BLITZ Dickens in black and war

Reino Unido-USA 2024 120 min.
Guion y dirección Steve McQueen Fotografía Yorick Le Saux Música Hans Zimmer Intérpretes Saoirse Ronan, Elliott Heffernan, Paul Weller, Benjamin Cl´mentine, Harris Dickinson, Stephen Graham, Kathy Burke, Leigh Gill Estreno en Reino Unido y Estados Unidos 1 noviembre 2024; en España (Apple TV+) 22 noviembre 2024

Tras seis años sin dirigir largometrajes para el cine (Hunger, Shame, Doce años de esclavitud, Viudas), dedicándose al documental y la televisión, con trabajos tan sobresalientes como los cinco episodios que integran la serie Small Axe, Steve McQueen estrena en plataformas digitales este ambicioso proyecto que relata, siempre desde el punto de vista de la marginación racial y social, el asedio aéreo que sufrió Londres durante la Segunda Guerra Mundial. Se trata de un episodio poco tratado en el cine, y que McQueen recrea con  preciosismo.

Tratándose de la odisea de un niño negro por regresar junto a su madre cuando es enviado, como tantos otros niños, a un lugar apartado y seguro, durante lo que se llamó The Blitz, campaña de bombardeos en el Reino Unido, parece que al director le interese dar al conjunto un tratamiento de fábula, donde sin escatimar el peligro, el dolor y la crueldad de cuanto acontece, su academicista puesta en escena, donde los juegos de sombras no pueden eclipsar el luminoso y colorista aspecto que luce gran parte de una cinta en la que hasta los clubs nocturnos son recreados con todo lujo de detalle, alivie parte de su luctuoso argumento. En su papel de madre, Saorise Ronan (el niño es mulato) exhibe un trabajo contenido y lúcido, mientras se rodea de gente como Paul Weller, histórico integrante de grupos como The Jam o The Style Council, Harris Dickinson (El triángulo de la tristeza) y el niño Elliott Heffernan, que en su periplo vive incluso episodios que parecen sacados del imaginario dickensiano.

El conjunto funciona y entretiene, pero no emociona de forma conveniente, aunque deja el poso suficiente para hacernos reflexionar sobre si quizás la historia se repite, y donde hoy sufren ucranianos y palestinos, antes lo hicieron otros y volveremos algún día hacerlo nosotros, dentro de un sistema y un planeta que no tiene remedio. La música de Zimmer, asistido por el también compositor Nicholas Britell y las alegres recreaciones de canciones de la época, ilustran de manera adecuada el impecable acabado de este académico film.

18º FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA 8ª JORNADA

VACA La mirada del desconcierto

Título original: Cow
Reino Unido 2021 94 min.
Dirección Andrea Arnold Fotografía Magda Kowalczyk Documental Estreno en el Festival de Cannes 8 julio 2021; en Reino Unido 14 enero 2022

Fiel a su cita con el festival sevillano, la directora británica Andrea Arnold presenta este año una propuesta original e insólita. Cuando hablamos de documentales de animales casi siempre nos referimos a los salvajes, libres, como únicos ejemplares capaces de llevar una existencia digna de ser conocida, con un anecdotario susceptible de generar nuestra sorpresa y admiración. Algo parecido suele suceder cuando de humanos se trata, que solo aquellos que viven experiencias extraordinarias provocan nuestra expectación, aunque la progresiva estulticia humana ha facilitado que cada vez sean más las voces vacuas e intranscendentes las que acaparen audiencias. Una película sobre una vaca, prácticamente su ciclo vital hasta que deja de ser útil o surge riesgo de desaparición dolorosa, ha suscitado sin embargo el interés de la realizadora de Fish Tank, American Honey y la enésima versión de Cumbres borrascosas. La operación podría calibrarse desde un doble punto de vista, o incluso más de uno. Por un lado está claro que asistimos a la denuncia de nuestra voracidad, esa legitimación humana de que todo le pertenece y sobre todo lo que hay en la naturaleza puede ejercer su jurisdicción absoluta. Cabe también la posibilidad de que la anodina vida de estos terneros y terneras destinadas al consumo humano refleje nuestra propia existencia, pues aunque dotados del libre albedrío, no cabe duda de que poca gente hace uso real del mismo y la mayoría optamos por seguir las directrices y caminos que nos han impuesto desde el control y la dominación de una élite. No cabe duda de que Arnold ha debido elegir entre muchísimas tomas, y en el montaje haber manipulado algo nuestra percepción, incluso perdiendo ella misma en más de una ocasión el discurso narrativo propuesto, entre tanta vaca y situación en la que los humanos apenas aparecen para intervenir en el día a día de unos pobres animales cuyo único respiro y cierta sensación de alivio consiste en pastar en ganado por las verdes praderas de las islas británicas. El resto es puro cautiverio con el único sonido ambiente de las canciones que ayudan a producir al máximo rendimiento.

