SEPTIEMBRE 5 Rigor periodístico

Título original: September 5
Alemania 2024 95 min.
Dirección Tim Fehlbaum Guion Moritz Binder, Tim Fehlbaum y Alex David Fotografía Markus Förderer Música Lorenz Dangel Intérpretes Peter Sarsgaard, John Magaro, Ben Chaplin, Leonie Benesch, Zinedine Soualem, Georgina Rich, Corey Johnson, Marcus Rutherford Estreno en el Festival de Venecia 29 agosto 2024; en Alemania 9 enero 2025; en España 31 enero 2025

El trágico asalto a la ciudad olímpica en los juegos de Munich de 1972, que se saldó con la muerte de once integrantes de la delegación israelí a manos de Septiembre Negro, una facción de la Organización para la Liberación de Palestina, ha sido ya llevado en otras ocasiones al cine, la más reciente y reconocida Munich de Spielberg. Pero mientras en aquella se narraban los hechos para después centrarse en los tejemanejes del Mossad para llegar hasta los ideólogos del atentado y ejercer sobre ellos una particular administración de justicia, la cinta del alemán Tim Fehlbaum se centra en el seguimiento que de los acontecimientos llevó a cabo un equipo periodístico de la norteamericana ABC especializado en deportes.

La operación de antoja como un salto de trampolín del joven director a la industria hollywoodiense, si no no se explica que coja como eje alrededor del cual gira la trama una plantilla estadounidense, ruede consiguientemente en inglés con actores en su mayoría anglosajones y le de al conjunto un carisma eminentemente estadounidense, especialmente visible en el esmerado aspecto estético que la película guarda con precedentes de esos mismos años setenta como Network o Todos los hombres del presidente. Pero a Septiembre 5 le faltan estrellas del cine que potencien su atractivo, tampoco logra insuflar al conjunto esa atmósfera de thriller asfixiante, con intriga máxima, que pretende recrear, y menos acierta a sentar las bases para una crítica contundente a un sistema de comunicaciones en el que prima el sensacionalismo y la carnaza, como rezan sus títulos finales cuando aseguran que la emisión logró una altísima cuota de audición.

Con todo, la cinta cuenta con las solventes interpretaciones de Peter Saarsgard, John Magaro, Ben Chaplin y Leonie Benesch, a quien vimos en Sala de profesores y veremos pronto en La tutoría. Se beneficia también de un montaje frenético y un guion nominado al Oscar, que combina con habilidad acción real, especialmente en las pantallas de televisión, y recreación, poniendo énfasis en la torpeza con la que se gestionó el asunto y en cómo Alemania perdió la oportunidad de resarcirse de un pasado todavía reciente en el que predominó el antisemitismo como nunca antes se había experimentado en el planeta.

Estreno en salas de EL CIELO ROJO

Reseña de la película, estrenada en el 20º Festival de Cine Europeo de Sevilla. Estreno en salas 14 junio 2024

PERFECT DAYS Mapa de los retretes de Tokio

Japón-Alemania 2023 124 min.
Dirección Wim Wenders Guion Takuma Takasaki y Wim Wenders Fotografía Franz Lustig Intérpretes Kôji Yakusho, Arisa Nakano, Tokio Emoto, Aoi Yamada, Yumi Asô, Sayuri Ishikawa, Tomokazu Miura Estreno en el Festival de Cannes 25 mayo 2023; en Japón y Alemania 21 diciembre 2023; en España 12 enero 2024

Aplaudida como el regreso del mejor Wim Wenders, sin que haya recibido mayores elogios desde Pina, la aventura japonesa del siempre viajero director alemán se erige en oda a la vida sencilla y los placeres cotidianos de la mano de un improbable encargado de la limpieza de los baños públicos de Tokio, lo que sirve para hacer una insólita excursión por estos cómodos y necesarios muebles urbanos que tanta falta hacen en otras ciudades que hace tiempo los despreciaron. De esta manera ha sido ese viaje por los creativos, artísticos, higiénicos, modernos y sofisticados incluso tecnológicamente servicios públicos de la ciudad, algo que por sí sólo ya hace merecer un viaje a las antípodas, lo que más nos ha llamado la atención de un film al que se le notan claramente sus bondadosas intenciones.

En un mundo dominado por la velocidad y el estrés, el desencanto personificado en la presunta secretaria que almuerza en un banco del parque, o los sempiternos problemas familiares que desembocan en decisiones individuales radicales, Wenders nos quiere convencer de que es posible una vida sencilla incluso en la gran urbe, donde los buenos modales convivan con la educación y la amabilidad, como la que profesan los hosteleros que ofrecen repetidamente esa bebida reconstituyente después de un duro día de trabajo. El principal cómplice de esta aventura es el actor Kôji Yakusho, una especie de Ricardo Darín nipón, lo que hace aún más difícil, unido a su por la lectura y la buena música rock de los setenta, identificar al personaje con una profesión con la que sin embargo el protagonista demuestra su carácter delicado y minucioso, mientras será en esa rutina jalonada de personajes, algunos pintorescos, lo que definirá su espíritu silencioso e introvertido. 

Pero no hay mucho más en esta cinta que acaba resultando repetitiva y alargada, a pesar de sus muchas bondades, entre las que destacamos la galería de buenos temas musicales, reproducidos siempre de una reivindicada forma analógica, que suenan en el vehículo de este peculiar encargado de la limpieza, que tanto nos recuerda a Lisbon Story y que aglutina éxitos de Lou Reed, The Animals, Otis Redding, Patti Smith, Van Morrison y el jazz optimista del Feeling Good de Nina Simone. Quienes se queden hasta el final comprobarán que lo que el protagonista intenta captar una y otra vez con su cámara es la luz del sol filtrada entre los árboles, la luz que se abre entre las sombras, lo que en japonés se llama komorebi.

3ª JORNADA SEFF 2023

ANIMAL / HUMANO Folletín taurino

España-Italia-México 2023 90 min.
Dirección Alessandro Pugno Guion Natacha Kucic y Alessandro Pugno Fotografía Alberto D. Centeno Intérpretes Guillermo Bedward, Donovan Raham, Antonio Estrada, Juan Quiñones, Silvia Degrandi, Brontis Jorodowsky, Carlos Bernardino, Antonio Dechent Sección oficial. Estreno en el Festival de Mar del Plata 5 noviembre 2023

El director italiano Alessandro Pugno parece especialmente interesado en la cultura española, y así lo ha demostrado en documentales como A la sombra de la cruz, donde analizaba la repercusión en la España democrática y modernizada de un vestigio franquista como el Valle de los Caídos, y Jamón, a Story of Essence, sobre los ganaderos especializados en la crianza del cerdo. En su nueva película aborda la historia de un joven italiano que cree ver en la lidia del toro la posibilidad de una muerte digna y heroica, y se entrega en cuerpo y alma al aprendizaje del supuesto arte de la tauromaquia en un cortijo destinado a escuela próximo a Sevilla.

Con influencias notorias del estilo documentalista del autor, la cinta recorre en forma de capítulos algunas de las características que definen al ser humano y al animal, con el fin más de igualarlos que diferenciarlos, con lo que a la postre la empresa parece destinada a cuestionar un deporte, como lo consideran algunos, llamado a extinguirse tarde o temprano. Lástima que todo parezca demasiado respetuoso, como si no quisiera dañar ninguna sensibilidad, aunque en cierto punto cae en la tentación de mostrar cómo los toros son picados, lo que puede herir sentimientos que hasta entonces podrían quedar aliviados por el pudor del cineasta.

