RENTAL FAMILY (FAMILIA DE ALQUILER) Afectos impostados

Título original: Rental Family
Japón-USA 2025 103 min.
Dirección Hikari Guion Hikari y Stephen Blahut Fotografía Stephen Blahut y Takuro Ishizaka Música Jon Thor Birgisson (Jónsi) y Alex Somers Intérpretes Brendan Fraser, Mari Yamamoto, Takehiro Hira, Akira Emoto, Shannon Mahina Gorman, Kimura Bun, Shino Shinozaki Estreno en el Festival de Toronto 6 septiembre 2025; en Estados Unidos 21 noviembre 2025; en España 9 enero 2026

La idea no es nueva, ya la explotó Fernando León de Aranoa en su ópera prima, Familia. Aquí ocurre al revés; mientras la película española proponía a un hombre que alquilaba todo un reparto de actores y actrices para que dieran vida a una familia ficticia, aquí es un actor quien es contratado por varios clientes para dar vida a un familiar, ser querido o profesional que cubra una ausencia destacada que les impida conseguir alguno de sus propósitos en la vida. Brendan Fraser tras el subidón que supuso La ballena, Oscar incluido, ahora también recuperado en lo físico, incorpora a este actor algo perdido en la vorágine de Tokio, urbe naturalmente paradigma de la incomunicación, la soledad y la falta de habilidades sociales para forjarse un colectivo afectivo razonable.

La fábula arranca con una ventana indiscreta desde la que el protagonista vislumbra una multitud de vidas ajenas, algo por un lado que anuncia ya la impostura del conjunto, mientras por otro lado contradice su propia tesis argumental, toda vez que ofrece vidas en pareja y comunidad suficientemente satisfactorias como para prescindir de una supuesta agencia exitosa dedicada a proporcionar afectos ficticios. Pero por otro lado, sirve para estructurar la película de forma cíclica, de manera que quien realmente se siente perdido es el protagonista, si bien a renglón seguido descubrimos que tiene una pareja de la que poco después nada volvemos a saber, para al final descubrir que todo su peregrinaje ha servido para encontrarse a sí mismo y su propia alma. Por el camino, Fraser intercomunica con compañeros y compañeras de trabajo, y sobre todo con una clientela en la que destacan un viejo actor olvidado y una niña de padre estadounidense desconocido. Poco a poco se irá revelando que todos estos personajes van forjando en el desolado protagonista una familia ficticia que deja claro que esa misma incomunicación y tendencia a la soledad se ha adueñado también de la civilización occidental.

De la combinación de ambas sociedades sabe bastante su directora, Hikari, que firma con éste su segundo largometraje de ficción, tras trabajar en Estados Unidos en series como Tokyo Vice, liderada por Michael Mann. Pero el resultado global de esta película vendida como singular y con el principal reclamo de su actor protagonista, es pura impostura, tan forzada como los afectos emocionales que pretende ofrecer la agencia que lidera un jefe también carente de esos imprescindibles sentimientos.

BLACK BOX DIARIES Investigación en primera persona

Japón-USA-Reino Unido 2024 102 min.
Guion y dirección Shiori Ito Fotografía Hanna Aqvilin, Yuta Okamura y Keke Shiratama Música Mark De Gli Antoni Documental Estreno en el Festival de Sundance 20 enero 2024; en Movistar Plus+ 7 febrero 2025

Primero fe el trauma, la vergüenza y una denuncia infructuosa traducida en fracaso judicial, después la incomprensión y el linchamiento social, un libro basado en una exhaustiva investigación, y finalmente un triunfo procesal. Es el particular via crucis de una joven periodista japonesa que, tras una cena de trabajo con Noriyuki Yamaguchi, uno de los más influyentes periodistas de Japón y amigo personal del primer ministro Shinzo Abe, terminó siendo víctima de una violación en la habitación de hotel en la que se alojaba el citado depredador y periodista. Este recorrido ha culminado en un documental a las puertas de alzarse con el Oscar en su categoría, mientras la víctima y autora, también del libro en el que se basa, Shiori Ito, se ha convertido en referente e influyente activista de los derechos de igualdad.

