AMAL Integrismo en las aulas

Bélgica-Francia 2023 112 min.
Dirección Jawad Rhalib Guion Jawad Rhalib, David Lambert y Chloé Leonil Fotografía Lisa Willame Intérpretes Lubna Azabal, Fabrizio Rongione, Kenza Benbouchta, Ethelle Gonzalez Lardued, Mehdy Khachachi, Catherine Salée, Johan Heldenbergh, Babetida Sadjo Estreno en Bélgica 7 febrero 2024; en España 25 octubre; en Movistar Plus+ 3 julio 2025

Comienza esta dura e incómoda película con un debate en un aula de un instituto de Bruselas sobre la conveniencia o no de la pena de muerte. La profesora, una descomunal Lubna Azabal en un registro al que nos tiene poco acostumbrados, divide la clase en dos y rápidamente surgen los prejuicios y los peligrosos ideales alimentados por la religión, un islam al que se le ven rápidamente las costuras y que determina el extremadamente violento comportamiento de quienes acosan con fines destructivos a una joven igualmente musulmana que ha decidido afrontar abiertamente su homosexualidad. En este ambiente corrosivo y malsano, el director Jawad Rhalib, con más documentales que ficción en su filmografía – precisamente su primer trabajo, El Ejido, la loi du profit de 2007, denunciaba las condiciones infrahumanas con las que los agricultores de la localidad almeriense explotaban a los inmigrantes africanos que trabajaban sus tierras – expone los peligros de radicalización islámica en países europeos merced a unos programas de integración y convivencia que hacen muchas concesiones en su afán de buena voluntad, pero cuya gestión parece escaparse de las manos de sus responsables.

Aquí radica seguramente el inmenso valor de esta inquietante película, no tanto en juzgar métodos y legislación concebida para dar cabida a culturas y pueblos muy diversos, sino en saber gestionarlos con talento, ingenio e inteligencia, que es desgraciadamente lo que a menudo falta a nuestros políticos y legisladores. En esta maraña de situaciones desesperadas y agónicas, brilla el trabajo de una actriz comprometida, que transmite verdad y conciencia por todos los poros y a la que acompaña un grupo de jóvenes igualmente comprometidos y seguras del mensaje tan importante cuya responsabilidad han asumido.

Ingredientes que Rhalib maneja con las dosis necesarias y justas de tensión y angustia, optando por la contención y la histeria según corresponda, en dosis perfectamente estudiadas, de manera que toda la película se convierte en un viaje a una realidad que lleva llamando a nuestra puerta desde hace mucho y a la que hay que buscar soluciones urgentes. La película no las tiene, pero invita al debate para que entre todos y todas las encontremos fuera de los populismos que gracias a las redes sociales están tergiversando la realidad. Lástima que sean éstas y no películas tan atrevidas y valientes como ésta, las que acaparen la atención de nuestra con frecuencia atolondrada juventud, o una importante parte de ella.

TÚ NO ERES YO Por la deriva equivocada

España 2025 98 min.
Guion y dirección Marisa Crespo y Moisés Romera Fotografía Víctor Entrecanales Música Joan Vilà Intérpretes Roser Tapias, Jorge Motos, Pilar Almería, Álvaro Báguena, Anna Kurika, Pilar Martínez, Yapoena Silva, Alfred Picó Estreno en salas 13 diciembre 2024; en Filmin’ 21 marzo 2025

Aprovechamos su reciente estreno en Filmin’ para rescatar una película que se estrenó a finales del año pasado, de forma muy residual en nuestra ciudad, donde apenas se pudo ver en una sesión especial para quienes se atrevieran a asistir con la misma falta de vestuario que disfrutan los personajes en alguna secuencia de la película. Parte este primer trabajo en formato largometraje de la pareja artística formada por Marisa Crespo y Moisés Romera, de una premisa muy interesante, que daba para mucho juego, pero que lamentablemente se va malogrando conforme avanza su metraje y nos vamos percatando de la falta de habilidad e imaginación de sus artífices.

Una joven vuelve a casa por Navidad, tras un largo período de ausencia, acompañada de su pareja y un bebé, para descubrir que sus padres la han sustituido por otra joven, a la que profesan todo su cariño y sus cuidados, por el contrario tratándola a ella como si fuera una casi desconocida y una molestia. La intriga está servida, pero un ritmo irregular y la sensación generalizada de que la trama va tomando derroteros harto inocentes, va restando interés a un trabajo por otro lado sobreactuado.

Casi una función escolar que pretende beber de algunos clásicos cuyos títulos no desvelaremos para evitar revelar aspectos de la trama, y que en definitiva se va tornando un ejercicio ridículo. Con todo, puede verse como una excentricidad, a la vez que cabe aplaudir a sus aguerridos realizadores que se hayan atrevido a hacer una película tan de género, puro entretenimiento que combina aspectos de terror con intriga psicológica, y que deviene dentro de su modestia en una experiencia al menos simpática, aunque en definitiva bastante olvidable.

NO OTHER LAND Bárbaros de la era digital

Palestina-Noruega 2024 95 min.
Guion y dirección Basel Adra, Yuval Abraham, Hamdan Ballal y Rachel Szor Fotografía Rachel Szor Música Julius Pollux Ruthlaender Documental Estreno en el Festival de Berlín 17 febrero 2024; en españa (Movistar Plus+) 21 diciembre 2024; en Noruega 7 febrero 2025

Relato de lucha y supervivencia en una tierra maldita por acto y gracia de la aún más maldita Israel, en otro sentido radicalmente opuesto, que aplasta y se expande sin reparo y con la aprobación directa o por silencio de una comunidad internacional que se revela cada vez más estéril. Narrada en primera persona por sus protagonistas, dos amigos crecidos en la adversidad y los dos con un mismo fin, dar a conocer las atrocidades del ejército israelí contra la población palestina, el film se convierte en arma indispensable y a la postre arrojadiza contra la barbarie imperante entre quienes se consideran civilizados y nos hacen creer a los demás que enarbolan la bandera del progreso y la libertad. En ese contexto, el palestino Basel Adra y el israelí Yuval Abraham luchan contra la ocupación del ejército y los colonos con la única arma de la que disponen, la información, a través de la imagen y el texto, las redes sociales y el eco que encuentran, a menudo discreto y velado, en la televisión. Se trata pues de una crónica de sangre y destrucción, injusticia y salvajismo, con su reverso amable, el que propicia esta insólita y perdurable amistad basada en la convicción de la justicia y la esperanza.