No quedan así suficientemente reflejadas las tesis de quien parece defender que ni los animales son tan cautivos ni la humanidad tan libre, por lo que todos los seres vivos somos finalmente iguales. Se deja ver, tiene una fotografía luminosa y colorista aunque encorsetada en esa moda de volver al formato cuadrado, no se sabe muy bien a veces con qué intención, pero en el fondo la cinta acaba resultando banal y maniquea incluso en sus atrevimientos simbólicos y metafóricos, como los picores del protagonista que sólo parecen aliviarse vistiendo de luces.

EL CIELO ROJO Sonrisas de un fuego de verano

Título original: Roter Himmel
Alemania 2023 102 min.
Guion y dirección Christian Petzold Fotografía Hans Fromm Intérpretes Thomas Schubert, Paula Beer, Langston Uibel, Enno Trebs, Matthias Brandt Selección EFA. Estreno en el Festival de Berlín 22 febrero 2023; en Alemania 20 abril 2023

Hay directores que tienen la suerte de cimentar su prestigio prácticamente sobre la nada, y es que nada o poco nos parecen las anteriores películas de Christian Petzold, centradas en mujeres de fuerte o especial carácter, Barbara, Phoenix y Ondina. Ahora es un joven el centro principal de atención de su nueva película, quizás la más ligera de cuantas ha dirigido hasta el momento.

Empezando por el lugar y la estación en que la ambienta, verano en la localidad costera de Ahrenshoop. Allí convergen cuatro, luego cinco, personajes que vivirán sus particulares relaciones con el amor, mientras uno de ellos se muestra siempre huraño y desconfiado ante la ligereza y despreocupación del resto. A Thomas Schubert le ha bastado poner cara de pocos amigos durante prácticamente todo el metraje del film para conseguir una nominación al mejor actor en los premios de la Academia del Cine Europeo.

Todo con la amenaza de un incendio forestal como telón de fondo y quién sabe si metáfora de no se sabe muy bien qué nos quiera contar el director. Hay quien la encuentra divertida, mientras otros simplemente la encontramos anodina, aunque no cabe duda de que su luz y el atractivo de sus protagonistas facilita su inútil visionado. A pesar de todo, consiguió el Gran Premio del Jurado en el Festival de Berlín, por lo que puede que nuestra apreciación no sea muy acertada.

EISMAYER Ya sólo nos falta el fútbol

Austria-Alemania 2022 87 min.
Guion y dirección David Wagner Fotografía Serafin Spitzer Música Lylit Intérpretes Gerhard Liebmann, Luka Dimic, Julia Koschitz, Anton Noori, Christopher Schärf, Karl Fischer Estreno en el Festival de Venecia 4 septiembre 2022; en Alemania 2 junio 2023; en España 9 junio 2023

Para su debut en la dirección, el joven austriaco David Wagner ahonda en esa intención loable de visibilizar la homosexualidad en todos los ámbitos, incluso los más machistas y tradicionalmente homófobos, como es en este caso el castrense. En ese ambiente, el de una academia militar, se desenvuelve un drama sencillo y arquetípico en el que nos resultan fácilmente identificables sus personajes y pormenores.

Un sargento de hierro, gritón y despiadado, que oculta a su familia heterosexual y su mundo profesional su condición, mientras acaba rendido a los encantos de un soldado de origen bosnio, atractivo, rebelde y descarado, paradigma de toda la libertad y la frescura de que adolece el duro protagonista. Si alguien cree que hemos hecho spoiler, que no se preocupe, se ve venir desde el minuto cero, sobre todo teniendo en cuenta que está basada en hechos reales. El resultado es evidente, bien realizado y narrado, bien interpretado a pesar de la escasez de matices de sus personajes y el trazo grueso con que están definidos, pero sin atisbo de singularidad, poca intriga y una emoción muy comedida.

Interesará más a militantes recalcitrantes que a quienes ya vamos pidiendo una mayor integración y dejar atrás problemas que en nuestro día a día están muy superados, aunque no quepa la menor duda de que todavía hay muchos resquicios para la incomprensión y la intolerancia. Al menos el retrato de superiores y compañeros resulta coherente con el ambiente actual en una Europa que tras mucho recorrido ha dejado prácticamente de dar importancia a un asunto al que ya solo le falta visibilizarse en el fútbol.

SIN NOVEDAD EN EL FRENTE Devastadora y descomunal

Título original: Im Westen nichts Neues
Alemania-USA 2022 147 min.
Dirección Edward Berger Guion Lesley Paterson, Ian Stokell y Edward Berger, según la novela de Erich Maria Remarque Fotografía James Friend Música Volker Bertelman Intérpretes Felix Hammerer, Albrecht Schuch, Aaron Hilmer, Moritz Klaus, Adrian Grünewald, Edin Hasanovic, Daniel Brühl, Thibault de Montelembert, Sebastian Hülk, Devid Striesow, Andreas Döhler Estreno en el Festival de Toronto 12 septiembre 2022; en Netflix 28 octubre 2022

Solo un año después de publicarse la novela Sin novedad en el frente, Lewis Milestone dirigió su adaptación cinematográfica, logrando un Oscar por su trabajo y otro por la producción de Carl Laemmle. Aquella legendaria película utilizaba todos los avances tecnológicos a su alcance para dar verosimilitud en imagen y sonido (incipiente por aquel entonces y sin embargo apabullante) al infierno en el que se sumergían los jóvenes protagonistas de esta proclama a la paz y ataque decidido y directo a las guerras. Intentaba además ceñirse a la letra y el espíritu de la novela, algo que también destacó en la segunda adaptación, esta vez para televisión en 1979.

Casi un siglo después de esa celebrada primera versión, por fin Alemania se atreve a hacer la suya propia, hablada como debe ser en su lengua original. Pero el director Edward Berger y su equipo de guionistas han preferido en esta ocasión salvar el espíritu del original sin ceñirse rigurosamente a su argumento. Se mantienen los personajes principales y la idea argumental, la historia de unos jóvenes ilusionados con participar en la guerra y servir a la patria, en plena transición a la madurez y con la decepción provocada por una tragedia de dimensiones colosales como consecuencia inmediata. En el camino narra acontecimientos en su mayoría muy diferentes a los del original e introduce la mano de los artífices de esa Primera Guerra Mundial, en cuya responsabilidad recayó la muerte de millones de jóvenes de uno y otro bando. Fue una guerra de trincheras y la película se hace eco de ello con todos los medios posibles, ofreciendo un espectáculo impresionante pero terriblemente duro y doloroso.

El antes y el después que supuso el desembarco en Normandía de la película Salvar al soldado Ryan de Spielberg, se reproduce aquí con toda su crudeza, trasladándonos al campo de batalla y haciendo nuestro el tremendo horror que aún hoy sufren quienes se enfrentan al lado más depredador y encarnizado del ser humano. Magníficamente fotografiada, con un montaje sobresaliente, un excelente sentido del drama y la tragedia y una música aterradora, nos preguntamos por qué se ha decidido estrenar en plataformas digitales y no en grandes pantallas, así como a qué se debe su ausencia en los premios europeos del cine, tratándose de la superproducción más ambiciosa del año en nuestro continente, y un film altamente recomendable por los efectos que pueda tener en la devastadora actualidad de un espécimen que tanto se resiste a aprender nada de nada. Cabe destacar en esta nueva versión el homenaje que su director hace al film de Milestone a través de algunas secuencias premeditadamente calcadas y del póster, que mira directamente al conmovedor final del film de 1930.

