LOS PECADORES Una excitante combinación de géneros

Título original: Sinners
USA 2025 137 min.
Guion y dirección Ryan Coogler Fotografía Autumn Durald Música Ludwig Göransson Intérpretes Michael B. Jordan, Hailee Steinfeld, Miles Caton, Wunmi Mosaku, Delroy Lindo, Jack O’Connell, Jayme Lawson, Omar Benson Miller, Yao, Li Junli, Lola Kirke, Peter Dreimanis, David Maldonado Estreno en España 16 abril 2025; en Estados Unidos 18 abril 2025

Nos adherimos al entusiasmo general, a pesar de nuestras iniciales reticencias, ante esta espectacular película que combina con habilidad y muy buen oficio géneros tan dispares como el terror, el musical, el cine de acción, el drama sureño y la denuncia racista, con resultados tan entretenidos como estimulantes. Es como si en el club de El color púrpura donde canta Tata Vega bajo la piel de Margaret Avery, y una desdichada Cellie (Whoopi Goldberg) descubre los placeres de la vida y su autoestima, se inmiscuyera el mal y se dedicara a hacer estragos entre los y las erotizadas clientas. Los pecadores es por ello un homenaje a la música, prácticamente en todas sus vertientes, pero centrada en el blues y el ritmo negro, con secuencia cumbre en el que echando mano de la magia del cine, conviven épocas y estilos con absoluta naturalidad y un sentido del espectáculo realmente notable.

Detrás de la cámara, y como responsable del guion, encontramos a Ryan Coogler, gran conocedor de la épica cinematográfica, gracias a su trabajo revitalizador del universo Rocky en Creed, y sobre todo por las dos espectaculares entregas de Black Panther. Recordemos que la primera fue el único título de Marvel nominado al Oscar a la mejor película. En sus manos y en el del ejemplar reparto, se logra una perfecta definición de personajes, por cierto multitud, con Michael B. Jordan, actor fetiche de Coogler, interpretando un doble personaje, los dos hermanos que regresan de hacer fortuna como gángsters en Chicago, a la localidad donde crecieron, reencontrándose con esta comunidad fundamentalmente negra, en unos primeros años treinta del pasado siglo, y con la intención de abrir un club nocturno donde reafirmar su potencial y su fuerza frente a la supremacía blanca.

En este contexto, y con irlandeses, indios y asiáticos conviviendo con esta mayoría negra, se hace una reflexión sobre ese país donde la diversidad tiene que triunfar sobre la amenaza ultraderechista que pretende erradicarla. Esto convierte la película, al margen de su vocación de excelente entretenimiento, en un poderoso artilugio de orgullo y reivindicación de una raza durante siglos expuesta a los mayores tormentos y las más insufribles humillaciones. Puede que el único pero posible lo encontremos en su infantil dialéctica sobre el bien y el mal, con la iglesia y el cabaret como ejes vertebradores. Lógicamente, en todo este entramado merece especial mención la inspirada banda sonora de Ludwig Göransson, dos veces ganador del Oscar (Black Panther y Oppenheimer), en cuya estética folk sureña se intercalan canciones originales y adaptadas, extraordinarios números musicales y la presentación como actor y cantante de voz profunda y misteriosa, de Miles Caton.

NICKEL BOYS Irriante experimento formal

USA 2024 140 min.
Dirección RaMell Ross Guion RaMell Ross y Joslyn Barnes, según la novela de Colson Whitehead Fotografía Jomo Fray Música Alex Somers y Scott Alario Intérpretes Ethan Herisse, Brandon Wilson, Aunjaue Ellis-Taylor, Hannish Linklater, Fred Hechinger, Daveed Diggs, Robert Aberdeen, Gralen Bryant Banks Estreno en el Festival de Telluride (USA) 30 agosto 2024; en Amazon Prime 27 febrero 2025

Desconcertante debut en el largometraje de RaMell Ross, convertido así, de la noche a la mañana, en objeto de culto e incomprensible admiración. Se trata de la adaptación de una novela ganadora del Pulitzer (¡qué bien venden los americanos todo lo suyo!), que como Sugarcane, otro trabajo en liza para los Oscar, en este caso en el apartado de mejor documental, indaga sobre la limpieza étnica en uno de esos centros educativos o reformatorios que con el tiempo han arrojado escalofriantes cifras de abusos y fallecidos. Pero la cinta de Ross no se limita a ser una denuncia o un alegato sobre la barbarie de un país considerado civilizado y que quizás se erige como el más racista del mundo occidental, por no decir del mundo en general.

Donde allí eran indios canadienses, aquí son una vez más negros, en concreto dos jóvenes a quienes sólo vemos juntos una vez, gracias a un espejo en el techo que los refleja y sirve como cartel anunciador. Porque el resto del tiempo, la cámara adopta una posición subjetiva y vemos a cada uno de los protagonistas con los ojos del otro, por lo que siempre hay uno que escapa a nuestra perspectiva, en lo que se convierte en caprichoso y a la postre irritante ejercicio de experimentación formal. Todo se reduce entonces a dos horas y veinte minutos tediosos, hundidos en una narrativa caprichosa, que juega constantemente al desafío, por lo que hay que estar muy atento y espabilado para comprender el conjunto de adversidades por el que atraviesan los dos jóvenes en una crónica con tendencia permanente a la impostura y el preciosismo estético, incluido el formato cuadrado y la música vanguardista.

Fuera de este prisma queda la denuncia, la catarsis emocional y el juego dialéctico, que pierden fuerza y efectividad a favor del experimento, para entregarse todo a la videocreación artística y el desapego hacia todo lo grave que se cuenta, las atrocidades perpetradas en el centro al que alude su título, Nickel. Habrá quien quiera ver poesía, pero por mucho que cuente con el beneplácito de industria y crítica, rendida a sus supuestos encantos, a nosotros sólo se nos antoja una película pedante y ridícula.

SEIS TRIPLE OCHO La guerra interna

Título original: The Six Triple Eight
USA 2024 127 min.
Dirección Tyler Perry Guion Tyler Perry y Kevin Hymel Fotografía Michael Watson Música Aaron Zigman Intérpretes Kerry Washington, Eboy Obsidian, Shanice Shantay, Sarah Jeffery, Milauna Jackson, Pepi Sonuga, Kylie Jefferson, Moriah Brown, Jeanté Godlock, Gregg Sulkin, Jay Reeves, Dean Norris, Sam Waterston, Susan Sarandon, Oprah Winfrey Estreno en Estados Unidos 6 diciembre 2024; en internet (Netflix) 20 diciembre 2024

Una película cuyo principal y loable fin es contar una de esas historias que merecen sin duda contarse. En este caso se trata de una compañía de mujeres negras que ingresaron en el ejército estadounidense durante la Segunda Guerra Mundial y a las que se encomendó la misión de organizar y enviar el correo postal atrasado de más de tres años, un trabajo ingente e inabarcable que lograron cumplir en tiempo récord y con el que lograron levantar la moral de centenares de miles de soldados y sus familias. Su director, Tyler Perry, lleva décadas dirigiendo película ligeras y series de televisión, con especial peaje en la serie de films dedicados a Madea, una matriarca sureña con gajes de comedia.

Con la actriz Kerry Washington y la presentadora Oprah Winfrey detrás de la producción, la película procura restablecer la memoria de quienes sufrieron el ultraje y el desprecio de sus superiores blancos, y cómo recibieron mejor trato en Europa mientras desarrollaron su misión, que en Estados Unidos, donde a pesar del reconocimiento inicial, siguieron sufriendo los efectos del más execrable racismo. Un ejemplo de película sentimental, plagado de mensajes y discursos alentadores, que podría haber disfrutado de un tratamiento más atrevido y comprometido, pero que se conforma con el más televisivo y sencillo con el que se presenta.

