NO OTHER LAND Bárbaros de la era digital

Palestina-Noruega 2024 95 min.
Guion y dirección Basel Adra, Yuval Abraham, Hamdan Ballal y Rachel Szor Fotografía Rachel Szor Música Julius Pollux Ruthlaender Documental Estreno en el Festival de Berlín 17 febrero 2024; en españa (Movistar Plus+) 21 diciembre 2024; en Noruega 7 febrero 2025

Relato de lucha y supervivencia en una tierra maldita por acto y gracia de la aún más maldita Israel, en otro sentido radicalmente opuesto, que aplasta y se expande sin reparo y con la aprobación directa o por silencio de una comunidad internacional que se revela cada vez más estéril. Narrada en primera persona por sus protagonistas, dos amigos crecidos en la adversidad y los dos con un mismo fin, dar a conocer las atrocidades del ejército israelí contra la población palestina, el film se convierte en arma indispensable y a la postre arrojadiza contra la barbarie imperante entre quienes se consideran civilizados y nos hacen creer a los demás que enarbolan la bandera del progreso y la libertad. En ese contexto, el palestino Basel Adra y el israelí Yuval Abraham luchan contra la ocupación del ejército y los colonos con la única arma de la que disponen, la información, a través de la imagen y el texto, las redes sociales y el eco que encuentran, a menudo discreto y velado, en la televisión. Se trata pues de una crónica de sangre y destrucción, injusticia y salvajismo, con su reverso amable, el que propicia esta insólita y perdurable amistad basada en la convicción de la justicia y la esperanza.

Un encuentro entre dos mundos antagónicos que se reconocen y se entienden, algo así como pretendían Barenboim y Saïd cuando crearon la fundación a través de la cual jóvenes de uno y otro lado del territorio se juntan para tocar música. Un encuentro como se puede observar, que conduce más a la desesperanza, sobre todo cuando comprobamos ante las terribles imágenes que encierra este valioso documental, que parece viajemos en el tiempo para reencontrarnos con la misma barbarie que azotaba este desdichado planeta cuando romanos o señores feudales lo regentaban. No importan las declaraciones de derechos humanos ni las resoluciones internacionales, todos permitimos que esto ocurra, siguiendo con nuestra vidas acomodadas, privilegiadas, mientras en otros lugares se destruyen escuelas, se dispara a bocajarro a inocentes, se mete en la cárcel a quienes se defienden y se obliga a la gente humilde a abandonar la tierra en la que viven desde hace siglos, destruyendo sistemáticamente sus hogares y taponando pozos de agua para impedir su trabajo y medio de vida. En definitiva, se perpetran atrocidades de todo tipo, inimaginables en un mundo que suponemos civilizado.

Todo esto lo narran los protagonistas y el equipo noruego que les asiste con gravedad, con pausa y sentido del ritmo, pero sin abandonar nunca su principal consigna, la denuncia y la búsqueda, aunque se revele infructuosa, de justicia. Ya ha ganado el premio del público y el de mejor documental en Berlín y en los premios europeos del cine, y podrá gana el Oscar y que Hollwood se apunte otro tanto como comunidad más progresista y culturalmente avanzada que el resto de lo que le circunda, aunque nosotros lo que de verdad seguimos esperando es que algunos y algunas de sus más influyentes personalidades de la comunidad judía, como Spielberg, Streisand o Allen, se pronuncien ante la perversidad sin límites de ese demonio llamado Netanyahu y sus políticas expansionistas, auspiciadas por el nefasto e infame Donald Trump. Nuestro único deseo es que Masafer Yatta, Cisjordania y Palestina no tengan que mirar al cielo para esperar una vida mejor donde reine la igualdad entre hombres y mujeres que a estas altura sigue sin reinar en la tierra.

BANDA SONORA PARA UN GOLPE DE ESTADO Justicia y libertad a através de la música

Título original: Soundtrack to a Coup d’Etat
Bélgica-Francia 2024 150 min.
Dirección Johan Grimonprez Guion Johan Grimonprez y Daan Milius Fotografía Jonathan Wannyn Documental Estreno en el Festival de Sundance 22 enero 2024; en Estados Unidos 1 noviembre 2024; en Filmin' 28 febrero 2025

Pasado un tiempo generoso, y siguiendo la pauta veladamente hipócrita de Estados Unidos, todos los países acaban entonando el mea culpa en el cine. Esta vez se trata de Francia, que mantuvo el Congo como colonia desde el siglo XVI, y Bélgica, que tras los negocios de Leopoldo II pasó a la ocupación colonial del país desde 1908. No se escapa el imperio del siglo XX, Estados Unidos, cuyos intereses comerciales en la zona le llevó a propiciar el golpe de estado que, una vez alcanzada la supuesta independencia del Congo, protagonizó Joseph Kasa-Vubu y acabó con el régimen de su esperanzador y efímero primer ministro, Patrice Lumumba, asesinado por orden de la CIA en 1961. Precisamente este episodio provocó la irrupción en el Consejo de Seguridad de la ONU, organismo que una vez más evidenció su blandura e inclinación al fracaso, de la cantante Abbey Lincoln y el percusionista Max Roach para protestar por tan execrable asesinato. Y esto permite al cineasta Johan Grimonprez establecer cierto paralelismo entre la cultura del jazz afroamericano en aquellos tumultuosos años sesenta y los acontecimientos que desataron el empobrecimiento definitivo del continente africano tras la caída del Congo y la explotación brutal de sus recursos naturales, incluido el marfil y el caucho.

Una demostración más del carácter depredador y depravado del hombre sobre su propia especie, que en manos del cineasta belga adopta una estética decididamente farragosa, profusamente documentada y trabajada hasta el extremo, pero cuyo aspecto definitivo denota una histeria fílmica que poco favorece a su instinto educativo. Es así que hay demasiada información, a menudo desordenada, con sobre exposición de rótulos y citas escritas, y tal cantidad de material de archivo que ni siquiera dos horas y media interminables logran aprovecharla.

Tampoco queda suficientemente justificada la intercalación de excelentes interpretaciones de jazz a cargo de famosos como Louis Armstrong, Nina Simone, Dizzy Gillespie, Miriam Makeba, John Coltrane, Ornette Coleman o los directamente implicados Roach y Lincoln, en esta maraña de información. Nikita Krushchev, Malcolm X, Fidel Castro, Dwight Eisenhower o el propio Rey Balduino surgen también entre tanto dato y archivo como peones fundamentales de este holocausto y cataclismo geopolítico que tanto ha contribuido a destruir el continente que hoy protagoniza las mayores pesadillas de los más crueles e insensatos mandatarios occidentales. En su palmarés destacan el Premio Especial del Jurado en Sundance y la nominación al Oscar al mejor documental.