MURINA Sirena cautiva

Croacia-Brasil-USA-Eslovenia 2021 92 min.
Dirección Antoneta Alamat Kusijanović Guion Antoneta Alamat Kusijanović y Frank Graziano Fotografía Hélène Louvart Música Evgueni y Sacha Galperine Intérpretes Gracija Filipović, Danica Čurčić, Leon Lučev, Cliff Curtis Estreno en el Festival de Cannes 10 julio 2021

De una cinematografía tan exótica como la croata nos llega una película con apoyo en la producción de Martin Scorsese, que tuvo la suerte de hacerse con la Cámara de Oro a la mejor ópera prima en Cannes, si bien no somos capaces de apreciar cuáles sean las virtudes para merecer tal distinción, más allá de tratarse de un film correcto y entretenido, con algún destello en valores. Se trata de un melodrama al uso con protagonista femenina y adolescente que vive asfixiada por la estructura patriarcal de su familia, un padre autoritario y déspota y una madre antigua reina de la belleza plegada a los designios del pater familias. La llegada de un antiguo amigo del padre, millonario y nacionalizado norteamericano, abrirá alguna esperanza o puerta de salida a esta joven que practica el submarinismo y ofrece una imagen distante y a la vez atrevida, segura y sobrada de personalidad. El camino hacia esa esperanza de libertad constituye la trama que su realizadora gestiona con habilidad y equilibrio, dosificando bien sus recursos e intenciones y logrando con ello un producto contenido y atractivo a pesar de no contar nada especialmente nuevo ni proponer soluciones novedosas aunque sí estimulantes al cautiverio que sufren todavía millones de mujeres en todo el mundo.

THE PAINTER Broma sobre la creación artística

Título original: Der Maler
Alemania 2021 94 min.
Dirección Oliver Hirschbiegel Guion Ben Becker y Albert Oehlen Fotografía Philip Bienmüller, Severin Barënbold, Dominik Frey, Timna Gibson, Alexander Kruse, John-Philip Kuhn y Michail Zeldin Música Gudrun Gut Intérpretes Ben Becker y la voz de Charlotte Rampling Estreno en el Festival de Sevilla 12 noviembre 2021

Muy reputado en circuitos artísticos, Albert Oehlen es conocido en Sevilla particularmente por su cartel para los festejos taurinos del año 2020 en la Real Maestranza. Por su parte, Oliver Hirshbiegel siempre será recordado por narrar los últimos días de Hitler en El hundimiento, protagonizada por Bruno Ganz. Ahora unen fuerzas para poner en pie una broma documental. Se trata de recrear la gestación de una obra con el sello de Oehlen pero con la particularidad de que al artista lo suplanta Ben Becker, un actor muy conocido en Alemania que sigue las directrices del pintor, aunque en lo personal muestra un carácter y una forma de ser entre excéntrico e histriónico, en las antípodas del pintor homenajeado. Tampoco el resultado pictórico está naturalmente a la altura de su obra, mientras el espectador es invitado a soportar el comportamiento insufrible del protagonista y no recibir siquiera una lección mínimamente útil sobre la creación artística. Para colmo la voz de Charlotte Rampling narra lo que parecen ser indicaciones expresas y concisas sobre la obra a desarrollar, aunque en realidad nos damos cuenta de que sus palabras apenas guardan relación con lo recreado e incluso llegan a despistar sobre su contenido. La sensación por lo tanto es de absoluta tomadura de pelo; quizás sea eso lo pretendido por sus artífices, al fin y al cabo se trata de arte moderno y esta farsa tiene mucho que ver con ello.