Quizás celebrar su ejercicio de memoria histórica, ese al que tanto se niega la pñoblación más rancia e injusta, sea su principal aliciente, acompañado de unas interpretaciones responsables y atinadas, un aspecto formal aseado, una narrativa enfocada al más puro entretenimiento y una canción final de Diane Warren, eterna nominada al Oscar, que con ésta suma dieciséis ocasiones sin conseguirlo de momento. Las breves intervenciones de Susan Sarandon y Sam Waterston como el matrimonio Roosevelt y de la misma Oprah Winfrey como activista feminista y anti racista, suman también atractivo a una propuesta cuya cumbre es el testimonio real y sobrecogedor de su centenaria protagonista.

BLITZ Dickens in black and war

Reino Unido-USA 2024 120 min.
Guion y dirección Steve McQueen Fotografía Yorick Le Saux Música Hans Zimmer Intérpretes Saoirse Ronan, Elliott Heffernan, Paul Weller, Benjamin Cl´mentine, Harris Dickinson, Stephen Graham, Kathy Burke, Leigh Gill Estreno en Reino Unido y Estados Unidos 1 noviembre 2024; en España (Apple TV+) 22 noviembre 2024

Tras seis años sin dirigir largometrajes para el cine (Hunger, Shame, Doce años de esclavitud, Viudas), dedicándose al documental y la televisión, con trabajos tan sobresalientes como los cinco episodios que integran la serie Small Axe, Steve McQueen estrena en plataformas digitales este ambicioso proyecto que relata, siempre desde el punto de vista de la marginación racial y social, el asedio aéreo que sufrió Londres durante la Segunda Guerra Mundial. Se trata de un episodio poco tratado en el cine, y que McQueen recrea con  preciosismo.

Tratándose de la odisea de un niño negro por regresar junto a su madre cuando es enviado, como tantos otros niños, a un lugar apartado y seguro, durante lo que se llamó The Blitz, campaña de bombardeos en el Reino Unido, parece que al director le interese dar al conjunto un tratamiento de fábula, donde sin escatimar el peligro, el dolor y la crueldad de cuanto acontece, su academicista puesta en escena, donde los juegos de sombras no pueden eclipsar el luminoso y colorista aspecto que luce gran parte de una cinta en la que hasta los clubs nocturnos son recreados con todo lujo de detalle, alivie parte de su luctuoso argumento. En su papel de madre, Saorise Ronan (el niño es mulato) exhibe un trabajo contenido y lúcido, mientras se rodea de gente como Paul Weller, histórico integrante de grupos como The Jam o The Style Council, Harris Dickinson (El triángulo de la tristeza) y el niño Elliott Heffernan, que en su periplo vive incluso episodios que parecen sacados del imaginario dickensiano.

El conjunto funciona y entretiene, pero no emociona de forma conveniente, aunque deja el poso suficiente para hacernos reflexionar sobre si quizás la historia se repite, y donde hoy sufren ucranianos y palestinos, antes lo hicieron otros y volveremos algún día hacerlo nosotros, dentro de un sistema y un planeta que no tiene remedio. La música de Zimmer, asistido por el también compositor Nicholas Britell y las alegres recreaciones de canciones de la época, ilustran de manera adecuada el impecable acabado de este académico film.

REBEL RIDGE Acorralado en el calor de la noche

USA-Reino Unido 2024 130 min.
Guion y dirección Jeremy Saulnier Fotografía David Gallego Música Brooke y Will Blair Intérpretes Aaron Pierre, Don Johnson, AnnaSophia Robb, David Denman, Emory Cohen, Zsane Jhe, James Cromwell, Steve Zissis, Dana Lee, Daniel H. Chung Estreno en Netflix 6 septiembre 2024

Con dos interesantes películas en su haber, Blue Ruin y Green Room, el director del que nadie se atreve a traducir los títulos de sus trabajos, Jeremy Saulnier, parece haberse inspirado en dos clásicos del cine, Acorralado y En el calor de la noche, en su mezcla de denuncia racial y justicia personal, a la hora de urdir su desafiante y desasosegadora trama. Dejando claro cómo en muchas zonas del interior de Estados Unidos sigue imperando la ley del más fuerte, como en el salvaje oeste, Saulnier plantea en clave de western contemporáneo, una historia de humillación e injusticia, a la que es arrastrado un ciudadano ejemplar, ex marine en la Guerra de Irak y experto en artes marciales y tácticas de defensa, a quien la corrupción policial conduce hacia una vorágine de violencia, una pesadilla imposible de resolver por los cauces legales e irremediablemente destinada a tomarse la justicia por su propia mano. Un recurso por lo tanto muy de la cultura estadounidense.

Peligrosamente en la frontera entre fascista y poética, donde la ley deja de tener valor y peso para dar lugar a una búsqueda de la verdad y la justicia por caminos poco ortodoxos, cabe sin embargo la posibilidad de aplaudir la casi ausencia de bajas, el uso de armas no letales y la tendencia del protagonista a dejar el menor rastro de sangre posible en su empeño. Claro que todo ello debido a la necesidad de justificar sus actos, propiciando un final feliz en el que la consecución de su objetivo no empañe el destino de quien se ha ganado nuestra simpatía desde el minuto cero, cuando transita a ritmo de heavy metal en su bicicleta de alta gama por estrechas carreteras de Louisiana. Un papel que recae en la enigmática y atractiva presencia de Aaron Pierre, muy pronto en el remake marveliano de Blade, capaz de eclipsar al veterano Don Johnson como propiciatorio sheriff corrupto, y a su compañera de reparto, cuyo personaje se presta a actuaciones poco verosímiles teniendo en cuenta su delicada situación familiar.

El rebelde Ridge descarga todo su potencial en una película que destaca por una tensión dosificada y una atmósfera inquietante que Saulnier logra no sólo por su condición de director sino, sobre todo, por la de montador. Da cancha a sus actores y actrices para desplegar su carga dramática, y trabaja su intriga y esa subida de tensión que explota al final, con ahínco, sentido del ritmo y buen oficio cinematográfico.

EL COLOR PÚRPURA Mujeres maravillosas y entonadas

Título original: The Color Purple
USA 2023 141 min.
Dirección Sam Blitz Bazawule Guion Marcus Gardley, según la novela de Alice Walker y el musical de Marsha Norman Fotografía Dan Laustsen Música Kris Bowers Intérpretes Fantasia Barrino, Taraji P. Henson, Danielle Brooks, Colman Domingo, Corey Hawkins, Halle Bailey, Phyllida Pearl Mpasi, Ciara, H.E.R., David Alan Grier, Deon Cole, Jon Batiste, Louis Gossett jr. Estreno en Estados Unidos 25 diciembre 2023; en España 9 febrero 2024

Suele ser una práctica muy extendida en el espectáculo norteamericano convertir un éxito cinematográfico en musical de Broadway, y de ahí volver al cine en su nuevo formato. Ocurrió hace unos años con Los productores de Mel Brooks, y hace muchos con éxitos como Ninotchka, convertida en Silk Stockings (la bella de Moscú). El color púrpura hizo hace cuarenta años derramar muchas lágrimas de la mano del especialista Steven Spielberg. Adaptó para ello la novela de Alice Walker, auténtico best seller que narraba las tristes vicisitudes de una mujer de color no agraciada físicamente, que sufría los horrores del racismo, el maltrato y más veladamente su homosexualidad. Spielberg puso el acento entonces en sus aspectos más sentimentales y humanitarios, con notable éxito sólo enturbiado en los Oscar con la furia avasalladora de Memorias de África, que junto a otros títulos provocaron que ninguna de sus once nominaciones se tradujera en estatuilla.

