponde. Ellas son las verdaderas santas y vírgenes y no esas otras a quienes tanto se rinde esta ingrata ciudad. Va siendo hora de dejar la Biblia de lado y prestarle más atención a estas mujeres de carne y hueso, pues como dice una de ellas, todo empezó con Cristo.

LOS TORTUGA Perdidas y desenfocadas

España 2024 109 min.
Dirección Belén Funes Guion Belén Funes y Marçal Cebrian Fotografía Diego Cabezas Música Paloma Peñarrubia Intérpretes Antonia Zegers, Elvira Lara, Mamen Camacho, Sebastián Haro, Guillermo Barbosa, Lorena Aceituno, Jordi Pérez Estreno en el Festival de Toronto 5 septiembre 2024; en salas 23 mayo 2025

Cinco años han pasado desde La hija de un ladrón, el celebrado debut en la dirección de largometrajes de la realizadora catalana Belén Funes, y casi nueve meses desde que esta su segunda película se estrenase en ese escaparate de temporada mundial que es el Festival de Toronto. Entre medias participó en la prescindible serie de televisión La ruta, ambientada en las discotecas del Levante durante la década de los noventa del pasado siglo, y ha cosechado tres importantes premios en la última edición del Festival de Málaga, el Especial del Jurado y los de mejor dirección y guion. Y con ese importante palmarés ha desembarcado por fin en la cartelera del país, logrando de nuevo el beneplácito de prácticamente la totalidad de la crítica española. Un parecer que no logramos compartir una vez comprobado que nos irrita tanto como lo hizo su ópera prima, por cuanto no encontramos la forma de empatizar con sus personajes y no vemos cuál pueda ser el objetivo y la determinación de su artífice a la hora de plantearnos la aparentemente difícil relación entre una madre y una hija que propone el film.

Para empezar, el título, referido a quienes desde ese sur al que el régimen sumió en la pobreza más absoluta para beneficiar a quienes más difícil ponían la continuidad de la dictadura, emigraban al norte o a Europa en busca de oportunidades con toda la casa a cuesta, como las tortugas, queda traicionado en una película que no trata directamente de ellos y ellas, sino de una ausencia que determina el bienestar, el futuro y la esperanza de estas dos mujeres. Funes de esta forma vuelve a incidir en la dependencia de sus mujeres en el referente masculino, poniendo el acento y el énfasis en el duelo que madre e hija experimentan, cada una a su manera, pero siempre de forma irritante y desvariada, frente al hombre que desaparece. Y en ese contexto retrata el campo del sur, la importancia ahí de la familia, pero también de las supersticiones y la superchería, cerrándonos la puerta a esa modernización de la que con justicia tan a menudo hacemos gala. También retrata, con más sentido del tópico que de otra cosa, la deshumanización urbana, donde tiene cabida la especulación y el desahucio, pero donde la camaradería entre compañeras de oficio, puede sustituir la falta del cariño familiar… otro tópico.

Pero la directora tiene buen oficio y sabe enganchar, a pesar de estas dificultades de sintonía y razón, llegando a involucrarnos en la peripecia emocional de estas dos mujeres, estupendamente interpretadas por la veterana actriz chilena Antonia Zegers y la verdadera revelación de la película, la joven Elvira Lara, pero cuyos personajes tan a menudo están sometidos a reacciones absurdas y chirriantes, siempre con esa ausencia como justificación, lastrando cualquier posibilidad de enaltecimiento del género, una vez más voluble y al borde del abismo sentimental, como si siguiéramos anclados en pleno siglo diecinueve. Mención aparte merece el enorme desagrado que nos merece ver tanto personaje, femenino siempre, fumando como hacía tiempo no veíamos en pantalla. Quizás una forma, como el alcohol, de huir de sus aparentemente mieserables vidas... más tópicos. Así las cosas, lo que más nos ha cautivado es la capacidad de mostrar varios tipos de vida a través de su generoso catálogo de personajes, las de quienes lo tienen todo por delante, las bloqueadas, las gastadas y las que han perdido toda esperanza.

Estreno en salas de VERMIGLIO

 Reseña de la película, estrenada en el Festival de Cine Europeo de Sevilla el 9 de noviembre de 2024

SEFF 21 (2024) VERMIGLIO Destinos de mujer de otra época

Italia-Francia-Bélgica 2024 119 min.
Guion y dirección Maura Delpero Fotografía Mikhail Krichman Música Matteo Franceschini Intérpretes Tommaso Ragno, Roberta Rovelli, Martina Scrinzi, Giuseppe De Domenico, Carlotta Gamba, Orietta Notari, Santiago Fondevila, Rachele Potrich, Anne Thaler, Patrick Gardner Estreno en el Festival de Venecia 2 septiembre 2024; en España 14 febrero 2025