SUGARCANE Un dolor infinito

Canadá-USA 2024 107 min.
Dirección Emilie Kassie y Julian Brave NoiseCat Fotografía Emilie Kassie y Christopher LaMarca Música Mali Obomsawin Documental Estreno en el Festival de Sundance 20 enero 2024; en Disney+ 10 diciembre 2024

Premiado en Sundance con el premio a la mejor dirección en el apartado de documentales, este estremecedor trabajo indaga sobre el genocidio indígena perpetrado en Estados Unidos y Canadá aún a lo largo del siglo XX, fundamentalmente en el seno de la Iglesia Católica, cuyas escuelas de segregación sirvieron al Estado para perpetrar los más atroces abusos sexuales y maltrato sistemático que derivó en el suicido de miles de niños y niñas originarias de los territorios ocupados desde que los extranjeros europeos invadieron y agredieron sus tierras.

Resulta curioso que sean precisamente estos invasores quienes ahora enarbolen la bandera patriótica para impedir la llegada de nuevos pobladores en busca de mejores condiciones de vida. En un momento dado del documental, el Papa Francisco responde a las reclamaciones de la Nación Original de Williams Lake, desde donde se centra el proceso de restauración de la memoria histórica, llevada a cabo por su actual jefe, Willie Sellars, y comenzada por el anterior, Rick Gilbert, ambos con un protagonismo importante en la función. El Pontífice se limita a confesar su vergüenza en nombre de la Iglesia Católica. Otro tanto hace el Primer Ministro canadiense, Justin Trudeau, cuando se acerca a los territorios damnificados. Pero la restauración emocional y la justicia aún se hacen esperar, mientras la desolación, el dolor y la impotencia se adueñan de una población diezmada en número y ánimo, y del que este intimista y relajado documental se hace eco desde la contención y el respeto.

Uno de sus responsables pertenece a la familia que lidera la dramaturgia de este trabajo, NoiseCat, quizás de ahí devenga el respeto con el que todo ha sido abordado. Mientras, las valiosas investigaciones de Charlene Belleau y Whitney Spearing se encargan del resto, dejando en general una sensación de enorme desolación y desgarradora impotencia, lejos de una necesaria sanación, aunque todo haya sido trabajado desde la contención y la más profunda melancolía, sin estridencias ni salidas emocionales de tono. Nominado al Oscar.

EL HOMBRE BUENO Soso cuarteto a la luz del Mediterráneo

España 2024 79 min.
Guion y dirección David Trueba Fotografía Ignacio Gabasa Intérpretes Jorge Sanz, Vito Sanz, Macarena Sanz, Aia Pérez Estreno en el Festival de Málaga 6 marzo 2024; en Movistar+ 18 agosto 2024

Que haya tardado tres años en estrenarse, haciéndolo directamente en blue ray y las plataformas digitales, podemos interpretarlo como que dado su carácter intimista y sus modos de ensayo, no encontrara distribución o línea de exhibición adecuada, o que su principal artífice, David Trueba, no estuviera suficientemente satisfecho con los resultados. Teniendo en cuenta que el hermano de Fernando tiene un público ya definido y determinado, que hace que sus películas se sigan con mayor o menor interés, pero al menos con una cuota fija, nos decantamos por la segunda hipótesis, considerando además que nos ha parecido una cinta bastante fallida y definitivamente deshilvanada. Trata la sempiterna crisis matrimonial desde los ojos de quien ha sufrido un trauma sentimental de manual, expuesto todo a la impostura más descarada, los diálogos más artificiosos y la estructura más caprichosa. Algo así como un aria que se convierte en dueto, trío y hasta cuarteto, pero sin la naturalidad, la gracia y la elegancia que destilan los trabajos de Mozart, y eso que todo a lo que aspira es a una naturalidad cien por cien.

Trueba tira del actor fetiche de su sobrino Jonás, toma algo de su estilo aparentemente improvisado, y ofrece el papel protagonista a quien ya dedicó hace más de una década una serie de televisión, ¿Qué fue de Jorge Sanz?. Al final es éste quien sale mejor parado, contenido y sereno, algo mejor de condición física de la que exhibe ahora, frente a un matrimonio tan soso como desorientado al que dan vida el referido Vito Sanz y la sonriente y poco más Macarena Sanz. Desconocemos si tienen entre ellos algún vínculo familiar; creemos que no, por lo que la operación de cásting se nos antoja tan caprichosa e intencionada como todo lo demás. Lo de la niña Aia Pérez mejor ni lo comentamos. 

Quizás el único motivo de la película fue disfrutar de unas vacaciones en los extraordinarios parajes baleares en los que está rodada, lo mejor de la película, y aprovechar la canción del valenciano Raimon Veles e vents, según texto arcaico de Ausìas March, sobre los misteriosos e insondables vaivenes del amor. Y con todos estos ingredientes nos preguntamos si no podría haber extraído un producto más fresco y subyugante.

FLAMIN' HOT: LA HISTORIA DE LOS CHEETOS PICANTES Comedia de superación y patriotismo

Título original: Flamin’ Hot
USA 2023 98 min.
Dirección Eva Longoria Guion Linda Yvette Chávez y Lewis Colick, según la biografía de Richard Montáñez Fotografía Federico Cantini Música Marcelo Zarvos Intérpretes Jesse García, Annie González, Tony Shalhoub, Dennis Haysbert, Matt Walsh, Emilio Rivera, Pepe Serna, Jimmy Gonzales, Bobby Soto Estreno en España y Estados Unidos (Disney+) 9 junio 2023

Una divertida versión ranchera del clásico logo de la Fox nos avisa ya del carácter general de la película, un canto de amor a la tierra (latina) en clave de comedia distendida y amable. Nos cuenta en clave dulzona y sencilla la historia del empresario de origen mexicano Richard Montañez, que aseguró ser el inventor de los Flamin’ Hot Cheetos picantes, una variante de los clásicos snacks que ayudó a salir de la crisis a la empresa que los creó, salvando empleos y evitando la bancarrota del holding. Una clásica historia de superación y perseverancia desde lo más humilde de la jerarquía social y laboral, convertida en crónica de la creciente importancia de la comunidad latina en Estados Unidos, que sirve paralelamente como oda a la historia y el encanto del hemisferio sur del continente americano.