Un encuentro entre dos mundos antagónicos que se reconocen y se entienden, algo así como pretendían Barenboim y Saïd cuando crearon la fundación a través de la cual jóvenes de uno y otro lado del territorio se juntan para tocar música. Un encuentro como se puede observar, que conduce más a la desesperanza, sobre todo cuando comprobamos ante las terribles imágenes que encierra este valioso documental, que parece viajemos en el tiempo para reencontrarnos con la misma barbarie que azotaba este desdichado planeta cuando romanos o señores feudales lo regentaban. No importan las declaraciones de derechos humanos ni las resoluciones internacionales, todos permitimos que esto ocurra, siguiendo con nuestra vidas acomodadas, privilegiadas, mientras en otros lugares se destruyen escuelas, se dispara a bocajarro a inocentes, se mete en la cárcel a quienes se defienden y se obliga a la gente humilde a abandonar la tierra en la que viven desde hace siglos, destruyendo sistemáticamente sus hogares y taponando pozos de agua para impedir su trabajo y medio de vida. En definitiva, se perpetran atrocidades de todo tipo, inimaginables en un mundo que suponemos civilizado.

Todo esto lo narran los protagonistas y el equipo noruego que les asiste con gravedad, con pausa y sentido del ritmo, pero sin abandonar nunca su principal consigna, la denuncia y la búsqueda, aunque se revele infructuosa, de justicia. Ya ha ganado el premio del público y el de mejor documental en Berlín y en los premios europeos del cine, y podrá gana el Oscar y que Hollwood se apunte otro tanto como comunidad más progresista y culturalmente avanzada que el resto de lo que le circunda, aunque nosotros lo que de verdad seguimos esperando es que algunos y algunas de sus más influyentes personalidades de la comunidad judía, como Spielberg, Streisand o Allen, se pronuncien ante la perversidad sin límites de ese demonio llamado Netanyahu y sus políticas expansionistas, auspiciadas por el nefasto e infame Donald Trump. Nuestro único deseo es que Masafer Yatta, Cisjordania y Palestina no tengan que mirar al cielo para esperar una vida mejor donde reine la igualdad entre hombres y mujeres que a estas altura sigue sin reinar en la tierra.

SUGARCANE Un dolor infinito

Canadá-USA 2024 107 min.
Dirección Emilie Kassie y Julian Brave NoiseCat Fotografía Emilie Kassie y Christopher LaMarca Música Mali Obomsawin Documental Estreno en el Festival de Sundance 20 enero 2024; en Disney+ 10 diciembre 2024

Premiado en Sundance con el premio a la mejor dirección en el apartado de documentales, este estremecedor trabajo indaga sobre el genocidio indígena perpetrado en Estados Unidos y Canadá aún a lo largo del siglo XX, fundamentalmente en el seno de la Iglesia Católica, cuyas escuelas de segregación sirvieron al Estado para perpetrar los más atroces abusos sexuales y maltrato sistemático que derivó en el suicido de miles de niños y niñas originarias de los territorios ocupados desde que los extranjeros europeos invadieron y agredieron sus tierras.

Resulta curioso que sean precisamente estos invasores quienes ahora enarbolen la bandera patriótica para impedir la llegada de nuevos pobladores en busca de mejores condiciones de vida. En un momento dado del documental, el Papa Francisco responde a las reclamaciones de la Nación Original de Williams Lake, desde donde se centra el proceso de restauración de la memoria histórica, llevada a cabo por su actual jefe, Willie Sellars, y comenzada por el anterior, Rick Gilbert, ambos con un protagonismo importante en la función. El Pontífice se limita a confesar su vergüenza en nombre de la Iglesia Católica. Otro tanto hace el Primer Ministro canadiense, Justin Trudeau, cuando se acerca a los territorios damnificados. Pero la restauración emocional y la justicia aún se hacen esperar, mientras la desolación, el dolor y la impotencia se adueñan de una población diezmada en número y ánimo, y del que este intimista y relajado documental se hace eco desde la contención y el respeto.

Uno de sus responsables pertenece a la familia que lidera la dramaturgia de este trabajo, NoiseCat, quizás de ahí devenga el respeto con el que todo ha sido abordado. Mientras, las valiosas investigaciones de Charlene Belleau y Whitney Spearing se encargan del resto, dejando en general una sensación de enorme desolación y desgarradora impotencia, lejos de una necesaria sanación, aunque todo haya sido trabajado desde la contención y la más profunda melancolía, sin estridencias ni salidas emocionales de tono. Nominado al Oscar.

SEIS TRIPLE OCHO La guerra interna

Título original: The Six Triple Eight
USA 2024 127 min.
Dirección Tyler Perry Guion Tyler Perry y Kevin Hymel Fotografía Michael Watson Música Aaron Zigman Intérpretes Kerry Washington, Eboy Obsidian, Shanice Shantay, Sarah Jeffery, Milauna Jackson, Pepi Sonuga, Kylie Jefferson, Moriah Brown, Jeanté Godlock, Gregg Sulkin, Jay Reeves, Dean Norris, Sam Waterston, Susan Sarandon, Oprah Winfrey Estreno en Estados Unidos 6 diciembre 2024; en internet (Netflix) 20 diciembre 2024

Una película cuyo principal y loable fin es contar una de esas historias que merecen sin duda contarse. En este caso se trata de una compañía de mujeres negras que ingresaron en el ejército estadounidense durante la Segunda Guerra Mundial y a las que se encomendó la misión de organizar y enviar el correo postal atrasado de más de tres años, un trabajo ingente e inabarcable que lograron cumplir en tiempo récord y con el que lograron levantar la moral de centenares de miles de soldados y sus familias. Su director, Tyler Perry, lleva décadas dirigiendo película ligeras y series de televisión, con especial peaje en la serie de films dedicados a Madea, una matriarca sureña con gajes de comedia.

Con la actriz Kerry Washington y la presentadora Oprah Winfrey detrás de la producción, la película procura restablecer la memoria de quienes sufrieron el ultraje y el desprecio de sus superiores blancos, y cómo recibieron mejor trato en Europa mientras desarrollaron su misión, que en Estados Unidos, donde a pesar del reconocimiento inicial, siguieron sufriendo los efectos del más execrable racismo. Un ejemplo de película sentimental, plagado de mensajes y discursos alentadores, que podría haber disfrutado de un tratamiento más atrevido y comprometido, pero que se conforma con el más televisivo y sencillo con el que se presenta.

Quizás celebrar su ejercicio de memoria histórica, ese al que tanto se niega la pñoblación más rancia e injusta, sea su principal aliciente, acompañado de unas interpretaciones responsables y atinadas, un aspecto formal aseado, una narrativa enfocada al más puro entretenimiento y una canción final de Diane Warren, eterna nominada al Oscar, que con ésta suma dieciséis ocasiones sin conseguirlo de momento. Las breves intervenciones de Susan Sarandon y Sam Waterston como el matrimonio Roosevelt y de la misma Oprah Winfrey como activista feminista y anti racista, suman también atractivo a una propuesta cuya cumbre es el testimonio real y sobrecogedor de su centenaria protagonista.

