GODZILLA: MINUS ONE Apoteósico regreso del monstruoso coloso

Título original: Gojira-1.0
Japón 2023 125 min.
Guion y dirección Takashi Yamazaki Fotografía Kôzô Shibasaki Música Naoki Sato Intérpretes Ryunosuke Kamiki, Minami Hamabe, Kuranosuke Sasaki, Yuki Yamada, Munetaka Aoki, Sakura Ando, Hidetaka Yoshioka Estreno en Japón 3 noviembre 2023; en España 15 diciembre 2023

Concebida para conmemorar el setenta aniversario de la primera incursión del monstruo radiactivo más famoso del mundo, puede que ésta se la mejor película jamás realizada de la ya larga serie de cintas no sólo producidas en Japón sino también en Estados Unidos. No es que estemos muy familiarizados con la saga, pero a la vista de los resultados no nos parece descabellada esta afirmación. A las riendas de este ambicioso proyecto está la dirección sabia y curtida del veterano Takashi Yamazaki, tan hábil en la animación como en la imagen real, generalmente siempre asociado al fantástico.

Hay multitud de referencias e influencias en este film de impecable acabado, desde la épica spielberiana al manga japonés del que se hacen eco incluso las expresiones de algunos de sus protagonistas, el cine bélico y el más genuino cine de catástrofes, con secuencias tan escalofriantes como el ataque del kaiju o monstruo a la ciudad de Ginza. Curiosamente, el sensacional despliegue de efectos visuales homenajea en ocasiones y siempre desde la pulcritud digital, el efecto que antaño producían miniaturas y maquetas. Godzilla regresa a sus orígenes en esta cinta ambientada en Japón justo después del abatimiento que supuso para la población en general el abrupto final de la Segunda Guerra Mundial a propósito de las bombas atómicas, y el posterior advenimiento de la Guerra Fría, que hizo que tanto Estados Unidos como Rusia abandonaran a su suerte el futuro de un destruido Japón.

En esa atmósfera irrumpe el famoso monstruo, síntesis de los miedos y los traumas de la población y el ejército mismo, y en ese contexto surge el drama de la película, con un piloto kamikaze expiando la tortura de no haber llevado su misión a cabo. Una relación sentimental pone el ingrediente tierno y otra de camaradería el humorístico. Quizás un exceso de esperas dialécticas entre las excelentes secuencias de acción pueda ser el único reproche que se pueda hacer a esta cinta que sin duda hará las delicias de incondicionales y no tanto.

THE CREATOR Pretexto para batallas y violencia

USA 2023 133 min.
Dirección Gareth Edwards Guion Gareth Edwards y Chris Weitz Fotografía Greig Fraser y Oren Soffer Música Hans Zimmer Intérpretes John David Washington, Madeleine Yuna Voyles, Gemma Chan, Allison Janney, Ken Watanabe, Sturgill Simpson, Ralph Ineson, Marc Menchaca, Amer Chadha-Patel Premier en Madrid y Barcelona 21 septiembre 2023; estreno en España y Estados Unidos 29 septiembre 2023

Más cerca del universo planteado en Rogue One, y por extensión en la saga de las galaxias, con ciertas ínfulas de Monsters, que de su olvidable Godzilla, el director británico Gareth Edwards insiste en plasmar ese mundo postapocalíptico que tanto parece ceñirse a sus inquietudes, y lo hace ahora a partir del espinoso tema de la inteligencia artificial, tan de actualidad. Sin embargo la empresa le sirve más como pretexto para recrear una batallita tras otra, con mucha violencia, muerte y destrucción, que para realizar un análisis concienzudo y fascinante sobre el tema.

De esta forma, acaba preocupándonos más un jaqueo a todo un sistema informático administrativo o que nuestros teléfonos móviles acierten a adivinar nuestros gustos e inquietudes, que estas historias futuristas en las que las máquinas se rebelan contra la humanidad. Eso es algo que ya hemos visto en Terminator, y de forma mucho más afilada en clásicos como Blade Runner. Lo que Edwards hace, con ayuda de su guionista Chris Weitz, que ya colaboró con él en el spin-off galáctico, y que como director ha realizado películas tan dispares como American Pie, Un niño grande, La brújula dorada u Operación final, es proponer un gran despliegue de efectos visuales, una esmerada dirección artística y una violencia exacerbada al servicio de la sempiterna historia de protagonista con trauma familiar que asume la salvación del planeta.