Supone el debut en la dirección de la actriz Eva Longoria, famosa desde su participación hace un buen puñado de años en la serie Mujeres desesperadas. Sorprende su capacidad para imprimir la cinta de energía y dinamismo, con un ritmo que nunca decae y una considerable facilidad para conjugar la gesta empresarial con una conmovedora historia de amor, apoyo y compenetración. Lástima que al final el mensaje sea el sempiterno canto al sueño americano, y que la entrañable liviandad con la que se trata el tema reduzca la supuesta trascendencia de su mensaje.

Poco nos importa, eso sí, a la vista del buen rato que hace pasar, su promoción de la comida basura, aunque asegure conservar los sabores tradicionales del país vecino a Nuevo México. Diane Warren, la compositora de la canción que acompaña los créditos principales, es una apuesta segura para lograr una nominación al Oscar, habida cuenta de la enorme cantidad de nominaciones que atesora sin haberlo logrado nunca, aunque el año pasado intentaron compensarlo con un Oscar honorífico.

DEJAR EL MUNDO ATRÁS Los más populares del barrio

Título original: Leave the World Behind
USA 2023 134 min.
Guion y dirección Sam Esmail, según la novela de Rumaan Alam Fotografía Tod Campbell Música Mac Quayle Intérpretes Julia Roberts, Mahershala Ali, Ethan Hawke, Myha’la, Farrah Mackenzie, Charlie Evans, Kevin Bacon, Vanessa Aspillaga Estreno en Estados Unidos 22 noviembre 2023; en Internet (Netflix) 8 diciembre 2023

La sola presencia de Julia Roberts ya merece la pena, pero si añade otra convincente e intensa interpretación del doble ganador del Oscar Mahershala Ali y unos cuidadísimos y hasta muy estéticos efectos visuales, la película gana por enteros. Y es que nos encontramos ante otro título apocalíptico que con formas que pueden parecer las de Shyamalan, procura extraer alguna que otra reflexión sobre la decadencia humana, el sentido existencialista de la vida y el daño que nos provocamos a nosotros mismos como raza a través de la tecnología, la agresividad frente al medio ambiente, el ansia de poder unido a la ambición económica, y el creciente malestar con el que nos enfrentamos unos a otros debido al ritmo frenético de vida que hemos adoptado.

Demasiados temas para condensarlos en una cinta que funciona a fuerza de momentos culminantes, algunos tan impactantes que son capaces de ponernos los pelos de punta, y que en medio de ellos dilata conversaciones demasiado pretenciosas y sin embargo bastante ingenuas en general. Todo cobra sentido ya muy avanzado el metraje, cuando América entona otra vez su mea culpa y asume que quizás no sean los más populares del barrio.

Que el matrimonio Obama participe en la producción puede que sea una señal de lo mucho que les quedó por hacer y la decepción que causó un mandato en el que todos y todas habíamos depositado algo más de confianza. También detrás de ellos estará seguramente la cuidada recopilación de temas rhythm & blues que adornan una banda sonora en la que destaca la tensión y el caos que provoca la sorprendente música de Mac Quayle. Sorprendente es también su final, demostrando lo triviales y caprichosos que podemos llegar a ser cuando alrededor el mundo se tambalea y nosotros y nosotras seguimos con nuestras pequeñas obsesiones y debilidades.

EL ASESINO Manual de muerte y venganza

Título original: The Killer
USA 2023 118 min.
Dirección David Fincher Guion Andrew Kevin Walker, según la novela gráfica de Alexis Nolent y Luc Jacamon Fotografía Erik Messerschmidt Música Trent Reznor y Atticus Ross Intérpretes Michael Fassbender, Tilda Swinton, Charles Parnell, Arliss Howard, Kerry O’Malley, Sophie Charlotte, Emiliano Pernía, Gabriel Polanco, Sala Baker Estreno en el Festival de Venecia 3 septiembre 2023; en España 27 octubre 2023; en internet (Netflix) 10 noviembre 2023

Echando la vista atrás, la filmografía de David Fincher presenta un aspecto atractivo y una gramática meticulosa no siempre traducida en trabajos ejemplares. Desde que inició su carrera digiriendo videoclips, algunos tan icónicos como los de Madonna Express Yourself y Vogue, tan sólo ha dirigido doce largometrajes, el resto lo ha dividido entre documentales, trabajos para la televisión y más videoclips musicales. Su consagración definitiva le llegó con su segundo largometraje, Seven, y es ahora con su guionista Andrew Kevin Walker con quien repite colaboración. Walker en todo este tiempo apenas ha escrito un puñado de guiones, algunos siguiendo la senda de ese exitazo, con títulos como Asesinato en 8 mm, y otras explorando el terror gótico, como en Sleepy Hollow o El hombre lobo. Este año espera el estreno de la cinta de animación Metalocalypse: Army of the Doomstar.

En El asesino Fincher y Walker adaptan una novela gráfica de los franceses Alexis Nolent y Luc Jacamon, que pone en bandeja al director de La red social el análisis metafísico de un sicario de la muerte frío y calculador, mientras el argumento remite a aquellas cintas de venganza y justicia personal que durante muchos años sirvieron de carnaza para el cine de serie B y hoy se ha convertido en algo más sofisticado de la mano, por ejemplo, de Collet-Serra y Liam Neeson. Pero Fincher va más allá y eleva a status de calidad y distinción su particular visión de este anti Bond sin licencia para matar pero con la maleta llena de pasaportes y billetes de avión que le llevan a saciar su sed de venganza por medio mundo. De esta manera, la cinta se estructura entre escalas geográficas y víctimas, de París a Chicago pasando por Miami, Santo Domingo y Nueva York, con episodios en los que la inteligencia pretende darse la mano con el crimen más descarnado. Aun así la película no resulta tan pretenciosa como pudiera parecer, si bien se antoja algo apologista de la violencia y la muerte como ajuste de cuentas y destino inevitable.

Fassbender, algo perdido entre X-Men y Alien y tantos años después de sus más ambiciosas interpretaciones en Shame y 12 años de esclavitud, da vida a este robot del deceso, con mucha voz en off y un rostro imperturbable al que sin embargo el buen oficio del actor provee de muchas connotaciones psicológicas. Sus encuentros con cada uno de los eslabones a los que llega a través de una investigación harto discutible y convencional, van jalonando la empresa de momentos memorables que en conjunto no dejan sino de suponer una elegante variante del cine de asesinos a sueldo y venganzas personales. En el apartado musical, a la atmosférica partitura de Trent Reznor y Atticus Ross se une la playlist del propio asesino, integrada casi exclusivamente por éxitos de los Smiths.