Veinte años después la película se convirtió en musical de la mano de Stephen Bray, Allee Willis y Brenda Russell, y ahora en suntuosa película también musical a la que se han añadido algunas nuevas canciones, dos de la banda sonora de la versión de 1985, y que no se ha conformado con ser una cinta vistosa que rememore el ya clásico de Spielberg sino que añade un mayor énfasis en la lucha de las mujeres por su dignidad y su igualdad. Para ello, el guion de Marcus Gadley refuerza el carácter de sus tres protagonistas, mujeres maravillosas que encarnan tres facetas del feminismo, la mujer sumisa que por ignorancia e inseguridad permite el maltrato y la humillación continua por parte del macho indecente; la mujer frívola que ha tomado las riendas de su vida y sin importarle el entorno, disfruta en igualdad de condiciones que el hombre; y la mujer fuerte y decidida, capaz de hacer frente a cualquier hombre e injusticia, aunque para ello tenga que pagar un alto precio.

Unos caracteres muy pronunciados con los que esta nueva versión potencia su discurso de igualdad y feminismo a ultranza, a la vez que no abandona ese otro destinado a la proclama antirracista, y tampoco por supuesto su decisiva carga emocional y sentimental. Con todo eso, unas interpretaciones sobresalientes y una excelente puesta en escena, a la que se añaden unos estupendos números musicales y un ramillete de buenas canciones, damos la bienvenida a la nueva versión de un clásico del sofocón, cuyos principales artífices se encargan ahora de la producción, el director Steven Spielberg, el compositor Quincy Jones y la presentadora Oprah Winfrey, que en aquella interpretó a la carismática Sofia, a quien ahora da vida la única nominada de todo el elenco artístico y técnico, Danielle Brooks.

RUSTIN Semblanza ru(s)tinaria

USA 2023 99 min.
Dirección George C. Wolfe Guion Dustin Lance Black y Julian Breece Fotografía Tobias A. Schliessler Música Branford Marsalis Intérpretes Colman Domingo, Johnny Ramey, Aml Ameen, Gus Halper, Chris Rock, Glynn Turman, CCH Pounder, Michael Potts, Audra McDonald, Jeffrey Wright, Lilli Kay, Ayna Workman Estreno en el Festival de Toronto 11 septiembre 2023; en Estados Unidos 3 noviembre 2023; en España (Netflix) 17 noviembre 2023

Aunque su cine se remonta a hace más de una década, cuando dirigió a Richard Gere y Diane Lane en el folletín romántico Noches de tormenta, George C. Wolfe cobró mayor notoriedad hace un par de años con La madre del blues, y ahora regresa con un aseado y rutinario, a la vez que algo confuso y alborotado biopic sobre Bayard Rustin. Quiere la película ser una semblanza y homenaje al agitador político, hoy prácticamente desconocido, que fue principal artífice y estratega de la relevante marcha hacia Washington de Martin Luther King y miles de personas mayoritariamente de raza negra para clamar por los derechos civiles y la igualdad entre razas en el convulso 1963.

Cuenta para ello con una depurada y muy esforzada interpretación de Colman Domingo, prácticamente un desconocido hasta ahora que entra de lleno en todas las quinielas de premios, incluido un pasaporte casi seguro a los Oscars, como también lo es la canción que Lenny Kravitz ha escrito para la ocasión. El complejo perfil de Rustin, que tuvo que luchar no sólo por sus derechos como persona de color sino también como homosexual reprimido incluso por los de su clase y raza, es abordado por Domingo con todas sus virtudes y defectos hasta convertirlo a menudo en un personaje no especialmente simpático, sobre todo en lo que concierne a sus caprichosas relaciones sexuales y sentimentales, tan proclives a jugar con los sentimientos ajenos.

La ingente cantidad de personajes relevantes de la época, sus cargos y una gramática excesivamente discursiva, apoyada siempre en diálogos colmados de información, hace que cueste disfrutar del conjunto, antojándose a menudo irrelevante o falto de suficiente enjundia e interés. Como aparición especial cabe citar a la protagonista de Los que se quedan, Da’Vine Joy Randolph dando vida en apenas unos segundos a Mahalia Jackson.

CHINAS Detrás del mostrador

España 2023 118 min.
Guion y dirección Arantxa Echevarría Fotografía Pilar López Díaz Música Marina Herlop Intérpretes Daniela Shiman Yang, Xinyi Ye, Ella Qiu, Leonor Watling, Pablo Molinero, Carolina Yuste, Valeria Fernçandez, Lidia Navarro, Yeju Ji Estreno en el Festival de San Sebastián 27 septiembre 2023; en salas comerciales 6 octubre 2023

Entre esta película y su exitoso debut en la dirección de largometrajes en solitario, Carmen y Lola, Arantxa Echevarría ha dirigido dos obras cuyo encargo denotaban falta de interés y apasionamiento, la comedia La familia perfecta y la serie de televisión Días mejores. Chinas nos devuelve a aquella realizadora preocupada por la gente de barrio, sus preocupaciones y esos giros inesperados que descontrolan y revolucionan su cuestionable forma de vida y convivencia. Siempre desde una mirada indiscutible y eminentemente femenina, la directora vasca centra ahora su atención en la integración de la comunidad china en el entorno ibérico, a través de quienes invaden nuestras calles de bazares a los que desde una perspectiva racista no reconocida llamamos chinos.

Dos niñas y una joven son el centro de atención de una película con tantas virtudes como aciertos. La principal es presentarnos varias historias cruzadas sin que su narrativa se resienta, manteniendo el interés sobre cada una de ellas. Otra es su capacidad para sumergir al espectador y espectadora en el mundo que describe, especialmente el de la infancia, colocándonos al nivel de las encantadoras niñas que la protagonizan, una siempre sonriente hija de inmigrantes que, junto a su inseparable amiguita de largas trenzas, pretende sentirse totalmente integrada en nuestro país, lo que no le impide tanto el entorno vecinal como el estrictamente familiar. Por otro lado, una niña china adoptada por una acomodada familia española, que se siente marginada y perdida ante su falta de identidad y raíces, a pesar de que el entorno no le es hostil. En el vértice, la hermana de la primera lucha contra los prejuicios familiares mientras descubre que en su pretendida tierra de Jauja no todo es como parece, el machismo sigue haciendo estragos y las compañías no son tan recomendables como quisiera. En el fondo, Echevarría aboga por el respeto a las culturas y la convivencia e integración de éstas, algo con lo que la oposición política de nuestro país no parece estar muy de acuerdo.

Problemas de integración, pero no tanto de una raza en un país de cultura radicalmente opuesta, sino de la mujer, siempre vulnerable y expuesta a una sociedad que a pesar de todo sigue sin estar preparada para que ocupe el lugar que verdaderamente le corresponde. Cinta difícil, compleja y arriesgada que Echevarría maneja con soltura y pericia, logrando que su visionado sea tan amable como revelador, que sus dos horas parezcan pocas y que nos sumerjamos en un mundo al que sólo prestamos atención como consumidores, sin preguntarnos qué hay detrás del mostrador de quien atiende nuestras necesidades con un castellano precario y básico. Echevarría nos lo muestra y nosotros y nosotras se lo agradecemos.