EL HOMBRE PERFECTO Falsa idealización de la felicidad

Título orignal: Ich bin dein Mensch
Alemania 2021 108 min.
Dirección Maria Schrader Guion Maria Schrader y Jan Schomburg, según una historia de Emma Braslavsky Fotografía Benedict Neuenfels Música Tobias Wagner Intérpretes Maren Eggert, Dan Stevens, Sandra Hüller, Hans Löw, Wolfgang Hübsch, Annika Meier, Falilou Seck, Jürgen Tarrach Estreno en el Festival de Berlín 12 junio 2021; en Alemania 1 julio 2021

Hace unos años la joven actriz y directora Maria Schrader nos presentaba una extraordinaria semblanza del gran escritor y filósofo austríaco Stefan Zweig. Bajando ahora el listón, Schrader parece no querer apearse sin embargo del material filosófico que lógicamente protagonizaba aquella cinta, y en clave de comedia romántica nos ofrece una fábula o fantasía sobre la fragilidad del ser humano como persona sensible, víctima de sus deseos, impulsos y sensaciones, la soledad y la idealización del amor romántico. Para ello nos sitúa en un futuro próximo o quizás una realidad distópica en la que una doctora especializada en arqueología ancestral recibe el encargo de evaluar un humanoide programado para seducir y amar, en definitiva para hacer feliz a la persona que lo posea.

Desde un principio la empresa se presenta atractiva, con una puesta en escena limpia y diáfana, una fotografía luminosa y un Berlín aséptico en el que destaca el Museo Pérgamo y su Puerta del Mercado de Mileto. Naturalmente con dicho punto argumental de partida no resulta difícil averiguar por dónde deambulará la trama, cuáles serán sus giros y su sentido global, lo que no impide que el conjunto se disfrute por su adecuado ritmo, su capacidad para generar contenidos relativamente poéticos, como ese encuentro entre el robot y los ciervos del bosque, metáfora del instinto invasivo y depredador del hombre, y sobre todo las interpretaciones de su pareja protagonista. Aunque Maren Eggert es quien se llevó el Oso de Plata en el Festival de Berlín, es quizás Dan Stevens, a quien hemos visto como galán fanfarrón en La bella y la bestia, y galán ambiguo y divertido en Festival de Eurovisión: La historia de Fire Saga, quien lleva a cabo el trabajo más depurado y conseguido, haciéndose cargo del papel más complicado. Tiene que limitar sus registros y encontrar el punto exacto para resultar atractivo y halagador, y a la vez dejar claro con gestos y movimientos que es una máquina.

Lo que no acaba de entenderse, pese a la amabilidad y la gracia del film, que le ha valido en su país varios premios, es que entre tanta y buena producción europea este año los Goya la hayan destacado en el apartado de mejor película europea, si bien es verdad que también se encuentra ya en la recta final de los Oscar como mejor película internacional. De momento en nuestro país solo se ha podido ver en la sección oficial del Festival de Valladolid, y aun no tiene fecha de estreno, pese a los Goya.

18º FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA 9ª JORNADA

BELFAST Los niños no quieren ir a Shangri-La

Reino Unido 2021 105 min.
Guion y dirección Kenneth Branagh Fotografía Hars Zambarloukos Música Van Morrison Intérpretes Jude Hill, Caitriona Balfe, Jamie Dornan, Judi Dench, Ciarán Hinds, Lewis McAskie Estreno en el Festival de Toronto 12 septiembre 2021; en España 7 enero 2022

Entregado a la causa del dólar y el encargo, con películas como Thor, Cenicienta, Jack Ryan o las nuevas adaptaciones de Agatha Christie, hacía tiempo que el Kenneth Branagh más personal de Shakespeare y otras citas cultas no asomaba la cabeza. Seguimos sin encontrar en su cine una huella propia e indeleble, pero no podemos negar que quizás Belfast sea su película más redonda, y desde luego la más sentimental. Sensiblera la encontrarán algunos, pero no cabe duda de que el director ha sabido con esta película semi autobiográfica cogerle el pulso a esos escasos diez años que tanto determinan nuestra vida, la infancia. Da igual dónde la vivas y en qué circunstancias, salvo que sean tan extremadamente penosas que la mayoría de quienes vivimos a este lado del mundo no podamos ni imaginarlas, que la infancia siempre es ese tesoro intocable de nuestra vida. Y queremos vivirla allí donde nos hemos acostumbrado a hacerlo, aunque se trate de Irlanda del Norte en los años más convulsos de su lucha entre religiones, que es igual que la lucha entre invasores e invadidos, la lucha de siempre en todo momento y todo lugar. En línea con aquella pequeña joya que John Boorman dirigió en 1987, Esperanza y gloria, Belfast es una declaración de amor al lugar en el que plantamos nuestras primeras raíces, y ni el Shangri-La imaginado por Frank Carpa en Horizontes perdidos puede sustituirlo. Por eso entendemos al personaje de Buddy, el conmovedor niño sobre el que recae el peso de la función y cuya mirada el director tan sabiamente traslada al espectador, pero no el de su madre, capaz de acariciar la idea de renunciar a la paz de sus seres queridos con tal de no abandonar el maldito lugar. Rodada en el mismo blanco y negro en el que sus protagonistas veían en la televisión los westerns de Fred Zinnemann y John Ford y La conquista del espacio, allá por 1969, pero con las ráfagas de color que tanto debieron impresionar al responsable de Mucho ruido y pocas nueces cuando iba al cine o al teatro, Belfast es ante todo una hermosa película, rodada con cariño, ilustrada por Van Morrison con nuevas y brillantes versiones de sus imperecederas canciones, escrita con sentido del humor y la emoción e interpretada con el mismo ánimo cariñoso y comprometido con el que su director la ha concebido y llevado a la pantalla.

LA PUERTA DE AL LADO Duelo artificioso

Título original: Nebenan
Alemania 2021 92 min.
Dirección Daniel Brühl Guion Daniel Kehlmann Fotografía Jens Harant Música Moritz Fredrich y Jakob Grunert Intérpretes Daniel Brühl, Peter Kurth, Rike Eckermann, Aenne Schwartz, Gode Benedix, Vicky Krieps Estreno en el Festival de Berlín 11 junio 2021; en Alemania 15 julo 2021; en España 19 noviembre 2021

Aunque se trata de un guion original, el debut en la dirección del actor Daniel Brühl (¡Goodbye, Lenin!, Rush) es claramente deudor de una obra teatral, pero además de la típica obra de autor joven con muchas ganas de epatar y las ideas no tan claras como pudiera parecer. Un actor famoso instalado en un piso de lujo en Berlín junto a la que parece su idílica familia, hace una parada en un bar antes de dirigirse al aeropuerto para volar a Londres, donde debe asistir a la que parece ser la audición de su vida. Pero en ese local tiene un encuentro en principio fortuito con un hombre que empieza pareciendo un crítico feroz y sin escrúpulos, algo que parece no importar al actor, con el que ya hemos empatizado por una aparente sencillez exhibida con disimulo de cualquier atisbo de altanería. A partir de ahí los secretos se irán sucediendo con enorme artificio, la antigua Alemania dividida en dos hará haciendo estragos, así como los procedimientos de la antigua Stasi para entrometerse en la vida de los otros, y los rencores y resentimientos de una Alemana contra la otra. Todo parece, porque todo son apariencias, una metáfora de los nuevos sistemas de espionaje que nos afectan a todos y todas aunque a la mayoría con menor estrago, precisamente por nuestra propia irrelevancia, pero ahí están los espías cibernéticos que con tan poca discreción gestionan nuestros gustos y aficiones. Todo con mucho artificio y un juego dialéctico deudor de esa obra maestra que es La huella de Mankiewicz, aunque como hay también otros personajes diremos que más bien se parece a La trampa de la muerte de Lumet. Alargada en su artificiosidad para alcanzar la duración estándar, nos quedaremos con sus esforzadas interpretaciones y el entusiasmo con el que el actor ha manejado todos los recursos a su alcance para dar forma a su ópera prima como director.