CALLADITA El desencanto de la burguesía

España 2023 92 min.
Guion y dirección Miguel Faus Fotografía Antonio Galisteo Música Paula Olaz Intérpretes Paula Grimaldo, Ariadna Gil, Pol Hermoso, Luis Bermejo, Violeta Rodríguez, Nany Tovar, Eduard Torres Estreno en el Festival de Málaga 4 marzo 2024; en salas 17 mayo 2024

Nominado al mejor director novel en los próximos Goyas, el joven Miguel Faus debutó la pasada primavera con este largometraje adaptado de su propio corto de 2020. En él analiza el comportamiento de una trabajadora doméstica colombiana en la casa de verano de una adinerada familia catalana, y la ambigua relación que se entabla entre ellos y la joven inmigrante. Faus consigue imbuir a su propuesta de cierto aire de thriller cuando las relaciones se van tensando y las atrevidas acciones de la protagonista se van acumulando. Consigue también dar ritmo a un trabajo en el que prima la observación en una primera mitad y el análisis de los comportamientos en el segundo, con especial énfasis en las miserias de la clase burguesa.

Pero echa mano en un porcentaje excesivo del cliché, convirtiendo a la señora, interpretada con convicción por Ariadna Gil, en el personaje más exigente y antipático de la función, mientras el señor, siempre eficiente Luis Bermejo, muestra la cara más paternalista a pesar de una manifiesta crueldad hacia a los animales. El trazo ligero de la hija, aparentemente preocupada sólo por cuestiones superficiales, y el retrato del hijo y sus amigos, aprendices de machos alfa, completan el universo decadente de la burguesa familia.

Son los movimientos de la protagonista a partir de un punto de inflexión, los que desconciertan, haciendo girar la trama hacia un peligroso rumbo que alerta más sobre el inconveniente de confiar en personas ajenas al núcleo familiar que sobre la relación seudo feudal que conecta al empleador con la empleada. Miserias de una y otra parte que configuran un paisaje cuya voluntad de análisis se diluye, dejando confusa la intención del director. Buen trabajo del plantel de actores y actrices, especialmente una comedida Paula Grimaldo, que ya protagonizó el corto original.

THE APPRENTICE. LA HISTORIA DE TRUMP Un retrato ambiguo

Título original: The Apprentice
Canadá- Dinamarca-Irlanda-USA 2024 120 min.
Dirección Ali Abbasi Guion Gabriel Sherman Fotografía Kasper Tuxem Música Martin Dirkov Intérpretes Sebastian Stan, Jeremy Strong, Maria Bakalova, Martin Donovan, Catherine McNally, Charlie Carrick, Ben Sullivan, Mark Rendall Estreno en el Festival de Cannes 20 mayo 2024; en Estados Unidos 11 octubre 2024; en España 18 octubre 2024

Aprovechando la toma de posesión hoy del más infame de cuantos presidentes ha tenido Estados Unidos, Donald Trump, recuperamos este biopic que se estrenó de forma bastante discreta en octubre pasado. Entre las credenciales de su director, el iraní Ali Abbasi, figuran Border bajo bandera sueca y Holy Spider, bajo la danesa, mientras el autor del guion, Gabriel Sherman, se acredita como una de las voces que más y mejor conoce el universo del magnate inmobiliario y empresarial y dos veces presidente de la que conocemos como nación más poderosa del mundo. Este cruce de talentos debía producir una más que estimable película y así podemos confirmarlo.

Bajo una espléndida puesta en escena que reproduce con absoluta fidelidad, incluso en las texturas, las décadas de los setenta y ochenta del siglo pasado en las que se ambienta su trama, Sherman y Abbasi se centran en el proceso de perversión que sufre el icónico personaje cuando su destino, influido por la inflexible y persistente figura paterna, se cruza con el de Roy Cohn, importante abogado de la época capaz de combinar ambición, poder y perversión para lograr, incluso valiéndose de procedimientos deliberadamente corruptos, los más importantes cambios económicos y políticos en el país. Así, pasamos de un joven empresario ambicioso pero con atisbos de sensibilidad, a un tiburón de los negocios falto de escrúpulos y anticipo de los crímenes que le han llevado en los últimos años a frecuentar unos tribunales que no han podido frenar su regreso inexplicable a la Casa Blanca y con ello el temor de todo el planeta a un revulsivo que nos haga volver atrás unas cuantas décadas.

El ascenso de uno y la caída del otro, fundamentalmente por contraer el sida y sufrir con eso el insensible desprecio de su aprendiz, protagonizan un film en el que destaca la mimética interpretación, unida a una excelente caracterización, de Sebastian Stan, quien con este trabajo y el Globo de Oro obtenido por A Different Man, rubrica su año más glorioso. Cabe destacar también el trabajo de Jeremy Strong como Cohn y de Maria Bakalova como Ivana Trump. Quizás se eche en falta un mayor énfasis en el desarrollo de los episodios narrados, y menos ambigüedad en el retrato del personaje, que no termina de salir del todo mal parado, pero constituye en general un trabajo de buen cine, que mira a clásicos de la época que recrea, como Brian De Palma o Francis Coppola.

KNEECAP La lucha a través de la cultura popular

Irlanda-Reino Unido 2024 105 min.
Guion y dirección Rich Peppiatt Fotografía Ryan Kernaghan Música Michael “Mikey” J Asante Intérpretes Móglaí Bap, Mo Chara, DJ Próvai, Josie Walker, Fionnuala Flaherty, Jessica Reynolds, Adam Best, Simone Kirby, Michael Fassbender Estreno en el Festival de Sundance 18 enero 2024; en Irlanda 8 agosto 2024; en España 20 septiembre 2024

Recuperamos este título tras la lluvia de nominaciones a los Premios Bafta que acaba de recibir, seis, algunos en apartados exclusivamente dedicados al cine británico. Lo despreciamos en su momento, y constatamos ahora nuestra falta de sintonía con este tipo de propuestas, frenéticas en su montaje, saturadas de efectos gráficos y recursos técnicos, y con una abierta exhibición de consumo de alcohol y estupefacientes que poco o nada conveniente nos parce de cara al público mayoritario, joven, al que va destinado. Afortunadamente no parece que este debut en el largometraje del irlandés Rich Peppiatt haya tenido mucha repercusión de público, aunque sí y unánime de crítica, en nuestro país. Se trata desde luego de una propuesta muy local, centrada en la eterna lucha de Irlanda del Norte por repeler la influencia e invasión británica, a través de una historia biográfica real. El trío de hip hop Kneecap, rótula en inglés, pero también disparo en la rodilla en referencia a la práctica inglesa para frenar protestas republicanas en la zona, surgió a finales de 2017 para posicionarse en un lugar destacado de la cultura pop. Pero lo más llamativo es que demuestran con sus temas cómo a través de la cultura popular y urbana se pueden conseguir objetivos que mediante la lucha protocolaria y las reivindicaciones legislativas tanto cuesta lograr.