Al final lo único destacable de esta empresa mil veces vista es que entona el igualmente recurrente mea culpa para afrontar la política intervencionista de Estados Unidos en conflictos a lo ancho y largo del planeta, siempre que afecta a sus intereses; una forma de colonialismo encubierto que nadie mejor que ellos han sabido llevar a la práctica. En el apartado musical, Hans Zimmer firma otra de sus excelentes bandas sonoras, tan cargadas de atmósfera como de sugerentes melodías y momentos de impacto orquestal.

SIN NOVEDAD EN EL FRENTE Devastadora y descomunal

Título original: Im Westen nichts Neues
Alemania-USA 2022 147 min.
Dirección Edward Berger Guion Lesley Paterson, Ian Stokell y Edward Berger, según la novela de Erich Maria Remarque Fotografía James Friend Música Volker Bertelman Intérpretes Felix Hammerer, Albrecht Schuch, Aaron Hilmer, Moritz Klaus, Adrian Grünewald, Edin Hasanovic, Daniel Brühl, Thibault de Montelembert, Sebastian Hülk, Devid Striesow, Andreas Döhler Estreno en el Festival de Toronto 12 septiembre 2022; en Netflix 28 octubre 2022

Solo un año después de publicarse la novela Sin novedad en el frente, Lewis Milestone dirigió su adaptación cinematográfica, logrando un Oscar por su trabajo y otro por la producción de Carl Laemmle. Aquella legendaria película utilizaba todos los avances tecnológicos a su alcance para dar verosimilitud en imagen y sonido (incipiente por aquel entonces y sin embargo apabullante) al infierno en el que se sumergían los jóvenes protagonistas de esta proclama a la paz y ataque decidido y directo a las guerras. Intentaba además ceñirse a la letra y el espíritu de la novela, algo que también destacó en la segunda adaptación, esta vez para televisión en 1979.

Casi un siglo después de esa celebrada primera versión, por fin Alemania se atreve a hacer la suya propia, hablada como debe ser en su lengua original. Pero el director Edward Berger y su equipo de guionistas han preferido en esta ocasión salvar el espíritu del original sin ceñirse rigurosamente a su argumento. Se mantienen los personajes principales y la idea argumental, la historia de unos jóvenes ilusionados con participar en la guerra y servir a la patria, en plena transición a la madurez y con la decepción provocada por una tragedia de dimensiones colosales como consecuencia inmediata. En el camino narra acontecimientos en su mayoría muy diferentes a los del original e introduce la mano de los artífices de esa Primera Guerra Mundial, en cuya responsabilidad recayó la muerte de millones de jóvenes de uno y otro bando. Fue una guerra de trincheras y la película se hace eco de ello con todos los medios posibles, ofreciendo un espectáculo impresionante pero terriblemente duro y doloroso.

El antes y el después que supuso el desembarco en Normandía de la película Salvar al soldado Ryan de Spielberg, se reproduce aquí con toda su crudeza, trasladándonos al campo de batalla y haciendo nuestro el tremendo horror que aún hoy sufren quienes se enfrentan al lado más depredador y encarnizado del ser humano. Magníficamente fotografiada, con un montaje sobresaliente, un excelente sentido del drama y la tragedia y una música aterradora, nos preguntamos por qué se ha decidido estrenar en plataformas digitales y no en grandes pantallas, así como a qué se debe su ausencia en los premios europeos del cine, tratándose de la superproducción más ambiciosa del año en nuestro continente, y un film altamente recomendable por los efectos que pueda tener en la devastadora actualidad de un espécimen que tanto se resiste a aprender nada de nada. Cabe destacar en esta nueva versión el homenaje que su director hace al film de Milestone a través de algunas secuencias premeditadamente calcadas y del póster, que mira directamente al conmovedor final del film de 1930.