NOWHERE Claustrofobia marina

España 2023 109 min.
Dirección Albert Pintó Guion Indiana Lista, Ernest Riera, Miguel Ruz, Seanne Winslow y Teresa de Rosendo Fotografía Unax Mendía Música Frank Montasell y Lucas Peire Intérpretes Anna Castillo, Tamar Novas, Tony Corvillo, Mariam Torres, Irina Bravo, Saïd El Mouden, Saorla Wright Estreno en internet (Netflix) 29 septiembre 2023

Albert Pintó nos descolocó hace algunos años con su debut en el largometraje, Matar a Dios, una mezcla de comedia y terror donde el sarcasmo se daba la mano con el esperpento. Este trabajo le abrió las puertas de otro más convencional, ya de pleno en el género de terror, Malasaña 32, y éste a su vez le permitió encargarse de algunos de los episodios de La casa de papel. Ahora estrena en plataformas digitales este auténtico tour de force que transcurre casi en su totalidad en un contenedor a la deriva en el mar, de la empresa que da título al film.

Allí viaja una mujer embarazada en un futuro cercano y distópico, una todo terreno Anna Castillo que demuestra definitivamente su amplio registro y su capacidad ilimitada para dar vida a cualquier tipo de personaje, incluso en una situación tan extrema y tan proclive a una sobre interpretación en la que la joven nunca cae. Y allí, huyendo del totalitarismo en el que han caído gran parte de las naciones de nuestro entorno, combinación del auge de las derechas y el cambio climático que tanto daño está haciendo también a la economía, debe enfrentarse a un sinfín de contratiempos en una lucha sin cuartel por la supervivencia cuyo motor es la hija que está por nacer.

Pintó sortea todos los peligros de un trabajo tan delicado con ingenio y mucha pericia, mientras en Castillo recae el éxito de la empresa, que de esta forma se deja ver de manera tan inquieta como entretenida, a pesar del reducido espacio y su obligadamente forzada trama. Una buena dirección artística, unos esmerados efectos visuales, una banda sonora bien situada y al estilo de las películas del género, y un estupendo trabajo de fotografía acaban de redondear tan difícil y complicada función.

REALITY Derechos civiles saqueados

USA 2023 83 min.
Dirección Tina Satter Guion James Paul Dallas y Tina Satter, según la obra de la última Fotografía Paul Yee Música Nathan Micay Intérpretes Sydney Sweeney, Josh Hamilton, Marchánt Davis, Benny Elledge, John Way Estreno en el Festival de Berlín 18 febrero 2023; en Estados Unidos (HBO) 29 mayo 2023; en España (filmin) 15 septiembre 2023

En 2018 la joven veterana de las fuerzas aéreas y traductora de la Agencia de Seguridad Nacional de Estados Unidos, Reality Winner, fue condenada a cinco años de cárcel por revelar secretos de Estado a una agencia de noticias, concernientes a una posible injerencia de hackers rusos en las elecciones presidenciales de Estados Unidos de 2016, las que proclamaron al impresentable Donald Trump como huésped de la Casa Blanca. La joven Reality, con una muy prometedora carrera por delante, acabó confesando que era consciente de estar cometiendo un delito federal, pero también de estar prestando un servicio inestimable a la nación. El Estado de Derecho obliga sin embargo a acatar sus normas, y las excepciones rara vez se producen, especialmente cuando no favorecen al poder.

Es evidente que el suyo era un caso excepcional, como lo son otros que nos atañen más de cerca; ¿a alguien le suena una amnistía por un caso judicializado que no debería haber traspasado las fronteras de lo político? Pero las excepciones se facilitan según convengan o no, y mantenerse o acceder al poder tiene mucho peso. Esta es una de las líneas de análisis que emplea la debutante Tina Satter en este interesante thriller político con el espionaje como tema principal. Pero hay otra línea de actuación que todavía parece interesarle más, el de la vulneración de los tan acareados derechos civiles en la autoproclamada principal democracia del mundo. A Satter, con la complicidad de una inquietante y contenida emocionalmente Sydney Sweeney, le interesa desde un primer momento mostrar la vulnerabilidad de quien ve interrumpida su rutina diaria y se encuentra en el centro de una conspiración, interrogada implacablemente aunque bajo apariencia de cortesía y buena educación, por unos agentes del FBI que despistan con sus comentarios intranscendentes a la sospechosa, y de esa manera van despojándola de sus recursos, confundiéndola y sometiéndola a una tortura psicológica agravada por el registro de su propiedad íntima y la suerte de sus animales domésticos.

Satter adapta así su propia obra teatral, bajo formas y hechuras muy distintas de lo acostumbrado en este tipo de empresas, generalmente más emocionales y casuísticas. Las visiones del espacio donde está siendo interrogada, libres de sus inquisidores, conforme éstos le administran su técnica, dan buena muestra de este terror sicológico al que va siendo sistemáticamente sometida la protagonista. Decepcionará a quienes quieran conocer mejor los hechos e indignarse bajo los parámetros tradicionales con la injusticia denunciada, pero no cabe duda de que profundiza en los aspectos más siniestros del sistema y consigue una experiencia paranoica que provoca reflexión sobre el mundo en que vivimos y la manipulación a la que nos someten los poderes fácticos, dinero, política y comunicación sin orden de preferencia.

CASSANDRO El luchador sin máscara

USA-México 2023 107 min.
Dirección Roger Ross Williams Guion David Teague y Roger Ross Williams Fotografía Matías Penachino Música Marcelo Zarvos Intérpretes Gael García Bernal, Roberta Colindrez, Perla de la Rosa, Joaquín Cosío, Raúl Castillo, Bad Bunny Estreno en el Festival de Sundance 20 enero 2023; en Estados Unidos 15 septiembre 2023; en España (Amazon Prime) 22 septiembre 2023

Con un panorama tan plagado de productos que se repiten hasta la saciedad, se agradece algo que cuente una historia distinta, y la de Saúl Armendáriz, luchador norteamericano de origen hispano que saltó a la fama por aprovechar su condición gay para dar un espectáculo en el ring atrevido y diferente, sin duda lo es. Tras la cámara Roger Ross Williams, que hasta ahora sólo había dirigido documentales, uno de los cuales, Love to Love You, Donna Summer, se estrenó hace poco. En su salto a la ficción, eso sí basada en hechos reales, cuenta con dos bazas fundamentales, las divertidas y originales coreografías de las numerosas luchas (libres) que se acumulan en su metraje, y la interpretación de Gael García Bernal, rebosante de frescura y vitalidad, pero sobre todo tan atrevida en sus atuendos, mohines y posturas.