Muchas lágrimas vertidas y una determinación admirable dan testimonio del singular sufrimiento de quienes como ella han tenido que pasar por este espinoso camino hasta conseguir que se les escuche y se les comprenda, ya sea aquí, con el caso Nevenka como reciente trabajo fílmico que nos retrotrae a oscuros tiempos pretéritos, como en Hollywood, con el movimiento Me Too surgido de los crímenes de Harvey Weinstein, en Japón o el resto del mundo. Una forma muy especial e imprescindible de cambiar legislaciones y modelos sociales, como el japonés, tan necesitado de una amplia y dificultosa reforma, anclado en modelos de patriarcado rancio y marchito. Lástima que tardemos en conectar con el drama, merced a un montaje farragoso, a menudo confuso, y un sinfín de secuencias que parecen de relleno, aportando poco o nada al argumento principal, algo desdibujado hasta que bien avanzado el metraje, empieza a tener forma y suscitar nuestra empatía.

De cualquier modo, tiene mucho mérito que sea precisamente su principal e involuntaria protagonista quien haya urdido todo este entramado para ayudar a generaciones futuras e impedir definitivamente estos abusos imperdonables. De momento, su avance ha logrado algún que otro cambio, especialmente en la mirada del público, aunque como rezan las últimas imágenes del documental, las consecuencias en el verdugo apenas se dejaron apreciar.

EL MAL NO EXISTE Responsabilidades diversas

Título original: Aku Wa Sonzai Shinai
Japón 2023 106 min.
Guion y dirección Ryûsuke Hamaguchi Fotografía Yoshio Kitagawa Música Eiko Ishibashi Intérpretes Hitoshi Omika, Ryo Nishikawa, Ryuji KOsaka, Ayaka Shibutani, Hazuki Kikuchi Estreno en el Festival de Venecia 4 septiembre 2023; en Japón 26 abril 2024; en España 1 mayo 2024

En pleno regreso de la sempiterna polémica española sobre la celebración todavía a estas alturas de una fiesta tan cruel y anacrónica como los toros, llega a nuestras pantallas la nueva película del aclamado director de la oscarizada Drive My Car. Se trata de una cinta de marcado carácter ecologista, que se vislumbra ya en un largo prólogo musicalizado en el que las copas de frondosos árboles se alternan con las de otros secos. A partir de ahí asistimos a una convencional historia de especulación inmobiliaria a costa de parajes naturales frecuentados por animales silvestres, contada como cabe esperar de forma nada convencional.

Echando mano más de la metáfora y de las sensaciones que del propio material argumental, Hamaguchi nos va adentrando en su lucha a fuerza de mostrarnos lo que la naturaleza nos regala, leña para el fuego, wasabi salvaje para la cocina, belleza para nuestros ojos… El giro esperado llega de la mano de los especuladores, cuya falta absoluta de escrúpulos les lleva a enviar emisarios que justifican el intrigante título, más propio de una película de terror que de una denuncia ecologista de tintes poéticos. Llevados por su sentido de la responsabilidad profesional, los mensajeros de tan malas noticias a nivel de entorno natural, que no de bonanza económica coyuntural y temporal, se mostrarán tan empáticos con la causa de los habitantes de la montaña como decididos a llevar a cabo las intenciones de sus empleadores, provocando consecuencias en las que ambos extremos de la balanza evidenciarán su tendencia a ese mal anunciado e inevitable.

La triste mirada de un ciervo amenazado y su reflejo en la empática hija del protagonista, se encargan de provocar en el público la consabida reflexión, menos efectiva cuando a pesar de su moderado metraje, la tesis se nos ha hecho tan larga y tediosa. Su formato de cine festivalero a ultranza le ha propiciado en Venecia alzarse con el Gran Premio del Jurado.