AMSTERDAM Exiliados del amor

USA 2022 134 min.
Guion y dirección David O. Russell Fotografía Emmanuel Lubezki Música Daniel Pemberton Intérpretes Christian Bale, Margot Robbie, John David Washington, Alessandro Nivola, Anya Taylor-Joy, Andrea Riseborough, Chris Rock, Matthias Schoenaerts, Michael Shannon, Mike Myers, Robert de Niro, Taylor Swift, Rami Malek, Timothy Olyphant, Zoe Saldana, Beth Grant, Colleen Camp, Bonnie Hellman, Mel Fair, Vaughn Page, Ed Begley jr. Estreno en Estados Unidos 7 octubre 2022; en España 28 octubre 2022

Tras darse a conocer con la comedia romántica Flirteando con el desastre y la comedia bélica Tres reyes, David O. Russell logró el prestigio con tres éxitos consecutivos, el drama deportivo The Fighter, otra comedia romántica, El lado bueno de las cosas, y la comedia de acción e intriga La gran estafa americana. Después entraría en un bache creativo con Un accidente llamado amor y Joy, del que según la mayoría de la crítica a un lado y otro del Atlántico no ha logrado salir con esta comedia romántica y antibelicista cuyo nombre se debe a ese paraíso de libertad, amor y paz que es la ciudad holandesa que tanto alarde hace de su neutralidad en cualquier tipo de conflicto internacional. Lugar donde librarse de racismos y otros prejuicios y entregarse a la vida alegre y despreocupada.

Algunos sin embargo hemos creído encontrar en esta cinta ambiciosa y multiestelar una ocasión gozosa para disfrutar no solo con tantas estrellas congregadas sino también con su alegre y fresca propuesta argumental, donde una idílica relación de amor y amistad a tres bandas se conjuga con una intriga ambientada en el período entre guerras del siglo pasado para constatar la fuerza de los monstruos empresariales y financieros que tanto manejan los hilos del devenir del planeta a la hora de plantear crisis, guerras y cataclismos humanitarios, siempre en aras de una acumulación de riqueza que excede de lo imaginable y mínimamente conveniente.

Amsterdam es como la comedia hippy en tiempos de elevado conservadurismo y corrección política, que cuenta con una dirección ágil, un argumento entretenido servido tan en bandeja que apenas deja resquicio para la indagación personal, unas líneas de diálogo mayoritariamente divertidas y una sofisticada y luminosa puesta en escena cuajada de buena música, un toque de nostalgia y una considerable dosis de belleza.

LA INVASIÓN DE UCRANIA

El Festival de Cine Europeo de Sevilla proyectó hace dos ediciones la película Atlantis, toda una premonición de la devastación que hoy sufre Ucrania y que entonces tenía su punto de partida en la Guerra de Crimea. En este enlace reproducimos la impresión que nos provocó entonces esta singular y profética película.

MALNAZIDOS Malos tiempos para la comedia bélica

España 2020 101 min.
Dirección Javier Ruiz Caldera y Alberto de Toro Guion Jaime Marqués y Cristian Conti, según la novela de Manuel Martín Ferreras “Noche de difuntos del 38” Fotografía Kiko de la Rica Música Javier Rodero Intérpretes Miki Esparbé, Aura Garrido, Manuel Llunel, Luis Callejo, Álvaro Cervantes, Jesús Carroza, María Botto, Mouad Ghazouan, Sergio Torrico, Francisco Reyes, Frank Feys, Manuel Morán, Asia Ortega, Ken Appledorn Estreno en el Festival de Sitges 8 octubre 2020; en salas 11 marzo 2022

A Mediaset le ha pasado con esta película lo mismo que le ocurrió hace unos meses con Way Down, que la ha tenido reservada en un cajón hasta encontrar un momento idóneo para estrenarla. Pero a diferencia de la película de Jaume Balagueró, esta no ha encontrado ese momento. Haber esperado desde su estreno como película de inauguración del Festival de Sitges de 2020 hasta hoy solo le ha hecho coincidir con un ambiente bélico mundial que seguramente le afecta considerablemente. No tenemos el cuerpo precisamente para reírnos a costa de la guerra, por muy buenas intenciones que sus directores pongan en cierta confraternización entre bandos para luchar por un enemigo común y más devastador, en este caso unas ficticias armas químicas experimentadas por los nazis en nuestra Guerra Civil, que convierten en zombis a quienes las respiran.