Rodada con delicadeza y un gusto exquisito, la joven directora italiana Maura Delpero integra en este drama rural ambientado en los Alpes italianos a finales de la Segunda Guerra Mundial, algunos de los temas que ya abordó en una anterior película bajo bandera argentina, Maternal, aquí titulada Hogar. La religión, los hábitos y, sobre todo, la maternidad, son temas fundamentales en esta película realizada y degustada con delectación y sentido de la observación. Como si de un film de otra época se tratara, pero sin caer en la tentación de compararla con los Taviani ni con Ermano Olmi, Delpero nos sumerge en el seno de una familia numerosa, cuyo padre maestro equilibra su condición granjera para otorgarles cierta exquisitez existencial, música de Chopin y Vivaldi incluidas. Sin embargo, lo que más se pone de manifiesto es la incapacidad de la mujer socialmente encorsetada para alcanzar cotas muy altas, atrapada en un destino infame que se limita entre las paredes de un convento, la procreación sin planificación, la servidumbre en otros hogares o, en el mejor de los casos, completar estudios con la ayuda de instituciones religiosas. Incluso la textura de la fotografía, obra de Mikhail Krichman, habitual de las películas de Andrey Zvyagintsev, está cuidadosamente estudiada para transmitir esa sensación de cine de otra época que ilumina historias que también lo son.

LOS PEQUEÑOS AMORES Frágiles y vulnerables

España-Francia 2024 95 min.
Guion y dirección Celia Rico Clavellino Fotografía Santiago Racaj Intérpretes María Vázquez, Adriana Ozores, Aimar Vega, Miguel Ángel González, Camille Figuereo, David Aguilar Estreno en el Festival de Málaga 4 marzo 2024; en cines 8 marzo 2024

La vida cuesta. Encontrar el impulso que nos haga levantarnos cada mañana con ilusión está a disposición de una minoría. A veces los pequeños traumas, las pequeñas miserias pesan mucho para afrontar la rutina en la que la mayoría hemos convertido nuestra vida. Después de sacar brillo a Lola Dueñas y Anna Castillo en su ópera prima, Viaje al cuarto de una madre, con un retrato áspero y a la vez conmovedor de una madre anclada en las costumbres de un pueblo y su hija más abierta al horizonte, la sevillana Celia Rico consigue mejorar todavía más aquella delicada película con otra relación materno filial, esta vez aún más sutil y aparentemente sencilla si cabe.

En su guion y su realización no parece estar contando mucho, de hecho apenas hay argumento, y todas las personas que vamos a verla lo conocemos de antemano. Una mujer de avanzada edad vive sola en su casa de campo, sufre un pequeño accidente y necesita la ayuda de su hija entrada en los cuarenta, que debe sacrificar sus vacaciones de verano para prestar la atención debida a su progenitora, con la que hace tiempo que apenas tiene un roce continuado. A partir de aquí asistimos a una serie de emociones y sensaciones, fáciles de distinguir y de compartir, que nos lleva a preguntarnos por las decisiones tomadas, la necesidad de compartir o no nuestra vida con otros seres queridos, las relaciones a distancia, siempre tan difíciles, a las que nos unimos con lo que sea, una playlist por ejemplo... Tantos y tantos ingredientes que nos hacen preguntarnos por nuestra razón de existir, hasta entender que el roce y la relación pueden limar asperezas y descubrir que a veces esa razón que buscamos la tenemos cerca, y que hay amores que desde luego nunca decepcionan, y decisiones que en muchas ocasiones responden al corazón más que a la cabeza, y no nos queda más remedio que asumir sus consecuencias.

Todo esto lo explica Rico en un contexto de mujeres independientes, magistralmente interpretadas por una contenida María Vázquez y una contundente Adriana Ozores merecidamente premiada en Málaga. Mujeres afortunadamente lejos de aquellas mal consideradas heroínas de antaño que se empeñaban en mostrar a la mujer como un ser sacrificable y sometida a la supremacía masculina. Pero son tambén mujeres frágiles y vulnerables, algo que no escapa del alcance también de los hombres.

CREATURA El sexo robado

España 2023 112 min.
Dirección Elena Martín Gimeno Guion Elena Martín y Clara Roquet Fotografía Alana Mejía González Música Clara Aguilar Intérpretes Elena Martín, Oriol Pla, Álex Brendemühl, Clara Segura, Clàudia Dalmau, Mila Borrás, Marc Cartanyà, Carla Linares, Teresa Vallicrosa Estreno en el Festival de Cannes 20 mayo 2023; en España 8 septiembre 2023

Tras varios trabajos como actriz y/o realizadora en cortometrajes, películas y series de televisión, Elena Martín saltó a la dirección de largometrajes hace cinco años con Júlia ist, un trabajo impreciso y rudimentario pero con cierta personalidad, en el que la actriz y directora analizaba el proceso de cambio de una joven algo tímida y reservada tras su paso por el programa Erasmus en un Berlín no tan fascinante ni creativo como cabía esperar. Con una notable madurez a sus espaldas, ahora presenta un film mucho mejor acabado y con una intención más afilada, la de mostrar el grado de insatisfacción sexual al que una mujer ha sido condenada a lo largo de tantos siglos de represión y mala educación, todavía perceptible en determinados ambientes burgueses como el que retrata en su segundo film, casa familiar rural con encanto incluida.