ABRÁZAME FUERTE Sonata en modo menor

Título original: Serre moi fort
Francia 2021 97 min.
Guion y dirección Mathieu Amalric, según la obra de Claudne Galea Fotografía Christophe Beaucarne Intérpretes Vicky Krieps, Arieh Worthalter, Anne-Sophie Bowen-Chatet, Sacha Ardilly, Juliette Benvenste, Auréle Grzesik Estreno en el Festival de Cannes 14 julio 2021; en Francia 8 septiembre 2021

El nuevo trabajo de Mathieu Amalric tras la cámara nos presenta a una mujer aparentemente frágil, trastornada como viene siendo habitual en este tipo de psicoanálisis al estilo burgués, y en permanente fuga. Ha dejado atrás marido, hijo e hija, la familia perfecta en la casa de campo perfecta y con el coche de colección perfecto. Pero ella está trastornada y Amalric nos lo hace ver a partir de varios encuentros desentonados con un padre de familia, el cliente de un bar o un músico integrante de una orquesta sinfónica. A partir de aquí la música clásica empieza a tener gran relevancia, su hija toca el piano y Martha Argerich se convierte en referente a imitar incluso en el aspecto estético. Sonatas, adagios y bagatelas resuenan tristes en la mente de esta mujer que vive en un puzle, que mezcla recuerdos, realidad e imaginación con la misma celeridad e intensidad con la que toda la amalgama se muestra ante nuestros oídos y nuestros ojos. Amalric muestra así el dolor y la angustia de una mujer a la que Vicky Krieps presta su esfuerzo dramático, una mujer que parece arrastrar una gran tragedia. El resultado es un film de una rara belleza, hasta cierto punto conmovedor, pero un poco híbrido de sentimientos en su resolución final.

LA PEOR PERSONA DEL MUNDO Elogio de lo irrelevante

Título original: Verdens verste menneske
Noruega 2021 121 min.
Dirección Joachim Trier Guion Eskil Vogt y Joachim Trier Fotografía Kasper Tuxen Música Ola Flottum Intérpretes Renate Reinsve, Anders Danielsen Lie, Herbert Nordrum, Maria Grazia di Meo, Hans Olav Brenner, Helene Bjorneby Estreno en el Festival de Cannes 9 julio 2021; en Noruega 15 octubre 2021; en España 11 marzo 2022

Habituados a ver a Joachim Trier y Eskil Vogt involucrados en thrillers (Oslo, 31 de agosto, Thelma), sorprende que presenten ahora toda una comedia romántica de esas que en su tercio final se convierte en drama muy señor mío. Su protagonista es una joven hermosa que no tiene claro lo que quiere en la vida, ni en el aspecto laboral ni en el sentimental. Pero eso es al principio, porque después sencillamente asistimos a las peripecias emocionales de esta chica, sin mayor trascendencia ni relevancia y con el único aliciente de transitar de nuevo esos ambientes cosmopolitas, sofisticados y aburguesados al que el cine de carácter presuntamente intelectual nos tiene acostumbrados y acostumbradas. La fórmula gusta y por lo tanto se explota, pero el truco se nos antoja ya un poco rancio, y adobarlo con un par de secuencias oníricas, una provocada por la pausa del tiempo y la otra por los efectos del consumo de narcóticos, no nos parece suficiente para sacar a flote una historia que no hace sino repetir clichés con el pretexto de querer decir algo sobre la autodeterminación de la mujer. Su protagonista, Renate Reinsve ha encontrado el vellocino de oro con esta película, y ya ha conseguido premio en Cannes y nominación a los premios europeos del cine, a pesar de que su interpretación se limita a su encanto personal y una serie de bonitas muecas. Una colección de buenas músicas, de Ravel a Christopher Cross pasando por Art Garfunkel y Billie Holiday, adorna la empresa. Poco para tanta expectación.

18º FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA 8ª JORNADA

VACA La mirada del desconcierto

Título original: Cow
Reino Unido 2021 94 min.
Dirección Andrea Arnold Fotografía Magda Kowalczyk Documental Estreno en el Festival de Cannes 8 julio 2021; en Reino Unido 14 enero 2022

Fiel a su cita con el festival sevillano, la directora británica Andrea Arnold presenta este año una propuesta original e insólita. Cuando hablamos de documentales de animales casi siempre nos referimos a los salvajes, libres, como únicos ejemplares capaces de llevar una existencia digna de ser conocida, con un anecdotario susceptible de generar nuestra sorpresa y admiración. Algo parecido suele suceder cuando de humanos se trata, que solo aquellos que viven experiencias extraordinarias provocan nuestra expectación, aunque la progresiva estulticia humana ha facilitado que cada vez sean más las voces vacuas e intranscendentes las que acaparen audiencias. Una película sobre una vaca, prácticamente su ciclo vital hasta que deja de ser útil o surge riesgo de desaparición dolorosa, ha suscitado sin embargo el interés de la realizadora de Fish Tank, American Honey y la enésima versión de Cumbres borrascosas. La operación podría calibrarse desde un doble punto de vista, o incluso más de uno. Por un lado está claro que asistimos a la denuncia de nuestra voracidad, esa legitimación humana de que todo le pertenece y sobre todo lo que hay en la naturaleza puede ejercer su jurisdicción absoluta. Cabe también la posibilidad de que la anodina vida de estos terneros y terneras destinadas al consumo humano refleje nuestra propia existencia, pues aunque dotados del libre albedrío, no cabe duda de que poca gente hace uso real del mismo y la mayoría optamos por seguir las directrices y caminos que nos han impuesto desde el control y la dominación de una élite. No cabe duda de que Arnold ha debido elegir entre muchísimas tomas, y en el montaje haber manipulado algo nuestra percepción, incluso perdiendo ella misma en más de una ocasión el discurso narrativo propuesto, entre tanta vaca y situación en la que los humanos apenas aparecen para intervenir en el día a día de unos pobres animales cuyo único respiro y cierta sensación de alivio consiste en pastar en ganado por las verdes praderas de las islas británicas. El resto es puro cautiverio con el único sonido ambiente de las canciones que ayudan a producir al máximo rendimiento.