Alrededor de él destaca también la actuación de Perla de la Rosa como madre con quien mantiene una relación muy especial llena de ternura y complicidad, así como la intervención del rapero Bad Bunny en un papel secundario. Sin embargo no parece que Williams y su coguionista hayan encontrado mucho material dramático para su película, al margen del afán de superación del protagonista y su preparación para enfrentarse al ídolo de la profesión en México, El hijo de El Santo, quien además aparece como una colaboración especial en el film. La relación de Cassandro con un hombre casado surge de la nada, mientras su difícil, por no decir nula, relación con el padre ausente se trata con demasiado superficialidad y convencionalismo.

Con todo el film se disfruta por su originalidad, sus divertidas coreografías y cierta sensación de liviandad que evita tópicos a pesar de tratar un tema tan espinoso como es el de la identidad sexual en un mundo excesivamente machista. Sin embargo, incluso en este extremo extraña que no fuera él el único travesti en el ring, apareciendo otros que incluso echan mano de su vena folclórica a la hora de subirse a él y enfrentarse a sus enmascarados contrincantes. Surge ahí la paradoja, son los otros los que llevan máscara, no los valientes que exhiben su diferencia sin prejuicios. Por cierto, el verdadero Cassandro el Exótico fue protagonista de un documental sobre su extravagante figura hace apenas un lustro.

ROJO, BLANCO Y SANGRE AZUL Progreso frente a tradición

Título original: Red White & Royal Blue
USA 2023 118 min.
Dirección Matthew López Guion Matthew López y Ted Malawer, según la novela de Casey McQuiston Fotografía Stephen Goldbaltt Música Drum & Lace Intérpretes Taylor Zakhar Pérez, Nicholas Galitzine, Uma Thurman, Clifton Collins jr., Rachel Hilson, Sarah Shahi, Stephen Fry, Ellie Bamber, Thomas Flynn Estreno en Amazon 11 agosto 2023

Tras debutar como guionista en la serie de televisión creada por Aaron Sorkin The Newsroom, Matthew López se embarca ahora como director en la adaptación de una exitosa novela rosa que no disimula su ambición política y social. Bajo una ficción muy parecida a la realidad, con orientación sexual suplantando al matrimonio interracial, el hijo de la presidenta de Estados Unidos y el hermano del heredero a la corona inglesa, mantienen una relación romántico sexual furtiva, mientras sus respectivos países se esfuerzan por salvaguardar las buenas relaciones que históricamente les han caracterizado.

La propuesta da para una comedia romántica con su porción de enredo, bien urdida y con un sabor clásico y añejo muy agradecido, sin renunciar a una vistosa modernidad. Pero en el camino se introducen ideas interesantes, bajo un guion modélico en el que se vislumbra el esfuerzo y el interés desplegado fundamentalmente por López, su principal artífice. La inutilidad y el anacronismo de una institución como la monárquica es puesta en evidencia, aunque para ello no se dude en plasmar los fastos de la realeza y su atractivo mediático y popular. Sus jóvenes protagonistas son por supuesto todo lo apuestos y atractivos que cabía esperar, y por supuesto nada afectados y muy masculinos, siguiendo el patrón generalizado.

La empresa sirve fundamentalmente para pasar un rato entretenido y dejar claras las virtudes de una república, en la que los mandatarios o mandatarias (como es el caso gracias a la intervención de Uma Thurman) son elegidos por el pueblo y pueden provenir de la clase trabajadora en el mejor de los casos, frente a la anquilosada y en términos generales inútil institución monárquica, aunque para limar asperezas acabe funcionando como modelo para los súbditos. Un variopinto escaparate de secundarios y secundarias, con espacio para todo tipo de raza y condición potenciando así su voluntad de corrección política, colabora al éxito de la empresa, su facilidad de digestión y la alegría que en general destila su propuesta. En su variada banda sonora hay sitio hasta para Rigoberta Bandini.

LOVE TO LOVE YOU, DONNA SUMMER Queridísima mamá

USA 2023 105 min.
Dirección Roger Ross Williams y Brooklyn Sudano Fotografía Reggie Chelsom Música T. Griffin Documental Estreno en el Festival de Berlín 21 febrero 2023; en HBO Max 21 mayo 2023

Diez años después del documental Donna Summer: Hot Stuff, de Dietmar Post y la hispanogermana Lucía Palacios, Brooklyn, una de las dos hijas que Donna Summer tuvo con el también músico y colaborador en muchos de sus trabajos Bruce Sudano, nos presenta este minucioso trabajo con el que intenta desentrañar la compleja personalidad de quien fue auténtica diva y reina de la música disco hasta derivar en continuos intentos por desligarse de esa etiqueta y ampliar horizontes, a veces con éxito y otras con una más que evidente incomprensión. En Love to Love You, Donna Summer, una rica colección de videos caseros, imágenes inéditas, conciertos en directo (Live and More), intervenciones televisivas y confesiones íntimas intentan tejer un retrato psicológico de quien nació en un ambiente decididamente religioso, fan incondicional de la estrella del góspel Mahalia Jackson y seguidora de la misma gracias a una portentosa voz. Luego encontró paradójicamente su hueco en el mundo del espectáculo en Múnich, cuna europea del sonido disco de la época, donde comenzó haciendo musicales adaptados al alemán y continuó contribuyendo a forjar ese sonido tan característico de la zona de la mano fundamentalmente de Giorgio Moroder.

Aunque el documental se hace eco de estos episodios, de forma sin embargo algo descarada e intencionadamente desorganizada, a su hija le interesa sobre todo provocar cierta empatía con su madre, quien como tantas otras, y cada vez salen más a la luz, sufrió abusos de adolescente de manos de un ministro de la iglesia y maltrato doméstico en la madurez de manos de un novio, lo que una vez más evidencia lo extendidas que durante tanto tiempo han estado estas prácticas vejatorias machistas. Su lucha por imponerse como artista, finalmente victoriosa con el doble LP Bad Girls a finales de los setenta, al margen de esa etiqueta que le emparentaba únicamente con la música disco, por ejercer correctamente de madre, especialmente de su primogénita, Mimi, una mestiza nacida de una relación mantenida durante su periplo muniqués, y su dilatado diálogo con la Iglesia Católica y sus exigencias más extremistas, que le llevaron a la muerte tras despreciar tratamientos para vencer el cáncer que le devoró, forman parte fundamental de un trabajo que se centra más en la persona que en la estrella.