Pone de manifiesto también la distancia generacional para afrontar un mismo problema, mediante la figura del padre ex terrorista de uno de los protagonistas, un error de casting para colocar una estrella en el cartel, Michael Fassbender. Un profesor de música y dos jóvenes, interpretándose a sí mismos, montan este conjunto y consiguen que la juventud de la zona se interese más por su lengua, el gaélico, posibilitando que el idioma se extienda y sea practicado por un mayor número de personas en toda Irlanda del Norte, lo que demuestra la importancia como patrimonio cultural del idioma propio como identidad y distinción de los pueblos, y cómo preservarla constituye una obligación inexcusable y una vía efectiva hacia la auto determinación.

Lástima que tan interesante tesis se diluya en una vorágine de situaciones, presuntamente cómicas y divertidas, y personajes extremos, empezando por la desquiciada inspectora de policía y terminando con los caricaturescos Republicanos Anti Droga, mientras la mencionada saturación de efectos y detalles acaban provocando algo parecido a la fatiga. Será interesante poderla mencionar cuando Rich Peppiatt empiece a acumular títulos tras la buena acogida que ha tenido su ópera prima, por mucho que en el fondo no se trate más que de una prolongación de aquel Danny Boyle de Trainspotting, después perdido entre tanta película definitivamente banal.

ROBOT SALVAJE Buenas intenciones lastradas por la violencia

Título original: The Wild Robot
USA 2024 98 min.
Guion y dirección Chris Sanders, según el libro de Peter Brown Fotografía Chris Stover, animación Música Kris Bowers Intérpretes Lupita Nyong’o, Pedro Pascal, Kit Connor, Stephanie Hsu, Mark Hamill, Catherine O’Hara, Bill Nighy, Ving Rhames Estreno en el Festival de Toronto 27 septiembre 2024; en Estados Unidos 8 septiembre 2024; en España 11 octubre 2024

A estas alturas, si no fuera por la irrupción de esa maravilla técnica y emocional que es Flow, esta película sería saludada definitivamente como la mejor producción animada del año pasado. Así parecieron recibirla críticos de todo el mundo. Lamentablemente no podemos sumarnos a ese entusiasmo generalizado, aunque tampoco somos ajenos a sus logros y méritos. Con una técnica depuradísima, que combina texturas digitalizadas con otras que imitan razonablemente las tradicionales analógicas, a menudo inspiradas en la acuarela, Dreamworks suma este paradigmático robot femenino a personajes de su factoría ya tan familiares como Shrek, el gato con botas, los Croods o Hiccup y su dragón, logrando altas cotas de sentimentalismo pero sin renunciar a la molesta y recurrente violencia a la que apenas encontramos producciones hollywoodienses capaces de resistirse.

En Robot salvaje, última creación de Chris Sanders, responsable de personajes como los mencionados Croods o Lilo y Stitch, y director del western con Harrison Ford y perro también digitalizado La llamada de lo salvaje, asistimos a la inteligencia artificial al servicio de grandes gestas despreciadas por el ser humano, como la lucha anticlimática o la solidaridad como única arma para enfrentarse el enemigo común. Reconforta un arranque en el que los animales casi se comportan como tales, prescindiendo de la arcaica fábula que los convierte en variaciones humanoides. Luego se justifica el lenguaje verbal con un programa de traducción que lleva aparejado el singular robot, lo que no justifica su comportamiento humanizado. Y a partir de ahí seguimos las andanzas del personaje, su instinto maternal y su capacidad de conciliación y resiliencia frente al abuso del poder y la economía.

Pero todo acaba resultando excesivamente infantil y sentimentaloide, lo que hace que su recurrente violencia sea aún más peligrosa e inconveniente. Sus logros técnicos y sus buenas intenciones quedan así ensombrecidas por su inevitable recurso hacia la destrucción y el caos, por mucho que ésta sea su principal denuncia. Una descomunal banda sonora de Kris Bowers, asociado a trabajos más íntimos y recogidos, y un par de inspiradas canciones pop ilustran el conjunto con acierto y significación.

EQUIPAJE DE MANO Variación sobre un tema conocido

Título original: Carry-On
USA 2024 119 min.
Dirección Jaume Collet-Serra Guion T.J. Fixman y Michael Green Fotografía Lyle Vincent Música Lorne Balfe Intérpretes Taron Egerton, Jason Bateman, Sofia Carson, Danielle Deadwyler, Theo Rossi, Logan Marshall-Green, Dean Norris, Sinqua Walls, Tonatiuh Estreno en Netflix 13 diciembre 2024

Tras coquetear con éxito con el cine de gran presupuesto en Jungle Cruise y Black Adam, el catalán Jaume Collet-Serra vuelve al género que mejor conoce y en el que parece encontrarse más cómodo, el thriller adrenalítico, con ésta su primera incursión en el imaginario Netflix. Diez éxitos consecutivos en veinte años de carrera en Hollywood, que culminan a sus cincuenta años con este sencillo y eficaz título en el que se combina el terrorismo internacional con el cine de conspiraciones en un ejercicio narrativo quizás lleno de convenciones, traducidas en su mayoría en un uso de los tiempos algo caprichoso, pero que cumple expectativas y nos embauca con ese personal estilo visual y dramático que hace de su filmografía un conjunto absolutamente coherente y convincente.

Taron Egerton, conocido por sus papeles en Kingsman: Servicio secreto y Rocketman, donde interpretaba a Elton John, imprime energía y convicción a su personaje de agente de seguridad aeroportuaria, mientras Jason Bateman nos sorprende con un papel que se sale de su registro habitual, en un juego del gato y el ratón, pinganillo mediante, que sumerge a los sufridos pasajeros del Aeropuerto de Los Ángeles en plena Nochebuena en una pesadilla con la que, a otro nivel, nos es fácil identificarnos cuando viajamos a menudo y nos sentimos rehenes de las cada vez más numerosas medidas de seguridad que tanto afectan a nuestra paciencia y sensatez.

Sin pedirle mucho a cambio, Carry-On nos proporciona dos horas de sano entretenimiento, realizada con pericia y un sentido impecable de la profesionalidad y buen conocimiento del medio. Quizás no se trate sino de una variación sobre un tema y un desarrollo archiconocido, pero con nuevas armas e ingredientes, y con la gracia suficiente como parecer nuevo. Su título original está bien traducido aquí por Equipaje de mano, aunque pierda ese doble sentido que tanto gusta el thriller estadounidense, en este caso en referencia a sobrellevar una carga, la que soporta un protagonista obligado a un silencio similar, aunque en un contexto completamente distinto, al que Hitchcock sometía a Montgomery Clift en Yo confieso.