MURINA Sirena cautiva

Croacia-Brasil-USA-Eslovenia 2021 92 min.
Dirección Antoneta Alamat Kusijanović Guion Antoneta Alamat Kusijanović y Frank Graziano Fotografía Hélène Louvart Música Evgueni y Sacha Galperine Intérpretes Gracija Filipović, Danica Čurčić, Leon Lučev, Cliff Curtis Estreno en el Festival de Cannes 10 julio 2021

De una cinematografía tan exótica como la croata nos llega una película con apoyo en la producción de Martin Scorsese, que tuvo la suerte de hacerse con la Cámara de Oro a la mejor ópera prima en Cannes, si bien no somos capaces de apreciar cuáles sean las virtudes para merecer tal distinción, más allá de tratarse de un film correcto y entretenido, con algún destello en valores. Se trata de un melodrama al uso con protagonista femenina y adolescente que vive asfixiada por la estructura patriarcal de su familia, un padre autoritario y déspota y una madre antigua reina de la belleza plegada a los designios del pater familias. La llegada de un antiguo amigo del padre, millonario y nacionalizado norteamericano, abrirá alguna esperanza o puerta de salida a esta joven que practica el submarinismo y ofrece una imagen distante y a la vez atrevida, segura y sobrada de personalidad. El camino hacia esa esperanza de libertad constituye la trama que su realizadora gestiona con habilidad y equilibrio, dosificando bien sus recursos e intenciones y logrando con ello un producto contenido y atractivo a pesar de no contar nada especialmente nuevo ni proponer soluciones novedosas aunque sí estimulantes al cautiverio que sufren todavía millones de mujeres en todo el mundo.

THE PAINTER Broma sobre la creación artística

Título original: Der Maler
Alemania 2021 94 min.
Dirección Oliver Hirschbiegel Guion Ben Becker y Albert Oehlen Fotografía Philip Bienmüller, Severin Barënbold, Dominik Frey, Timna Gibson, Alexander Kruse, John-Philip Kuhn y Michail Zeldin Música Gudrun Gut Intérpretes Ben Becker y la voz de Charlotte Rampling Estreno en el Festival de Sevilla 12 noviembre 2021

Muy reputado en circuitos artísticos, Albert Oehlen es conocido en Sevilla particularmente por su cartel para los festejos taurinos del año 2020 en la Real Maestranza. Por su parte, Oliver Hirshbiegel siempre será recordado por narrar los últimos días de Hitler en El hundimiento, protagonizada por Bruno Ganz. Ahora unen fuerzas para poner en pie una broma documental. Se trata de recrear la gestación de una obra con el sello de Oehlen pero con la particularidad de que al artista lo suplanta Ben Becker, un actor muy conocido en Alemania que sigue las directrices del pintor, aunque en lo personal muestra un carácter y una forma de ser entre excéntrico e histriónico, en las antípodas del pintor homenajeado. Tampoco el resultado pictórico está naturalmente a la altura de su obra, mientras el espectador es invitado a soportar el comportamiento insufrible del protagonista y no recibir siquiera una lección mínimamente útil sobre la creación artística. Para colmo la voz de Charlotte Rampling narra lo que parecen ser indicaciones expresas y concisas sobre la obra a desarrollar, aunque en realidad nos damos cuenta de que sus palabras apenas guardan relación con lo recreado e incluso llegan a despistar sobre su contenido. La sensación por lo tanto es de absoluta tomadura de pelo; quizás sea eso lo pretendido por sus artífices, al fin y al cabo se trata de arte moderno y esta farsa tiene mucho que ver con ello.

ONODA La guerra infinita

Título original: Onoda, 10.000 nuits dans la jungle
Francia-Japón 2021 165 min.
Dirección Arthur Harari Guion Arthur Harari y Vincent Poymiro Fotografía Tom Harari Música Sebastiano de Gennaro, Enrico Gabrielli, Olivier Marguerit, Andrea Poggio y Gak Sato Intérpretes Yüya Endo, Kanji Tsuda, Yüya Matsuura, Tetsuya Chiba, Shinsuke Kato Estreno en el Festival de Cannes 7 julio 2021; en Francia 21 julo 2021; en Japón 8 octubre 2021

Por una vez una película justifica su larga duración y nos hace sentir la propia dilatación del tiempo que sufren sus protagonistas. Se trata de una de esas historias que por mucho que estén basadas en la realidad resultan muy difíciles de creer. Solo el letargo al que están expuestos sus protagonistas puede traspasar la pantalla y convencernos de la odisea que sufren sus personajes. Ambientada a finales de la Segunda Guerra Mundial enfrente del Pacífico, y concretamente en Filipinas, Onoda es el relato escalofriante de una supervivencia larga, tempestuosa y complicada que tiene su origen en la tozudez humana, el sentimiento de la fidelidad y el honor, y la resistencia ante cualquier peligro proveniente de una trampa o del espíritu embaucador del enemigo. Bien planteada y mejor desarrollada, con detalles y matices que hacen el relato plausible y comprensible, la cinta del director francés Arthur Harari carece sin embargo de un tratamiento técnico  depurado, por mucho que su luminosa fotografía aproveche inteligentemente la luz natural y nos sumerja en un drama apoteósico y descomunal. El magnífico trabajo de sus dos protagonistas, sobre todo en edad madura, pone el resto para que el film se vea con interés y un sano escepticismo que acaba por convertirse en su principal baza.

18º FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA 6ª JORNADA

MEMORY BOX Los ochenta en el Líbano

Francia-Líbano-Canadá 2021 102 min.
Dirección Joana Hadjithomas y Khalil Joreige Guion Joanna Hadjithomas, Khalil Joreige y Gaëlle Macé Fotografía Josée Deshales Música Charbel Harber y Radwan Moumneh Intérpretes Rim Turki, Manal Issa, Paloma Vauthier, Clémence Sabbagh, Hassan Akil Estreno en el Festival de Berlín 11 junio 2021; en Francia 19 enero 2022

No cabe duda de que son muy buenas las intenciones que llevan a la pareja artística formada por Joana Hadjithomas y Khalil Joreige a filmar sus películas, casi siempre al servicio de rescatar la memoria perdida tras la cruenta Guerra del Líbano. En ese campo se sitúa también esta cinta inspirada en la correspondencia epistolar entre dos amigas que vivieron una aparentemente feliz juventud ochentera entre hits de la época (Blondie, Visage) para después sufrir la separación del exilio y el romance tortuoso de la protagonista entre bombas y ruinas. Esta pareja de artistas han forjado su celebridad a través del arte experimental, exponiendo en galerías y museos de todo el mundo, y esto se nota en el empaque de la película, que hace acopio de efectos narrativos y visuales que dan al conjunto cierta originalidad y belleza plástica, aunque sí es verdad que su protagonista debió gastar mucho dinero en carretes para hacer tantísimas fotografías como aparecen en la caja de la memoria del título. Caja que sirve a su hija para conocer a su madre, custodia durante mucho tiempo de secretos y misterios. Lástima que a pesar del esfuerzo y el sentimiento que a buen seguro habrán puesto sus artífices en la campaña, apenas traspase la pantalla y genere un mínimo de interés que provoque esa emoción que la historia sin duda alguna reclama. Queda así un bonito fresco sobre una época maldita en un país que apenas consigue emerger, por mucho que el reencuentro con la pandilla ochentera vislumbre una sofisticación y un estilo que exhibe más impostura y cliché importado del cine americano que otra cosa.

EL AMOR EN SU LUGAR Cultura en tiempos trágicos

Título original: Love Gets a Room

España-Reino Unido 2021 103 min.

