PROYECTO SALVACIÓN Una misión muy convencional

Título original: Project Hail Mary
USA 2026 156 min.
Dirección Phil Lord y Christopher Miller Guion Drew Goddard, según la novela de Andy Weir Fotografía Greig Fraser Música Daniel Pemberton Intérpretes Ryan Gosling, Sandra Hüller, Lionel Boyce, Len Leung, Milana Vayntrub, James Ortiz Estreno en Estados Unidos 20 marzo 2026; en España 27 marzo 2026

No discutiremos que esta película de ciencia ficción pueda convertirse en un clásico del género, pero sinceramente no hemos visto en nuestra opinión motivos suficientes para serlo. Es cierto que en su realización confluyen talentos considerables del cine y la literatura. Se basa en una novela de éxito escrita por Andy Weir, quien hace algunos años fue también el origen de la reconocida película de Ridley Scott Marte (The Martian). Además, ambas han contado con la adaptación de Drew Goddard, que también triunfó con sus guiones para Monstruoso y Guerra Munidal Z, además de dirigir y escribir La cabaña en el bosque y Malos tiempos en El Royale. Quienes dirigen este Proyecto Salvación cosecharon su particular éxito con las comedias de acción Infiltrados en clase e Infiltrados en la universidad, así como con las películas de animación Lluvia de albóndigas y La LEGO película, y fueron los creadores de las versiones animadas de Spider-Man en el multiverso.

Unos currículos nada desdeñables que Ryan Gosling ha aprovechado para producir e interpretar esta cinta en la que es protagonista absoluto. Su título original, Proyecto Ave María, se refiere al término con el que se denomina en el fútbol americano la última oportunidad de ganar, una jugada a la desesperada. Así se llama la nave en la que Gosling, Grace en la ficción, como científico convertido en astronauta involuntario e improvisado, tiene que salvar a la humanidad cuando se detecta que el Sol está perdiendo fuerza por la irrupción de unas partículas malignas. Lejos de tratarse de un nuevo film sobre apocalipsis y ultimátum, la película se posiciona más bien como un viaje estético y sideral con altas dosis de imaginación visual y una buena dosis de humor, todo mezclado con tanta pericia que pareciera obra de la inteligencia artificial.

Pero sobre todo se trata de una nueva crónica de amistad y cooperación entre seres de mundos diversos, como antaño lo fueran cintas como Enemigo mío o E.T. El extraterrestre. Por el camino se incurre en tópicos del género, como dotar de sentimientos y comportamientos humanamente reconocibles al alienígena Rocky, así llamado por su apsecto de cangrejo rocoso, al que da voz y carisma el marionetista James Ortiz, a pesar de tener un aspecto muy distinto al terrícola. Su largo metraje contradice la urgencia con la que se resuelven escollos, pasando por alto cualquier atisbo de rigor científico. Mientras tanto, la trama acaba resultando bastante banal e incluso infantil, sobre todo al exigir al público tanta credibilidad frente a altas dosis de convencionalismo, teniendo además en cuenta que todo ocurre en época más o menos contemporánea. Gosling logra dominar este one man show espacial, ayudado por la ecléctica y extremadamente creativa banda sonora de Daniel Pemberton.

LA FIERA Libertad frente a responsabilidad

España 2026 113 min.
Dirección Salvador Calvo Guion Alejandro Hernández Fotografía Ángel Iguácel Música Roque Baños Intérpretes Carlos Cuevas, Miguel Bernardeau, Miguel Ángel Silvestre, Candela González, Stéphanie Magnin, José Manuel Poga, David Marcé, Nüll García, Ana Gracia, Carles Francino, Paloma Boyd Estreno 6 febrero 2026

Desde que dejó su exitosa carrera en televisión para dedicarse casi por entero al cine, Salvador Calvo parece haberse obsesionado con la supervivencia. Pero frente a la adversidad involuntaria que representaba la guerra en 1898. Los últimos de Filipinas, la hambruna africana en Adú o la fuerza de los elementos y el ataque de bandidos en Valle de sombras, en La fiera la supervivencia es voluntaria y va de la mano paradójicamente de la pasión por vivir. Centrada en la historia real de cuatro apasionados de los deportes extremos que descubrieron el poder adrenalítico que conllevaba el vuelo libre o salto de proximity, gracias a unos trajes aerodinámicos que permiten volar como un pájaro y aterrizar con un paracaídas, esta película ofrece gran espectáculo, una experiencia casi inmersiva, una comunión mística con la naturaleza y una carga emocional centrada fundamentalmente en el factor humano. Porque es ahí, en la definición de los personajes y la dirección de los actores y actrices donde reside el mayor poder emocional de una película que insufla pasión por la vida y a la vez miedo y respeto por el riesgo a perderla.

Carlos Cuevas como Carlos Suárez, Miguel Bernardeau como Armando del Rey, Miguel Ángel Silvestre como Darío Barrio, José Manuel Poga como Manolo Chana y el añadido de David Marcé como Álvaro Bultó, personifican a la perfección ese perfil de adicción al peligro, con ese componente emocional de vivir al máximo el que podría ser el último momento de sus vidas. Para Cuevas supone el espaldarazo definitivo que llevaba tanto tiempo esperando desde que lo descubriéramos en Merlí, mientras el resto cumple con buena nota su cometido, incluidas las dos protagonistas femeninas, que no quedan reducidas al cliché de parejas sufrientes, sino que comparten junto a sus compañeros esa pasión por el riesgo y la supervivencia que les hacen partícipes de más de una de sus peripecias.

Personajes todos y todas fuertes y contundentes que complementan un visionado que consigue aunar espectáculo y tensión, con escenas magníficamente rodadas que consiguen que por tercera semana consecutiva nos congraciemos con un cine español sin complejos que sea capaz de llevar a tan buen puerto géneros tan del gusto del público mayoritario, tras Ídolos, centrada en las competiciones de motos, y Aída y vuelta, pura comedia desternillante. Un ritmo trepidante en las escenas de acción, potenciado por la enérgica banda sonora de Roque Baños y un montaje acertado que no recurre a la cámara espasmódica ni la extrema brevedad secuencial, complementan el satisfactorio resultado final. 

JURASSIC WORLD: EL RENACER La isla de los dinofreaks

Título original: Jurassic World Rebirth
USA 2025 135 min.
Dirección Gareth Edwards Guion David Koepp Fotografía John Mathieson Música Alexandre Desplat Intérpretes Scarlett Johansson, Mahershala Ali, Jonathan Bailey, Rupert Friend, Manuel García-Rulfo, Luna Blaise, David Iacono, Audrina Miranda, Philippine Velge, Bechir Sylvain, Ed Skrein Estreno en Estados Unidos y España 2 julio 2025

Es verdad que en verano se relajan las neuronas, y eso hace más fácil digerir productos como éste, destinado a alargar una saga bastante agotada, pero que dotado de los recursos y los talentos suficientes logra su cometido, que no es sino entretener y hacer pasar un rato tan bueno como malo, en el sentido de sufrir con las mil y una aventuras y peligros a las que se somete a su nutrido elenco. De nuevo con Spielberg en la producción, y contando con David Koepp, responsable de los dos únicos títulos dirigidos por el propio Spielberg, como guionista de este tercer lanzamiento de la saga, la cinta logra momentos inspirados y espectaculares, siempre desde una tónica que ya ni sorprende ni resulta especialmente creativa. Esta, vaticinamos, primera entrega de un tercer ciclo, tras el protagonizado por la pareja Chris Pratt y Bryce Dallas Howard, arranca varios años después de que en la endeble Dominion los dinosaurios convivieran con los humanos incluso en ciudades. Aquello ni funcionó como tampoco parece lo hizo la mutación genética de algunos de ellos con fines científicos y terapéuticos. Seres mutantes que, confinados en una isla misteriosa de prohibido acceso, se convertirán en la pesadilla de dos grupos de seres humanos bien diferenciados, unos turistas y los otros mercenarios al servicio de una poderosa farmacéutica.