ONODA La guerra infinita

Título original: Onoda, 10.000 nuits dans la jungle
Francia-Japón 2021 165 min.
Dirección Arthur Harari Guion Arthur Harari y Vincent Poymiro Fotografía Tom Harari Música Sebastiano de Gennaro, Enrico Gabrielli, Olivier Marguerit, Andrea Poggio y Gak Sato Intérpretes Yüya Endo, Kanji Tsuda, Yüya Matsuura, Tetsuya Chiba, Shinsuke Kato Estreno en el Festival de Cannes 7 julio 2021; en Francia 21 julo 2021; en Japón 8 octubre 2021

Por una vez una película justifica su larga duración y nos hace sentir la propia dilatación del tiempo que sufren sus protagonistas. Se trata de una de esas historias que por mucho que estén basadas en la realidad resultan muy difíciles de creer. Solo el letargo al que están expuestos sus protagonistas puede traspasar la pantalla y convencernos de la odisea que sufren sus personajes. Ambientada a finales de la Segunda Guerra Mundial enfrente del Pacífico, y concretamente en Filipinas, Onoda es el relato escalofriante de una supervivencia larga, tempestuosa y complicada que tiene su origen en la tozudez humana, el sentimiento de la fidelidad y el honor, y la resistencia ante cualquier peligro proveniente de una trampa o del espíritu embaucador del enemigo. Bien planteada y mejor desarrollada, con detalles y matices que hacen el relato plausible y comprensible, la cinta del director francés Arthur Harari carece sin embargo de un tratamiento técnico  depurado, por mucho que su luminosa fotografía aproveche inteligentemente la luz natural y nos sumerja en un drama apoteósico y descomunal. El magnífico trabajo de sus dos protagonistas, sobre todo en edad madura, pone el resto para que el film se vea con interés y un sano escepticismo que acaba por convertirse en su principal baza.

JOJO RABBIT Una sucesión algo descontrolada de ocurrencias

USA-Nueva Zelanda-República Checa 2019 108 min.
Guion y dirección Taila Waititi, según la novela “Caging Skies” de Christine Leunens Fotografía Nihai Malaimare jr. Música Michael Giacchino Intérpretes Roman Griffin Davis, Scarlett Johansson, Thomasin McKenzie, Taika Waititi, Sam Rockwell, Rebel Wilson, Alfie Allen, Stephen Merchant, Archie Yates Estreno en el Festival de Toronto 8 septiembre 2019; en Nueva Zelanda 24 octubre 2019; en Estados Unidos 8 noviembre 2019; en España 17 enero 2020

Tiene mérito haberse estrenado hace dos meses y colarse en los Globos de Oro, los Bafta y los Oscars, tras conseguir el Premio del Público en el Festival de Toronto, donde tuvo su puesta de largo hace cuatro. Y sin embargo nosotros no se lo vemos, por muy avalado que esté su director, el neozelandés de nombre maorí Taika Waititi, que hace cinco años logró que su película, dirigida junto a Jemaine Clement, Lo que hacemos en las sombras, se convirtiera en cinta de culto y diera paso incluso a una serie de televisión, además de abrirle las puertas de Hollywood para encargarse de la dirección de la hortera Thor: Ragnarok.

Como un híbrido se nos antoja esta película que combina comedia y drama sin acierto, mal hilvanado y desde luego poco o nada emocionante. Algo de Moonrise Kingdom y el particular, y para muchos irritante, universo de Wes Anderson, un poco de El gran dictador, Ser o no ser y Los productores, aunque sin el talento de Chaplin o Lubitsch ni la gracia y socarronería de Mel Brooks, y otro poquito de El diario de Ana Frank, da como resultado una cinta que entretiene sin trascender ni dejar huella, a pesar de los graves temas que trata y que deberían servir no solo para exorcizar fantasmas del pasado que siempre vuelven a acechar, sino para limpiar conciencias desorientadas en un mundo siempre en peligro de ver cómo sus derechos y libertades sufren recortes y deterioro. Waititi se toma muy a la ligera la fuente original, una novela en la que un niño adoctrinado en las Juventudes Hitlerianas toma conciencia de la barbarie cuando conoce a la niña judía que su madre activista de la liberación alemana refugia en su casa, mientras entabla inconsistentes conversaciones con un amigo imaginario en forma de Hitler al que da vida sin mucha gracia el propio director.

Sin embargo la sensación general es la de acumulación descontrolada de ocurrencias, algunas más graciosas que otras, demasiado complaciente con el enemigo y con una mal planteada atmósfera de ingenuidad en la que solo brillan las intervenciones de los niños Roman Griffin Davis, protagonista de la función, y Archie Yates. Entre las ocurrencias aplaudimos la inclusión en su banda sonora de versiones en alemán de I Wanna Hold Your Hand de The Beatles y Heroes de David Bowie.