TILL, EL CRIMEN QUE LO CAMBIÓ TODO Alegato contra el odio y la falta de complicidad

Título original: Till
USA 2022 131 min.
Dirección Chinonye Chukwu Guion Chinonye Chukwu, Keith Beauchamp y Michael Reilly, según el libro de Simeon Wright Fotografía Bobby Bukowski Música Abel Korzeniowski Intérpretes Danielle Deadwyler, Jalyn Hall, Frankie Faison, Haley Bennett, Whoopi Goldberg, John Douglas Thompson, Sean Patrick Thomas, Keith Arthur Bolden, Tosin Cole Estreno en Sudáfrica 7 octubre 2022; en Estados Unidos 28 octubre 2022; en España 24 febrero 2023

Con mucha contención y una caligrafía impecable, según algunos incluso fría y distante, como se puede observar en un juicio que rehúye del plano-contraplano para centrarse en el rostro de la madre coraje retratada, la realizadora afroamericana Chinonye Chukwu disecciona el alarmante caso de Emmett Till, ya objeto de un par de interesantes documentales en el pasado. El joven fue masacrado en una pequeña localidad de Mississippi cuando pasaba las vacaciones junto a sus primos y primas. Venía inocentemente de Chicago, donde los derechos civiles de la comunidad afroamericana gozaba de una mejor, aunque no absoluta consideración, desde los todavía fallidos intentos de Lincoln de equipararlos a los blancos.

El odio del sur se ha visto frecuentemente reflejado en la historia de Estados Unidos y los libros y películas que la han visibilizado. Esta película constituye un ejemplar y competente alegato contra ese y cualquier otro tipo de odio, pero también contra quienes miramos hacia otro lado mientras no nos incumba directamente. Pero lo cierto es que algún tipo de odio sufrimos todos y todas alguna vez en nuestra vida, y ahora con las redes sociales de forma más patente y extendida. Acabar con el odio por lo tanto se convierte en una quimera difícil de superar. Curiosamente ha sido en Sudáfrica, durante tanto tiempo epicentro del apartheid, donde primero se ha podido ver la cinta comercialmente.

La lucha de la madre del malogrado joven de catorce años, asesinado y desfigurado a fuerza de golpes y un disparo en la cabeza por piropear a una mujer blanca, se convierte en leit motiv de una película sobria y elegante, fotografiada con luminosos colores para huir del estilo panfletario y manipulador que suele acompañar este tipo de proclamas, e interpretado con ahínco y convicción por una espléndida Danielle Deadwyler, estupendamente secundada por un elenco convencido y entregado, entre quienes destaca Whoopi Goldberg, también productora de este film. Un trabajo tan necesario cuando todavía sufrimos continuos episodios de barbarie racista, como lo son los films sobre nazis cuando el mundo se asoma una y otra vez a sus mismos e indeseables abismos.

CLAROSCURO Diversas formas de aparentar

Título original: Passing
USA-Reino Unido-Canadá 2021 98 min.
Guion y dirección Rebecca Hall, según la novela de Nella Larsen Fotografía Eduard Grau Música Devonte Hynes Intérpretes Tessa Thompson, Ruth Negga, André Holland, Alexander Skarsgard, Bill Camp, Gbenka Akinnagble, Antoinette Crowe-Legacy, Ashley Ware Jenkins Estreno en el Festival de Sundance 30 enero 2021; en Estados Unidos 27 octubre 2021; en España 29 octubre 2021

Ruth Negga, a quien ya vimos como mujer negra con apariencia de blanca en Loving, parecía la mejor opción para repetir perfil, ahora como señora de la alta burguesía casada con un racista en el Nueva York de los años veinte del pasado siglo, gracias a su facilidad para hacerse pasar por blanca. Son muchas las mujeres que optaron por esa solución, gracias a una piel más clara de lo habitual en las de su raza, para mejorar su estatus social y esquivar los obstáculos condicionados por su color. Entre las más famosas fue notorio el caso de Lena Horne, y Ava Gardner dio vida a una mujer con esa particularidad en Magnolia, el musical que George Sidney dirigió en 1951.

A Rebecca Hall, a quien siempre identificaremos con Vicky Cristina Barcelona, le sirve el tema, a través de la novela de Nella Larsen, para debutar en la dirección y hablarnos con cierta lucidez sobre el arte de las apariencias y la ambigüedad de ciertos comportamientos. Aquí una mujer se hace pasar permanentemente por blanca, mientras una amiga, la protagonista, lo hace puntualmente para acceder a espacios y derechos que normalmente le son vetados. Pero más allá de ese detalle, lo que Hall y Larsen analizan es la frecuencia con la que todos y todas alguna vez echamos mano de la apariencia, de pretender ser lo que no somos. En este sentido es el comportamiento del personaje que interpreta Tessa Thompson, el que vive más condicionada por aparentar, por adquirir comportamientos aprendidos de los blancos, sentirse una gran señora de la burguesía a la que se supone saber administrar criados, hacer caridad y cuidar de su acomodada familia y su apuesto esposo doctor. En este sentido la otra, su amiga, parece vivir con mayor libertad y tener más claro lo que espera de la vida, simplemente aprovecha una coyuntura para sobrevivir aun a costa de traicionar presuntamente a los de su condición.

El film se desenvuelve con elegancia y austeridad, puede que también con algo de falta de ímpetu y energía, pero perdonable tratándose de una opera prima. El resultado podría haber sido más apasionante, pero se queda al menos en algo suficientemente estimulante como para provocar debate y disfrutar con unas brillantes interpretaciones y una hermosa fotografía en blanco y negro del catalán Eduard Grau (Enterrado, Un hombre soltero).

CANDYMAN Rabia paranormal

USA 2021 91 min.
Dirección Nia DaCosta Guion Jordan Peele y Win Rosenfield, según la película de Bernard Rose basada en el relato de Clive Barker “The Forbidden” Fotografía John Guleserian Música Robert Aiki Aubrey Lowe Intérpretes Yahya Abdul-Mateen II, Teyonah Parris, Nathan Stewart Jarrett, Colman Domingo, Kyle Kaminsky, Vanessa Williams, Brian King, Miriam Moss, Rebecca Spence, Carl Clemons-Hopkins, Christiana Clark, Michael Hargorve, Rodney L. Jones III, Heidi Grace Engerman Estreno en España y Estados Unidos 27 agosto 2021

Hace apenas unos meses nos conmocionaba una fotografía al arranque del biopic de Billie Holiday protagonizado por Andra Day. Una de esas innumerables atrocidades cometidas contra la raza negra en Norteamérica sirvió de punto de partida para que el especialista en cuentos de terror y fantasía Clive Barker (Hellraiser) escribiera en 1973 The Forbidden. Veinte años después Bernard Rose lo llevó al cine bajo el título de Candyman, que conoció una secuela dirigida por Bill Condon justo antes de consagrarse con Dioses y monstruos.