La idea no está mal si no fuera porque la combinación entre nazis y zombis ya tuvo su particular dosis en 2009 cuando Noruega estrenó Nieve muerta, aquí titulada Zombis Nazis. Tras éxitos como Spanish Movie, Promoción Fantasma, Tres bodas de más, Anacleto y Súper López, a Ruiz Caldera se le supone una capacidad para la comedia incontestable, que sin embargo no aflora en este film con un guion demasiado endeble, previsible y falto de esos golpes de humor que se esperaban de una empresa de estas características. Todo el equipo se lo toma muy en serio, con referentes claros en las películas de Indiana Jones, sobre todo en el tratamiento de los oficiales alemanes, y un inevitable recuerdo a La vaquilla de Berlanga, si bien en su favor, y a pesar de estar a años luz de esa obra maestra, aplaudimos que aquella mala baba grosera y estridente que caracterizaba un cine que nos afeaba considerablemente, haya hoy desaparecido ante unos afectos y sentimientos si se quieren de importación pero más nobles y dignos para nuestra recreación.

Con todo, la película se deja ver por su simpática galería de personajes, su impecable acabado técnico y sus buenas intenciones, pero un sentido del ritmo más depurado y una mayor dosis de ingenio e inteligencia en su estructura y líneas de diálogo, hubieran conseguido pulir un trabajo que así presentado resulta en más de un sentido decepcionante.

GREYHOUND: ENEMIGOS BAJO EL MAR El pastor y los lobos

Título original: Greyhound
USA 2020 92 min.
Dirección Aaron Schneider Guion Tom Hanks, según la novela de C.S. Forester “The Good Shepherd” Fotografía Shelly Johnson Música Blake Neely Intérpretes Tom Hanks, Stephen Graham, Elisabeth Shue, Rob Morgan, Manuel García-Rulfo, Matt Helm, Craig Tate, Travis Quentin, Jeffrey Burkes, Chet Hanks Estreno en Internet 10 julio 2020

Cuesta creer que el reputado C.S. Forester, autor de novelas emblemáticas llevadas al cine como La reina de África o El hidalgo de los mares, sea el responsable de una historia tan raquítica y anodina como la que ha motivado a Tom Hanks adaptarla, tras escribir los guiones también de The Wonders y Larry Crowne. Quizás sea más bien la visión que del original haya tenido el actor y la falta de pericia del director para diseñar personajes y tramas lo que hagan de esta una película fallida. El buen pastor del título de la novela se refiere al personaje interpretado por el siempre bonachón Hanks, un comandante de la marina estadounidense al que se le encomienda su primera misión en una Segunda Guerra Mundial a la que Estados Unidos acaba de incorporarse.

Se trata de guiar y proteger un convoy de barcos de suministros aliados en su travesía por el Atlántico norte. Como si de una invasión alienígena se tratara, pronto su buque y el resto de los conducidos se verán amenazados por una flota de submarinos alemanes, un enemigo prácticamente invisible al que resultará muy difícil vencer, aunque a todas luces previsible. Con el solo personaje femenino incorporado por la compañera de generación Elisabeth Shue, orientado sin duda a reforzar la imagen del héroe protagonista como hombre religioso de valores profundamente tradicionales, lo que a su vez refuerza la idea del pastor y su ganado, la cinta prácticamente se desarrolla en un océano íntegramente recreado por ordenador, con una tensión solo lograda parcialmente y gracias sobre todo al excelente trabajo de los responsables de sonido, justamente reconocidos con una nominación al Oscar.

Falta sin embargo un tratamiento más efectivo del factor terror, una tensión más calculada y una mayor empatía con personajes que no resultan más que marionetas. Solo el valor que el personaje principal y su desarrollo personal da a la vida de los otros, aunque sean enemigos, y la convicción final de que son la moneda de cambio irrenunciable para salvar otras vidas y preservar la libertad, da algún sentido lógico a un espectáculo que se revela únicamente como ejercicio fallido en torno al agobio, la claustrofobia y el terror.