Mila, la protagonista de su película, sufre a lo largo de su todavía corta vida, representada en tres momentos significativos de ella, la niñez, la adolescencia y la madurez profesional y sentimental, las coacciones y convenciones a las que la sociedad le ha condenado. Incapaz como niña de comprender cuáles son los límites a la exploración de una sexualidad cuyo descubrimiento podría ser mucho más saludable y reconfortante a tan temprana edad, Mila sufre después los ataques machistas y misóginos de propios y extraños cuando apenas coge impulso para satisfacer los mismos deseos a los que los hombres siempre hemos tenido derecho. Ya se sabe, hombre que folla mucho, machote; mujer, puta. Así, con el mismo descaro y sordidez con que lo defino, lo sufre ella. Y para dejar constancia simbólica de todo este proceso de íntima frustración, la joven sufre una urticaria fruto quizás del estrés, o más bien de esa frustración que deriva de la incomprensión.

Martín logra un trabajo depurado, muy trabajado a todos los niveles, como consta en el sofisticado uso del sonido, ya apreciable en su anterior trabajo, sobre todo cuando hacía aparición la música electrónica en clubes y garitos. Pero es en el metraje donde se le va la mano, exhibiendo cierta reiteración innecesaria que se podría haber ahorrado con un discurso más preciso y simplificado, y media hora menos de duración. Con todo, la cinta le ha valido el Premio a la mejor película europea en la Quincena de realizadores del pasado Festival de Cannes.

MARTÍNEZ-PIERRET BAJO UNA LLUVIA DE PARTITURAS

Rasgando el silencio: Ciclo de mujeres compositoras. Caleidoscopio (25 compositoras, 25 piezas breves para piano). Carmen Martínez-Pierret, piano. Programa: Piezas de Fanny Hensel-Mendelssohn, Elisabeth von Herzogenberg, Ethel Smyth, Clara Schumann-Wieck, Marie Bigot, Hélene de Montgeroult, Marie Jaëll, Teresa Carreño, Chiquinha Gonzaga, Agathe Backer Grondahl, Cécile Chaminade, Pauline Viardot, Mel Bonis, Amy Beach, Nadia Boulanger, Lili Boulanger, Geremaine Tailleferre, Dora Pejaceviç, Madeleine Dring, Marion Bauer, Mana-Zucca, May Aufderheide, Pauline Alpert, Dana Suesse y Margaret Bonds. Sala Manuel García del Teatro de la Maestranza, jueves 25 de mayo de 2023

Dos temporadas lleva Carmen Martínez-Pierret, con la complicidad del violonchelista Israel Fausto en tareas de organización y coordinación, acercando al público sevillano la música compuesta entre finales del siglo XVIII y mitad del XIX por mujeres, y sometida consiguientemente al olvido y el ostracismo. Un trabajo ingente y agotador que culminará la próxima temporada del Maestranza, conocida hace apenas un par de semanas. Para poner el broche final a ésta, la infatigable pianista echó mano nada más y nada menos que de veinticinco compositoras, muchas de ellas ya abordadas en anteriores programas, ahora con partituras inéditas en las manos de la pianista, en un ejercicio muy similar al que en diciembre convocó a diecisiete mujeres cuyas canciones fueron entonadas por Delphine Mégret. Habiendo leído que fueron pocos quienes atendieron la segunda entrega de las partitas de Bach por Cécile Frisch en el Turina, y considerando que tampoco Martínez-Pierret contó con el nutrido público habitual, no pareció ayer ser un día propicio en Sevilla para la música en directo.

Aprovechando una vez más su doble faceta como intérprete y divulgadora, no cabe sino admirar a Carmen Martínez-Pierret por afrontar tan titánico trabajo de manera además muy aguerrida y ejemplar. No veía el final del camino y sin embargo mantenía el buen pulso, el dinamismo y la ilusión que informó el proyecto desde el principio. Entre las más reconocidas y valoradas emergieron de nuevo Fanny Mendelssohn, con una introducción en forma de Melodía que la pianista tradujo con delicadeza y considerable refinamiento, Clara Schumann en un ejercicio tan riguroso como endiabladamente complejo (Toccatina de sus Soirées musicales) y Pauline Viardot, única que podríamos considerar veladamente española entre tantas compositoras francesas y algo menos norteamericanas, de quien interpretó con gracia y desparpajo una Sérénade de aires zarzueleros con sus trinos, abundantes arpegios y ornamentaciones de diversa índole.

Todas estas artistas conocieron en su momento el reconocimiento suficiente como para vivir profesionalmente del medio, y se codearon con algunos de los nombres más insignes de la composición musical de su época, lo que no ha bastado para condenarlas en su mayoría a un olvido del que artistas tan apasionados como Pierret e Israel intentan rescatarlas. Sin atisbo de fatiga y aprovechando cada pausa entre bloques, organizados por lazos sentimentales, géneros musicales, nacionalidades y otros parámetros, para ilustrar sobre las autoras y sus creaciones, la pianista y musicóloga desgranó la sensibilidad de Elisabeth von Herzogenberg, la intensidad de la sufragista Ethel Smyth, la rabiosa técnica de Marie Jaëll, el ritmo contagioso de Chiquinha Gonzaga, la sencillez de Agathe Backer Grondal, el color de la estadounidense Amy Beach, el contraste anímico entre las hermanas Nadia y Lili Boulanger, el ragtime contagioso y bien articulado de la británica Madeleine Dring y la americana May Aufderheide, y el swing brillante de Pauline Alpert y Dana Suesse, hasta desembocar en un intenso y arrebatado arreglo de espiritual negro Troubled Water a cargo de Margaret Bonds. Un amplio muestrario de talentos que tuvieron que lidiar con estigmas y prejuicios, y que sirven todavía para abrir la vía a una lucha a la que desgraciadamente aún le quedan muchas batallas que ganar.