La que ahora dirige la realizadora afroamericana Nia DaCosta es una nueva secuela ambientada en el barrio Cabrini de Chicago, donde años atrás la periodista Helen Lyle investigaba al siniestro personaje surgido de la rabia negra contra la supremacía blanca, y sin querer desataba una serie de sangrientos crímenes. Fruto de la especulación inmobiliaria, el barrio se ha convertido ahora en una zona de lujo residencial en el que una nueva generación de afroamericanos sofisticados y cultivados intentan disfrutar de una existencia placentera mientras emergen sus fantasmas y referentes socioculturales, representados por ejemplo en la resistencia de una joven galerista a renunciar a su característico peinado afro. Jordan Peele, el director de Déjame salir y Nosotros escribe y produce esta nueva incursión en el cine de terror con referente en la lucha antirracista, mientras DaCosta le supera logrando una de las mejores películas de terror de los últimos años. Para ello consigue un equilibrio perfecto entre denuncia y género, preocupándose más por la creación de atmósferas y experiencias inmersivas e hipnóticas que por la típica sucesión de sustos animados por unos efectos de sonido estrepitosos.

La actual situación de violencia policial contra la raza negra les viene al pelo a sus artífices para resucitar esta especie de leyenda urbana que ancla sus raíces en la barbarie colonialista que arrastra sus efectos hasta hoy en día. Una meticulosa lógica, elegante puesta en escena sin prescindir de unas necesarias dosis de gore, y un perfecto ritmo narrativo consiguen el resto, ayudado por un elenco bien adaptado en el que no falta la normalización sexual, y el guiño a su ilustre precedente con la voz y la foto de Virginia Madsen, que en la cinta de Rose encarnaba a Helen Lyle, y la reaparición de Vanessa Williams como madre del mazado protagonista. Cuidada también en el aspecto musical, Aki Aubrey Lowe ilustra el conjunto con una partitura tan creativa y sugerente como la que compuso Philip Glass para sus precedentes, y partiendo del tema principal de este.

SUMMER OF SOUL Silencio informativo

Título original: Summer of Soul ...Or, When the Revolution Could Not Be Televised
USA 2021 117 min.
Dirección Questlove Fotografía Shawn Peters Documental Estreno en el Festival de Sundance 28 enero 2021; en Estados Unidos (Internet) 2 julio 2021; en España 16 julio 2021

Cuarenta años antes de que un hombre negro subiera a la presidencia de Estados Unidos, un festival de música afroamericana en el corazón del barrio negro por excelencia, Harlem, coincidió con el más mediático y recordado Festival de Woodstock, que celebraba el amor incondicional hippy de la supremacía blanca. El Harlem Cultural Festival supuso para su gente, la comunidad negra de Norteamérica, y por extensión la latina y otras marginales, un revulsivo, un antes y un después, la acuñación del término Black en lugar del Nigger, y la asunción de un Pride, un orgullo de raza y condición a través de la cultura de la música y el ritmo. Pero cuatro años después de que Obama dejara de ser presidente, las cosas no parecen haber mejorado mucho para esa comunidad, lo que sorprendente y amargamente hace que hoy se repitan situaciones, protestas e injusticias como las que sacudieron aquellos emblemáticos y decisivos años sesenta.

Aquel festival se grabó en su integridad para ser televisado, pero eso nunca llegó a suceder. Como tantos hechos, eventos y revoluciones, fue en su día silenciado por quienes ostentan el poder mediático, el de la información tantas veces mal gestionada en favor de los intereses de los poderes fácticos, fundamentalmente políticos y económicos. Seguramente el material se consideró subversivo e incómodo, inapropiado para la gran mayoría blanca, católica y bien pensante, y acabó archivada en los sótanos hasta que ahora ve la luz. Lamentablemente no lo hace de la forma que nos hubiera gustado, disfrutando de aquellas actuaciones irrepetibles e imperecederas. En su lugar, siguiendo las pautas del documental convencional, el festival está continuamente intervenido con testimonios en su mayoría intrascendentes, y material de archivo, sin duda interesante, sobre la situación en el país en aquellos momentos, con episodios como los magnicidios, la llegada del hombre a la Luna, los Panteras Negras y las protestas en las calles y sus correspondientes represalias, contextualizando en exceso un espectáculo que debería haber servido por sí mismo, dejando todo aquello para otros films que ya han aprovechado ese material dramático en muchas ocasiones, aunque nunca sean suficientes.

La presencia en el escenario, siempre de día para aprovechar la luz solar ante la falta de recursos técnicos que permitieran una iluminación adecuada, del reverendo Jesse Jackson, el promotor Tony Lawrence o el alcalde de Nueva York John Lindsay, además de las proclamas de algunos y algunas de las artistas convocadas, como Nina Simone, Stevie Wonder, Gladys Knight o David Ruffin de Temptations, deberían haber bastado para contextualizar el evento y proporcionarle ese cariz reivindicativo. Además, las actuaciones de leyendas como Mavis Staples, Mahalia Jackson, BB King o grupos como The 5th Dimension o Sly and The Family Stone, deberían bastar para ilustrar la rabia, el dolor y la impotencia por fin convertida en orgullo y exigencia tras siglos de esclavitud y abuso de un pueblo y una raza que son un fenómeno que nos ha hecho y nos hace vibrar a todo el mundo. También en su estructura sigue un esquema convencional de documental, dividiendo la propuesta en varios bloques, el Gospel, con Edwin Hawkins Singers y su mítico O Happy Day a la cabeza, la Motown, la música latina, con Ray Barreto como principal exponente, el jazz y el soul… En cuanto al material complementario, resulta revelador el entusiasmo de los entrevistados blancos sobre la llegada del hombre a la Luna, frente a la apatía de los negros, para quienes hay mucho que arreglar en este maltrecho planeta antes de colonizar otros. Premiada en Sundance con el Gran Premio del Jurado y el premio al Mejor Documental.

SHORTA. EL PESO DE LA LEY Acción a propósito de conflictos sociales

Título original: Shorta
Dinamarca 2020 108 min.
Guion y dirección Frederik Louis Hviid y Anders Ølholm Fotografía Jacob MØller Música Martin Dirkov Intérpretes Jakob Ulrik Lohmann, Simon Sears, Tarek Zayat, Dulfi Al-Jabouri, Ozlem Saglanmak, Arian Kashef, Lara Aksoy Estreno en el Festival de Venecia 5 septiembre 2020; en Dinamarca 8 octubre 2020; en España 4 junio 2021

Este thriller danés deja de lado ese ambiente oscuro y malsano que le caracteriza para adentrarse con maneras populares y archi convencionales en uno de esos conflictos interraciales a los que nos tiene tan acostumbrados la televisión. El punto de partida se ha convertido en los últimos años en algo peligrosamente corriente de la mano de la policía norteamericana, bajo cuya custodia han fallecido tantos detenidos afroamericanos, lo que ha desatado frecuentemente protestas por todo el país, la mayoría de las veces violentas.

Esta cinta traslada esa problemática tan identificable y lamentablemente cotidiana a su propia realidad, y siguiendo los pasos de películas en su mayoría francesas como El odio, hace ya más de veinticinco años, y la más reciente Los miserables, se adentra en un conflictivo barrio de Copenhague, Svalegarden. A partir de la muerte de un presunto delincuente a manos de la policía, entre incauta, racista, torpe y temerosa, dos policías se adentran intrépida y atrevidamente, desoyendo órdenes superiores, en dicho barrio para cometer otro atropello, en forma de intento de detención de un joven estudiante árabe. El peligro y la acción están servidos, aunque de forma irregular y desequilibrada, con continuas pérdidas de ritmo y ocasionales usos de la tan recurrida casualidad, que merman el resultado de lo que debería ser un film trepidante y paralelamente analítico. Para lo primero no hace falta echar mano de hemeroteca para encontrar ejemplos más atractivos y apabullantes, mientras lo segundo se queda tan en la superficie que nos deja completamente insatisfechos.