PERFECT DAYS Mapa de los retretes de Tokio

Japón-Alemania 2023 124 min.
Dirección Wim Wenders Guion Takuma Takasaki y Wim Wenders Fotografía Franz Lustig Intérpretes Kôji Yakusho, Arisa Nakano, Tokio Emoto, Aoi Yamada, Yumi Asô, Sayuri Ishikawa, Tomokazu Miura Estreno en el Festival de Cannes 25 mayo 2023; en Japón y Alemania 21 diciembre 2023; en España 12 enero 2024

Aplaudida como el regreso del mejor Wim Wenders, sin que haya recibido mayores elogios desde Pina, la aventura japonesa del siempre viajero director alemán se erige en oda a la vida sencilla y los placeres cotidianos de la mano de un improbable encargado de la limpieza de los baños públicos de Tokio, lo que sirve para hacer una insólita excursión por estos cómodos y necesarios muebles urbanos que tanta falta hacen en otras ciudades que hace tiempo los despreciaron. De esta manera ha sido ese viaje por los creativos, artísticos, higiénicos, modernos y sofisticados incluso tecnológicamente servicios públicos de la ciudad, algo que por sí sólo ya hace merecer un viaje a las antípodas, lo que más nos ha llamado la atención de un film al que se le notan claramente sus bondadosas intenciones.

En un mundo dominado por la velocidad y el estrés, el desencanto personificado en la presunta secretaria que almuerza en un banco del parque, o los sempiternos problemas familiares que desembocan en decisiones individuales radicales, Wenders nos quiere convencer de que es posible una vida sencilla incluso en la gran urbe, donde los buenos modales convivan con la educación y la amabilidad, como la que profesan los hosteleros que ofrecen repetidamente esa bebida reconstituyente después de un duro día de trabajo. El principal cómplice de esta aventura es el actor Kôji Yakusho, una especie de Ricardo Darín nipón, lo que hace aún más difícil, unido a su por la lectura y la buena música rock de los setenta, identificar al personaje con una profesión con la que sin embargo el protagonista demuestra su carácter delicado y minucioso, mientras será en esa rutina jalonada de personajes, algunos pintorescos, lo que definirá su espíritu silencioso e introvertido. 

Pero no hay mucho más en esta cinta que acaba resultando repetitiva y alargada, a pesar de sus muchas bondades, entre las que destacamos la galería de buenos temas musicales, reproducidos siempre de una reivindicada forma analógica, que suenan en el vehículo de este peculiar encargado de la limpieza, que tanto nos recuerda a Lisbon Story y que aglutina éxitos de Lou Reed, The Animals, Otis Redding, Patti Smith, Van Morrison y el jazz optimista del Feeling Good de Nina Simone. Quienes se queden hasta el final comprobarán que lo que el protagonista intenta captar una y otra vez con su cámara es la luz del sol filtrada entre los árboles, la luz que se abre entre las sombras, lo que en japonés se llama komorebi.

GODZILLA: MINUS ONE Apoteósico regreso del monstruoso coloso

Título original: Gojira-1.0
Japón 2023 125 min.
Guion y dirección Takashi Yamazaki Fotografía Kôzô Shibasaki Música Naoki Sato Intérpretes Ryunosuke Kamiki, Minami Hamabe, Kuranosuke Sasaki, Yuki Yamada, Munetaka Aoki, Sakura Ando, Hidetaka Yoshioka Estreno en Japón 3 noviembre 2023; en España 15 diciembre 2023

Concebida para conmemorar el setenta aniversario de la primera incursión del monstruo radiactivo más famoso del mundo, puede que ésta se la mejor película jamás realizada de la ya larga serie de cintas no sólo producidas en Japón sino también en Estados Unidos. No es que estemos muy familiarizados con la saga, pero a la vista de los resultados no nos parece descabellada esta afirmación. A las riendas de este ambicioso proyecto está la dirección sabia y curtida del veterano Takashi Yamazaki, tan hábil en la animación como en la imagen real, generalmente siempre asociado al fantástico.