Pura aventura adrenalítica salpicada de humor y de continuos mensajes humanistas, desde el respeto y la admiración a la diferencia y a la población hispana residente en Estados Unidos, hasta los inevitables y necesarios mensajes ecológicos, la llamada de atención a la ambición de las grandes corporaciones, y la reivindicación de la ciencia al servicio de todos los seres humanos, independientemente de su condición. Todo muy válido dentro de un espectáculo impecable, aunque con contados disparates como el hecho de que la navegación de un mastodonte marino apenas levante el inevitable oleaje que zarandee la oportuna embarcación en peligro. Y tras la cámara alguien que ya trabajó para recrear los vaivenes del monstruo en el que se basan fundamentalmente los que abundan en esta sétima entrega del parque cinetemático, Godzilla, con resultados entonces muy por debajo de lo esperable. Mejor ahora, logrando junto a otra secuela, o mejor dicho spin-off, Rogue One, su trabajo más sobresaliente, con perdón del aplaudido debut con Monsters, una cinta humilde sobre invasiones extraterrestres. Así, donde Godzilla y semejantes nacen del apocalipsis atómico, los dinosaurios mutantes de esta película lo hacen de la alteración medioambiental del ser humano sobre la sufrida naturaleza.

Una hábil aunque trillada combinación de mensajes y aventuras que se agradece también como ejercicio nostálgico de aquellas películas de acción y misterio en tierras inhóspitas y desconocidas. Sólo el arranque ya merece la pena, con el castigo merecido de quien arroja el envoltorio de una chocolatina al suelo, a ver si así aprende una mayoría desaprensiva que hace caso omiso a las advertencias medioambientales. En el apartado estrictamente musical, Edwards echa mano de su colaborador en Godzilla, Alexandre Desplat, que se aparta así de su estilo personal para acometer otro más acorde a este tipo de superproducciones, más cercano al sonido mainstream impuesto por la industria hollywoodiense, eso sí, con citas frecuentes a los temas que John Williams compuso para los dos primeros títulos de la saga.

CÓMO ENTRENAR A TU DRAGÓN Aventuras al servicio de la inteligencia

Título original: How to Train Your Dragon
USA 2025 125 min.
Guion y dirección Dean DeBlois, según el libro de Cressida Cowell Fotografía Bill Pope Música John Powell Intérpretes Mason Thames, Gerard Butler, Nico Parker, Nick Frost, Julian Dennison, Gabriel Howell, Bronwyn James, Harry Trevaldwyn Estreno en España 12 junio 2025; en Estados Unidos 13 junio 2025

Los remakes se producen para hacer caja, pero es cierto que algunos son muy útiles. Volver a acercarse al universo que Dreamworks creó a partir del libro de Cressida Cowell, siempre merece la pena. Es como volver a ver una y otra vez una misma película a la que le tenemos mucho afecto, y descubrir siempre o casi siempre cosas nuevas, con el añadido de que en esta ocasión la traslación de dibujos animados digitales a imagen real, hasta donde la infografía lo permite, genera unas texturas y una atmósfera diferentes a la del original. Dean DeBlois apenas se ha empeñado en uno o dos títulos desde que comenzara su carrera como director en 2002, precisamente con Lilo & Stitch junto a Chris Sanders, que también ha conocido este año su versión en imagen real. Por un lado este producto de la Disney y por otro la trilogía de Cómo entrenar a tu dragón, que ahora se completa con esta primera versión con personajes de carne y hueso. Producir Robot salvaje completa su concentrada carrera.

Hace quince años, Cómo entrenar tu dragón saltaba a la pantalla con sus vistosos paisajes, su contagiosa alegría y su fecunda vitalidad. Pero sobre todo llamaba la atención su inteligente mensaje, ideal para llegar a los públicos más jóvenes y receptivos. Hablaba de la diferencia, del miedo y la ignorancia, y de cómo combatirlo desde el entendimiento, o lo que es lo mismo la educación, procurando convivencia, respeto y comprensión en lugar de violencia y combate. Un mensaje si acaso hoy tan útil y necesario como nunca, cuando la tan deseada convivencia se ha sustituido definitivamente por la aniquilación de los pueblos vecinos, considerados rivales.

La nueva versión de esta historia de entendimiento y amistad entre el joven Hipo y el furia nocturna Desdentao, mantiene esa línea didáctica aumentando su metraje, lo que se soluciona con más escenas de acción a las que de nuevo pone un electrizante soporte musical John Powell, mirando a los grandes clásicos de aventuras del Hollywood clásico. El resultado es un film disfrutable como lo fue su precedente, vistoso y espectacular, con mucho sentido del ritmo y esa considerable dosis de pasión que provoca el sano entusiasmo que caracterizó la cinta del 2010.

SIRAT. TRANCE EN EL DESIERTO Una propuesta radical, lejos de lo normativo

Título original: Sirât
España-Francia 2025 114 min.
Dirección Oliver Laxe Guion Oliver Laxe y Santiago Fillol Fotografía Mauro Herce Música Kangding Ray Intérpretes Sergi López, Bruno Núñez Arjona, Jade Oukid, Richard “Bigui” Bellamy, Stefania Gadda, Tonin Javier, Joshua Liam Henderson Estreno en el Festival de Cannes 15 mayo 2025; en salas 6 junio 2025

Por mucho que quede por estrenar este año, pocas películas lograrán hacerle sombra a la que es sin duda la propuesta más radical y sorprendente de la temporada, justamente premiada en Cannes con el premio del jurado, aunque creemos que merece más. En su tercer largometraje de ficción, el joven director español nacido en París Oliver Laxe demuestra su carrera ascendente y se afianza como cineasta muy a tener en cuenta a partir de ahora, por si O que arde no hubiera demostrado suficientemente su talento y capacidad para transmitir emociones y sensaciones al espectador. Ahí radica precisamente el principal interés de una cinta que resulta tan demoledora, en conectar con el público, perfectamente cómplice, como si lo viviéramos, de lo que sobre el papel no parece más que una película de aventuras por el desierto protagonizada por un grupo de ravers en busca de emociones fuertes y rituales dancísticos con el respeto al prójimo como consigna inquebrantable.

Aunque sea Sergi López, en la que seguro es la mejor interpretación de una carrera llena de buenos personajes muy bien defendidos, quien aparezca como protagonista de la función, es su hija, que nunca aparece en pantalla, la verdadera protagonista, en cuanto son sus andanzas y decisiones las que provocan la sucesión de experiencias, algunas indigeribles para una sensibilidad delicada, en las que se estructura su cuidada narrativa. El resto del elenco se interpreta a sí mismo, en su primera experiencia cinematográfica, mientras la excelente banda sonora electrónica del especialista francés en dance de vanguardia David Letellier, alias Kangding Ray, pone el tono y el ritmo imprescindible a una cinta en la que la danza propicia secuencias de una belleza extraordinaria, sabiamente encuadradas y oportunamente colocadas a lo largo de un metraje que, aunque entretiene de cabo a rabo, puede llegar a ser insoportable por sus radicales emociones de trágicas consecuencias.