Al final la moraleja es que en estos ambientes policiales tan acostumbrados a lidiar con el peligro y el prejuicio, resulta prácticamente imposible mantener una actitud digna y justa. Para ello se suceden episodios que hacen cambiar de manera poco sutil y demasiado convencional la actitud de sus dos protagonistas, haciéndoles pasarse al lado oscuro o al más lúcido según conviene. Por cierto, shorta significa policía en árabe según se dice en la película.

JUDAS AND THE BLACK MESSIAH Les llaman radicales

USA 2021 126 min.
Dirección Shaka King Guion Shaka King, Will Berson, Keith Lucas y Kenneth Lucas Fotografía Sean Bobbitt Música Craig Harris y Mark Isham Intérpretes Daniel Kaluuya, Lakeith Stanfield, Jesse Plemons, Dominique Fishback, Ashton Sanders, Algee Smith, Darrell Britt-Gibson, Lil Rel Howery, Dominique Thorne, Martin Sheen Estreno en el Festival de Sundance 1 febrero 2021; en Estados Unidos 12 febrero 2021

Resulta irónico que en un año en el que los estrenos en salas cinematográficas se han prodigado tan poco, se hayan estrenado tantas películas que abordan la lucha afroamericana en Estados Unidos, las adaptaciones teatrales Una noche en Miami y La reina del blues entre otras, y el Reino Unido, con la estupenda serie televisiva de cinco películas de Steve McQueen Small Axe, en la que se incluyen la muy singular Lovers Rock y la imprescindible Educación, a la que ahora se añade este pasaje de referencias bíblicas. Judas y el Mesías Negro podría ser una más de las que enaltecen el black power e ilustran la lucha en la calle por los derechos civiles de la comunidad africana, secuestrada a la fuerza para ser esclavizada y sistemáticamente despreciada y machacada desde que recuperó supuestamente su libertad, pasando a engrosar el porcentaje más marginado y empobrecido de la sociedad.

Curtido fundamentalmente en la televisión, Shaka King demuestra una notable capacidad para montar una historia envolvente, manejar con soltura y solidez todos sus recursos, y muy especialmente una muy cuidada dirección de actores, y proponer con talento e inteligencia un discurso en el que una vez más se confrontan la lucha dialéctica y la física o violenta, una cuestión que nos afecta también a nosotros, ahora que tanto se habla de las consecuencias de las manifestaciones violentas en nuestras calles y tan poco o nada de cuál es el caldo de cultivo que las motiva, y que permite a vándalos inmiscuirse en luchas legítimas, más allá de que alguien sea encarcelado por verter comentarios de pésimo gusto. Cuando una comunidad no puede más, el fascismo oprime y la injustica asoma por doquier, las clases más castigadas se echan a la calle, y ningún discurso parlamentario las puede hacer callar. Es la historia de la humanidad, que solo ha sabido dar pasos adelante en reformas sociales y adquisición de derechos a fuerza de palos, de revoluciones sangrientas, para que luego vengamos a darnos golpes en el pecho rechazando radicalmente los procedimientos que lograron que hoy disfrutemos de un mayor bienestar social.

Luther King y Malcolm X, dos formas opuestas para conseguir un mismo fin, dicotomía que podía darse incluso en el seno de una organización tan en principio violenta como las Panteras Negras, en el seno de la cual se desarrolla este drama sólido y serio en el que un infiltrado (el Judas del título) va tomando conciencia de lucha y de clase conforme se va acercando a su Mesías particular, un espléndido Daniel Kaluuya (Déjame salir, Queen & Slim), para en el futuro tener que afrontar las consecuencias y vivir, o no, con ellas. Un film perfectamente estructurado y narrado, con soberbias interpretaciones y un cúmulo de emociones que nos hacen reflexionar sobre nuestras propias vivencias e inquietudes. Atención a la espléndida canción que ilustra sus títulos finales, Fight for You de H.E.R., en perfecto estilo Sonido de Filadelfia.

LA MADRE DEL BLUES Las amargas lágrimas de August Wilson

Título original: Ma Rainey’s Black Bottom
USA 2020 94 min.
Dirección George C. Wolfe Guion Ruben Santiago-Hudson, según la obra de August Wilson Fotografía Tobias A. Schliessler Música Branford Marsalis Intérpretes Viola Davis, Chadwick Boseman, Colman Domingo, Glynn Turman, Michael Potts, Jeremy Shamus, Jonny Coyne, Taylour Paige, Dusan Brown Estreno en Estados Unidos 25 noviembre 2020; en España (Netflix) 18 diciembre 2020

Tercera de las adaptaciones que se han hecho de las amargas crónicas que el difunto August Wilson plasmó en sus obras de teatro. Fences de Denzel Washington, que ahora se reserva el papel de productor, es el referente más claro, mientras La lección de piano se concibió directamente para la televisión. A la dirección encontramos ahora al discreto George C. Wolfe, responsable de títulos tan olvidables como Noches de tormenta con Richard Gere y Diane Lane y Siempre estaré contigo con Hilary Swank. En todo caso pasa con Wilson lo que frecuentemente ocurría en el pasado con las obras de Tennesse Williams, con quien comparte amargura y descrédito, que no pueden disimular ni parecen querer hacerlo su origen teatral, lo que hace que el conjunto llegue a resultar bastante indigesto, no por animadversión al género sino por el desencuentro que habitualmente existe entre ambas disciplinas dramáticas.

En esta ocasión Viola Davis, que con Fences logró su hasta ahora único Oscar, interpreta a una hosca y terrible cantante de blues de los años veinte del pasado siglo, la Ma Rainey del título original, cuya primera aparición recuerda poderosamente a las sesiones bajo carpa de jazz y blues en El color púrpura de Spielberg. Instalada en el éxito y el respeto absoluto, se permite imponer sus criterios y maneras en la sesión de grabación durante la cual transcurre casi toda la trama del film. Junto a ella su paciente manager y su resignado productor, ambos blancos, y la banda con la que toca y graba, entre los cuales se entablan los difíciles y cansinos diálogos, destinados a recordar el trágico pasado de su comunidad y la terrible herencia que les ha dejado, lo que quizás justifique que la tensión esté siempre presente, la rabia explote en más de una ocasión y el mal rollo se instale cómodamente entre todos los contertulios.

Con apenas pequeñas concesiones de exteriores recreados con evidente infografía e ilustradas con breves pinceladas jazzísticas del genial saxofonista Branford Marsalis, el resto es puro teatro interpretado también con la gestualidad y el histrionismo propio del género, mientras lo más sobresaliente se revela la interpretación enérgica y decidida de Chadwick Boseman, que puso así el broche de oro a una carrera truncada por el cáncer que le hizo desaparecer con tan solo 43 años, tras consagrarse como Black Panther y rubricar 2020 con Da 5 Bloods a las órdenes de Spike Lee, 21 Bridges (Manhattan sin salida) y esta película.