DA 5 BLOODS: HERMANOS DE ARMAS Perdiendo el rumbo

Título original: Da 5 Bloods
USA 2020 154 min.
Dirección Spike Lee Guion Spike Lee y Kevin Willmott Fotografía Newton Thomas Sigel Música Terence Blanchard Intérpretes Delroy Lindo, Clarke Peters, Norm Lewis, Isiah Whitlock jr., Chadwick Boseman, Jonathan Majors, Melánie Thierry, Jasper Pääkkönen, Paul Walter Hauser, Jean Reno, Veronica Ngo, Johnny Nguyen, Lam Nguyen Estreno en España y Estados Unidos (internet) 12 junio 2020

Quién sabe si inspirado por Charada, lo cierto es que lo último de Spike Lee coincide en el mismo punto de partida, cinco excombatientes de una guerra cruenta, la Segunda Guerra Mundial en el caso del clásico de Stanley Donen, la de Vietnam en la que nos ocupa, uno de ellos difunto y un tesoro en forma de lingotes de oro. Allí eso desencadenaba una sofisticada intriga parisina (también hay franceses en la cinta de Lee) y aquí una presunta película de aventuras en la que el oro dispara los peores instintos humanos, ya de por sí menoscabados tras un trauma bélico sin precedentes. Algo así como que Delroy Lindo asume el papel protagónico de un Humphrey Bogart en El tesoro de Sierra Madre. Pero ésta no es ninguna obra maestra, ni siquiera lo parece. Mezclar lucha antirracista, de la que el director de Haz lo que debas es sin discusión todo un experto y comprometido activista, con un drama de aventuras y acción, parece convertir cualquier título en una obra importante, más con todo lo que está actualmente ocurriendo a lo largo y ancho del mundo tras los últimos atropellos policiales en Estados Unidos. 

Spike Lee comienza su odisea con unas impactantes escenas documentales en las que entre otras cosas, discursos de Martin Luther King y Malcolm X incluidos, se recrean en color y acción atrocidades que solo conocíamos por fotografías en blanco y negro. La cinta se adorna con licencias estéticas variadas, como no variar el aspecto de sus protagonistas aunque retrocedamos cincuenta años atrás, o cambiar de formato cuando lo hacemos, lo que entre otras cosas nos hace recordar lo necesario que sigue haciendo ver películas en grandes pantallas cinematográficas para disfrutarlas en todo su esplendor siguiendo las intenciones de sus responsables. Pero a Lee se le va pronto la mano en su discurso; no acierta a definir de forma convincente a sus personajes, cuatro veteranos de guerra, a los que se suma el hijo de uno de ellos, que regresan a Vietnam cincuenta años después (demasiado tiempo) para buscar el cadáver del quinto, desaparecido en intrigantes circunstancias, y de paso recuperar el tesoro que encontraron y enterraron en su momento. Hechas las erráticas presentaciones, el film se lanza a una aún más errática aventura, demasiado arriesgada y compleja como para ser abordada por estos sujetos con achaques, mientras se cruzan con paramilitares del Vietcong, activistas humanitarios y minas antipersonas por doquier, en una sucesión de despropósitos y casualidades tan irritantes y poco convincentes como el disparatado proceso de desintegración moral al que es sometido el único votante de Trump de la formación.

Está claro, sobre todo viniendo de Spike Lee, que se trata de destacar el sacrificio de unos ciudadanos negros por un país que los maltrataba y sigue haciéndolo, aunque continúe enarbolando la bandera de la libertad con pleno convencimiento y orgullo extremo. Pero entre el desmesurado metraje, la falta de cohesión entre dramas personales y aventuras estrambóticas, y la pérdida evidente del norte en su escalada hacia un fresco histórico sobre el sufrimiento de la raza en tan incomprensible país, lo que debía ser apasionante deviene en meramente entretenido. La épica musical del jazzista Terence Banchard entregado a un sinfonismo sin complejos, convive con un puñado de buenas y bailables canciones de Marvin Gaye.