PARTHENOPE Cantos de sirena napolitana

Italia-Francia 136 min.
Dirección Paolo Sorrentino Guion Umberto Contarello y Paolo Sorrentino Fotografía Daria D'Antonio Música Lele Marchitelli Intérpretes Celeste Dalla Porta, Dario Aito, Daniele Rienzo, Gary Oldman, Stefania Sandrelli, Luisa Ranieri, Silvio Orlando, Pepe Lanzetta, Isabella Ferrari, Silvia Degrandi Estreno en el Festival de Cannes 21 mayo 2024; en Italia 24 octubre 2024; en España 25 diciembre 2024

Es curioso cómo desde su estreno en el Festival de Cannes la primavera pasada, la nueva película de Paolo Sorrentino ha recibido más varapalos que beneplácitos, cuando no es sino puro Sorrentino, el mismo que nos deleitó con Il Divo, La gran belleza, La juventud o las dos entregas televisivas sobre el Papa. Hay más forma que contenido, aún cuando no prescinda en absoluto de éste. Y hay mucha belleza en este nuevo himno a la ciudad de Nápoles, a la que ya expuso en su celebrada Fue la mano de Dios. Empezando por esa sirena que emerge de las azules aguas del Mediterráneo, cuyo nombre responde a aquel con el que se conocía la popular ciudad italiana antes de convertirse en Nápoles.

Celeste Dalla Porta es la gran revelación de la película, alguien a quien nunca nos cansamos de contemplar, incorporando a una joven no sólo hermosa sino inteligente, que sufre hasta la eternidad las consecuencias de un amor prohibido y malogrado, mientras en su ir y venir por el camino de una vida plagada de belleza y dolor, conoce todo tipo de personajes extravagantes, sórdidos o grotescos, ese lado felliniano que Sorrentino nunca se cansa de homenajear, aunque su lenguaje siempre resulta mucho más atractivo para la mayoría del público, que se deja llevar por su particular universo colorista y creativo, de auténtica postal de diseño. Algo que se percibe ya desde los títulos de crédito iniciales, con esa luminosa ciudad plagada de modelos de los setenta luciendo porte y glamour al son de Éxodo de Wojciech Kilar, música que lo mismo sirve para ilustrar el primer y más primitivo tráiler de La lista de Schindler que para mostrar toda la sofisticación de la belleza y la juventud en un Nápoles de diseño.

Tenemos por lo tanto al Sorrentino que tanto cuida su banda sonora, en la que destacan los temas de Riccardo Cocciante o Valerio Piccolo, complementando la luz y el color de la imagen, así como la belleza de la mítica y desgraciada sirena que se rinde tras fracasar en el amor, pero que parece albergar una esperanza en el cuerpo de una ya madura protagonista ioncorporada por otro mito, Stefania Sandrelli. Todo ello aderezado con esa galería de personajes excéntricos que desfilan por una pantalla en la que quizás no encontremos más que un fresco lujoso como testimonio de un director hacia su ciudad, pero menudo fresco y cuánta belleza, con esa facilidad tan italiana de combinar la elegancia más absoluta con la vulgaridad más hilarante, y en la que el hermoso idioma también luce en todo su esplendor.

OH, CANADA Una tediosa plataforma de reencuentros

USA-Israel 2024 95 min.
Guion y dirección Paul Schrader, según la novela de Russell Banks Fotografía Andrew Wonder Música Phosphorescent Intérpretes Richard Gere, Uma Thurman, Jacob Elordi, Michael Imperioli, Kristine Froseth, Victoria Hill, Penelope Mitchell, Zach Shaffer Estreno en el Festival de Cannes 17 mayo 2024; en Estados Unidos 6 diciembre 2024; en España 25 diciembre 2024

Paul Schrader comenzó su carrera en 1975 escribiendo el guion de Yakuza, al que siguieron los de las exitosas Taxi Driver y Fascinación. En 1978 dio el salto a la dirección con Blue Collar y Hardcore, un mundo oculto. 1980 fue un año crucial en su carrera, al escribir Toro salvaje y dirigir American gigoló, película que catapultó a Richard Gere antes de adquirir fama de estrella internacional con Oficial y caballero. La costa de los mosquitos y otros títulos de Scorsese como La última tentación de Cristo y Al límite culminaron su faceta como guionista de lujo. Esta última propició un relación con Nicolas Cage que derivó en algunas de sus peores películas como director, Caza al terrorista, Como perros salvajes y Dark. En su irregular filmografía encontramos también las populares El beso de la pantera, Mishima, Pattu Hearst o El placer de los extraños. A aberraciones tales como El exorcista: El comienzo o Adam resucitado han seguido tres de sus mejores trabajos tras las cámaras, El reverendo, El contador de cartas y El maestro jardinero. Su reencuentro con Gere lo es también con el novelista y amigo Russell Banks, quien falleció en enero de 2023 y a quien está dedicada esta película. Suya fue también la novela en la que se basó Aflicción, uno de los trabajos más celebrados de Schrader, protagonizado por Nick Nolte y que le valió a James Coburn un Oscar como mejor actor secundario.

Oh, Canada es la última novela de Banks, en la que parece querer plasmar los recuerdos, confusos y a menudo imaginados de un hombre moribundo, en este caso un prestigioso director de documentales cuyos secretos presuntamente más inconfesables surgen a la luz frente a su esposa, Uma Thurman, cuando unos cineastas ex alumnos suyos deciden hacer un documental sobre su vida y arte. Y es esa confusión y la escasa entidad que parece tener el personaje, lo que convierte a esta fallida película en un experimento tan falto de interés como de trascendencia. Los recuerdos mezclados y desordenados, las texturas caprichosamente alternadas y las voces en off así mismo alternativas, la del protagonista y la de su hijo repudiado, conforman un telar difícil de digerir, al que ni el repaso de esos Estados Unidos de los sesenta de la que huye el documentalista hacia una idealizada Canadá, ni su supuesta vida sentimental desordenada, ni mucho menos sus logros como cronista de una realidad seguramente también muy intervenida, parecen redimir del tedio y el desinterés.

Thurman también se reencuentra con Gere en este film, tras coincidir hace tres décadas en Análisis final, mientras el joven Jacob Elordi (Priscilla, Saltburn) da la réplica al protagonista de Pretty Woman en su faceta más joven. Por su parte, el cantautor Matthew Houck, más conocido como Phosphorescent, ilustra las peripecias del protagonista más con canciones folk que con una convencional partitura instrumental.