Hay multitud de referencias e influencias en este film de impecable acabado, desde la épica spielberiana al manga japonés del que se hacen eco incluso las expresiones de algunos de sus protagonistas, el cine bélico y el más genuino cine de catástrofes, con secuencias tan escalofriantes como el ataque del kaiju o monstruo a la ciudad de Ginza. Curiosamente, el sensacional despliegue de efectos visuales homenajea en ocasiones y siempre desde la pulcritud digital, el efecto que antaño producían miniaturas y maquetas. Godzilla regresa a sus orígenes en esta cinta ambientada en Japón justo después del abatimiento que supuso para la población en general el abrupto final de la Segunda Guerra Mundial a propósito de las bombas atómicas, y el posterior advenimiento de la Guerra Fría, que hizo que tanto Estados Unidos como Rusia abandonaran a su suerte el futuro de un destruido Japón.

En esa atmósfera irrumpe el famoso monstruo, síntesis de los miedos y los traumas de la población y el ejército mismo, y en ese contexto surge el drama de la película, con un piloto kamikaze expiando la tortura de no haber llevado su misión a cabo. Una relación sentimental pone el ingrediente tierno y otra de camaradería el humorístico. Quizás un exceso de esperas dialécticas entre las excelentes secuencias de acción pueda ser el único reproche que se pueda hacer a esta cinta que sin duda hará las delicias de incondicionales y no tanto.

EL CHICO Y LA GARZA Una cultura para algunos inaccesible

Título original: Kimitachi wad ô ikiru ka
Japón 2023 124 min.
Guion y dirección Hayao Miyazaki, según la novela de Genzaburô Yoshino Música Joe Hisaishi Animación Estreno en Japón 14 julio 2023; en España 27 octubre 2023

Una década después de abandonar la dirección cinematográfica con El viento se levanta, Miyazaki, padre de la animación tradicional nipona y responsable del éxito que ésta ha adquirido en todo el mundo, regresa ahora con una nueva fábula sobre la superación de traumas infantiles y la búsqueda de raíces familiares a través de la magia y la fantasía. Resulta difícil para algunos rendirnos a las virtudes, para otros ilimitadas, de este tipo de cine que sin embargo cuenta con legiones de fans dispuestas a abarrotar cines de todo el planeta.

Cuesta sintonizar con ese mundo onírico que proponen sus abarrotadas y abigarradas películas, pobladas de seres grotescos y espíritus surgidos del subconsciente, aunque no podamos sustraernos a la belleza de sus trazos y sus diseños paisajísticos. Nos confesamos por ello incapaces de medir las excelencias de esta nueva propuesta del veterano maestro, resistir su envite y reconocer sus aciertos, su inabarcable imaginación e incontestable creatividad, y proponernos una definitiva resistencia ante un posible regreso del director o de cualquiera de sus numerosos discípulos a las salas de cine.

DRIVE MY CAR Un luto largo, muy largo

Título original: Doraibu mai kâ
Japón 2021 179 min.
Dirección Ryûsuke Hamaguchi Guion Ryûsuke Hamaguchi y Takamasa Oe, según una historia de Haruki Murakami Fotografía Hidetoshi Shinomiya Música Eiko Ishibashi Intérpretes Hidetoshi Nishijima, Tôko Miura, Reika Kirishima, Masaki Okada, Yoo-rim Park, Dae-Young Jin, Sonia Yuan, Satoko Abe, Perry Dizon, Ahn Hwitae, Hiroko Matsuda, Toshiaki Inomata, Takako Yamamura Estreno en el Festival de Cannes 11 julio 2021; en Japón 20 agosto 2021; en España 4 febrero 2022

Tras varias películas desconocidas en nuestro país y estrenar hace apenas unos meses La ruleta de la fortuna y la fantasía, la consagración definitiva de Ryûsuke Hamaguchi como gran nuevo maestro del cine japonés ha llegado con esta película, ganadora ya de más de cuarenta premios internacionales, tres en Cannes, y favorita en todas las quinielas de los próximos a otorgar. Que la mayoría de las asociaciones de la crítica de Estados Unidos la hayan considerado la mejor película de habla no inglesa del pasado año, y se haya alzado también con el Globo de Oro en esta categoría, la perfilan como segura ganadora del Oscar a la mejor película internacional.