1917 Inmersión por el amor y la muerte

Reino Unido-USA 2019 119 min.
Dirección Sam Mendes Guion Sam Mendes y Krysty Wilson-Cairns Fotografía Roger Deakins Música Thomas Newman Intérpretes George MacKay, Dean-Charles Chapman, Mark Strong, Richard Madden, Benedict Cumberbatch, Colin Firth, Andre Scott, Daniel Mays, Claire Duburcq Estreno en Estados Unidos, Reino Unido y España 10 enero 2019

Si todo el mérito de esta super producción radicara en su portentosa propuesta técnica, estaríamos hablando solo de un film exótico y singular. Sam Mendes, el exitoso director de cintas como American Beauty, Camino a la perdición o las dos últimas entregas del agente James Bond, nos sumerge en un frenético e irrespirable viaje por un campo de batalla en la Francia de la Primera Guerra Mundial, a través de un prodigioso doble plano secuencia más deudor de la intervención digital y el montaje de postproducción que del artificio artesanal de clásicos como La soga de Hitchcock o el más reciente y apabullante El arca rusa de Sokolov. Pero lo importante de la función es que este artificio estético y visual sirve al propósito de generar una experiencia inmersiva y hacernos partícipes casi directos del horror y la fatalidad a la que se enfrentan los protagonistas del film, especialmente el joven George MacKay, descubierto en la película española El secreto de Marrowbone. En personajes episódicos destaca la presencia de actores como Colin Firth, Benedict Cumberbatch o Mark Strong, mientras en el tratamiento humano quizás convendría reprocharle esquematizar en extremo el papel malvado de los alemanes frente a la dignidad de los británicos.

El escenario es conocido y recurrente, cielos grises, campos anegados, fango e infinitas trincheras para recrear ese espacio bélico con el que el cine tanto nos ha familiarizado desde Sin novedad en el frente de Milestone y Senderos de gloria de Kubrick. De hecho algo hay de Erich Maria Remarque en esta pérdida de la inocencia y literal de la vida en esta trágica epopeya bélica. La peripecia también es recurrente, un mensaje vital que ha de llegar a su destino no importa cuántos riesgos se asuman en la gesta. En el camino, y siempre partícipes pegados a la piel de sus jóvenes sufrientes, conoceremos todas las miserias, y alguna virtud aislada, del conflicto entre humanos, su precio con la naturaleza y el sufrimiento colateral en ciudades asoladas y ciudadanos silentes y horrorizados. Mendes dirige con tan buen pulso como proverbial talento para combinar técnica y emoción, juegos de imagen y sonido con sentida interpretación, épica con intimismo, este valioso artilugio cinematográfico.

Un hito que no pasará por alto y logrará el reconocimiento en premios que ya se le promete, incluidos los dos Globos de Oro al mejor director y mejor película dramática que ya ha cosechado. A destacar la sensacional banda sonora de Thomas Newman, un señor que ha sabido aprovechar su ilustre linaje de compositores cinematográficos y crear desde los noventa del siglo pasado un estilo muy característico imitado por colegas de todo el Mundo, incluida España. Sin olvidar la hermosa fotografía del veterano Roger Deakins, Oscar hace dos años por Blade Runner 2049, que propone una luminosa recreación tanto de los enfangados campos de batalla como de las verdes praderas donde descansa la esperanza.

MIDWAY Curso intensivo y poco didáctico sobre la guerra en el Pacífico

USA 2019 138 min.
Dirección Roland Emmerich Guion Wes Tooke Fotografía Robin Baumgartner Música Harald Kloser y Thomas Wander Intérpretes Ed Skrein, Woody Harrelson, Patrick Wilson, Luke Evans, Aaron Eckhart, Nick Jonas, Mandy Moore, Dennis Quaid, Luke Kleintank, Keean Johnson, Etsushi Toyokawa, Tadanobu Asano, Darren Criss, Brandon Sklenan, Jake Manley Estreno en Estados Unidos 8 noviembre 2019; en España 5 diciembre 2019

La batalla de Midway fue el punto de inflexión definitivo de la Segunda Guerra Mundial en aguas del Pacífico. Con ella se puso fin al ansia japonés de dominar el este y sudeste asiático, eliminando el obstáculo que para ello suponía la armada de los Estados Unidos, fuertemente asentada en esas aguas próximas. Tan trascendente gesta bélica fue ya objeto de un largometraje realizado en 1976 a imagen y semejanza de las grandes películas catastrofistas de la época, es decir con un reparto de grandes glorias de la edad de oro de Hollywood y un director especializado en el género como era Jack Smight, responsable de Aeropuerto 1975. Pero esas son las únicas semejanzas entre ambas películas, pues el guión de Wes Tooke inventa una trama nueva plagada de personajes y anécdotas con las que es difícil o imposible empatizar en sus dos horas y cuarto de proyección. Solo los almirantes Nimitz (antes Henry Fonda, ahora Woody Harrelson), Halsey (Dennis Quaid en el lugar de Robert Mitchum) y Toyokawa (con Toshiro Mifune como antecedente de Etsushi Toyokawa) coinciden en ambas producciones, al tratarse de mandos relevantes en la operación a ambos lados de la contienda. El resto son personajes reales cuyas peripecias particulares sirven para trazar una línea argumental que intente dar consistencia dramática a la empresa.