Dirección Rodrigo Cortés Guion Rodrigo Cortés y David Safier, según la obra de Jerzy Jurandot Fotografía Rafael García Música Víctor Reyes Intérpretes Clara Rugaard, Ferdia Walsh-Peelo, Mark Ryder, Magnus Krepper, Freya Parks, Valentina Bellé, Jack Roth, Henry Goodman, Dalit Streett Tejeda Estreno en el Festival de Sevilla 10 noviembre 2021; en salas 3 diciembre 2021

Al director auriense Rodrigo Cortés le gusta el más difícil todavía. Sorprendió obligando a Ryan Reynolds a mantenerse dentro de un ataúd durante hora y media en Enterrado, y luego se atrevió nada más y nada menos que con Robert de Niro y Sigourney Weaver en Luces rojas. El amor en su lugar es una ambiciosa producción con intérpretes desconocidos y un trabajo de recreación extraordinario que pasa incluso por una excelente partitura de Víctor Reyes, que ya en otra película compleja, Grand Piano, se vio obligado a componer un improbable concierto con más partes orquestales que de solista para facilitar sus exigencias narrativas. El amor en su lugar es una comedia musical que se representó algunas semanas en 1942 en el gueto judío de Varsovia, en condiciones sumamente difíciles e incómodas. De la obra solo se pudo recuperar el texto de Jerzy Jurandot pero no su música, ahora compuesta en su integridad por Reyes siguiendo los códigos del género, la época y el lugar con total acierto. Sirve como pretexto para una historia de suspense y supervivencia. Mientras la compañía representa la pieza ante un público entusiasmado aunque aterido, entre bambalinas algunos planean fugarse del gueto mientras se preguntan por el amor, correspondido o no, como antídoto para el dolor insufrible infligido por las fuerzas de la Gestapo desplegadas en el lugar. Toda la película se convierte así en un tour de force en el que abundan los planos secuencia y se logran momentos de enorme intensidad dramática, además de ofrecer un estimable espectáculo musical y otra desgarradora crónica de la mayor crueldad imaginable perpetrada por el hombre contra el hombre.

TRES PISOS Tango de dolor y desconcierto

Título original: Tre piani
Italia-Francia 2021 120 min.
Dirección Nanni Moretti Guion Nanni Moretti, Federica Pontremoli y Valia Santelli, según la novela de Eshkol Nevo Fotografía Michele D’Attanasio Música Franco Piersanti Intérpretes Riccardo Scarmacio, Alba Rohrwacher, Nanni Moretti, Margherita Buy, Alessandro Sperduti, Stefano Dionisi, Adriano Gianini Estreno en el Festival de Cannes 12 julio 2021; en Italia 23 septiembre 2021; en España 10 diciembre 2021

Hace tiempo que Moretti anda obsesionado con las relaciones paterno filiales, siempre desde un punto de vista en el que prima el dolor y la decepción. Esta su última película podríamos considerarla el punto cumbre de esta corriente, con un puñado de personajes que habitan un mismo edificio romano, sufriendo distintas desavenencias provocadas por esas relaciones a menudo equivocadas o mal encauzadas. Hay en el conjunto, a partir de la novela en que se basa pero sin que Moretti haya limado asperezas, muchos puntos discutibles o inaceptables desde el punto de vista moral. Mujeres doblegadas, jóvenes cuya provocación justifica el mal comportamiento del macho, y muchas salidas de tono en un plantel en el que sin embargo abunda la contención y la elegancia. Una vez más nos encontramos en un ambiente burgués de pisos elegantes y buen gusto escolástico, que suele ser el más elegido para esconder miserias y tragedias. Pero el buen pulso y la habilidad del director hace que emocione y afecte, a lo que no es ajeno un reparto sumamente atractivo, especialmente la siempre espléndida Margherita Buy. El resultado general es un film tristísimo y doloroso, digno de reflexión y análisis a pesar de esos detalles que tan poco sirven al progreso educativo y sentimental de nuestra sociedad.

FABIAN. GOING TO THE DOGS Desquicie formal y temático

Título original: Fabian oder Der Gang vor die Hunde
Alemania-Austria 2021 176 min.
Dirección Dominik Graf Guion Dominik Graf y Constantin Lieb Fotografía Hanno Lentz Música Sven Rossenbach y Florian Van Volxem Intérpretes Tom Schilling, Saskia Rosendahl, Albrecht Schuch, Meret Becker, Michael Wittenborn, Petra Kalkutschke Estreno en el Festival de Berlín 10 junio 2021; en Alemania 5 agosto 2021

Los convulsos y libertinos años berlineses previos a la proclamación del nazismo sirven al controvertido director alemán Dominik Graf para hacer un film tan radical y desconcertante como el que nos ocupa. Ya sus tres horas de duración son una provocación, pero la enorme cantidad de recursos narrativos, su anárquica estructura, el concurso de tantos tics estéticos, desde la cámara agitada a los flashbacks súbitos, los mil y un detalles que no acertamos a entender si sirven o no a la historia, esa voz en off que acaba confundiendo más que aclarando, y el tono grotesco de casi toda la función, hacen que tardemos en enganchar, o incluso no llegar a hacerlo, y que por mucho que esperásemos un film académico pero lúcido sobre aquella fascinante ápoca y el escenario que la vivió, no podamos sino rendirnos al mérito de poner en pie un trabajo tan complejo y arriesgado y acabar incluso conmoviéndonos. No llega a ser cine experimental pero en cierto modo sí resulta bastante innovador, aunque muy difícil como para destinarlo al consumo mayoritario. Lo que en un principio no es sino una historia de amor y amistad con tres vértices, acaba convirtiéndose quizás en un producto indigesto al que sin embargo no podemos negarle el mérito de querer contar su historia de manera tan insólita y atrevida.

CRESCENDO La emoción de la convivencia y el trabajo juvenil en equipo

Alemania 2019 102 min.
Dirección Dror Zahavi Guion Dror Zahavi, Johannes Rotter, Stephen Glantz y Markus Rosenmüller Fotografía Gero Steffen Música Martin Stock Intérpretes Peter Simonischek, Sabrina Amali, Daniel Donskoy, Mehdi Meskar, Eyan Pinkovich, Bibiana Beglau, Hitham Omari Estreno en Alemania 16 enero 2020; en España 16 octubre 2020 

La falta de publicidad y la desidia de los exhibidores hacen que películas como ésta pasen absolutamente desapercibidas. Encima no cuentan tampoco con el favor de la crítica, que la despacha como si se tratara de uno de esos telefilms románticos alemanes que desde hace años ocupan la programación de sobremesa de fin de semana de la televisión pública. Y es una lástima porque independientemente de sus valores puramente cinematográficos, que a nuestro juicio los tiene aunque sea de forma discreta, lanza un mensaje en mayor medida positivo no solo en el ámbito de la eterna rivalidad entre judíos y palestinos sino especialmente respecto a esa otra juventud que no protagoniza telediarios por su falta de responsabilidad sino que lucha a diario por un futuro mejor, el suyo y el de los suyos, en este caso a través de la siempre revitalizante cultura, y más exactamente la música.