Fotos: Guillermo Mendo
Artículo publicado en El Correo de Andalucía

MATRIA Mujer agotada y avinagrada

España 2022 115 min.
Guion y dirección Álvaro Gago Díaz Fotografía Lucía C. Pan Música Patricia Cadaveira y Marcel Pascual Intérpretes María Vázquez, Santi Priego, Soraya Luaces, Tatán, Susana Sampedro, Sergio Baleirón, Francisca Iglesias Bouzón Estreno en el Festival de Berlín 17 febrero 2023; en el Festival de Málaga 11 marzo 2023; en salas 254 marzo 2023

Rodada íntegramente en gallego, Matria es la adaptación al largo de uno de los cortometrajes que preceden a este debut en el gran formato de Álvaro Gago, y que como el inmediatamente anterior a este trabajo, 16 de diciembre, estuvo también nominado al Goya en su apartado correspondiente. Como su título indica, se trata de hacer un retrato crónica de una mujer intentando controlar todos los aspectos de su ajetreada vida en la difícil coyuntura de la ría pontevedresa, y con solo el mar como vía de un escape al menos luminoso. Una suerte de matriarcado que se queda en la epidermis y apenas logra traspasar la pantalla, asfixiada por la impostura y la sempiterna acumulación de sinsabores con la que se pretende llevar a buen puerto su vocación de denuncia.

Para María Vázquez, hasta ahora relegada a papeles secundarios (Quien a hierro mata) o protagonista en películas muy locales y con escasa proyección (Trote, O corpo aberto), esta cinta es su consagración definitiva como actriz de carácter, coronada con el premio de interpretación en Málaga. Sobre ella recaen las riendas de este viaje a la desesperanza y la desesperación de esta mujer coraje tan llena de incongruencias como suele ser habitual en este tipo de operaciones, hasta el punto de que la intención acaba subvirtiéndose hasta terminar ofreciendo una visión distorsionada y poco conveniente de la mujer actual y lo que ello debe suponer.

Así, no se entiende su obsesión por controlar a la hija huidiza, ni su convivencia con alguien a quien ni desea ni admira, ni que deje pasar buenas oportunidades si no sentimentales sí al menos sexuales, o mantenga amistades imperecederas a pesar de su carácter casi siempre agrio y desafiante. En sus hechuras la película de Gago no puede evitar imitar el estilo de realidad social impuesto por Loach o los Dardenne, pero a nosotros nos asalta una sensación de apatía y desinterés que a todas luces está en las antípodas de lo que pretende su esforzado autor.

HOMBRES RENDIDOS AL TALENTO FEMENINO

Rasgando el silencio. Ciclo de mujeres compositoras. Concierto del Día Internacional de la Mujer. Enrique Palomares, violín. David Fons, viola. Israel Fausto, violonchelo. Javier Sapiña, contrabajo. Carlos Apellániz, piano. Programa: Quintetos para piano y cuerda no. 1 op. 30 y no. 2 op. 31, de Louise Farrenc. Sala Manuel García del Teatro de la Maestranza, miércoles 8 de marzo de 2023

Coincidiendo una temporada más con el Día Internacional de la Mujer, el ciclo que articulan Carmen Martínez-Pierret e Israel Fausto en torno al trabajo frecuentemente olvidado de las mujeres compositoras, se centró en esta ocasión en una autora muy singular y digna de reivindicar, la romántica francesa Louise Farrenc. Somos una civilización continuamente en inminente peligro de extinción, y sin embargo lo suficientemente inmadura y primitiva como para necesitar seguir reivindicando derechos y libertades, aunque en demasiadas ocasiones confundamos nuestras reivindicaciones con restar las de otros colectivos, en lugar de sumar entre todos y todas. La de ayer fue una digna manifestación de hasta dónde se puede llegar colaborando y prestando atención al talento del prójimo. Cinco hombres se encargaron de elevar al podio que merece la música de una mujer reconocida y celebrada en su momento, pero como tantas otras olvidada y despreciada por la posteridad simplemente por su género. Es cierto que la ausencia de Carmen Martínez se debió a una indisposición, pero propició la feliz circunstancia de que Carlos Apellániz la sustituyera al piano, cumpliendo así esta particularidad que hemos apuntado de hombres rendidos al talento y el encanto de una mujer muy particular. A eso debemos añadir que, al contrario que muchas mujeres de su generación y posteriores, su esposo no se apropió de su obra con pretextos coyunturales, sino que la apoyó como empresario y editor, confiando ciegamente en su valía y encumbrando, al menos contemporáneamente, su trabajo. Otras circunstancias muy especiales, como el hecho de que Farrenc superara la brecha salarial como profesora del Conservatorio de París, fueron desgranadas por Israel Fausto como maestro de ceremonias y magnífico comunicador a lo largo de la velada.