Basada en un relato del escritor de moda en Japón, Haruki Murakami, autor también de las historias en las que se basaban las cintas Norwegian Wood (Tokio Blues) y Burning, el principal escollo de esta nueva adaptación es su desmesurado metraje, lo que teniendo en cuenta su trama y reflexión invita a pensar que se podría haber reducido considerablemente. Apenas ha sucedido nada, un mero prólogo, cuando aparecen los títulos de crédito. El problema es que esto sucede cuando la cinta lleva ya cuarenta minutos, lo que tratándose de un film convencional no deja de ser original; solo habíamos experimentado esto antes en Clímax, el nada convencional film de Gaspar Noé. Una sucesión de personajes en clave coral van apareciendo en esta reflexión sobre la muerte, el amor y la fidelidad, mientras su protagonista, un reputado actor y director teatral cuya mayor singularidad reside en trabajar con intérpretes de distintas nacionalidades, cada uno y una en su lengua materna, incluido el lenguaje de signos, va reclutando el reparto de Tío Vania para ser representado en un festival en Hiroshima.

La pérdida de los seres queridos y el sentimiento de culpabilidad unen al traumatizado protagonista con la conductora que los organizadores del evento le han asignado. Curiosamente su íntima y hermosa dramaturgia consigue atraparnos amenizando a pesar de su indiscutible carácter minimalista el desorbitado metraje, lo que acabamos por considerar su mayor mérito, aunque a nuestro juicio la emoción y la complicidad no llegue a cuajar suficientemente en esta tristísima película.

18º FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA 8ª JORNADA

VACA La mirada del desconcierto

Título original: Cow
Reino Unido 2021 94 min.
Dirección Andrea Arnold Fotografía Magda Kowalczyk Documental Estreno en el Festival de Cannes 8 julio 2021; en Reino Unido 14 enero 2022

Fiel a su cita con el festival sevillano, la directora británica Andrea Arnold presenta este año una propuesta original e insólita. Cuando hablamos de documentales de animales casi siempre nos referimos a los salvajes, libres, como únicos ejemplares capaces de llevar una existencia digna de ser conocida, con un anecdotario susceptible de generar nuestra sorpresa y admiración. Algo parecido suele suceder cuando de humanos se trata, que solo aquellos que viven experiencias extraordinarias provocan nuestra expectación, aunque la progresiva estulticia humana ha facilitado que cada vez sean más las voces vacuas e intranscendentes las que acaparen audiencias. Una película sobre una vaca, prácticamente su ciclo vital hasta que deja de ser útil o surge riesgo de desaparición dolorosa, ha suscitado sin embargo el interés de la realizadora de Fish Tank, American Honey y la enésima versión de Cumbres borrascosas. La operación podría calibrarse desde un doble punto de vista, o incluso más de uno. Por un lado está claro que asistimos a la denuncia de nuestra voracidad, esa legitimación humana de que todo le pertenece y sobre todo lo que hay en la naturaleza puede ejercer su jurisdicción absoluta. Cabe también la posibilidad de que la anodina vida de estos terneros y terneras destinadas al consumo humano refleje nuestra propia existencia, pues aunque dotados del libre albedrío, no cabe duda de que poca gente hace uso real del mismo y la mayoría optamos por seguir las directrices y caminos que nos han impuesto desde el control y la dominación de una élite. No cabe duda de que Arnold ha debido elegir entre muchísimas tomas, y en el montaje haber manipulado algo nuestra percepción, incluso perdiendo ella misma en más de una ocasión el discurso narrativo propuesto, entre tanta vaca y situación en la que los humanos apenas aparecen para intervenir en el día a día de unos pobres animales cuyo único respiro y cierta sensación de alivio consiste en pastar en ganado por las verdes praderas de las islas británicas. El resto es puro cautiverio con el único sonido ambiente de las canciones que ayudan a producir al máximo rendimiento.