UNA NOCHE EN MIAMI... Los chicos del Black Power

Título original: One Night in Miami...
USA 2020 110 min.
Dirección Regina King Guion Kemp Powers, según su propia obra teatral Fotografía Tami Reiker Música Terence Blanchard Intérpretes Kingsley Ben-Adir, Eli Goree, Aldis Hodge, Leslie Odom jr., Lance Reddick, Christian Magby, Joaquina Kalukango, Nicolette Robinson, Michael Imperioli, Beau Bridges, Emily Bridges Estreno en el Festival de Venecia 7 septiembre 2020, en Estados Unidos 25 diciembre 2020; en España 15 enero 2020 en Amazon Prime

Después de haber intervenido en un sinfín de películas, haber coqueteado con la cámara en series de televisión, algunas tan relevantes como Animal Kingdom o The Good Doctor, y haber ganado un Oscar como mejor actriz secundaria por El blues de Beale Street hace un par de años, Regina King debuta en el largometraje con la adaptación de esta ficción teatral en la que cuatro importantes hombres de color en los tumultuosos años sesenta comparten opiniones y reflexiones sobre su raza y la religión en la habitación de un motel en Miami. Se trata de Malcolm X, Cassius Clay a punto de convertirse en Muhammad Ali, la estrella del fútbol americano Jim Brown justo cuando despega su carrera cinematográfica tras protagonizar Río Conchos, y el cantante Sam Cooke, pionero del soul e importante empresario musical. Con ocasión de celebrar la victoria del boxeador en el campeonato mundial de los pesos pesados, los cuatro supuestos amigos que no lo fueron en la realidad, se reúnen en lo que creen va a ser una fiesta, convocados por el líder radical del Black Power para intentar convencerlos de que se conviertan a la rama del Islam que él mismo quiere regenerar, recuperando los ideales y valores puros del profeta frente a la perversión de que han sido objeto por parte de los extremistas.

Tras una jugosa presentación de cada uno de los cuatro protagonistas, el libreto de Kemp Powers, y su adaptación al cine, los encierra en esa habitación con escasas oportunidades de salida al exterior, resueltas generalmente con flashback, en un ejercicio que recuerda considerablemente al de Mart Crowley y sus Chicos de la banda, que conoció una celebrada adaptación de William Friedkin en 1970 y otra más discreta de Joe Mantello el año pasado. Si en aquella un grupo de amigos anónimos se reunían para celebrar un cumpleaños y surgían los prejuicios y traumas de su homosexualidad, aquí cuatro grandes de la cultura afroamericana lo hacen para celebrar esa victoria y discutir sobre su influencia en la causa del sistemático apartheid americano.

El experimento tiene su gracia y atractivo, resulta interesante y se beneficia de unas espléndidas interpretaciones por parte de un elenco prácticamente desconocido, salvo quizás Leslie Odom jr., que da vida a Sam Cooke y saltó a la fama interpretando a Aaron Burr en el musical Hamilton. Pero este tipo de ejercicios claustrofóbicos y reivindicativos suelen agotarse pronto, y la película de Regina King, pese a sus méritos, no es una excepción. El esfuerzo de Malcolm X se dilata demasiado, y la discreción a la hora de no caer en el didactismo barato le quita paradójicamente sentido y emoción.

DA 5 BLOODS: HERMANOS DE ARMAS Perdiendo el rumbo

Título original: Da 5 Bloods
USA 2020 154 min.
Dirección Spike Lee Guion Spike Lee y Kevin Willmott Fotografía Newton Thomas Sigel Música Terence Blanchard Intérpretes Delroy Lindo, Clarke Peters, Norm Lewis, Isiah Whitlock jr., Chadwick Boseman, Jonathan Majors, Melánie Thierry, Jasper Pääkkönen, Paul Walter Hauser, Jean Reno, Veronica Ngo, Johnny Nguyen, Lam Nguyen Estreno en España y Estados Unidos (internet) 12 junio 2020

Quién sabe si inspirado por Charada, lo cierto es que lo último de Spike Lee coincide en el mismo punto de partida, cinco excombatientes de una guerra cruenta, la Segunda Guerra Mundial en el caso del clásico de Stanley Donen, la de Vietnam en la que nos ocupa, uno de ellos difunto y un tesoro en forma de lingotes de oro. Allí eso desencadenaba una sofisticada intriga parisina (también hay franceses en la cinta de Lee) y aquí una presunta película de aventuras en la que el oro dispara los peores instintos humanos, ya de por sí menoscabados tras un trauma bélico sin precedentes. Algo así como que Delroy Lindo asume el papel protagónico de un Humphrey Bogart en El tesoro de Sierra Madre. Pero ésta no es ninguna obra maestra, ni siquiera lo parece. Mezclar lucha antirracista, de la que el director de Haz lo que debas es sin discusión todo un experto y comprometido activista, con un drama de aventuras y acción, parece convertir cualquier título en una obra importante, más con todo lo que está actualmente ocurriendo a lo largo y ancho del mundo tras los últimos atropellos policiales en Estados Unidos. 

Spike Lee comienza su odisea con unas impactantes escenas documentales en las que entre otras cosas, discursos de Martin Luther King y Malcolm X incluidos, se recrean en color y acción atrocidades que solo conocíamos por fotografías en blanco y negro. La cinta se adorna con licencias estéticas variadas, como no variar el aspecto de sus protagonistas aunque retrocedamos cincuenta años atrás, o cambiar de formato cuando lo hacemos, lo que entre otras cosas nos hace recordar lo necesario que sigue haciendo ver películas en grandes pantallas cinematográficas para disfrutarlas en todo su esplendor siguiendo las intenciones de sus responsables. Pero a Lee se le va pronto la mano en su discurso; no acierta a definir de forma convincente a sus personajes, cuatro veteranos de guerra, a los que se suma el hijo de uno de ellos, que regresan a Vietnam cincuenta años después (demasiado tiempo) para buscar el cadáver del quinto, desaparecido en intrigantes circunstancias, y de paso recuperar el tesoro que encontraron y enterraron en su momento. Hechas las erráticas presentaciones, el film se lanza a una aún más errática aventura, demasiado arriesgada y compleja como para ser abordada por estos sujetos con achaques, mientras se cruzan con paramilitares del Vietcong, activistas humanitarios y minas antipersonas por doquier, en una sucesión de despropósitos y casualidades tan irritantes y poco convincentes como el disparatado proceso de desintegración moral al que es sometido el único votante de Trump de la formación.

Está claro, sobre todo viniendo de Spike Lee, que se trata de destacar el sacrificio de unos ciudadanos negros por un país que los maltrataba y sigue haciéndolo, aunque continúe enarbolando la bandera de la libertad con pleno convencimiento y orgullo extremo. Pero entre el desmesurado metraje, la falta de cohesión entre dramas personales y aventuras estrambóticas, y la pérdida evidente del norte en su escalada hacia un fresco histórico sobre el sufrimiento de la raza en tan incomprensible país, lo que debía ser apasionante deviene en meramente entretenido. La épica musical del jazzista Terence Banchard entregado a un sinfonismo sin complejos, convive con un puñado de buenas y bailables canciones de Marvin Gaye.

HARRIET: EN BUSCA DE LA LIBERTAD Libre, muerta o desaprovechada

Título original: Harriet
USA 2019 125 min.
Dirección Kasi Lemmons Guion Gregory Allen Howard y Kasi Lemmons Fotografía John Toll Música Terence Blanchard Intérpretes Cynthia Erivo, Joe Alwyn, Janelle Monáe, Leslie Odom jr., Clarke Peters, Vanessa Bell Calloway, Omar J. Dorsey, Henry Hunter Hall, Zackary Momoh, Jennifer Nettles Estreno en el Festival de Toronto 10 septiembre 2019; en Estados Unidos 1 noviembre 2019; en España 6 marzo 2020

Actriz desde los años ochenta – la hemos visto en papeles secundarios en películas como El silencio de los corderos y Candyman – Kasi Lemmons inició con Eve’s Bayou una carrera poco pródiga como directora a finales de los noventa. Su mayor éxito hasta el momento le ha llegado con esta especie de biografía de la esclava y activista por la libertad de su raza Harriet Tubman, quien tras huir poco antes de la Guerra Civil de su condición como esclava, realizó múltiples viajes para liberar a otros afroamericanos a través de lo que se llamó el Ferrocarril Subterráneo.