En los atriles coincidieron cinco estupendos músicos, reunidos para la feliz ocasión, todos menos el anfitrión provenientes de la comunidad valenciana, el violinista Enrique Palomares, el violista David Fons, el contrabajista Javier Sapiña y el ya mencionado Apellániz al teclado. La experiencia fue doblemente satisfactoria, por un lado por descubrir páginas de desbordante creatividad y contumaz inspiración, inexplicablemente poco registradas, y por otro por disfrutar del excelente y esforzado trabajo de sus intérpretes, que no se conformaron con divulgar las piezas sino darles la mejor forma de cara a reivindicar su mérito y valor. Compuestas de continuo e inspiradas ambas por la fascinación que le reportó a su autora la escucha del Quinteto de Schubert que conocemos como La trucha, para el mismo conjunto de instrumentos, los dos quintetos de Farrenc exhiben una atmósfera muy distinta y están informadas por un espíritu diferente, más dramático y visceral el primero, mucho más amable y juguetón el segundo. Sus cinco aguerridos intérpretes supieron transmitir a la perfección esta particularidad, a la vez que ensamblar sus cometidos y compenetrarse como si trabajasen juntos con mucha frecuencia.

En el op. 30 brilló sobremanera el piano, con escalas vertiginosas y arpegios turbulentos, que Apellániz controló con sabiduría pero sin contención, y sin embargo sin eclipsar a sus compañeros. También Palomares hizo una excelente demostración de control, con una articulación clara y envolvente que se vio perfectamente secundada por una cuerda intermedia que tuvo algunas pérdidas de tono sin importancia que en ningún caso deslucieron el perfecto acabado de un allegro inicial vivaz y contundente. En el adagio Fausto aprovechó su ocasión de lucimiento, felizmente secundado por Fons y con el músculo que fue capaz de aportar en todo momento el contrabajo de Sapiña. Rápidos y con una misma estética feroz se sucedieron el scherzo y un brillante finale antes de acometer quizás con mayor éxito todavía el segundo de los quintetos de una mujer que compuso de todo, desde tres sinfonías a numerosa música vocal y camerística, y sobre todo muchas piezas para piano, instrumento del que era una virtuosa. Así, con mucho encanto y carácter afable arrancaron el elegante andante del op. 31, al que siguió un grave quizás no tan inspirado como el del quinteto precedente, ni mucho menos tan nostálgico, pero igualmente gozoso en su inventiva melódica, del que los cinco músicos se hicieron perfectamente eco gracias a una interpretación depurada, atenta a todos los detalles y matices, y presta a una articulación y un fraseo sumamente atractivos. Aunque la presencia aquí del piano tiene un carácter menos protagonista, Apellániz continuó haciendo gala de ser un formidable instrumentista, plegándose a las prestaciones de sus compañeros, que alcanzaron con el vivace y el allegro final el éxtasis y el entusiasta reconocimiento del público.

Fotos: Guillermo Mendo
Artículo publicado en El Correo de Andalucía

LA MANIOBRA DE LA TORTUGA La luz provoca muchas sombras

España 2022 103 min.
Dirección Juan Miguel del Castillo Guion Juan Miguel del Castillo y José Rodríguez, según la novela de Benito Olmo Fotografía Gina Ferrer Música Xavier Font Intérpretes Fred Tatien, Natalia de Molina, Mona Martínez, Ignacio Mateos, Gerardo de Pablos, Luisa Vides, Carlos Manuel Díaz, Fran Caballero, Miguel Diosdado, Pablo Béjar Estreno en el Festival de Málaga 24 de marzo 2022; en salas 13 mayo 2022

No tuvo mucha suerte esta segunda película del jerezano Juan Miguel del Castillo, ni en su debut en el Festival de Málaga ni en su limitado y nada publicitado estreno en salas hace ya medio año. Concurre ahora a los premios del cine andaluz en su doble vertiente crítica y académica, y por eso hemos aprovechado para recuperarla. Se trata sin embargo de un sólido y solvente thriller policíaco basado en una interesante novela que desgrana el papel de víctima de la mujer en una sociedad fuertemente machista y violenta.

Dos historias y dos personajes convergen en un mismo bloque de viviendas. Ella es Natalia de Molina, que protagonizó el primer largometraje de Juan Miguel del Castillo, Techo y comida, y ganó un Goya por ello, y él es el actor francés afincado en España Fred Tatien, a quien este año lo hemos visto también en Cerdita. Entrelazados por historias de violencia machista, ella ocupa un papel secundario en esta película de clara vocación criminalista que sigue los pasos de un taciturno y amargado policía en su investigación de la muerte de una joven desaparecida y asesinada de igual forma que nos hemos acostumbrado a ver en las noticias. Ni la luz de Cádiz, primorosamente retratada en esta inquietante película, logra iluminar las terribles sombras que se ciernen sobre sus dolidos personajes.

Quizás el conjunto funciona mejor como intenso drama policial con tensión in crescendo y un paisaje aterrador de chulos, traficantes e instituciones corruptas, que como drama íntimo y doloroso sobre la pérdida y la frustración, por mucho ojo de buey que el esforzado director utilice para retratar el terror experimentado por Natalia de Molina, que esta vez no tiene que imitar el acento gaditano y puede respetar el granadino que tan bien domina habiendo nacido en Linares (Jaén). El esfuerzo de producción y el competente trabajo del resto del elenco logran, con la ayuda impagable de un director consciente de lo que cuenta y hábil para hacerlo, una cinta más estimable de lo que cupiera esperar.