NOSFERATU Recuperación de un monstruo centenario

USA 2024 132 min.
Guion y dirección Robert Eggers, según la novela “Drácula” de Bram Stoker y el guion de la película de F.W. Murnau Fotografía Jarin Blaschke Música Robin Carolan Intérpretes Bill Skarsgard, Lily-Rose Depp, Nicholas Hoult, Aaron Taylor-Johnson, Emma Corrin, Willem Dafoe, Simon McBurney, Ralph Ineson Estreno en España y Estados Unidos 25 diciembre 2024

Son infinitas las adaptaciones de Drácula de Bram Stoker que se han llevado al cine, las de Tod Browning, la Hammer, Badham y Coppola como más significativas. Pero de su versión apócrifa, Nosferatu de Murnau, realizada sin satisfacer los derechos de autor, lo que llevó a la viuda de Stoker, Florence Balcone, a demandar a la productora y destruir gran parte de las copias, sólo conocemos el remake que realizó Werner Herzog en 1979 con Klaus Kinski, Isabelle Adjani y Bruno Ganz como protagonistas. Ahora, apenas unos meses de estrenarse en plataformas digitales El último viaje del Demeter, que estira el episodio en el que el vampiro viaja desde los Cárpatos a Londres, llega la esperada adaptación que de este clásico ha hecho el director de La bruja, El faro y El hombre del norte, un siglo después del original. Con una cuidadísima estética y una logradísima atmósfera, inquietante, lúgubre y muy atenta al espíritu expresionista de la primera pero sin resultar un remedo, Egglers tiene el acierto de añadir aspectos que no se encuentran ni en la novela ni en la película que le sirve de inspiración, y que nos conectan con miedos más reales, sin por ello traicionar ese más allá con el que identificamos el mito del vampiro sediento de sangre.

Para eso nos plantea una conexión entre Ellen (Mina en la novela de Stoker) y el vampiro que se remonta a la niñez y que le mantiene atenta desde su nacimiento a la posibilidad de entrar en trance, perder la perspectiva de la realidad y entregarse a los misterios de la pérdida de la razón, algo que sin duda nos trastorna y nos conmueve a todos y a todas. Y es ahí donde radica el mayor terror y el más absoluto desconcierto, por encima de la estética gore a la que se asoma en varias secuencias, o los sustos obligados con los que se salpica su narración, e incluso por encima del nauseabundo aspecto del monstruo. Nunca el vampiro por excelencia nos había parecido tan irreal, fruto quizás de la oscuridad del momento, de la imaginación de los protagonistas o del miedo aterrador a cuestiones colaterales como la locura o la peste. Las supersticiones, la ignorancia e incluso la herencia genética, nos condena a temer lo irracional, cuando a nuestro alrededor pueden estar pasando cosas mucho más aterradoras y desconcertantes.

Egglers logra con todo ello una película sin duda muy cuidada y sugerente estéticamente, muy elaborada también a nivel de guion y sólida en cuanto a postulados e interpretaciones, destacando el excelente trabajo de Lily-Rose Depp, muy bien secundada por Bill Skarsgard como el vampiro y Nicholas Hoult, reciente su éxito en El jurado nº 2, una de las mejores películas del año, como Thomas Hutter, sosías de Jonathan Harker. Destaca también el trabajo muy esforzado de Simon McBurney como Knock, Renfield en Drácula, y Willem Dafoe, quizás un guiño al papel que interpretó en La sombra del vampiro, una fantasía sobre el rodaje de la película de Murnau, en la que él interpretaba a Max Schenck, el actor que dio vida a Nosferatu, mientras John Malkovich recreaba al director alemán. El uso del sonido, especialmente de la profunda y aterradora voz del vampiro, y una intervención del sexo más pacata que la de la versión de 1979, son otras de las características de esta llegada de un Anticristo el Día de Navidad.

UN LÍO DE MILLONES Un motivo desaprovechado

España 2024 91 min.
Dirección Susan Béjar Guion Susan Béjar y Ángela Armero, según el guion de Alexandra Leclère para la película “Mis queridísimos hijos” Fotografía Kiko de la Rica y Chus López Música Vanessa Garde Intérpretes Antonio Resines, Gracia Olayo, Clara Lago, Alberto Olmo, Itzan Escamilla, Lucía Caraballo, Raúl Cimas, Bianca Kovacs Estreno 20 diciembre 2024

Enésima revisión de otro éxito extranjero, francés para más señas, que se ha convertido en la fuente de inspiración casi absoluta de la comedia moderna española. No cabe duda de que su punto de partida tiene gancho y atractivo, y es desde luego su principal reclamo. Una pareja madura finge haber ganado la lotería de Navidad, para eso se ha estrenado en fecha tan señalada, y atraer así a sus descastados y desagradecidos hijos, que han volado del nido familiar dejándolo vacío.

A partir de aquí abunda la brocha gorda, la música omnipresente potenciando secuencias que no la necesitan, y las caracterizaciones extremas, con más acierto para los personajes secundarios – el jefe impresentable, la novia amable y cariñosa y la trabajadora doméstica rumana y descarada – que para los principales, que se limitan a lucir sobriedad en el caso de Resines, hilaridad impostada en el de Olayo y palmito en el caso de Lago y Olmo.

Poco más hay que rascar en una película que, a pesar de todo, se deja ver por su tono amable y familiar, por no caer en la astracanada con la que habitualmente se despacha la comedia ibérica, y por la habilidad de su debutante realizadora para al menos ofrecer un producto entretenido que no rechina demasiado. Sin embargo, todo resulta demasiado convencional y previsible, y se desaprovecha ese interesante punto de partida, que podría haber dado lugar a una reflexión algo más sofisticada acerca del nido vacío.

LA GUITARRA FLAMENCA DE YERAI CORTÉS Unidos por una constelación de satélites

España 2024 91 min.
Dirección Antón Álvarez Fotografía Oriol Barcelona, Nauzet Gaspar, Álvar Riu, Diego Trenas y Arnau Valls Colomer Documental Estreno en el Festival de San Sebastián 20 septiembre 2024; en salas 20 diciembre 2024

El verano de 2020 pudo verse en el cielo una constelación de satélites enviados en órbita por SpaceX, compañía de Elon Musk. Una de esas noches en que pudo ser divisado un desfile de starlinks, la popular estrella del reggaetaon C. Tangana, coincidió en una fiesta con el joven guitarrista Yerai Cortés. Quedó tan fascinado por su doble vertiente como artista de vanguardia y flamenco clásico, que decidió emprender una aventura musical con él y plantearse su debut en la dirección cinematográfica trazando un retrato suyo a partir de la idea que debía plasmarse en ese trabajo conjunto. Antón Álvarez, más conocido como C. Tangana, ha demostrado con este sólido e inteligente trabajo tener más que aptitudes para dedicarse también al cine y doblar así su trabajo artístico.

Queda claro que en nuestro país existe un género heredado de esa serie televisiva titulada Vivir cada día, y que a nuestros cineastas sirve tanto para crear metaficción a partir de la ficción, como han demostrado recientemente Sandra Romero con Por donde pasa el silencio e Isaski Lacuesta con Segundo premio, como a partir del documental estricto, como ha hecho precisamente C. Tangana con su debut en el cine. Pero lo más llamativo es cómo trata con rigor y delicadeza un espinoso y dramático episodio de la vida del homenajeado, eje central de todo el argumento, con especial énfasis en la relación del joven artista con sus padres.