Por eso no extraña que el documental no siga su carrera artística de forma ordenada, o que no haga tanto hincapié en sus éxitos musicales como deseáramos. Se erige así en complemento psicológico y reflexivo de aquel trabajo al principio aludido, y sobre todo en una carta de amor de una hija, y sus hermanas, a una madre en el fondo desdichada y desaprovechada, otro juguete roto víctima de la falta de escrúpulos y el abuso generalizado de los medios y la industria hacia quienes forjan su triunfo empresarial. El triste episodio que le enfrentó a Casablanca Records & Filmworks centra por eso uno de los episodios de un trabajo a primera vista destartalado, pero en el fondo reflejo de una personalidad controvertida y desconcertante, a la que su hija en colaboración con la profesionalidad del cineasta Roger Ross Williams, prestan la atención y el respeto que merece. El éxito de Love to Love You Baby entre los hombres y el de She Works Hard for the Money entre las mujeres, evidencia esa dicotomía siempre presente a lo largo de la carrera y la personalidad de esta irrepetible artista, y así lo asegura ella misma en una entrevista para la televisión.

CRIATURAS DE DIOS El hijo pródigo

Título original: God’s Creatures
Irlanda-Reino Unido-USA 2022 94 min.
Dirección Anna Rose Holmer y Saela Davis Guion Shane Crowley y Fodhla Cronin O’Reilly Fotografía Chaysie Irvin Música Danny Bensi y Saunder Jurriaans Intérpretes Emily Watson, Paul Mescal, Aisling Franciosi, Toni O’Rourke, Declan Conlon, Lalor Roddy, Brendan McCormack, Marion O’Dwyer Estreno en el Festival de Cannes 19 mayo 2022; en Irlanada 31 marzo 2023; en España 28 mayo 2023 (Movistar Plus+)

Las poco experimentadas realizadoras de esta cinta ponen interés y podría decirse que hasta entusiasmo en contarnos esta historia de machismo imperante en comunidades pequeñas y muy localizadas de la muy católica Irlanda, pero su empeño se queda a medio camino por una serie de razones que intentaremos exponer con claridad.

El regreso de un hijo pródigo a la pequeña comunidad de pescadores y criadores de ostras en la que residen sus padres, hermana y abuelo, se convierte con el paso de los días en una pesadilla especialmente para su madre, que se debate entre su amor incondicional al vástago y su deber como mujer y persona ante una justicia que da la espalda a las de su sexo y condición de trabajadoras, mientras se limita a exponer a las víctimas, ahuyentarlas y convertirlas en carne de chiste fácil. Todo esto está bien si no fuera por el carácter extremadamente abstracto de la narración, a lo que contribuye sobremanera la percutiva y planeadora música de Bensi y Jurriaans.

Mientras Emily Watson aporta su atractiva presencia pero abusa de expresión pasmada, mientras Paul Mescal, con su éxito por Aftersun todavía reciente, logra impregnar a su personaje de la ambigüedad suficiente que de sentido a la propuesta de estas jóvenes y comprometidas cineastas. Pero hay en el proyecto muchas buenas ideas, apoyadas sobre todo en el sentido de la tradición y el destino trágico, que no cuajan por falta de convicción y rigor en la narración y exposición de los hechos.

GHOSTING Patadas que no dejan marca

Título original: Ghosted
USA 2023 116 min.
Dirección Dexter Fletcher Guion Rhett Reese, Paul Wernick y Chris McKenna Fotografía Salvatore Totino Música Lorne Balfe Intérpretes Ana de Armas, Chris Evans, Adrien Brody, Mike Moh, Amy Sedaris, Tate Donovan, Tim Blake Nelson, Mustafa Shakir, Lizzie Broadway, Anna Deavere Smith Estreno en Apple TV+ 21 abril 2023

Con películas como Amanece en Edimburgo, Eddie el Águila o Rocketman en su haber, nada hacía presagiar que el nuevo film de Dexter Fletcher resultara tan decepcionante y desganado. Con sus protagonistas metidos en labores también de producción, Ghosting, que hace referencia a la táctica de despreciar mensajes o llamadas de teléfono por un tiempo prolongado, no es más que un artilugio de entretenimiento sin apenas interés ni gracia.

Pretende combinar comedia romántica y acción como si la empresa fuera todo lo original que promete, obviando que esa mezcla ya ha sido llevada al cine en muchas ocasiones, la mayoría con resultados más estimulantes. Tan descuidada es que hasta se permite errores de rácord, algunos de ellos relacionados con el peinado de una Ana de Armas que debería seleccionar mejor sus proyectos después del buen trabajo que realizó como Marilyn Monroe en Blonde, si no quiere acabar encasillada en estos productos de poco calado artístico.

Ni es tan espectacular como las películas de James Bond a las que emula, ni tan divertida como otras incursiones en ese subtema de la o el ciudadano corriente que acaba sumergido en intrigas de acción internacional, ni tan vertiginosa como para hacerte saltar del asiento. Es simplemente una nadería plagada de inútiles cameos (Ryan Reynolds, Anthony Mackie, John Cho, Sebastian Stan), que entretiene y da muchas patadas pero no deja ninguna marca.

1976 Un animal salvaje

Chile 2022 95 min.
Dirección Manuela Martelli Guion Manuela Martelli y Alejandra Moffat Fotografía Soledad Rodríguez Música Mariá Portugal Intérpretes Aline Küppenheim, Nicolás Sepúlveda, Hugo Medina, Alejandro Goic, Antonia Zegers, Carmen Gloria Martínez, Marcial Tagle, Amalia Kassai, Gabriel Urzúa Estreno en el Festival de Cannes 26 mayo 2022; en Filmin 13 enero 2023

Tras varios largometrajes como intérprete y un par de cortometrajes como realizadora, Manuela Martelli presentó en el festival de Cannes del año pasado su impecable ópera prima y acaba de ser justamente galardonada con el Platino en dicha categoría. Se trata de un análisis, una variación, sobre el drama de la dictadura chilena desde el prisma de un inquietante thriller rodado con tanto sentido de la elegancia y la discreción como del suspense más envolvente, optando para ello por crear una atmósfera enrarecida a la que no es ajena la excelente banda sonora de la brasileña Mariá Portugal, que juega con la experimentación, los toques herrmannianos y el minimalismo para lograr ese ambiente claustrofóbico que expira la cinta.