Siempre nos han interesado estos proyectos en los que jóvenes de diversa condición y cultura trabajan en equipo y buscan la superación personal y colectiva para entre todos y todas crear algo tan positivo y estimulante como es la música. El guion de esta cinta no peca precisamente de originalidad, pues quien más y quien menos en esta comunidad sabe que existe un proyecto consolidado desde hace ya décadas, auspiciado por la Junta de Andalucía y dirigido por Daniel Barenboim tras el fallecimiento prematuro de su otro artífice, el intelectual Edward Said, que se llama West-Eastern Divan y que ha llevado por todo el planeta la música interpretada por una orquesta de jóvenes israelíes y palestinos, a los que se han sumado otros andaluces y andaluzas. Es fácil reconocer en el argumento de esta amable película el referente de Barenboim, en esta ocasión un alemán de pasado familiar nazi que recibe el encargo de formar una orquesta de israelíes y palestinos para potenciar la conferencia de paz de la Organización de las Naciones Unidas. Al contrario que nos han informado del East-Western Divan a lo largo de los años, aquí surgen inmediatamente desavenencias y hostilidades entre ambos bloques, que serán relajados a través de la música y el trabajo en equipo, mientras unos y otras, incluido el propio prestigioso director, exorcizarán sus traumas y dolores. Pero al igual que en el proyecto de Barenboim, surgen también historias de amor entre personas de distintos bandos, que en esta ocasión da lugar a una tragedia anunciada desde el inicio que quizás sea su punto más endeble y fuerza una resolución amarga solo salvada en el último instante por un rayo de esperanza.

Sea como sea, disfrutar de la fuerza de un grupo de jóvenes luchando por su ilusión y futuro, en unas audiciones ejemplarmente recreadas, y su progresivo camino hacia la tolerancia y el trabajo en equipo bien vale emocionarse y dejarse arrastrar por esta pequeña película, muy bien interpretada por Peter Simonischek (Toni Erdmann, Sin olvido) y el joven y esforzado elenco juvenil. Imprescindible disfrutarla en versión original para apreciar los cambios idiomáticos y los acentos y vicios desplegados en el inglés de los árabes, todo lo cual se pierde en la acomodaticia versión doblada al castellano.

LA PROFESORA DE PIANO Control y frustración

Título original: Lara
Alemania 2019 98 min.
Dirección Jan Ole Gerster Guion Blaz Kutin Fotografía Frank Griebe Música Arash Safaian Intérpretes Corinna Harfouch, Tom Schilling, Volkmar Kleniert, André Jung, Gudrun Ritter, Rainer Bock, Barbara Philipp, Maria Dragus Estreno en el Festival de Karlovy Vary 30 junio 2019; en Alemania 7 noviembre 2019; en España 17 julio 2020

La capacidad del cine alemán para fagocitar géneros y estilos propios de otras cinematografías, ejemplificada en esos telefilmes tan deudores de la estética visual y emocional norteamericana, es parangonable a la nuestra para cambiar títulos a las películas y aportarles algunos tan poco agraciados y acertados como éste, cuyo original es simplemente Lara, el nombre de la protagonista, que no es exactamente profesora sino funcionaria jubilada. Pero como retrato de una frustración que es, Lara fue una vez promesa del piano, solo abortada por un profesor, este sí, extremadamente exigente. Con esa misma exigencia vuelca su frustración en su hijo, un joven inseguro y desbordado por la responsabilidad al que da vida Tom Schilling, uno de los actores alemanes con más proyección internacional de la actualidad, y protagonista también de la anterior película, y ópera prima, del director, Oh Boy, a su vez retrato también de una frustración, la de toda una generación perdida en un futuro incierto.

Esta crónica sobre una madre invasiva y controladora debe muchísimo a Michael Haneke e Isabelle Huppert, pero no solo porque ambos fueran los artífices de La pianista, con la que lógicamente guarda algún punto en común, sino porque el personaje de Corinna Harfouch debe mucho, hasta el abrigo rojo, a los que nos hemos acostumbrado a ver bajo la piel de la Huppert, y porque hay un universo malsano parecido al de Haneke en esta fábula sobre frustraciones y faltas de afecto, aunque no llegue tanta sangre al río como en las inquietantes películas del director austriaco. Repudiada por muchos y redimida por algunos, Lara llega a provocar en el público cierta empatía, convirtiéndose rápidamente en portadora de los logros de su hijo y soportando por ello el desprecio de familiares, amistades y colegas de trabajo.

Ello le vale la categoría de mujer incomprendida, si bien algunas de sus reacciones se tornan tan injustificadas que provocan nuestra desorientación, lo que cabe considerar como un logro del joven realizador, tan preocupado en causarnos cierto estupor como en ilustrar todo ese día en el que transcurre la acción con tanta pulcritud como frialdad formal y emocional. En este sentido cabe decir que aunque la cinta no pudiera existir sin Haneke ni Huppert, Gerster consigue demostrar que controla su estilo, su narrativa y su intención, logrando un film tan interesante como prometedor pudiera parecer sobre el papel. En el apartado musical destacan las aportaciones originales del compositor alemán de origen iraní Arash Safiani y las interpretaciones que de Bach, Chopin, Beethoven y Schumann hace la popular pianista alemana de origen japonés Alice Sara Ott.

SEFF 2019. EL MONSTRUO DE ST. PAULI Se puede oler a podrido

Título original: Der goldene Handschuh
Alemania-Francia 2019 115 min.
Guion y dirección Fatik Akin, según la novela de Heinz Strunk Fotografía Rainer Klausmann Intérpretes Jonas Dassler, Margarete Tiesel, Martina Eitner-Acheampong, Katja Studt, Adam Bousdoukos, Marc Hosemann, Greta Sophie Schmidt, Tristan Göbel Estreno en el Festival de Berlín 9 febrero 2019; en Alemania 21 febrero 2019; en el Festival de Sevilla 11 noviembre 2019

Heinz Struck noveló los terribles crímenes de Fritz Honka en la década de los setenta en Hamburgo. Honka vivía en el barrio rojo de la capital alemana y escondió los cuerpos descuartizados de sus víctimas en su apartamento. Su historia es adaptada ahora por el director de origen turco Fatih Akin en lo que constituye todo un giro radical e inesperado en su filmografía. Akin se dio a conocer a principios de siglo con películas como Contra la pared y Al otro lado, en las que analizaba problemas derivados de su condición de inmigrante en Alemania proveniente de un país de mayoría musulmana. Abandonó su conciencia de base en sus films posteriores, cultivando diversos géneros en películas como el musical Soul Kitchen, la generacional Goodbye Berlin, la épica en El padre o el thriller en En la sombra. Pero El monstruo de St. Pauli (El guante dorado en su título original, que es el mugriento y bizarro bar que frecuenta el protagonista) supone ese giro radical en su cine al que nos referíamos. Tomando quizás como inspiración el universo estético de Fassbinder, y regándolo todo con una impagable colección de canciones horteras de aquella Alemania plagada de inmigrantes, Akin nos ofrece una cinta absolutamente repugnante. Cuidadísima en dirección artística, maquillaje y vestuario, sus escenarios son tremendos, podridos y malolientes, y sus crímenes repugnantes hasta la náusea. Quizás todo ello una alegoría de aquella Alemania que purgaba sus crímenes de guerra y los traumas que había provocado en la población. Jonas Dassler, a quien hemos visto en películas como La revolución silenciosa y La sombra del pasado, compone con éxito un personaje siniestro, tullido y monstruoso tanto física como gestualmente, mientras el resto del elenco se esfuerza por recrear un ambiente humano tan terrible y nauseabundo como el resto del film, logrando así su objetivo y el interés de la mucha gente seguidora de estos extremos espectáculos de índole gore. Un muy satisfactorio regreso a aquel cine de descuartizadores en barrios de prostitutas.