Laxe vuelve al desierto que exploró en su primera ficción, Mimosas, esta vez como escenario de escape y pérdida, mientras de fondo se adivina una situación internacional apocalíptica ya sin esperanza alguna. Esa atmósfera se deja ver también en sus referencias domésticas a la saga Mad Max, siempre desde el realismo y la búsqueda de nuestra complicidad más humana, de la misma forma que su tribu de gente tan lejos de lo normativo, nos retrotrae a esos Freaks que uno de los personajesluce en su camiseta. Referencias cinéfilas que dan paso a una obra íntegramente original y diferente, radical, atrevida y arriesgada, a la vez estremecedora y, en definitiva, sensacional. Y a pesar de todo, hermosa.

ESTOCOLMO 1520. EL REY TIRANO Guerreras, coronas y malvados

Título original: Stockholm Bloodbath
Suecia-Dinamarca 2023 145 min.
Dirección Mikael Hafström Guion Nora Landsrod y Erlend Loe Fotografía Pär M. Ekberg Música Steffen Thum Intérpretes Sophie Cookson, Claes Bang, Alba August, Emily Beecham, Mikkel Boe Folsgaard, Jakob Oftebro, Ulrich Thomsen, Thomas Chaanhing, Wilf Scolding, Adam Pálsson, Kate Ashfield Estreno en Suecia y Dinamarca 18 enero 2024; en España 16 mayo 2025

Mikael Hafström alterna sus películas suecas con las estadounidenses. Antes de realizar esta película, su producción más ambiciosa hasta el momento, trabajó con Clive Owen y Jennifer Aniston en Sin control, con John Cusack en 1408 y Shanghai, con Anthony Hopkins en El rito y con Stallone y Schwarzenegger en Plan de escape. Sorprende las malas críticas que ha cosechado este fresco histórico sui generis, realizado a la manera de Guy Ritchie pero con más gracia y mucho más desparpajo. Es como si nos enseñaran Historia de forma muy amena y divertida. Ya desde el principio, con unos rótulos que evidencian su voluntad rompedora y contemporánea, se avisa que la mayoría de lo narrado es real, luego cabe introducir personajes y licencias variadas, como el hecho de que sus protagonistas sean mujeres aguerridas, fuertes y decididas, ya sean las dos hermanas que buscan venganza, o la reina que lucha por su país, a quien presta físico una divertida y sarcástica Emily Beecham, presente también en la siguiente película de Hafström, de nuevo en Hollywood, Destino: Titán.

Rodada en inglés, con intérpretes británicos y daneses en su mayoría, la película narra en dos horas y media (reducida a dos en su estreno español) el sangriento episodio protagonizado por el Rey Cristián el Tirano de Dinamarca en el asedio a la capital sueca en su afán de reunificar los países escandinavos. Un episodio que el director sueco convierte en una enérgica y movidita cinta de acción y aventuras con un toque de comedia, imprescindible para que toda la violencia y la sangre derramada resulte menos perturbadora y más digerible. También hay hueco para los momentos de tensión tratados con sentido del drama y la intriga.

Una puesta en escena suntuosa, estupendos efectos visuales, una esmerada banda sonora y un elenco a la altura de la precisión que exhibe el conjunto, logran que la cinta se disfrute a un nivel al menos superficial. Si embargo, cabe también hacerle una lectura política, sobre cómo la historia nos hace olvidar antiguas rencillas, cómo las religiones nacieron para controlarnos y se siguen justificando guerras y atrocidades en nombre de un supuesto Dios, el que sea. También sobre cómo el ansia de poder, la ambición desmedida y el deseo de ocupar territorios sigue siendo hoy, seiscientos años después, una motivación frecuente para quienes desprecian la Historia y la humanidad y el planeta en general.

GLADIATOR II Hace sólo dos mil años

USA-Reino Unido 2024 148 min.
Dirección Ridley Scott Guion David Scarpa y Peter Craig, a partir de los personajes creados por David Franzoni Fotografía John Mathieson Música Harry Gregson-Williams Intérpretes Paul Mescal, Denzel Washington, Connie Nielse, Pedro Pascal, Joseph Quinn, Fred Hechinger, Lior Raz, Derek Jacobi, Peter Mensah, Matt Lucas, Yuval Gonen, Tim McInnerny Estreno en España y Reino Unido 15 noviembre 2024; en Estados Unidos 22 noviembre 2024

Tras el fiasco descomunal que supuso hace justo un año Napoleón, Ridley Scott resucita en tiempo real uno de sus mayores éxitos, Gladiator. En tiempo real porque prácticamente es el mismo el que ha pasado entre la película protagonizada por Russell Crowe y esta secuela, y el transcurrido entre la muerte de Maximus y el regreso de su sucesor a Roma que se narra en esta segunda parte. La apuesta por las nuevas tecnologías es evidente veinte años después, y el nervio y ritmo insuflado a esta nueva aventura, patente. Pero lo que más sorprende es su capacidad para fabular sobre la actualidad, de forma que demuestra que en dos mil años apenas hemos sido capaces de progresar como humanidad, y que hoy comportamientos tan deleznables como los de Trump, encumbrado en las urnas, ya se producían cuando Roma estaba regida por los emperadores Geta y Caracalla, lo que en el mejor de los casos podría vaticinarse como el fin de otro imperio y el advenimiento de uno nuevo.

En este contexto, Paul Mescal presta un físico adecuado pero una presencia menos arrolladora que la de su precedente, a un film que repite estructura pero desarrolla una historia más original que la de su ilustre predecesora, tan deudora de La caída del Imperio Romano de Anthony Mann. Denzel Washington se erige en esta ocasión como auténtico protagonista y roba escenas, dando vida a un ambicioso y maligno cazatalentos que utiliza su gran adquisición, el Lucio al que incorpora Mescal, como vía de ascenso a la cúspide del poder. Junto a ellos Connie Nielsen repite con dignidad y Pedro Pascal aporta el honor que merece toda epopeya con un gesto triste y decepcionado que nos remite al Petronio de Quo Vadis. Mención especial merecen los jóvenes Joseph Quinn y Fred Hechinger recreando con todos los tics necesarios a los dos dementes que rigen el imperio, precedentes indiscutibles de los muchos frikis que nos ha ido regalando la Historia y que hoy confluyen en individuos como Putin, Trump, Miley, Le Pen, Alvise o Netanyahu.

En definitiva, este es el gran regreso del péplum en todo su esplendor, épica sin reservas y espectacular sin paliativos, pero sin renunciar a esa crítica política y social que nos sirve de advertencia de lo que nos puede venir más pronto de lo imaginable. Y todo ello bajo una atmósfera de inquietud y desasosiego que baña una cinta en la que se suceden prodigiosas secuencias de acción como la recreación de batallas navales en el circo romano, o la terrible invasión de la secuencia de arranque, aunque también hay que lamentar otras tan innecesarias y ridículas como la lucha con primates de dudosa credibilidad. Harry Gregson-Williams, uno de los innumerables pupilos de Hans Zimmer, se encarga de ilustrar el espectáculo con una seria y entregada banda sonora, mientras nada se descuida en el fabuloso aspecto estético y formal de esta entretenida película.