Con un portentoso trabajo de interpretación, Aline Küppenheim da vida a una señora de clase acomodada y vida ordenada que ve la oportunidad de convertirse en un animal salvaje (como el disfraz que le pide una de sus nietas) y tomar conciencia en el drama que acosa a la nación desde apenas tres años atrás, cuando se le encomienda la tarea de cuidar de un joven cuyas heridas no parecen provenir de la razón que se esgrime y sí tener más relación con la opresión que sufre gran parte de la población chilena del momento, ese 1976 del título, en su mayoría joven.

En este contexto Martelli articula una intriga absorbente en el que la vida cómoda y burguesa de la protagonista se convierte en el contrapunto de una aventura no al alcance de cualquier abuelita cuyo principal anhelo parezca ser la supervisión de las obras de su casa de veraneo, mientras la familia va y viene, ajena a las vicisitudes que de manera tan salvaje como estimulante está viviendo la otrora enfermera de la Cruz Roja. Todo está milimétricamente planteado y resuelto en esta excelente película, cuya denuncia fuerte y certera queda discretamente envuelta en el entramado de un thriller perfecto que atrapa de principio a fin.

TETRIS Negociando con la excelencia (1)

Reino Unido-USA 2023 118 min.
Dirección Jon S. Baird Guion Noah Pink Fotografía Alwin H. Küchler Intérpretes Taron Egerton, Nikita Efremov, Sofya Lebedeva, Oleg Stefan, Igor Grabuzov, Roger Allam, Anthony Boyle, Toby Jones, Ayane Nagabuchi, Kanon Narumi Estreno en Estados Unidos 24 marzo 2023; en Internet 31 marzo 2023 (Apple TV+)

Como si de un episodio suelto y alargado de su exitosa serie Genius se tratara, Noah Pink ha urdido aquí una ingeniosa y sumamente entretenida trama sobre los entresijos económicos y políticos que llevaron a Henk Rogers, un espléndido Taron Egerton (Elton John en Rocketman), a lograr los derechos de explotación del juego Tetris de origen ruso por todo el mundo. Hay aquí por lo tanto dos personajes que cumplen los presupuestos de la excelencia, el creador del juego más revolucionario de la era, Alexey Pajitnov, y el persistente y arriesgado Rogers que persiguió infatigablemente su complicado sueño. El resultado es una emocionante y frenética historia que nos retrotrae a los tiempos de la guerra fría y los estertores del telón de acero y que su director, responsable también de un aseado biopic hace algunos años, El gordo y el flaco, maneja con soltura y mucho oficio.

Para ello una holgada producción pone a su servicio una puesta en escena suntuosa, un elenco interpretativo de primer orden y una atmósfera inquietante que nos lleva a pensar en aquel extraordinario cine de espías que tanto frecuentaron nuestras pantallas en las décadas de los sesenta y setenta, en el que quizás lo que más chirríe sea la facilidad con la que sus protagonistas cruzan océanos sin importar las dificultades que según a qué naciones esto reportara. Pero lo más importante es admirar cómo una trama inteligente y absorbente puede llegar incluso a quienes no profesamos interés por el tema, en este caso el origen de las famosas videoconsolas Game Boy que tan modernas fueron en un tiempo no tan lejano y que tan obsoletas parecen hoy en día.

Y es que lo que realmente interesa a la empresa, al margen de resultar tan sumamente entretenida que acapare el máximo de audiencia, es mostrar los complejos entresijos de una negociación a gran escala, jalonada de dificultades, con una enorme y desgarrada competencia, y el riesgo que los grandes empresarios han de asumir para lograr grandes gestas, lo que les hace dignos de admiración por encima de cualquier consideración de índole avariciosa o extremadamente ambiciosa. Aunque peca de infantil e ingenua en su último tramo, Tetris cumple con creces su cometido y sirve a todos los efectos para lograr una tarde de nostalgia, lección y entretenimiento tan recomendable como gratificante.

MI POLICÍA Aseada crónica de una realidad aberrante

Título original: My Policeman
Reino Unido-USA 2022 113 min.
Dirección Michael Grandage Guion Ron Nyswaner, según la novela de Bethan Roberts Fotografía Ben Davis Música Steven Price Intérpretes Harry Styles, Emma Corrin, David Dawson, Linus Roache, Gina McKee, Rupert Everett, Freya Mavor Estreno en el Festival de Toronto 11 septiembre 2022; en Amazon Prime 4 noviembre 2022

El director británico Michael Grandage parece tener especial predilección por las adaptaciones literarias. Después de las estimables Genius (aquí El editor de libros) sobre el famoso editor Max Perkins, y Red sobre el artista Rothko, basada en una obra de John Logan, autor del guion de la anterior, ahora adapta una novela de Bethan Roberts que indaga sobre los daños colaterales que provocaba la moral judeocristiana imperante en los países de nuestro entorno no hace mucho tiempo, cuando de saltarse las normas se trataba.

Nos referimos al matrimonio con el que muchos encubrían la homosexualidad, y las motivaciones que uno y otra integrantes de la pareja tenían para mantener una relación ficticia al menos en lo que a atracción física y sexual se refiere. De paso se tratan temas también como la redención y la expiación de la católica culpa. El problema es que Grandage echa mano de una escritura muy aséptica y poco emotiva, mientras su atractivo reparto, encabezado por un Harry Styles cada vez más integrado en el cine, tras No te preocupes, querida y desde su lanzamiento como miembro del grupo One Direction, tampoco muestra demasiado entusiasmo en encarar esta rutinaria historia de trío sentimental ambientado en Brighton en dos épocas, los años cincuenta de la juventud y el más próximo a nuestro tiempo de una madurez casi senectud.

Todo queda sí en una bonita postal, que hace bien en divulgar un problema que todavía arrastran muchas parejas, sobre todo de clase acomodada y moral católica, pero que podría haberse abordado desde una óptica más apasionada y emocionante. Cuarenta años después de Su otro amor (Making Love), esta película sabe ciertamente a poco.

CAUSEWAY Otro regreso traumático del infierno

USA 2022 92 min.
Dirección Lila Neugebauer Guion Elizabeth Sanders, Luke Goebel y Ottessa Moshfegh Fotografía Diego García Música Alex Somers Intérpretes Jennifer Lawrence, Brian Tyree Henry, Linda Emond, Jayne Houdyshell, Stephen McKinley Henderson, Will Pullen Estreno en el Festival de Toronto 10 septiembre 2022; en España y Estados Unidos (Apple TV+) 4 noviembre 2022

No cabe dudar de las buenas intenciones de todo el equipo técnico y artístico de esta película, que cuenta el proceso de superación de una joven militar que ha sufrido un ataque en Afganistán que le ha provocado un severo daño cerebral. Un proceso en el que encontrará un alma gemela que como ella intenta superar también un fuerte trauma emocional.