BELLÍSIMO RECITAL DE DELPHINE MÉGRET Y MARTÍNEZ-PIERRET

Rasgando el silencio: Ciclo de mujeres compositoras. L’heure rose. Concierto de Navidad. Delphine Mégret, soprano; Carmen Martínez-Pierret, piano; Alejandro Bustamante, violín; Israel Fausto, violonchelo. Programa: Canciones de Elfrida Andrée, Amy Beach, Lili Boulanger, Nadia Boulanger, Cécile Chaminade, Augusta Holmès, Liza Lehmann, Alma Mahler, Mana-Zucca, Fanny Mendelssohn, Clara Schumann, Pauline Viardot, Madeline Dring, Carrie Jacobs-Bond, Poldowski, Mathilde von Rothschild y Dana Suesse. Sala Manuel García del Teatro de la Maestranza, lunes 19 de diciembre de 2022

Coincidió este recital con la presencia en cartelera y en las nominaciones a los premios que tradicionalmente concede el cine a los mejores trabajos del año, de la película María Lejárraga. A las mujeres de España. En ella la directora sevillana Laura Hojman, autora de Antonio Machado. Los días azules y del audiovisual que acompañó al reciente concierto conmemorativo de la Exposición Iberoamericana del 29, glosa la vida y obra de una de las mejores escritoras del pasado siglo de nuestro país, ensordecida por el machismo imperante, lo que le obligó a firmar sus trabajos, entre los que se encuentran éxitos como el libreto de El amor brujo y la obra de teatro varias veces llevada al cine Canción de cuna, con el nombre de su esposo, Gregorio Martínez Sierra. Hoy todos sus trabajos se le han justamente atribuidos, pero hasta hace muy poco seguía siendo Segura su autor reconocido. Se trata de un lastre que la humanidad ha arrastrado desde tiempos inmemoriales, y que merecería un arduo trabajo de investigación para deshacer todos los entuertos e injusticias urdidas desde antaño, desde la misma Grecia Clásica. Hojman echa mano de la contención, el detalle y la elegancia para narrar a través de los testimonios de intelectuales como Rosa Montero, Vanessa Montfort o Manuela Carmena, las entrañables imágenes de archivo, el delicado trabajo de interpretación de Cristina Domínguez y la voz narradora de Kity Manver, no solo la vida de esta ilustre trabajadora de las letras y la política, sino de paso lamentar cómo la dictadura cercenó todas las ilusiones que millones de mujeres españolas habían depositado en el gobierno progresista con el que empezaban a disfrutar de derechos que durante tanto tiempo se les habían negado.

En esa misma línea de elegancia y contención se desarrolló también este imprescindible recital programado y estructurado por la entusiasta e incombustible Carmen Martínez-Pierret, el mejor hasta la fecha que hemos disfrutado en este ciclo dedicado a recuperar la memoria de tantas y tantas compositoras a la sombra de sus esposos y de una sociedad terriblemente machista cuya huella tanto nos está costando borrar, ni tan siquiera menguar. Nada más y nada menos que diecisiete mujeres protagonizaron este impecable y primoroso trabajo para el que contó con otra mujer incombustible, la soprano Delphine Mégret, capaz de enfrentarse sin solución de continuidad a las de más de veinte canciones programadas. Y eso que al principio pudimos apreciar cierta incomodidad en la colocación de su voz, lo que hizo que la pieza que daba título a la empresa, L’heure rose, una exquisita canción de amor de Augusta Holmes, que también solía firmar con seudónimo masculino, y Les papillons de Mathilde von Rothschild, sonaran destempladas, inseguras y con dificultades para llegar al extremo grave de su registro. Pero debió tratarse de falta de calentamiento, porque en el resto del recital Mégret dio muestras de controlar perfectamente su instrumento, de timbre cálido y aterciopelado y fraseo maleable. A partir de ahí se enfrentó con ahínco y capacidad resolutivo a páginas bien dispares, empezando por dos canciones de muy distinta índole de Cécile Chaminade, con las que pasó de un alto vuelo (Auprés de ma vie) a un complejo trabalenguas (Sombrero), una sentida canción de Elfrida Andrée, quien acuñó el término elevación de la mujer, acompañada en esta ocasión no solo por Martínez-Pierret sino también por el violinista Alejandro Bustamante, que añadió sentimiento y pasión a la pieza y volvería a colaborar en el conocido standard americano I Love You Truly, obra de Carrie Jacobs-Bond con un inconfundible aroma de musical.