SEFF 21 (2O24) ALPHA. Nieve que quema

Países Bajos (Holanda)-Suiza-Eslovenia 2024 100 min.
Guion y dirección Jan-Willem van Ewijk Fotografía Douwe Hennink Música Ella van der Woude Intérpretes Reinout Scholten van Aschat, Gijs Scholten van Aschat, Pia Amofa-Antwi, Julien Genoud, Daria Fuchs, Pia Nikolic Estreno en el Festival de Venecia 4 septiembre 2024

Padre e hijo en la vida real, Gijs y Rein Scholten conservan también sus nombres en esta película en la que enfrentan sus caracteres y egos a través de una lucha por dominar y controlar una situación que para el segundo se convierte en insostenible. El director Jan-Willem van Ewijk ambienta esta guerra entre machos alfa en los Alpes suizos, coincidiendo así el drama familiar con la aventura por la supervivencia en un espacio tan hostil como suele serlo en las contadas películas que se han servido de la nieve para crear su particular escalada de tensión, desde The Eiger Sanction (Licencia para matar) a Máximo riesgo pasando por Everest o la más reciente La sociedad de la nieve. Cuenta con magníficos paisajes, bellamente fotografiados e ilustrados con una inquietante banda sonora, y un trabajo a nivel técnico impecable y complejo. Sus intérpretes se adaptan eficientemente a la trama, que logra interesar en su justa medida y demuestra que hasta las pasiones más encendidas pueden surgir en un ambiente tan frío; parafraseando a Karel Reisz, Nieve que quema.

EL CONDE DE MONTECRISTO Un espectáculo suntuoso, elíptico y entretenido

Título original: Le comte de Monte-Cristo
Francia-Bélgica 2024 178 min.
Guion y dirección Matthieu Delaporte y Alexandre de La Patellière, según la novela de Alexandre Dumas Fotografía Nicolas Bolduc Música Jérôme Rebotier Intérpretes Pierre Niney, Bastien Bouillon, Anaïs Demoustier, Anamaria Vartolomei, Laurent Lafitte, Pierfrancesco Favino, Patrick Mille, Vassili Schneider, Julien De Saint Jean, Julie De Bona, Adèle Simphal, Stéphane Varupenne, Marie Narbonne, Bruno Raffaelli Estreno en el Festival de Cannes 22 mayo 2024; en Francia 28 junio 2024; en España 9 agosto 2024

El éxito de crítica, y de público al menos en su país de origen, de Los tres mosqueteros, ha propiciado que sus guionistas den el salto a la dirección con esta también adaptación de Alejandro Dumas. A pesar de su popularidad, El conde de Montecristo apenas ha disfrutado de adaptaciones cinematográficas destacables. Las más notables datan de 1934, protagonizada por Robert Donat y dirigida por Rowland V. Lee, que un año después realizaría su particular versión de Los tres mosqueteros, 1953 y una producción argentina con Jorge Mistral de protagonista, y 1961 con Louis Jourdan, a las que ahora se suma esta versión algo más dilatada y definitiva de la novela. Más suerte ha tenido en la televisión, donde ha conocido multitud de adaptaciones, muchas de ellas hispanoamericanas, como la que protagonizó Pepe Martín para el espacio Novela de Televisión Española a finales de los sesenta. Pero sin duda la versión más conocida es la que protagonizó también para la televisión Richard Chamberlain en 1975. Justo ahora, el director danés Bille August (Pelle el conquistador, La casa de los espíritus) está a punto de estrenar otra serie, protagonizada por Sam Claflin y Jeremy Irons como el abate Faria.

La densa trama urdida por Dumas en torno a la justicia y la venganza, y de cómo éstas se solapan cuando se nos escapan de las manos, exige una narrativa muy precisa, plagada de detalles y personajes, muy difícil de simplificar sin sacrificar parte de su convicción y credibilidad. La de Delaporte y La Petelliére es generosa en duración, tres horas que tienen el mérito de no resultar pesadas, disfrutarse del tirón como un efectivo entretenimiento, pero acusa la desventaja de abusar de la elipsis. Un trabajo quizás más peliagudo y conciso a la hora de respetar episodios y abandonar otros, podría haber redundado en una mayor plausibilidad de los acontecimientos, a los que se han añadido cuestiones de difícil digestión como es la, por otro lado, imprescindible caracterización del personaje titular.

Aún así, la esencia sigue ahí, por mucho que podamos apreciar cierto desequilibrio entre el drama, la aventura y la fantasía, ingredientes irrenunciables de la novela que quizás con un poco más de humor y ligereza hubieran podido generar un producto más cerca de la convicción que de la convención. Con todo, cabe admirar su suntuosa puesta en escena y maravillosa fotografía, obra de los mismos responsables del díptico que el año pasado se dedicó a Los tres mosqueteros. También merece destacarse el meritorio trabajo del elenco protagonista, con especial mención a los más jóvenes y a un Pierfrancesco Favino oculto tras las barbas y la mugre de Faria. Cabe aplaudir también que siga los episodios escritos por Dumas sin apenas invenciones, más que un par de detalles introducidos precisamente para aliviar esas impertinentes elipsis aludidas. Todo ello da como resultado una propuesta que se disfruta con interés y hasta entusiasmo, un entretenimiento eficaz y muy hermoso.

LOS TRES MOSQUETEROS: D'ARTAGNAN y MILADY Drama, intriga y aventura a muy buen nivel

Título original: Les trois mousketaires: D'Artagnan et Milady
Francia-Alemania-España-Bélgica 2023 121 y 115 min.
Dirección Martin Bourboulon Guion Matthieu Delaporte y Alexandre de La Patellière, según la novela de Alexandre Dumas Fotografía Nicolas Bolduc Música Guillaume Roussel Intérpretes François Civil, Vincent Cassel, Romain Duris, Pio Mamaï, Eva Green, Vicky Krieps, Louis Garrel, Lyna Khoudri, Jacob Fortune-Lloyd, Eric Ruf, Marc Barbe, Patrick Mille, Julien Frison, Camille Rutherford, Alexis Michalik, Ivan Franek, Ralph Amousson, Gabriel Almaer, Thibault Vinçon Estreno en Francia 5 abril 2023 (D'Artagnan) y 13 diciembre 2023 (Milady); en España 12 abril 2023 (D'Artagnan) y 26 enero 2024 (Milady)

Cuando está a punto de estrenarse en el cine la última adaptación cinematográfica de El conde de Montecristo, recuperamos este díptico estrenado a mediados de 2023 y principios del año en curso. Se trata de la versión definitiva de la novela de Dumas en manos del país que la vio nacer, bajo la dirección del responsable de la comedia Mamá o papá y el espectacular biopic de Eiffel, Martin Bourboulon. Quienes firman el guion se han encargado ahora de la dirección de este nuevo Conde de Montecristo, mientras el resto del equipo técnico y artístico repite muchos de los nombres que participaron en esta nueva versión de las andanzas de los famosos cuatro mosqueteros. Bourboulon y sus guionistas prescinden del tono cómico con el que abordaron la pieza las más famosas adaptaciones hasta la fecha, la de George Sidney en 1948 y la de Richard Lester en 1974, éste echando mano también del formato en dos partes, aunque luego añadiera una tercera postiza una década después. Podríamos incluir también en este grupo de adaptaciones jocosas la que Stephen Herek realizó en 1993 a remolque del éxito del Robin Hood de Kevin Costner.

Bourboulon, Delaporte y de La Patellière han optado sin embargo por un tono más sombrío y más dramático, sin renunciar por ello al factor aventura al más alto nivel, pero profundizando en la psicología de los personajes, especialmente D’Artagnan, Athos y Milady de Winter, una espléndida Eva Green aprovechada al máximo en toda su extensión de mujer intrigante, misteriosa y fascinante. Como D'Artagnan, el joven músico y actor François Civil se revela por su parte como competente galán y nuevo valor del cine galo, mientras Vincent Cassel compone un Athos atormentado y resignado ante su destino en defensa de la patria.