Y sobre todo llama la atención el uso creativo e imaginativo que el director hace del sonido en los esmerados números musicales que salpican la trama, a los que el talentoso guitarrista se presta encantado, rodeado de familiares, amistades y artistas que consiguen momentos de extraordinario espectáculo callejero, y que el cineasta se encarga de ensalzar tema a tema en sus jugosos títulos de crédito finales.

CÓNCLAVE Intriga política en el Vaticano

Título original: Conclave
USA-Reino Unido 2024 118 min.
Dirección Edward Berger Guion Peter Straughan, según la novela de Robert Harris Fotografía Stéphane Fontaine Música Volker Bertelmann Intérpretes Ralph Fiennes, Stanley Tucci, John Lithgow, Isabelle Rossellini, Brian F. O’Byrne, Lucian Msamati, Carlos Diehz, Sergio Castellitto Estreno en el Festival de Toronto 8 septiembre 2024; en Estados Unidos 25 octubre 2024; en España 20 diciembre 2024

Daba igual quien las dirigiera, las películas basadas en novelas de John Grisham tenían todas un aspecto similar, eran películas de Grisham. Algo parecido le está ocurriendo a Robert Harris, claro que en su caso las dos anteriores, El escritor y El oficial y el espía, llevaban la misma firma, Polanski. La adaptación que de otra de sus novelas ha llevado a cabo el director del aclamado remake de Sin novedad en el frente, tiene también ese aspecto sobrio y trascendental de las mencionadas. Esta vez el escenario es el cónclave de elección de un nuevo Papa, y los cardenales encargados de hacerlo, con el decano al cargo de organizar la misión, son las marionetas de la función. El principal mérito de la cinta es entretener con los entresijos de intriga y ambición que se manejan en esta lucha por el poder, pero sobre todo es convencer de sus postulados a pesar de jugar con datos bastante disparatados, como el hecho de que cada uno de los aspirantes esconda algún motivo por el que no ser ideal para el cargo, de forma que se tocan todos los aspectos que corrompen no sólo a la casta eclesiástica sino a cualquier otro ámbito de poder al que el sistema nos ha acostumbrado.

Se trata por lo tanto de convertir el Vaticano en metáfora de la situación política actual mundial, con las tumultuosas luchas entre religiones que provocan guerras y atentados terroristas como paradigma de las manipulaciones y controles al que todos y todas nos hemos sometido. Logra por lo tanto la complicidad del público, entregado a este trampantojo de la situación política y social actual, los vientos reaccionarios que nos asolan y el retroceso generalizado en políticas progresistas con el que amenazan los sistemas políticos que un mundo que se siente amenazado vota presuntamente de manera libre y democrática. Se trata también de un trabajo que pone de relieve los supuestos avances ideológicos de una institución que sigue revelándose rancia, y cuyos pasos adelante son tan lentos como rápidos los que le hacen retroceder.

Así, entre intriga y giro narrativo, llegamos a un final tan sensacionalista como de dudosa validez, dado el principio Duos habet et bene pendentes, que si no quieren spoiler absténganse de averiguar en qué consiste. Aunque de alguna manera, también esta conclusión que podríamos considerar como una libre licencia, sirve decisivamente a los objetivos de la empresa. Como otro signo de los cambios, podríamos considerar la actitud severa de Isabella Rosselini frente a la angelical de su madre, Ingrid Bergman, portando también los hábitos en Las campanas de Santa María.

MARISOL, LLÁMAME PEPA Juguete reparado

España 2024 87 min.
Guion y dirección Blanca Torres Fotografía Juana Jiménez Documental Estreno en el Festival de Málaga 3 marzo 2024; en salas 10 mayo 2024

Esforzado documental, galardonado con el Premio Forqué, que intenta sin demasiado éxito arrojar algo de luz al mito y la leyenda de Marisol, Pepa Flores, niña prodigio del cine español, aunque a la interesada no le convenza el término, devenida en la mujer más anónima y desaparecida de la historia reciente de nuestro país. Dividida en dos partes diferenciadas, su periplo como estrella infantil venerada por jóvenes y mayores de la época franquista, y su metamorfosis como mujer luchadora por los derechos y las libertades desde el comunismo más marxista, contestataria y polémica. Sin duda una trayectoria fascinante que no encuentra reflejo en este trabajo academicista invadido de testimonios prescindibles y estériles, como los vertidos por gente tan mediática como Elvira Lindo, Fernando Méndez-Leite, Cristina Hoyos, Cristina Almeida o Amaia Romero. Quizás los únicos valiosos sean los de la hermana de la retratada, Vicky Flores, que sin embargo da la sensación de no haberse aprovechado lo suficiente, y del fotógrafo César Lucas, que tanto la conoció y que firmó las famosas fotografías de desnudo que publicó Interviú en plena transición.

Más interesante y trabajado resulta el generoso material de archivo utilizado, haciendo hincapié en el fenómeno de masas que supuso en la época y su proyección internacional, aunque este último episodio no queda suficientemente contrastado. Su deriva contestataria, traducida en convivir con Antonio Gades al margen de su matrimonio con Carlos Goyanes, y su compromiso con la izquierda más radical, queda así mismo algo desdibujada, y podría haber supuesto un documento fascinante del que apenas se saca provecho, como tampoco se hace de sus continuos intentos por destacar como actriz seria de la mano de directores como Mario Camus, Jaime de Armiñán o Juan Antonio Bardem, que conocieron mejores cosechas al margen de sus trabajos con la actriz.

Desaparecida del mundo público tras protagonizar la serie de televisión Proceso a Mariana Pineda y el largometraje Caso cerrado, el documental de Blanca Torres incide en lo obvio, mostrar su faceta de juguete roto, en manos del régimen y de la codicia del productor José Manuel Goyanes, padre de su primer marido, el secuestro de su infancia, y su recomposición ya convertida en mujer. Quizás ese doble capítulo, el del secuestro de su infancia y adolescencia, y las duras críticas recibidas por su uso de la libertad en una época en la que se le condenaba por adúltera y marxista, justifiquen ese retiro que el año que viene cumplirá cuarenta años y en el que tanto celo pone que le impidió incluso recibir el Goya de Honor en su amada tierra hace un par de ediciones. Al fin y al cabo, como ella misma dice, "es mi vida, con eso lo contesto todo".