Una miniatura de Alma Mahler, la menos prolífica y sin embargo más programada de las compositoras convocadas, dio paso a una nostálgica Clara Schumann, siempre defendidas por Mégret en perfecto estilo y con el feliz acompañamiento del piano, entregado y voluptuoso, siempre en línea con el canto, respetándolo y arropándolo en perfecta sintonía. Tras la última obra compuesta por una debilitada Fanny Mendelssohn, atendiendo a la exquisitez de su propuesta, Mégret siguió dando muestras de buen canto, aplomo y dulzura según tocase, con una divertida canción de la inglesa Madeline Dring, asidua del teatro, la radio y la televisión, cuyo lenguaje eminentemente cabaretero se adornó con un pequeño atrezzo, una taza de té envenenada. Quizás una de las piezas más conmovedoras y evocadoras de la noche fue la propuesta por Rebecca Clarke según textos de Yeats, Down by the Salley Gardens, de aroma rústico y evocador, tan emotiva como Evensong, un homenaje de Liza Lehmann a nuestros seres queridos y desaparecidos. Tras ello Israel Fausto se unió al dúo con su violonchelo para una Chanson d’amour de Amy Beach de tintes sensuales y carnales, con alguna salida de tono dentro de la complicidad lograda. Algo impetuosa y atropellada resultó la pieza basada en textos de Verlaine de Poldowski, compositora y pianista británica de origen polaco que adoptó este seudónimo por conveniencia a la clase aristocrática a la que pertenecía su marido; sin embargo Les étoiles de Pauline Viardot se saldó con gracia y desenfado.

En el bloque final Mégret y Martínez-Pierret se amoldaron con total soltura y perfecto estilo al musical genuinamente americano, dejando claro que algunas de las compositoras del momento podían parangonarse con los más reputados del género, como Gershwin, Berlin o Kern, como así lo demostraron Dana Suesse, Mana-Zucca y la ya citada Jacobs-Bond. Lo curioso es que muchas gozaron en su momento de cierta popularidad, a menudo interrumpida por sus matrimonios y el cuidado de su familia; pero la mayoría hoy han pasado al olvido y por eso es importante que alguien las rescate, como hacen Pierret e Israel, promotores de este ciclo, con acompañamientos tan exquisitos como el de esta ocasión, la soprano Delphine Mégret, que además contó para la ocasión con un espectacular atuendo y una pequeña escenografía que potenció aún más su adecuada expresividad, fundamental para una buena interpretación de lieder y canciones. Para terminar, como propina los cuatro reivindicaron con aires algo porteños ese Bésame mucho que la mexicana Consuelo Velázquez compuso hace exactamente noventa años.

Fotos: Guillermo Mendo
Artículo publicado en El Correo de Andalucía

COMO ARDILLA EN EL AGUA y MOTHERTRUCKERS Visiones de mujer con acento andaluz

MOTHERTRUCKERS

España 2022 15 min.
Dirección Paula Romero Guion Lisa Melbourne, según su libro “The Book of March”

Estreno en el Festival de Cine de Sevilla 8 noviembre 2022

COMO ARDILLA EN EL AGUA

España 2022 72 min.
Dirección, guion y fotografía Mayte Gómez Molina y Mayte Molina Romero

Estreno en el Festival de Cine de Sevilla 6 noviembre 2022

Recuperamos dos trabajos hechos por cineastas andaluzas que fueron premiados en el reciente Festival de Cine Europeo de Sevilla. Son dos miradas interesantes, atractivas y relucientes de mujer, que respiran una sensibilidad muy especial inequívocamente femenina, no necesariamente feminista. La joven Paula Romero rueda en inglés un cortometraje de carácter documental en el que refleja la vida de una camionera en plena crisis post brexit, con problemas de carburantes y huelga de transporte como trasfondo no vinculante. La suya es una mirada poética a otra forma de visa posible, lejos de los cánones y las convenciones durante siglos impuestas a las mujeres. Entre escenas laborales, descansos en áreas destinadas a ello y fines de semana junto a su madre, Romero aprovecha diversas técnicas, incluida la animación y los efectos digitales, para desplegar en apenas un cuarto de hora sus aptitudes y dominio de los recursos, así como de una narrativa fluida y amena. Mereció el premio Rosario Valpuesta al mejor cortometraje en la sección Panorama Andaluz del citado festival.

Por su parte, otra joven cineasta, Mayte Gómez Molina, curtida como Paula Romero en tierras extranjeras, en su caso Estados Unidos, se encarga junto a su madre de ajustar cuentas de forma muy original e igualmente poética, con la enfermedad y el aislamiento que provocan los trastornos de la alimentación derivados de las imposiciones sociales y culturales a las que todos y todas estamos sometidas. Concebido como una declaración de amor entre madre e hija, y con una ardilla encontrada y mantenida durante el tiempo en el que la familia vivió en Estados Unidos, como referente de esfuerzo, cariño y ternura, el film resulta valiente en su contenido y atrevido en su forma.

La joven granadina no duda en utilizar diversos recursos, desde material videográfico familiar a escenas de un documental norteamericano sobre las ardillas, así como escenas de la vida cotidiana de la madre, mater amatisima entregada a la recuperación de su hija y refugiada en una máscara del pequeño animal dentro de la cual se encuentra si no como en el agua, sí protegida frente a la adversidad y su propia timidez. El paso del tiempo se ve perfectamente reflejado en este emotivo y poético trabajo rubricado con unas preciosas declaraciones literarias de amor de una hacia la otra. Su sensibilidad se vio recompensada con el premio Rosario Vapuesta al mejor largometraje en la misma sección de Panorama Andaluz del Festival de Cine Europeo de Sevilla.