Alrededor de estos personajes fluye un plantel de primeras figuras del cine francés que encajan a la perfección en sus distintos roles, destacando una vulnerable Vicky Krieps y un confuso e indeciso Louis Garrel como reyes de Francia. La intriga, la traición y la muerte están perfectamente definidas en un conjunto que se disfruta fácilmente, condimentado con una puesta en escena suntuosa y elegante que mira decidiamente al cine actual de gran espectáculo, evidente incluso en su banda sonora, sin renunciar a una manera clásica de hacer cine, cuidando narración y ritmo pero sin grandes subrayados ni momentos de impacto exagerado e insufrible. Destacan las luchas espléndidamente coreografiadas y desarrolladas, mientras el director maneja todos los lujos puestos a su alcance con profesionalidad y pulcritud, habilidad e ingenio, hasta lograr un producto más que digno, seguramente una adaptación fiel y seria del excelente material de partida. Todo eso hace presagiar un satisfactorio Conde de Montecristo, por mucho que sus tres horas de duración se nos hagan a priori cuesta arriba.

ARTHUR Noble instinto animal

Título original: Arthur the King
USA-Canadá 2024 106 min.
Dirección Simon Cellan Jones Guion Michael Brandt, según el libro de Mikael Lindnord Fotografía Jacques Jouffret Música Kevin Matley Intérpretes Mark Wahlberg, Nathalie Emmanuel, Simu Liu, Juliet Rylance, Ali Suliman, Paul Guilfoyle, Michael Landes, Rob Collins, Bear Grylls Estreno en estados Unidos 15 marzo 2024; en España 31 mayo 2024

Para quienes todavía desconfíen de la inteligencia y la razón de los animales, y aun defiendan barbaridades como la fiesta de los toros argumentando que se trata de arte y tradición, abrazando así el conservadurismo y despreciando el progreso, hay películas como ésta que basándose en una increíble historia real, ponen de relieve la nobleza del instinto animal. Hace unos dos años padecí, mientras recorría en bicicleta un espacio natural junto al Guadalquivir, el ataque de una manada de perros rabiosos. Me vi perdido a merced de las fauces de estos caninos cuando de repente aparecieron al trote unos caballos que ahuyentaron a los perros y me permitieron proseguir mi camino. Estoy convencido de que vinieron a salvarme, de la misma forma que lo hace el perro protagonista de esta entrañable película de aventuras en un momento específico de la película.

Activo desde finales de los ochenta, Simon Cellan Jones apenas ha dirigido algún largometraje, el más notable Some Voices con un jovencísimo Daniel Craig. Ha desarrollado su carrera fundamentalmente en la televisión, con joyas como Years and Years, estrenada apenas iniciada la pandemia que profetizaba y dirigida junto a Lisa Mulcahy, de quien hace unos meses veíamos en cine El legado. Él es el encargado de poner orden en esta amable película que combina aventuras de riesgo en parajes irrepetibles con un melodrama sobre la obcecación de un deportista por limpiar la mancha sufrida en una anterior competición. La nacionalidad sueca del protagonista real es sustituida por la nortemaericana, mientras la competición de atletismo de aventura se desenvuelve por las selvas de interior de la República Dominicana, en lugar del Ecuador original. La presencia en el elenco del especialista en este deporte Bear Grylls interpretándose a sí mismo, parece dotar de una mayor consistencia al conjunto.

Se da la circunstancia de que director y protagonista, un atlético Mark Wahlberg que luce todavía juventud a sus cincuenta años, han coincidido también este mismo año en la producción para AppleTV+ Plan en familia, con resultados en este caso según parece menos estimulantes. La trama de Arthur es sencilla y predecible, pretexto para recrearse en paisajes extraordinarios, con algún momento extremo de aventura y buenas dosis de edulcorante para potenciar el valor de ese noble instinto animal sobre el que al fin y al cabo gira esta modesta y bonita película.

VALLE DE SOMBRAS En tierra hostil

España 2023 120 min.
Dirección Salvador Calvo Guion Alejandro Hernández Fotografía Álex Catalán Música Roque Baños Intérpretes Miguel Herrán, Alexandra Masangkay, Susana Abaitua, Iván Renedo, Stanzin Gonbo, Morup Namgyal Estreno 12 enero 2024

Tras la decepcionante Los últimos de Filipinas y la más aseada Adú, Salvador Calvo vuelve a confiar en Alejandro Hernández, guionista habitual de Martín Cuenca y las últimas empresas de Amenábar, para contarnos una historia de supervivencia y superación del dolor que más bien parece un pretexto para rodar en condiciones muy duras en pleno Himalaya y salir airosos.

Tras un arranque prometedor y sinceramente desgarrador, la cinta se debate entre ser un manual espiritual o un thriller intenso, sin conseguir atrapar en ninguno de estos cometidos. Por el contrario no son pocas las veces que la trama se bloquea y no avanza, con episodios considerablemente previsibles y unas pesquisas harto convencionales sobre la tragedia que sufre su protagonista, un Miguel Herrán que se entrega en cuerpo y alma para darle vida.

Se trata sin duda de una producción ambiciosa, con un equipo técnico y artístico de primer orden dando lo máximo de sí, incluida una magnífica fotografía apoyada en suntuosos paisajes y la siempre eficaz música de Roque Baños, para todo lo cual se ha contado con la inestimable ayuda de un equipo local indio tan habituado a manejar presupuestos holgados cuando de hacer cine se trata. Pero Calvo no logra mantener la intriga ni la intensidad de lo que narra, y tampoco Hernández acierta con un libreto que atrape lo suficiente y satisfaga nuestro interés por resolver los asuntos criminales y espirituales que la cinta propone.

INDIANA JONES Y EL DIAL DEL DESTINO La fuerza de las matemáticas

Título original: Indiana Jones and the Dial of Destiny
USA 2023 154 min.
Dirección James Mangold Guion Jez Butterworth, John-Henry Butterworth, David Koepp y James Mangold, según los personajes creados por George Lucas y Philip Kaufman Fotografía Phedon Papamichael Música John Williams Intérpretes Harrison Ford, Phoebe Waller-Bridge, Mads Mikkelsen, Antonio Banderas, Ethann Isidore, Boyd Holbrook, Shaunette Renée Wilson, Thomas Kretschmann, Toby Jones, Olivier Richter, John Rhys-Davies, Karen Allen Estreno en el Festival de Cannes 18 mayo 2023; en España 28 junio 2023; en Estados Unidos 30 junio 2023

Esta quinta entrega sobrevenida y hasta cierto punto inesperada de las aventuras del más famoso arqueólogo cinematográfico, es fruto evidentemente de la ambición disneyana, que desde que fagocitó empresas como Marvel o Lucasfilm no ha parado de sacar rédito a su operación comercial, estirando éxitos y banalizando sagas, igual que ha hecho ininterrumpidamente durante todo lo que llevamos de siglo con sus propios éxitos animados. Podría ser otro producto coyuntural y palomitero al más puro estilo de las películas de súper héroes, y sin embargo sus responsables han conseguido un producto con dignidad. No arranca sin embargo precisamente bien, echando mano de tanta creación digital, fundamentalmente para rejuvenecer al protagonista y situar el prólogo en su sempiterna lucha contra los nazis expoliadores en los estertores de la Segunda Guerra Mundial, y de paso rejuvenecer también a su contrincante, a quien da vida el actor danés Mads Mikkelsen, que pierde credibilidad y esa naturalidad que caracterizaba a la trilogía original, donde lo real era más palpable y los efectos visuales de Industrial, Light & Magic más creativos y sorprendentes. Se ha impuesto la infografía y la recreación virtual en menosprecio de la pura y latente realidad.