CUATRO MANOS Las sádicas hermanas alemanas

Título original: Die Vierhändige
Alemania 2017 94 min.
Guion y dirección Oliver Kienle Fotografía Yoshi Heimrath Música Heiko Maile Intérpretes Frida-Louisa Hamann, Friedericke Becht, Christoph Letkowski, Agniezska Guzikowska, Detlef Bothe Estreno en Alemania 30 noviembre 2017; en España 13 septiembre 2019

Entre tanto terror de parque de atracciones y gran guiñol, se agradece una cinta como ésta, que explota el lado más siniestro, confuso y desorientado del alma y el cerebro humanos para generar auténticas situaciones de pesadilla. Lástima que este tipo de productos tan audaces e inspiradores sean de tan difícil acceso, estrenándose con dos años de retraso y en tan limitadas plazas, todo lo contrario que la dictadura de esos grandes blockbusters que nos obligan a consumir previo ataque mediático y comercial sin compasión.

 

El argumento es típico de joven debutante enamorado del género, con claras influencias en su guion de clásicos como Stevenson, posesiones diabólicas y thrillers psicológicos con firma De Palma. Aquí dos hermanas vivirán su particular via crucis tras sufrir una traumática experiencia de niñas y jurarse protección eterna, más allá de la vida y la muerte. Habrá quien quiera ver en su juego de espejos mucho artificio, trampa y engaño, pero lo cierto es que su realizador y argumentista se las ingenia para ofrecernos un producto malsano, bizarro e incómodo como solo es capaz el tópico del carácter duro alemán, cuyos giros argumentales y confusión de identidades no son sino un pretexto para generar una intriga en la que la combinación de la mano del realizador y las competentes interpretaciones, además de un evidente ingenio para convencer en su particular radiografía de la enfermedad mental, logran una experiencia inquietante.

 

Solo cabe hacerle un reproche, la laguna que existe entre el desgarrador principio y los veinte años que transcurren para arrancar la trama, espacio en el cual deben haber sucedido acontecimientos lógicos que maridan mal con el devenir del argumento. Por lo demás la cinta contiene suficientes dosis de sadismo, a veces rozando lo repulsivo, como para agradar a amantes del género y a quienes busquen un soplo de aire fresco entre tanto lugar común y propuesta más que trillada.

ESTE NIÑO NECESITA AIRE FRESCO Una infancia creativa ante la adversidad

Título original: Der Junge muss an die frische Luft
Alemania 2018 100 min.
Dirección Caroline Link Guion Ruth Toma, según el libro de Hape Kerkeling Fotografía Judith Kaufmann Música Niki Reiser Intérpretes Julius Weckauf, Luise Heyer, Ursula Werner, Hedi Kriegeskotte, Sönke Möhring, Joachim Król, Elena Uhlig, Birge Schade, Maren Kroymann, Rudolf Kowalski, Kathrin von Steinburg, Eva Verena Müller, Diana Amft Estreno en Alemania 25 diciembre 2018; en España 23 agosto 2019

Siempre sensible a la familia en un entorno especial, sobre todo cuando rueda en el continente africano (Un lugar en África, por la que logró el Oscar a la mejor película de habla no inglesa, y Destino Marrakech), Caroline Link vuelve a rodearse de mujeres delante y detrás de la pantalla para contarnos la singular infancia de uno de los cómicos más queridos y valorados en su país, Hape Kerkeling. Y aunque el personaje, que se interpreta a sí mismo en el conmovedor final, se revela un auténtico desconocido aquí y seguramente en el resto de países donde la cinta se puede ver, ello no impide disfrutar de su particular trayectoria, perfectamente identificable con muchos y muchas de nosotras o con gente que hayamos conocido en ese período mágico y tan imperecedero que parece toda otra vida dentro de la nuestra como es la infancia. Y eso que hace una década publicó un libro titulado Bueno, me largo, en el que relataba su particular experiencia en el Camino de Santiago, que acabó inundando la ruta de alemanes.

Un impagable y redondete Julius Weckauf se mete en la piel del humorista cuando contaba apenas ocho años, y de paso en nuestros corazones, para componer con la ayuda de un elenco impecable, una narrativa ágil y una dirección esmerada, esta historia de tolerancia ante la diferencia y de crecimiento personal, que transcurre a lo largo de apenas un par de años a principios de la década de los setenta del siglo pasado, cuando el país se encontraba dividido. Las claves de su éxito como mago de la risa la encontramos en una familia distendida, alegre y desprejuiciada, aunque sus miserias y carencias no escapan al espectador, mientras sí parecen hacerlo, gracias al talento del equipo de producción y dirección, a los ojos de un chaval empeñado en aliviar el dolor y la ausencia con una visión cómica y colorista de la vida y una enorme capacidad para contagiar de felicidad al prójimo, incluida una platea que se descubre perpleja ante una realidad dura y dolorosa que no escapa sin embargo de nuestra sonrisa.

Quizás a ello contribuya también la ambientación en una primeavera-verano eterna, como suele aparecer en los telefilms germanos de sobremesa a los que nos tiene acostumbrados la televisión pública, pero aquí con más sentido e intención. No es capricho, tratándose de una cinta donde la sensibilidad femenina tiene tanto peso, que sean las mujeres quienes más influencia ejerzan en este simpatiquísimo Manolito Gafotas alemán, ¿no es así acaso como se forjan las mentes creativas y artísticas más influyentes? Puede que el niño necesite aire fresco, pero la película tiene de sobra.

A LA VUELTA DE LA ESQUINA Romance acústico-sensorial

Título original: In den Gängen
Alemania 2018 125 min.
Dirección Thomas Stuber Guión Thomas Stuber y Clemens Meyer Fotografía Peter Matjasko Intérpretes Franz Rogowski, Sandra Hüller, Peter Kurth, Henning Peker, Matthias Brenner, Ramona Kunze-Libnow Estreno en el Festival de Berlín 27 febrero 2018; en Alemania 24 mayo 2018; en España 12 abril 2019

Galardonada con la Espiga de Plata en el Festival de Valladolid, la cinta cuenta una original historia de amor imposible entre las paredes de un supermercado, microcosmos en el que desarrollan sus grises vidas un puñado de trabajadores y trabajadoras que no parecen tener otro horizonte que el de servir en sus correspondientes puestos. Una metáfora del mundo en el que vivimos, fuertemente capitalista, sometido a los dictados de la producción y la necesidad irrevocable de obtener ingresos para sobrevivir y poder seguir dando servicio a una sociedad diseñada por unos poderes fácticos que controlan nuestra existencia.

En ese desolador marco el director Thomas Stuber recurre el sonido, la música y el mar principalmente, para evocar estados del alma. Especialmente notorio es el sonido de este último, evocador de un paraíso, el que se le ha negado a la clase trabajadora, quizás echando mano de una licencia dramática extremista, domesticada para la resignación (en este sentido el paso por el reformatorio del protagonista es muy elocuente).

Franz Rogowski realiza una sorprendente caracterización del orden del autismo emocional, en las antípodas de su personaje de hijo salvaje y desquiciado de Isabelle Huppert en Happy End de Haneke, que le ha valido el reconocimiento como mejor actor en los premios del cine alemán. Mientras Sandra Hüller (Toni Erdmann) le da la réplica romántica, única posibilidad al parecer de huir a ese paraíso tan lejano y tan extraño a las asépticas y ordenadas paredes del supermercado, cúspide de la sociedad capitalista a la que también se ha rendido una Alemania una vez fragmentada por defender unos ideales utópicos. No recomendable sin embargo para alérgicos a la narrativa lenta y silenciosa.