MURINA Sirena cautiva

Croacia-Brasil-USA-Eslovenia 2021 92 min.
Dirección Antoneta Alamat Kusijanović Guion Antoneta Alamat Kusijanović y Frank Graziano Fotografía Hélène Louvart Música Evgueni y Sacha Galperine Intérpretes Gracija Filipović, Danica Čurčić, Leon Lučev, Cliff Curtis Estreno en el Festival de Cannes 10 julio 2021

De una cinematografía tan exótica como la croata nos llega una película con apoyo en la producción de Martin Scorsese, que tuvo la suerte de hacerse con la Cámara de Oro a la mejor ópera prima en Cannes, si bien no somos capaces de apreciar cuáles sean las virtudes para merecer tal distinción, más allá de tratarse de un film correcto y entretenido, con algún destello en valores. Se trata de un melodrama al uso con protagonista femenina y adolescente que vive asfixiada por la estructura patriarcal de su familia, un padre autoritario y déspota y una madre antigua reina de la belleza plegada a los designios del pater familias. La llegada de un antiguo amigo del padre, millonario y nacionalizado norteamericano, abrirá alguna esperanza o puerta de salida a esta joven que practica el submarinismo y ofrece una imagen distante y a la vez atrevida, segura y sobrada de personalidad. El camino hacia esa esperanza de libertad constituye la trama que su realizadora gestiona con habilidad y equilibrio, dosificando bien sus recursos e intenciones y logrando con ello un producto contenido y atractivo a pesar de no contar nada especialmente nuevo ni proponer soluciones novedosas aunque sí estimulantes al cautiverio que sufren todavía millones de mujeres en todo el mundo.

THE PAINTER Broma sobre la creación artística

Título original: Der Maler
Alemania 2021 94 min.
Dirección Oliver Hirschbiegel Guion Ben Becker y Albert Oehlen Fotografía Philip Bienmüller, Severin Barënbold, Dominik Frey, Timna Gibson, Alexander Kruse, John-Philip Kuhn y Michail Zeldin Música Gudrun Gut Intérpretes Ben Becker y la voz de Charlotte Rampling Estreno en el Festival de Sevilla 12 noviembre 2021

Muy reputado en circuitos artísticos, Albert Oehlen es conocido en Sevilla particularmente por su cartel para los festejos taurinos del año 2020 en la Real Maestranza. Por su parte, Oliver Hirshbiegel siempre será recordado por narrar los últimos días de Hitler en El hundimiento, protagonizada por Bruno Ganz. Ahora unen fuerzas para poner en pie una broma documental. Se trata de recrear la gestación de una obra con el sello de Oehlen pero con la particularidad de que al artista lo suplanta Ben Becker, un actor muy conocido en Alemania que sigue las directrices del pintor, aunque en lo personal muestra un carácter y una forma de ser entre excéntrico e histriónico, en las antípodas del pintor homenajeado. Tampoco el resultado pictórico está naturalmente a la altura de su obra, mientras el espectador es invitado a soportar el comportamiento insufrible del protagonista y no recibir siquiera una lección mínimamente útil sobre la creación artística. Para colmo la voz de Charlotte Rampling narra lo que parecen ser indicaciones expresas y concisas sobre la obra a desarrollar, aunque en realidad nos damos cuenta de que sus palabras apenas guardan relación con lo recreado e incluso llegan a despistar sobre su contenido. La sensación por lo tanto es de absoluta tomadura de pelo; quizás sea eso lo pretendido por sus artífices, al fin y al cabo se trata de arte moderno y esta farsa tiene mucho que ver con ello.