Superado ese prólogo poco halagüeño, surge la magia de nuevo cuando a finales de la década de los sesenta del pasado siglo, un anciano Indiana se alía con su ahijada, a quien da vida Phoebe Waller-Bridge (Han Solo), hermana de la compositora Isobel Waller-Bridge (Emma.) y a quien se agradece no representar los cánones de belleza actual, para recuperar un extraordinario artefacto inventado por el matemático Arquímedes más de dos mil años atrás (el mcguffin perfecto), con el que siguiendo fórmulas meramente matemáticas se puede dominar el tiempo y realizar viajes a través de él. Quizás en este punto la trama, que denota una vez más la pasión por el conocimiento y la ciencia que despliega el universo creado por Lucas y Philip Kaufman hace cuarenta años, se antoje cogida por alfileres, pero provoca un sinfín de secuencias más o menos memorables, con la persecución a caballo en pleno desfile neoyorquino con los héroes del primer alunizaje, y la sorprendente y emocionante batalla de Siracusa entre ellas, que son recibidas con cierto entusiasmo y una considerable dosis de nostalgia.

Curtido en todo tipo de géneros, el melodrama en Inocencia interrumpida, el terror en Identidad, el biopic musical en En la cuerda floja, el western en El tren de las 3:10, la acción en las calles sevillanas de Noche y día, las carreras automovilísticas en Le Mans’66 y los súper héroes en Lobezno inmortal y Logan, James Mangold se empeña a fondo en esta película, insuflándole la humanidad de la que carecen tantos productos similares actuales, y siguiendo a rajatabla las pautas spielberianas aunque sin prescindir de las suyas propias ni apoderarse de las señas de identidad del otrora llamado Rey Midas de Hollywood. Gran parte de esa humanidad se centra en Indy, con un trabajo inmenso de Harrison Ford y un tratamiento de respeto máximo y carácter inequívocamente nostálgico del personaje, que se trasluce en algunas líneas de diálogo ya imprescindibles para amantes de la saga, y un recorrido sentimental que nos lleva de la mano a quienes pudimos ver su primera entrega en pantalla grande, con algunas referencias a los títulos anteriores o recuperando incluso el personaje de Sallah, interpretado por John Rhys-Davies, a quien pudimos ver en El arca perdida y La última cruzada, así como el idilio conmovedor y épico entre el explorador y su siempre amada Marion.

A todo ello pone de nuevo banda sonora el inimitable John Williams, echando mano sobre todo de mucho oficio pero también de una inspiración notable, algo insólito para quien ya sobrepasa los noventa años, y regalándonos, quién sabe si como testamento, un precioso tema dedicado al personaje que interpreta Waller-Bridge, que en el disco aparece también bajo la interpretación de la célebre violinista Anne-Sophie Mutter, fiel aliada de Williams en sus últimos conciertos junto a la Sinfónica de Boston o la Filarmónica de Viena. Nos encontramos pues ante una fiesta para nostálgicos y para el público joven, que Mangold ha sabido combinar con ingenio, dignidad y sensatez, aunque no podamos evitar echar de menos la mano siempre magistral de Spielberg y un mayor control de Lucas. Pero sabiendo lo que verdaderamente importa a Disney, al menos esta vez ha sido respetuosa y consecuente. Que Antonio Banderas forme parte del elenco, con posición destacada en los títulos de crédito, nos colma de satisfacción, aunque su papel sea meramente anecdótico.

RRR Espectáculo delirante pero bien controlado

Título original: RRR (Rise Roar Revolt)
India 2022 185 min.
Dirección S.S. Rajamouli Guion S.S. Rajamouli, Vijayendra Prasad, Sai Madhav Burra y Madhan Karky Fotografía Senthil Kumar Música M.M. Keeravani Intérpretes N.T. Rama Rao jr., Ram Charan, Ajay Devgn, Alia Bhatt, Olivia Morris, Shirya Sarah, Alison Doody, Ray Stevenson, Edward Sonnenblick, Eduard Buhac Estreno en India 25 marzo 2022

Bollywood se ha propuesto desembarcar definitivamente en la cartelera de occidente. Esta película llegó a las pantallas de medio mundo hace exactamente un año, quedando el terreno así abonado para obtener un éxito rotundo con películas posteriores, igualmente estrenadas en India a la vez que en otras plazas más cercanas, como sucedió con Pathaan. Quizás porque en España RRR no ha visto comercialmente la luz, al menos hasta el momento, aquella pasó injustamente desapercibida por nuestra cartelera. Ahora bien, sólo nos faltaba añadir a la cada vez más abultada cartelera el inagotable cine hecho en Bollywood.

Si los Oscar han decidido después de tantísimos años incluir las películas indias en sus nominaciones, por qué fijar su atención solo en la canción, cuando hay multitud de apartados que brillan en esta cinta épica y espectacular. Tres horas de auténtico parque de atracciones, en un híbrido entre aventuras y cine histórico que aprovecha la colonización británica del país asiático para arremeter contra los invasores y mostrarlos como seres despiadados, casi endemoniados, emprendiendo una lucha sin cuartel y sin límites de rigor ni verosimilitud que convierten el artilugio en una fiesta de sangre, sadismo, efectos visuales increíbles y situaciones a cada cual más delirante y disparatada. Su director, S.S. Rajamouli, demuestra conocer perfectamente los recursos a su disposición y controlar todo el complejo entramado que sostiene la película para ofrecernos un espectáculo brillante y efectista. Cabe temer sin embargo que tras tanto avance en igualdades y derechos, esta nueva exhibición de testosterona, músculo, hombría y machismo acabe haciendo mella en nuestros más jóvenes.

Aquí hay de todo, camaradería, rivalidad, lucha sin tregua, situaciones sorprendentes (la estampida de animales salvajes o la explosión del tren no tienen desperdicio), y mucha música, con dos escenas de baile tan desatadas y extenuantes como el resto de su imaginativa parafernalia. En el reparto, aparte de los hipervitaminados protagonistas, cabe destacar a Alison Doody, quien fuera treinta años atrás compañera de reparto y aventuras de Harrison Ford en Indiana Jones y la última cruzada, interpretando a la despiadada y sádica esposa del gobernador. Merece destacarse su colorida puesta en escena, aunque abunden tantos anacronismos que no acertemos a saber en qué década de la primera mitad del siglo XX nos encontramos, y su excepcional y luminosa fotografía, completando una estética esmerada que inconfundiblemente nos remite a esas exóticas fantasías orientales que sin duda agradarán a quienes se dejen arrastrar por sus tres horas de metraje.

EL MONSTRUO MARINO Un paso adelante de gigantes proporciones

Título original: The Sea Beast
USA 2022 115 min.
Dirección Chris Williams Guion Chris Williams y Nell Benjamin Música Mark Mancina Voces (en versión original) Karl Urban, Zaris-Angel Hator, Jared Harris, Marianne Jean-Baptiste, Jim Carter, Doon Mackichan, Dan Stevens Estreno en Netflix 8 julio 2022

Curtido en cintas de animación como Bolt, Vaiana y Big Hero 6, Chris Williams ha logrado con El monstruo marino su obra maestra. Disponible en plataformas digitales desde hace más de medio año, solo hemos reparado en ella gracias a la nominación al Oscar, para comprobar de que se trata de una película tan gozosa como generosa en hallazgos técnicos y narrativos, todo tipo de conveniente mensaje educativo incluido. Es una lástima que obras tan vistosas en todos los sentidos como ésta se limiten al consumo doméstico, cuando su lugar de exhibición natural son las grandes salas cinematográficas dotadas con los mejores equipos de sonido e imagen disponibles.