Se trata de una película tosca donde las haya, que hace realidad su slogan, una historia increíble, y es que la manera en que está tratada, con ese ir y venir continuo de misiones de la protagonista, sin apenas seguimiento ni obstáculo, solo puede responder a un guion mal planteado y una narrativa espesa. Con hechuras televisivas, la cinta repite clichés ya empleados en muchas ocasiones, y aunque generalmente defendemos la proliferación de estos títulos que recuerdan lo que nunca debemos olvidar, no cabe duda de que en esta ocasión el espectáculo resulta manido y excesivamente convencional, solo justificable por sacar a la luz a este personaje tan emblemático y exponer una vez más las vergüenzas del país de las libertades donde todavía hoy proliferan tanto los comportamientos abiertamente racistas

No obstante, la cinta ofrece a su protagonista, Cynthia Erivo, la posibilidad de realizar una eficaz interpretación que le ha valido una nominación al Oscar, así como otra a su canción en forma de himno, que también entona su protagonista. Había títulos, uno sin ir más lejos estrenado aquí la semana pasada, más dignos de representar al cine afroamericano en la gala del cine por antonomasia.

CUESTIÓN DE JUSTICIA Increíble pero cierto

Título original: Just Mercy
USA 2019 136 min.
Dirección Destin Daniel Cretton Guion Destin Daniel Cretton y Andrew Lanham, según la novela de Bryan Stevenson Fotografía Brett Pawlak Música Joel P. West Intérpretes Michael B. Jordan, Jamie Foxx, Brie Larson, O’Shea Jackson jr., Tim Blake Nelson, Rafe Spall, Michael Harding, J. Alphonse Nicholson, Dominic Bogart, Hayes Mercure, Rob Morgan, Karan Kendrick Estreno en el Festival de Toronto 6 septiembre 2019; en Estados Unidos 10 enero 2020; en España 28 febrero 2020

Siempre preocupado por estratos invisibles de la sociedad, como los adolescentes desarraigados de Las vidas de Grace o los miserables sumidos en una utopía de La casa de cristal, y con la complicidad en todo momento de Brie Larson (Capitana Marvel), Destin Cretton fija su atención ahora en una realidad más tangible y convencional, multitud de veces tratada en el cine, como es la injusticia jurídica, política y social que sufre la comunidad afroamericana en el país de las libertades que se supone es Estados Unidos. En Monroeville, Alabama, paradójicamente la población que vio crecer a Harper Lee, la autora de la semi autobiográfica Matar a un ruiseñor, y donde parece ser la amiga de Truman Capote ambientó su localidad ficticia, sucedieron unos injustificables y sorprendentes hechos a finales de los ochenta del pasado siglo, cuando un respetable empresario negro fue acusado de asesinar a una joven blanca de su comunidad. Una historia que si no fuera cierta no la creeríamos, tal es el derroche de despropósitos, pruebas aceptadas que eran del todo inaceptables, y las despreciadas que eran viables desde cualquier punto de vista, que demostraban la inocencia del acusado.

Cretton se acerca con una gramática clásica y convencional a esta nueva crónica del apartheid americano, del país que lanzó bombas atómicas tras el muy condenado holocausto nazi, y el único de nuestro entorno que mantiene la sombra de la execrable esclavitud que removió de sus casas a millones de seres humanos del continente africano. Sus hechuras son claras y sencillas, casi de producto televisivo, apoyada como siempre en efectivas y emotivas interpretaciones, una narrativa precisa y una intención cristalina, partiendo para ello del libro del protagonista de esta increíble y sorprendente nueva batalla de David contra Goliat, el abogado de Harvard especializado en derechos civiles que tuvo que lidiar con un sistema inhumano en ese infernal sur de Norteamérica donde se continúa asesinando por decreto público, a veces a inocentes, y donde el color de la piel lo determina todo, desde la condición social hasta la culpabilidad y el ostracismo cultural.

Racismo y pena de muerte en el punto de mira de una película que intenta, y a menudo lo consigue, no cargar las tintas, exponiendo con claridad meridiana unos hechos que si no fueran ciertos habrían provocado que tildásemos el libreto de ingenuo, simplista y manipulador. Esto es como el holocausto o la guerra civil española, por muchas películas que se hagan y mucho que se escriba al respecto, nunca será suficiente. De eso trata la memoria histórica, de no olvidar, recordar continuamente y evitar que vuelva a suceder en el futuro. Lástima que en este caso siga sucediendo, y lo vemos hasta en los ámbitos más supuestamente progresistas de la sociedad americana, como el arte y la cultura.

QUEEN & SLIM Una carrera menos desenfrenada de lo pretendido

USA 2019 132 min.
Dirección Melina Matsoukas Guion Lena Waithe y James Frey Fotografía Ted Radcliffe Música Devonté Hynes Intérpretes Daniel Kaluuya, Jodie Turner-Smith, Bokeem Woodbine, Chloé Sevigny, Flea, Sturgill Simpson, Indya Moore, Benito Martínez Estreno en Estados Unidos 27 noviembre 2019; en España 21 febrero 2020

Los cada vez más frecuentes abusos policiales sobre la raza negra, que se han cobrado en los últimos años varios e inexplicables asesinatos sin aparente atisbo de justicia, parecen haber inspirado esta amarga crónica sobre la desesperada huida de una pareja de afroamericanos por las carreteras de varios estados norteamericanos ante la pérdida absoluta de confianza en la justicia del país. La película se revela como un cruce entre aquellos films blaxploitation de los setenta, evidente entre otras cosas en el uso de la banda sonora, y esos otros que también en esa década recorrieron las míticas y desiertas carreteras de Estados Unidos, más cerca del debut definitivo en el cine de Steven Spielberg, Loca evasión, que de ese Bonnie & Clyde de Arthur Penn con el que desde su estreno se ha querido identificar el film de Melina Matsoukas.

La directora, curtida en la televisión, no ha reflejado en el resultado final una mirada femenina más allá que la construcción de un personaje de mujer fuerte y decidido, valiente e ilustrada. Por lo demás el film exhibe formas y estructuras mil veces vistas en un género habitualmente pasto de la cultura violenta y machista. En el reparto sobresalen Daniel Kaluuya, a quien descubrimos como protagonista de la sobrevalorada Déjame salir, y la inquietante y escultural presencia de Jodie Turner-Smith exhibiendo cuerpo de modelo y supuesto cerebro de abogada con conciencia de raza y clase, además de la atribulada Indya Moore repitiendo la imagen que ya explotó en la serie Pose.

Su atractiva propuesta choca con un ritmo desigual, una dilatación innecesaria y una denuncia que aunque necesaria no aporta nada nuevo a la eterna lucha antirracista que subyace, y amenaza con cobrar más fuerza y sentido, en el país de las presuntas libertades. Funciona mejor como entretenimiento y cine de género, con altibajos y atractivos. No obstante, frente a tanto título mediocre celebrado en los premios anuales, sorprende que este título no haya rascado nada en las loterías, lo que evidencia el fuerte racismo imperante, y también denunciado, en las instituciones académicas y cinematográficas del país, y que suscitan las protestas justificadas de militantes como Spike Lee.