ONODA La guerra infinita

Título original: Onoda, 10.000 nuits dans la jungle
Francia-Japón 2021 165 min.
Dirección Arthur Harari Guion Arthur Harari y Vincent Poymiro Fotografía Tom Harari Música Sebastiano de Gennaro, Enrico Gabrielli, Olivier Marguerit, Andrea Poggio y Gak Sato Intérpretes Yüya Endo, Kanji Tsuda, Yüya Matsuura, Tetsuya Chiba, Shinsuke Kato Estreno en el Festival de Cannes 7 julio 2021; en Francia 21 julo 2021; en Japón 8 octubre 2021

Por una vez una película justifica su larga duración y nos hace sentir la propia dilatación del tiempo que sufren sus protagonistas. Se trata de una de esas historias que por mucho que estén basadas en la realidad resultan muy difíciles de creer. Solo el letargo al que están expuestos sus protagonistas puede traspasar la pantalla y convencernos de la odisea que sufren sus personajes. Ambientada a finales de la Segunda Guerra Mundial enfrente del Pacífico, y concretamente en Filipinas, Onoda es el relato escalofriante de una supervivencia larga, tempestuosa y complicada que tiene su origen en la tozudez humana, el sentimiento de la fidelidad y el honor, y la resistencia ante cualquier peligro proveniente de una trampa o del espíritu embaucador del enemigo. Bien planteada y mejor desarrollada, con detalles y matices que hacen el relato plausible y comprensible, la cinta del director francés Arthur Harari carece sin embargo de un tratamiento técnico  depurado, por mucho que su luminosa fotografía aproveche inteligentemente la luz natural y nos sumerja en un drama apoteósico y descomunal. El magnífico trabajo de sus dos protagonistas, sobre todo en edad madura, pone el resto para que el film se vea con interés y un sano escepticismo que acaba por convertirse en su principal baza.

LA MUJER DEL ESPÍA Harakiri patriótico y sentimental

Título original: Spy no tsuma
Japón 2020 115 min.
Dirección Kiyoshi Kurosawa Guion Ryûsuke Hamaguchi, Tadashi Nohara y Kiyoshi Kurosawa Fotografía Tatsunosuke Sasaki Música Ryosuke Nagaoka Intérpretes Yû Aoi, Issey Takahashi, Masahiro Higashide, Ryôta Bandô, Yuri Tsunematsu, Minosuke, Chuck Johnson, Hyunri, Takashi Sasano Estreno en el Festival de Venecia 8 septiembre 2020; en Japón 16 octubre 2020; en España 9 julio 2021

Con una larga filmografía desde 1983, el director japonés Kiyoshi Kurosawa (La senda de la serpiente, To the Ends of the Earth), sin relación alguna con el irrepetible Akira Kurosawa, rescata en su última película el cine clásico negro norteamericano, macguffin incluido, que tan buenos resultados alcanzara en manos de realizadores como Hitchcock, Tourneur, Lang o Siodmak por citar solo algunos. Lo hace para contarnos una historia ocurrida en los albores de la entrada de Japón en la Segunda Guerra Mundial, y el descubrimiento por parte de un joven empresario japonés de los experimentos llevados a cabo por el escuadrón 731 en Manchukuo, en la China ocupada.

El episodio le sirve para poner en pie un melodrama de intriga en el que el espionaje y las intrigas románticas se combinan de forma efectiva y atrayente. Aunque su ritmo pueda parecer pausado, y desde luego sumamente elegante, no deja indiferente y su capacidad para mantener el suspense se revela rápidamente eficaz y envolvente. El atractivo de sus intérpretes, unido a la emoción de una trama que rescata cuestiones acaso olvidadas y con las que resulta fácil identificar algunos de los dramáticos episodios que estamos viviendo en la actualidad, hacen del film un producto muy estimable y disfrutable.

Cuestiones como la relatividad del concepto de patriotismo y el espíritu cosmopolita, así como el sacrificio y el daño colateral, se corresponden perfectamente con ese espíritu oriental y esa cultura trascendental a la que la cinta no renuncia, y que hunde sus raíces en aspectos tan espinosos como el famoso harakiri, más emocional e indirecto en este caso particular. Su director logró con ella el premio en el Festival de Venecia del pasado año.