Williams rescata las antiguas películas de corsarios y batallas marítimas que tanto triunfaron en el Hollywood clásico de la mano de estrellas como Errol Flynn. A la vez echa mano de aquellas supersticiones primitivas que hacían de los mares lugares poblados por increíbles y temibles monstruos, tal como aparecían reflejados en muchos de los mapas con los que por aquel entonces se surcaban los océanos. Con todo el ingenio imaginable, los autores de esta excepcional película construyen un cuento moderno sobre la manipulación a través del miedo, la desinformación o la información deformada como arma de control, y la provocación como medio a través del cual se organizan guerras y conflictos de poder. Todo un entramado incómodo para el país de origen, pero tan bien urdido y estructurado que hace sencillo lo complicado, y asumible lo ininteligible.

En el apartado visual, El monstruo marino llega hasta donde nunca había llegado antes un trabajo de este género, logrando a estas alturas despertar nuestra capacidad de asombro y admiración, con diseños extremadamente cuidadosos, mares de un realismo absoluto, movimientos de cámara vertiginosos, un ritmo más que trepidante, un esmerado diseño de personajes con acertada tendencia a la multidiversidad racial y de género, y un minucioso trabajo analítico sobre el miedo a lo desconocido y a lo diferente. Todo lo cual converge en casi dos horas de disfrute absoluto que merece el Oscar por encima de cualquier otro trabajo nominado o no este año.

LA MUJER REY Trescientas

Título original: The Woman King
USA 2022 135 min.
Dirección Gina Prince-Bythewood Guion Dana Stevens y Maria Bello Fotografía Polly Morgan Música Terence Blanchard Intérpretes Viola Davis, Thuso Mbedu, Lashana Lynch, Sheila Atim, John Boyega, Jordan Bolger, Hero Fiennes Tiffin, Jimmy Odukoya, Masali Baduza, Jayme Lawson Estreno en el Festival de Toronto 9 septiembre 2022; en Estados Unidos 16 septiembre 2022; en España 25 noviembre 2022

Partía ya con razones para desconfiar de ella, y las dos procedían del título. Otra vez historias de reyes, y con una anomalía feminista, llamar a su protagonista mujer rey en lugar de directamente reina. Sin embargo esos prejuicios quedan justificados a lo largo del argumento, enfocado más bien hacia el liderazgo merecido y la razón natural para ser encumbrado jefe de un estado. El problema deriva sin embargo de otras consideraciones. Una película sobre el Reino de Dahomey, que en su tiempo (siglos XVII y XVIII) estuvo ubicado donde actualmente se encuentra la República de Benín, hacía esperar algo más instructivo y apasionante de lo que son capaces de ofrecer su directora y la actriz ocasionalmente metida a argumentista Maria Bello.

Gina Prince-Bythewood ya había dado muestras de no saber conciliar entretenimiento convencional con proclamas feministas en películas como La vida secreta de las abejas y Beyond the Lights, y repite ahora fracaso con esta vetusta cinta sobre un ejército de amazonas que habitó en el lugar cuando este y todo su entorno pretendía progresar a costa de la venta de esclavos y esclavas. Todo el potencial que la historia prometía se diluye en un espectáculo de aspecto rancio, envejecido hasta la médula por una concepción del cine histórico como de cartón piedra, entrañable cuando de revisar clásicos se trata pero imperdonable cuando se trata de hacer cine contemporáneo y comprometido. Si a eso se añade un folletín sentimental y emocional de muy baja intensidad y una desmesurada duración, el entretenimiento no puede resultar más decepcionante y aburrido.

Por si fuera poco, estas mujeres guerreras parecen repetir esquemas masculinos y machistas, al más puro estilo de los trescientos de turno pero con aptitudes dancísticas. Aunque pensándolo bien, y dada la escasa fortuna de la educación para paliar los efectos cada vez más preocupantes de la violencia machista, la única solución posible podría ser adiestrar a las víctimas en técnicas de lucha y defensa. Cabe reconocerle a Viola Davis el esfuerzo desplegado para mazarse de esa forma y lucir junto a una actitud de permanente enfado, un físico considerablemente musculado para lo que le conocemos habitualmente.

FALL No apta para quienes sufran vértigo

USA 2022 107 min.
Dirección Scott Mann Guion Jonathan Frank y Scott Mann Fotografía MacGregor Música Tim Despic Intérpretes Grace Caroline Currey, Virginia Gardner, Jeffrey Dean Morgan, Mason Gooding, Jasper Cole Estreno en Estados Unidos 12 agosto 2022; en España 7 octubre 2022

El director británico afincado en Los Angeles, Scott Mann, se inscribe ahora en el cine de aventuras al límite y fuerte descarga de adrenalina con esta película sobre dos mujeres jóvenes que deciden escalar una altísima y abandonada torre de comunicaciones en pleno desierto, con las consabidas complicaciones ideadas para hacernos pasar el peor de los ratos posibles, y lo consigue aunque solo sea parcialmente. Y es que nos hemos acostumbrado a tanto hiperrealismo gracias a los recursos técnicos a veces milagrosos con los que cuenta hoy el medio, que ya no resulta fácil involucrarnos tanto en las peripecias y tragedias ajenas.

Después de dirigir a Robert Carlyle y Ving Rhames en El gran torneo, a Robert de Niro en El golpe del siglo y a Pierce Brosnan en La última jugada, Mann se adentra en este tipo de aventuras de la mano de los productores de la película de corte similar A 47 metros, James Harris y Mark Lane, cambiando las profundidades del mar por las alturas, 600 metros a pie de suelo. Pero por muy buenos que sean los efectos especiales y la sensación que pueda provocar de caída al vacío y peligro constante, descuida muchos aspectos fundamentales que le restan credibilidad, y por extensión empatía con las heroínas. Así, el viento sopla menos de lo que debería, a veces ni sopla o sopla en una misma secuencia, y la torre no debería suponer mayor riesgo para quienes están acostumbradas a escalar paredes de montaña prácticamente verticales, al más puro estilo Ethan Hunt (cita literal). Eso y una trama sentimental cargada de moralina y sin mucho interés, hacen que la cinta naufrague parcialmente, si bien no podemos olvidar que se trata de pura serie B destinada al consumo rápido y el olvido exprés, muy por debajo de los resultados que Jaume Colet-Serra logró con Blake Lively en Infierno azul, donde tenía que sobrevivir en una plataforma tan pequeña como la de estas dos protagonistas, en aquel caso una tabla de surf, ellas en el pequeño tope de esta infernal torre, por cierto diseñada para ser subida por escalera de mano y con una bombilla funcionando en lo más alto que exige un mantenimiento intermitente que hace improbable ese estado lamentable que provoca el desastre para las pobres aguerridas.

La protagonista ha cambiado su apellido Fulton con el que la hemos visto en otras producciones por el que ahora reza en la ficha técnica. Entre los méritos técnicos cabe destacar a MacGregor, seudónimo del madrileño Miguel de Olaso, como director de fotografía curtido en publicidad y videos musicales, que aborda ahora su primer trabajo cinematográfico relativamente importante, y aporta gran parte de su espectacularidad a la cinta. Por su parte, el compositor Tim Despic se limita a imitar el estilo de Hans Zimmer de hace ya algunas décadas.