EL LUGAR DE LA OTRA Oportunidad liberatoria

Chile 2024 95 min.
Dirección Maite Alberdi Guion Inés Bortagaray, Paloma Salas y Maite Alberdi, según la novela “Las homicidas” de Alia Trabucco Zerán Fotografía Sergio Armstrong Música José Miguel Miranda y Miguel Tobar Intérpretes Elisa Zulueta, Francisca Lewin, Marcial Tagle, Pablo Macaya, Gabriel Urzúa, Gabriel Cañas Estreno en el Festival de San Sebastián 22 septiembre 2024; en Chile 30 septiembre 2024; en España (Netflix) 11 octubre 2024

El cruce entre los talentos de Maite Alberdi como directora y Pablo Larraín como productor deviene en esta interesante y original película que parte de un renombrado crimen ocurrido en el Chile de 1955 para trazar el retrato de una mujer como tantas otras oprimida por un sistema que sólo le reconoce como compañera y asistenta del hombre. La afamada directora de los documentales El agente topo y La memoria infinita, se pasa a la ficción definitiva (esos trabajos ya tenían algo de estructura y estilo de ficción) para narrarnos la historia de dos mujeres unidas por un crimen. La escritora María Carolina Geel, asesinó en el lujoso Hotel Crillón de la capital chilena a su amante, sin que nunca trascendieran los motivos y sin que se aclarase si se encontraba en plenitud de sus facultades mentales o no. Todo hace pensar que fue un crimen premeditado, quizás una rebelión contra el sistema, contra la consideración de sombra de los hombres que se tenía de las mujeres.

Lo cierto es que este hecho consumado da pie en la novela Las homicidas en la que se basa la película, para forjar el retrato de otra mujer, la secretaria del juez encargado del caso, que encuentra en el piso de la encausada el espacio en el que reafirmar su libertad y su independencia. Lástima que en su afán de centrarse en este análisis o tesis argumental, la película pronto se revele reiterativa y de insuficiente relevancia, a pesar de contar con las magníficas interpretaciones de Zulueta y Tagle, y de un diseño de producción muy determinado y determinista, colorido y luminoso en la mejor tradición del telefilm o teleserie de época.

Sin duda la reciente obtención del Premio Forqué a la mejor película latinoamericana impulsará algo más su discreto recorrido comercial, pero no cabe duda que haberse centrado también en la figura de la intrigante escritora, que escribió en reclusión Cárcel de mujeres y logró el indulto gracias a la intermediación de su amiga Gabriela Mistral, habría enriquecido su algo raquítica propuesta.

MARIPOSAS NEGRAS Desplazadas climáticas

España-Panamá 2024 78 min.
Dirección David Baute Guion Yaiza Berrocal y David Baute Fotografía María Pulido Música David Navarro Voces Laura Gómez, Bella Agossou, Miranda Gas, David Comrie, Jean-Didier Aïssy, María Jesús Lleonart, Bernat Quintana, Mercè Montalà Animación Estreno 13 diciembre 2024

Curtido en el documental y concienciado activista del cambio climático, el canario David Baute consagró su último trabajo, Éxodo climático (2020), a contar la historia de tres mujeres obligadas a emigrar como consecuencia de las tragedias naturales que asolaron sus hogares. Tres madres de familia que tuvieron que abandonar a sus maridos, y en un caso incluso a sus hijos, en Ghoramara (India), Turkana (Kenia) y San Martín (Caribe), para emigrar a Dubai, Nairobi y París respectivamente. Desde entonces ha estado trabajando en la versión ficcionada y animada de estas dolorosas experiencias de desarraigo y miseria a la que ha condenado la desidia y falta de interés de los países que pueden frenar esta barbarie que está acabando con el planeta y sus recursos.

Baute emplea para ello una animación sencilla, incluso diría básica, pero efectiva. Sobre todo echa mano de una sensibilidad extrema para contar de la forma más didáctica posible los efectos devastadores de huracanes, inundaciones, sequías y demás catástrofes cada vez más frecuentes y en los lugares más insospechados, como consecuencia del tan negado por algunas esferas calentamiento global. Lástima que como ocurre con el cine social, quienes se acerquen a verla estén ya suficientemente concienciados, y que apenas se haya estrenado en una veintena de cines de todo el país. Esperemos que con el Premio Forqué recién obtenido, su carrera comercial se impulse un poquito más, aunque sobre todo confiamos en que el trabajo no caiga en el olvido inmediato y pueda ser exhibido en aulas y allí donde más interesa, entre las nuevas generaciones, la única esperanza de que lleguemos a tiempo de evitar el apocalipsis.

Por el camino, cabe destacar las penurias que sufren quienes se ven obligados y, como en este caso, obligadas a desplazarse y no poder ser consideradas ni siquiera como refugiadas por no estar sus casos incluidos en la Convención sobre el Estatuto de los Refugiados. En este sentido, la película acierta al no subrayar este sufrimiento ni tampoco banalizarlo, sino mostrarlo tal cual es, una situación de parias y sin derechos que, en el caso de las mujeres, como muy bien han demostrado sus guionistas, se ve considerablemente empeorada, llegando a suponer también un problema de violencia de género. El legendario Rubén Blades rubrica el trabajo con una acertada y emotiva canción.

LA MALDICIÓN DEL QUEEN MARY El resplandor a bordo

Título original: Haunting of the Queen Mary
Reino Unido-Estados Unidos-Irlanda 2024 124 min.
Dirección Gary Shore Guion Gary Shore, Stephen Oliver y Tom Vaughan Fotografía Isaac Bauman Música Jason & Nolan Livesay y Tiffany Ashton Intérpretes Alice Eve, Joel Fry, Will Coban, Nell Hudson, Lenny Rush, Florrie Wilkinson, Angus Wright, Jim Piddock, Wesley Alfvin, Alfredo Tavares Estreno en Italia 19 julio 2023; en estados Unidos 18 agosto 2023; en España 13 diciembre 2024

Aunque su escueta filmografía, siempre en el ámbito del terror, se circunscribe al largometraje Drácula, la leyenda jamás contada y la película de episodios Holidays, ambas sin apenas repercusión en nuestras pantallas, este nuevo trabajo del joven irlandés Gary Shore se estrena entre nosotros con todos los honores, a pesar incluso de llegar a nuestras pantallas con casi año y medio de retraso. Todo esto nos sorprende muchísimo habida cuenta su difícil digestión, no por abundar en recursos gore, que alguno hay, sino por seguir una gramática tan farragosa y caprichosa que le hace ser extremadamente difícil de entender.

Esto lo achacamos más al capricho de su director, sumado a su escasa pericia como narrador, que a un problema de nuestro intelecto. Intercambia espacios temporales y físicos con tal tendencia a la confusión que no llegamos a percibir sus intenciones, mientras hace alarde permanente de emular al gran Kubrick en El resplandor, tanto en estética como en su forma de abordar una clásica historia de fantasmas. La suya se ambienta en el mítico trasatlántico británico del título, amarrado a un puerto californiano desde 1967 y víctima de una leyenda negra que le hace depositario de las curiosidades más morbosas del público, incluida la poco convencional y desestructurada familia que protagoniza este batiburrillo.

Y todo eso considerando que se ha invertido una buena suma para recrear la época de mayor esplendor del buque, figuración del gran Fred Astaire incluida, reviviendo alguno de sus icónicos bailes, quizás lo más divertido de una película que se ve con desagrado por la confusión que genera y el escaso interés que suscita.