Con ese aire de megalomanía que caracteriza al cine de Roland Emmerich, generalmente catastrofista (Independence Day, El día de mañana, 2012) y patriótico (El patriota, Asalto al poder, Independence Day: Contraataque e incluso la gesta por la liberación gay en Stonewall, inédita entre nosotros), la cinta recorre todos los episodios relevantes de la guerra entre Estados Unidos y Japón, desde el ataque a Pearl Harbor a la batalla protagonista, pasando por la Batalla del Mar de Coral o el bombardeo de Tokio, episodios todos que han sido en algún momento llevados al cine y ahora lo son en conjunto como si se tratara de un curso completo e intensivo, aunque la verdad poco didáctico. En su afán acaparador incluye hasta a John Ford rodando su famoso documental dentro de la serie Why We Fight?, pero con la misma superficialidad con la que trata el resto del por otro lado vistoso espectáculo.

Es como si el cine de superhéroes se hubiera instalado en la Historia reciente para recrearla con efectos digitales de primer orden e intentar dar al conjunto una pátina de trascendencia, repitiendo modelos de otra época que hoy parecían superados, pero que en estos tiempos tan duros y reaccionarios vuelven a cobrar fuerza. Y es que tanto personaje y tanta anécdota acaba por saturar sin aportar nada al sentido dramático de una función que pierde así todo su valor presuntamente didáctico. Al menos en aquella producción de 1976 asistíamos al crepúsculo del star system norteamericano (Charlton Heston, James Coburn, Glenn Ford, Cliff Robertson y Robert Wagner completaban el lujoso elenco) y disfrutábamos con la banda sonora de John Williams, muy por encima de la funcional y convencional música de Harald Kloser, productor también de la cinta.

SEFF 2019. ATLANTIS Devastación tras la guerra

Ucrania 2019 106 min.
Guion, fotografía y dirección Valentyn Vasyanovych Intérpretes Andriy Rymaruk, Liudmyla Bileka, Vasyl Antoniak Estreno en el Festival de Venecia 4 septiembre 2019; en el Festival de Sevilla 13 noviembre 2019

Todo el poder devastador físico y moral de una guerra concentrado en unas cuantas secuencias en las que recorremos el peregrinaje de un hombre que sufre síndrome de estrés postraumático por una Ucrania devorada por la guerra de 2015 que acabó con la anexión de Crimea a Rusia. La acción transcurre diez años después de aquella fecha, con un país desolado y casi sin esperanza. La violencia interiorizada en quienes lucharon en la guerra, la crisis de la industria siderúrgica y un país sembrado de minas y cadáveres son los ambientes por los que este ex soldado realiza su particular via crucis diario. Una serie de largas secuencias sin elipsis y con vocación minimalista componen la particular estructura de esta cinta premiada en la sección Horizontes del pasado Festival de Venecia. El sufrido protagonista encontrará el camino de redención y esperanza en una especie de ONG que recupera los cadáveres enterrados en fosas comunes e investiga sus identidades, algo que en nuestro país tendría que haberse hecho hace mucho tiempo y no darle tantas vueltas. Este trabajo humanitario e identitario y la relación que entabla con una compañera se convertirán en válvula de escape para salir de esa crisis traumática en la que se encuentra, curar heridas y aliviar tanto dolor acumulado. En el proceso se corre el peligro de que el espectador pierda el interés, debido a un ritmo premioso y la deliberada dilatación de las secuencias, pero no cabe duda de que su director tiene las ideas muy claras y sabe perfectamente convertir su intención en realidad, quizás por eso se encarga también del guion y la fotografía, por cierto muy preciosista.