EL HOMBRE DEL NORTE Shakespeare después de Tolkien

Título original: The Northman
USA 2022 136 min.
Dirección Robert Egglers Guion Robert Egglers y Sjón Fotografía Jarin Blaschke Música Robin Carolan y Sebastian Gainsborough Intérpretes Alexander Skarsgard, Nicole Kidman, Anya Taylor-Joy, Claes Bang, Ethan Hawke, Willem Dafoe, Björk, Gustav Lindh, Elliott Rose, Phil Martin, Eldar Skar, Olwen Fouéré Estreno en Estados Unidos y España 22 abril 2022

Podríamos pensar que nos encontramos ante el resurgimiento de las películas de vikingos, género que no ha dado muchos frutos pero algunos sí suculentos. Sin embargo la nueva película del director de La bruja y El faro entronca más con el universo creado por la ya mitológica serie de televisión Juego de tronos, que a su vez es consecuencia del éxito de Peter Jackson y El señor de los anillos, y todo ello se enmarca dentro de la mitología nórdica tan emparentada con la ópera wagneriana.

Un poco de todo eso hay en este cóctel que además, en su ambicioso devenir, echa mano de la tragedia típicamente shakesperiana en sus cuidados diálogos y sus perversos juegos de venganza familiar, poder y ambigüedad moral. Todo esto se distingue en una película que de esta forma trasciende la mera aventura medieval con aspecto sucio y musculado, para provocar en el espectador sensaciones de carácter hipnótico y reflexivo que le dan cierta distinción dentro de su vorágine de barro, violencia y sangre.

Para ello Egglers ha cuidado todos los detalles y así, además del depurado guion con giros muy llamativos y estimulantes, asistimos a unas convincentes interpretaciones, con la siempre espléndida Nicole Kidman protagonizando la secuencia dramáticamente más intensa, y valores nórdicos asentados en Hollywood (Skarsgard) o no (Bang), así como apariciones estelares (Hawke, Dafoe, Björk), todo dentro de un conjunto que entretiene y puede llegar incluso a fascinar. Acierta además al cuestionar los centros de poder, la perversión de los afectos y hasta la existencia de un Valhalla o Reino de los cielos que nunca parece llegar a materializarse del todo a pesar del componente manifiestamente fantástico que tiene la propuesta.

LA CIUDAD PERDIDA Entretenimiento con estrellas

Título original: The Lost City
USA 2022 120 min.
Dirección Aaron y Adam Nee Guion Dana Fox, Oren Uziel, Adam Nee, Aaron Nee y Seth Gordon Fotografía Jonathan Sela Música Pinar Toprak Intérpretes Sandra Bullock, Channing Tatum, Daniel Radcliffe, Brad Pitt, Da’Vine Joy Randolph, Oscar Nuñez, Patti Harrison, Bowen Yang Estreno en Estados Unidos 25 marzo 2022; en España 13 abril 2022

Muchas veces nos preguntamos por qué engendros como este necesitan tantos guionistas, y esta vez hemos llegado definitivamente a la conclusión de que la única respuesta posible es que acaban discutiendo tanto que el resultado acaba siendo tan lamentable, al menos en lo que a diálogos se refiere, como el que nos ofrecen los hermanos directores Aaron y Adam Nee. Lo curioso es que esta pareja de realizadores ha pasado de dirigir películas casi inexistentes a esta tan enmarcada en el sistema hollywoodiense, y ahora incluso preparan el lanzamiento de una nueva versión de Masters del Universo.

La ciudad perdida es un nuevo intento de recuperación del cine de aventuras que tanto éxito tuvo sobre todo en la década de los ochenta del pasado siglo, pero más cerca del ideario romántico, cómico y venturero de Tras el corazón verde que de las spielberianas aventuras de Indiana Jones, que para eso ya tuvimos ración el pasado verano con la mucho más estimable Jungle Cruise. Aquí la baza fundamental del entretenimiento lo constituye su lujoso reparto, pues en lo que a dirección artística y efectos visuales se refiere, la cosa se queda muy cortita. Si en el título de Robert Zemeckis una escritora de novela romántica, Kathleen Turner en plan patito feo destinada a convertirse en cisne, se veía involucrada en la búsqueda de un tesoro en el Amazonas junto a un aventurero Michael Douglas, ahora es una desmotivada autora de novela de aventuras exóticas y románticas quien se verá obligada a tal búsqueda por orden de un villano millonario al que da vida con poca convicción Daniel Radcliffe, mientras el hombre duro en cuestión lo personifica un Brad Pitt que protagoniza el giro argumental más traumático de la historia, después del cual la cinta va paulatinamente naufragando cas sin remedio.

Uno de sus productores, junto a la protagonista Sandra Bullock, es el divertido y desinhibido Channing Tatum, que se reserva el papel de hombre objeto que hará todo lo posible por superar sus limitaciones para proteger a la creadora de su mito. Pero ni los chistes son especialmente ingeniosos, ni las situaciones suficientemente originales, siendo el carisma de sus intérpretes, cuyos fans acumulan cuatro generaciones, y el ritmo y la amabilidad de sus propuestas los que salvan el guiso y lo hacen aconsejable para quienes solo busquen un entretenimiento sin compromisos ni exigencias.

LA CIMA Encuentro en el Himalaya

España-Francia 2022 85 min.
Dirección Ibon Cormenzana Guion Nerea Castro Andreu Fotografía Albert Pascual Música Paula Olaz Intérpretes Patricia López Arnaiz, Javier Rey, Kishan Aghikari, Blanca Apilániz, Kandido Uranga Estreno en el Festival de Málaga 20 marzo 2022; en salas comerciales 25 marzo 2022

En la primavera de 2010 la alpinista guipuzcoana Edurne Pasaban completó con el ascenso del Shisha Pangma y el Annapurna los catorce ocho miles del mundo, convirtiéndose así en la primera mujer en conseguir dicha hazaña. El personaje ha inspirado a la guionista Nerea Castro y al realizador Ibon Cormenzana para crear una historia intimista en torno a la pérdida y el dolor, entre una experimentada alpinista aislada en un refugio de alta montaña a los pies de la cumbre del Nepal, y un escalador decidido a subir a la cima del Annapurna como un reto personal y rendimiento de cuentas con su pasado.

Se reconoce el mérito de embarcarse en una aventura de este calibre, insólita en nuestro cine, aunque en el proceso se adviertan con claridad ciertas costuras, como un exceso de interiorismo y diálogos superfluos que ayuden a correr el metraje sin meterse en camisa de once varas con una sobreexposición de efectos visuales y situaciones trepidantes que hagan la función inasumible técnica y económicamente. Con todo, y a pesar de rodarse en el pirineo oscense y utilizar con poco disimulo el croma para simular estar en la Cordillera del Himalaya, la cinta se digiere con facilidad, agradeciéndose especialmente que por una vez sea la mujer el personaje fuerte y el brazo en el que se apoye el hombre, si bien algunos cambios de registro y empatía en su personaje no lleguen a convencer lo suficiente por mucho que se intente justificar con giros argumentales que hagan avanzar la trama.

Curiosamente Cormenzana, que hace algunos años llamó la atención con la película Alegría tristeza protagonizada por Roberto Álamo, espera el estreno de Culpa, otra cinta con mujer aislada en un refugio en la montaña, esta vez Manuela Vellés intentando encarar la agresión sexual sufrida de parte de un conocido.