Pausada y relejada, su realizadora, hasta ahora formada solo en el ámbito televisivo, procura no cargar las tintas en ningún momento, contando para ello con una Jennifer Lawrence excesivamente contenida y el buen trabajo de Brian Tyree Henry, encumbrado por ello en todas las nominaciones a premios de la temporada, Oscar incluido. Sin embargo la empresa se antoja demasiado tímida y sin embargo suficientemente artificiosa como para costar empatizar con el drama de sus protagonistas, algo a lo que ni siquiera ayuda la viciada atmósfera familiar que rodea a su protagonista.

El resultado es una película anodina sobre ese proceso al que alude su título, un Causeway que podríamos traducir como puente o transición, que se deja ver por el encanto de la galardonada actriz y el trabajo de su compañero de reparto, sin que lleguen a cuajar ni sus dramas personales ni alguna posible crítica a la situación bélica y el fracaso del sueño que siempre parece acompañar a la sociedad norteamericana.

EL ESPÍRITU DE LA NAVIDAD Espectacular variante musical del clásico de Dickens

Título original: Spirited
USA 2022 127 min.
Dirección Sean Anders Guion Sean Anders y John Morris, según la novela de Charles Dickens Fotografía Kramer Morgenthau Música Dominic Lewis, Benj Pasek y Justin Paul Intérpretes Will Ferrell, Ryan Reynolds, Octavia Spencer, Patrick Page, Sunita Mani, Loren G. Woods, Tracy Morgan, Joe Tippett, Marlow Brakley, Aimee Carrero, Andrea Anders, Rose Byrne Estreno en Apple TV+ 18 noviembre 2022

Adaptaciones de Un cuento de Navidad de Charles Dickens se han hecho muchas, tanto para el cine como la televisión. Entre ellas podemos destacar los clásicos de Edwin L. Marin de 1938 y Brian Desmond de 1951, las adaptaciones musicales de Leslie Bricusse en 1970 y Alan Menken para televisión en 2004, la cinta de animación de Robert Zemeckis de 2009, la versión de Los Teleñecos de 1992 y la adaptación a tiempos modernos de Richard Donner, Los fantasmas atacan al jefe, de 1988. Hay además un sinfín de variantes, entre las que se encuentra esta nueva, más bien una secuela directa en tiempo actual del clásico, que retoma el personaje de Scrooge para someter al consabido proceso de concienciación a un empresario de Nueva York sin escrúpulos, especializado en difundir noticias falsas y provocar polémicas y escándalos para beneficiar a sus clientes, pertenecientes a los sectores más influyentes de la sociedad, la economía y la política.

La productora de Apple ha puesto todo su esfuerzo y empeño en hacer lucir esta ingeniosa comedia musical, y lo ha conseguido. Entre sus numerosos aciertos destaca la forma en que trabajan los espíritus encargados de redimir a los malhechores, similar a la de un equipo creativo y de producción de una película. Después de varias comedias gamberras sin sustancia ni interés, Sean Anders ha conseguido una película sumamente entretenida, con todo un despliegue de medios para lograr, con ayuda de Dickens y de un equipo técnico y artístico entregado hasta la médula, un film de muy agradable visionado, con momentos muy divertidos y otros francamente sorprendentes. Se permite incluso emular algunos de los títulos referidos, en especial el protagonizado por Bill Murray y el musical de Ronald Neame.

El argumento y las situaciones que lo integran están urdidas con notable ingenio y mucho sentido del humor, beneficiándose también del trabajo de sus dos protagonistas, sobre todo Ryan Reynolds, que vuelve así a triunfar en el género después de la estupenda Free Guy. El tándem formado por Benj Pasek y Justin Paul, autores de los musicales El gran showman, Querido Evan Hensen y las letras de La La Land, aporta unas canciones dinámicas e inspiradas, mientras el conjunto brilla por su excelente puesta en escena, elaborados efectos visuales, trepidante ritmo y la alegría que domina toda la función.

DESENCANTADA: VUELVE GISELLE El lado oscuro de una princesa Disney

Título original: Disenchanted
USA 2022 120 min.
Dirección Adam Shankman Guion Brigitte Hales, según la historia de J. David Stem, David N. Weiss y Richard LaGravenese basada en los personajes creados por Bill Kelly Fotografía Simon Duggan Música Alan Menken y Stephen Schwartz Intérpretes Amy Adams, Patrick Dempsey, Maya Rudolph, Gabriella Baldacchino, Idina Menzel, James Marsden, Yvette Nicole Brown, Jayma Mays, Kolton Stewart y las voces de Alan Tudyk y Griffin Newman Estreno en Disney+ 18 noviembre 2022

En 2007 la película Encantada supuso uno de los últimos coletazos de Disney en animación tradicional, aunque en este caso combinada con imagen real. El final definitivo de la técnica que les había llevado a lo más alto lo darían dos años después con La princesa y el sapo. Quince años después la insaciable empresa vuelve a la carga con esta secuela de las aventuras de Giselle, que deja de ser un dibujo animado residente en Andalasia para formar familia pija en Nueva York, donde se parte de la premisa de que aquello de …y vivieron felices no siempre se cumple.

No es que la pobre malviva, sufra maltrato o no llegue a fin de mes, simplemente se siente infeliz porque echa de menos su mundo de cuentos, magia y fantasía. Pretende encontrarlo en una pequeña ciudad de fábula en las afueras de la gran ciudad, pero competir con una vecina arpía y con su propia y desdichada hijastra adolescente, le obligan a manifestar un conjuro que lo convertirá todo en un mundo de color y fantasía, pero también de rivalidades, lucha de reinas y demostración de que una madrastra no siempre responde al concepto que de ella se tiene.

Adam Shankman, especializado en musicales como Hairspray, Rock of Ages o algunos episodios de la serie Glee, se encarga de dirigir con más oficio que pasión esta rocambolesca y barroca trama, más todavía con su opulenta y recargada puesta en escena y con un guion tan alucinógeno que casi podríamos tildar de esperpéntico, que sirve para rescatar este personaje de princesa Disney y destinarla directamente a la plataforma digital de la empresa. Mucho color, un suntuoso vestuario, muchos efectos visuales y la participación del elenco original salvo Susan Sarandon, apenas sirven para matar el tiempo una tarde de aburrimiento, mientras suenan las canciones de Menken y Schwartz, esta vez menos inspiradas que las del film precedente.