RASGANDO SENSIBILIDADES

Rasgando el silencio: Ciclo de mujeres compositoras. Tríos con piano (Tres compositoras, tres obras de juventud). Alejandro Bustamante, violín; Israel Fausto, violonchelo; Patricia Arauzo, piano. Programa: Trío Op. 11 de Cécile Chamninade, Trío para violín, violonchelo y piano de Rebecca Clarke; Trío Op. 29 de Dora Pejacevic. Sala Manuel García del Teatro de la Maestranza, viernes 28 de octubre de 2022

Ahora que el feminismo de la vieja escuela está dando tanto que hablar, y para muchos no precisamente en el buen sentido, obstruyendo la ampliación de derechos a otros colectivos por estimar que suponen una amenaza a sus propios logros y reivindicaciones, lo que no hace sino recrear las mismas tensiones que durante tanto ellas mismas sufrieron debido al temor machista, prosigue este interesante ciclo sobre mujeres compositoras que arrancó la pasada temporada y culminará la siguiente. Una entregada y apasionada Carmen Martínez-Pierret, la musicóloga y pianista que junto al violonchelista y catedrático del Conservatorio Manuel Castillo Israel Fausto, se encarga de la coordinación y organización del ciclo, volvió a hacer hincapié en el olvido que sufrió la mayor parte de la obra de estas mujeres, a pesar de que algunas en su momento gozaron de cierto prestigio y reconocimiento. Con anécdotas varias sobre prejuicios masculinos y artimañas femeninas, Martínez-Pierret insistió en el valor de las obras programadas, anunciadas de juventud si bien fueron escritas ya en la veintena de sus autoras, e incluso treintena en el caso de Clarke, y que hechas las oportunas comprobaciones en las escasas grabaciones que de sus piezas existen, y sobre todo en la esforzada y meritoria interpretación que de ellas hicieron los y la protagonista de este concierto, se revelan quizás por debajo de lo deseable, aún sin resultar para nada desdeñables.

El programa estuvo integrado por dos obras tardorrománticas que abrazaron otra con más carácter que quizás pudiéramos englobar dentro de ese expresionismo que tanto progresó durante el primer cuarto del siglo XX. De cualquier modo las tres piezas evidenciaron la influencia lógica e inevitable de sus compañeros de profesión, únicos referentes posibles para quienes tan valientemente se dedicaron a lo que seguía siendo hegemónico de los hombres, como sucedía con cualquier otra arte. Eso impide que encontremos esa deseable sensibilidad especial femenina que en este como en cualquier otro campo nos sirva de esperanza sobre cualquier cambio sustancial que nos salve o libere. Cabe recordar aquí que Cécile Chaminade compuso una ópera titulada La sevillana que apenas tuvo repercusión, dedicó su carrera a componer canciones de salón y obras para piano y fue popular en Inglaterra y Estados Unidos, pero que el matrimonio frenó su carrera hasta que su amplio catálogo cayó en el olvido. En su segundo trío con piano evidencia sus particulares características, desde la riqueza melódica de sus acordes al profundo lirismo con el que aborda no solo los pasajes lentos sino también los más agitados. Israel, el violinista madrileño Alejandro Bustamante y la pianista y también profesora del Manuel Castillo Patricia Arauzo, entendieron estas particularidades a la perfección, dejando claro el extenuante trabajo de estudio y compenetración al que debieron someterse las jornadas previas. Esto se tradujo en un sonido compacto y una expresividad enérgica y contundente que encontró justamente en el lento su momento álgido y más inspirado.

Por iguales derroteros anduvo el trío de la compositora croata Dora Pejacevic, que tuvo el acierto de introducir la canción orquestal en el repertorio de su país y cuya sinfonía se considera el primer trabajo moderno croata en su género. En este su también segundo trío para este conjunto abraza igualmente ese romanticismo tardío que clava sus influencias en Liszt y Wagner, pero en esta ocasión con un carácter más dramático y lacerante que el de su predecesora. Los tres intérpretes se emplearon a fondo para potenciar estas particularidades, con un trabajo sobresaliente en Bustamante, en cuyo rostro pudimos apreciar el éxtasis y delirio derivado de sus largas y sugerentes frases llenas de lirismo y expresividad. Por su parte, Fausto evidenció una especial retórica teñida de cierta amargura, apoyado en el trabajo seguro y preciso de Arauzo. Pero donde más brillaron los tres fue en la pieza de Rebecca Clarke, la más lograda e interesante del programa. La compositora y violista inglesa la compuso en 1921, antes de afincarse en Nueva York, donde murió con noventa y cinco años. Quien firmó a menudo con seudónimo de hombre compuso esta pieza con un estilo bastante avanzado incluso para su época, sin renunciar a la tonalidad pero con una certera y profunda mirada el expresionismo y una carga dramática muy evidente. La cuerda sonó adecuadamente crispada y envolvente, bajo la mirada atenta de Arauzo a cada inflexión de la pieza, profusa en cambios de registros y elocuentes silencios que los tres salvaron con una interpretación estimulante e intensa.

Fotos: Guillermo Mendo
Artículo publicado en El Correo de Andalucía