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miércoles, 25 de marzo de 2026

ZETA Imposible remedo ibérico

España 2026 125 min.
Dirección
Dani de la Torre Guion Oriol Paulo, Jordi Vallejo y Dani de la Torre Fotografía Josu Inchaustegui Música Manuel Riveiro Intérpretes Mario Casas, Luis Zahera, Mariela Garriga, Nora Navas, Christian Tappán, Cristina Umaña, Ricardo de Barreiro, Pablo Álvarez, Nieve de Medina, Luisa Vides, Amanda Goldsmith Estreno en Amazon Prime 20 marzo 2026

Curtido en cintas de acción e intriga como El desconocido, La sombra de la ley, así como la serie de televisión Marbella, el gallego Dani de la Torre se encarga en su cuarto largometraje, tras la simpática y amable Live Is Life. La gran aventura, de bautizar al que parece pretenderse sea un nuevo héroe de acción al estilo de Jason Bourne o Ethan Hunt, desde una óptica ibérica totalmente desprejuiciada y desacomplejada. El problema es que el proyecto se acaba asumiendo a imagen y semejanza del cine estadounidense al que pretende dar réplica, lo que provoca que, a pesar de un holgado presupuesto y una factura técnica importante, los resultados queden muy por debajo de sus modelos a todos los niveles, tanto de espectáculo como de guion.

Así, el trío de autores plantean una trama bastante risible, muy básica y absolutamente previsible, con un Mario Casas cada vez más musculoso e hipertrofiado, protagonista que bebe de sus hermanos traumatizados y con rostro impenetrable, sin atisbo de humor ni gracia, y lo que es peor, sin apenas relieve. A partir de ahí, Luis Zahera le da réplica sin esfuerzo alguno, pero tampoco sin aportar mayor interés a una trama definitivamente endeble. Las escenas de acción quedan muy por debajo de lo deseable, y todo se rellena con un exceso discursivo destinado a explicarlo todo al detalle y que el público lo entienda todo sin complicación.

No se logra, por lo tanto, dar al conjunto un aroma propio, cayendo incluso en ese desprecio habitual y absoluto en este tipo de producciones por la vida, que provoca decenas de muertos en cada secuencia de acción. Una copia sin entidad propia, mucho vuelo de dron, multitud de localizaciones, aunque a la larga parezca que la mayoría de concentran en un escenario único camuflado para cada ocasión, y personajes acartonados y sin entidad propia, como esa Nora Navas, ejecutiva del CNI con imposible peluca que se encarga de dar réplica femenina a la testosterona de la pareja protagonista, mientras la actriz cubana Mariela Garriga se apunta a la masculinidad en igualdad de malas condiciones que sus protagonistas de reparto. Una música omnipresente, siguiendo idénticos cánones que el resto de la propuesta, se encarga de redondear el desaguisado.

jueves, 29 de enero de 2026

PREPARACIÓN PARA LA PRÓXIMA VIDA Correr hacia un feliz horizonte

Título original: Preparation for the Next Life
Francia 2025 115 min.
Dirección
Bing Liu Guion Martyna Majok, según el libro de Atticus Lish Fotografía Ante Cheng Música Emile Mosseri Intérpretes Sabiye Behtiyar, Fred Hechinger Estreno en Estados Unidos 5 septiembre 2025; en España (Amazon Prime) 19 enero 2026

En su debut en el largometraje de ficción, el joven director chino nacionalizado estadounidense Bing Liu nos cuenta una morosa y tristona historia de amor entre una joven uigur (del noroeste de China) que se busca la vida y un joven licenciado del ejército que decide gastarla. Todos y todas jóvenes y debutantes, se entregan no sin cierta pasión pero con una sencillez demoledora, carente de pretensiones, a esta historia de esperanza y confianza en una buena y digna vida sin esperar a la siguiente, como parece ser el postulado de la religión musulmana que profesa sin mucha convicción la protagonista.

Una mujer decidida y fuerte que confía en el trabajo y el esfuerzo para labrarse en esta vida la felicidad y el bienestar que ansía, y que su condición de inmigrante indocumentada le pone todavía más difícil. La administración Trump como telón de fondo, malogrando sueños y esperanzas de tanta y tanta gente, pero también la sombra de un padre prematuramente muerto al que la protagonista evoca continuamente como señal de fortaleza y convicción a la hora de perseguir sus metas, de correr hacia su montaña, una de las frecuentes licencias poéticas que se permite la película.

La irrupción del amor en forma de flechazo, proporcionará cierta ternura pero también toxicidad a sus cometidos, con la comunidad china residente en Nueva York como escenario. Su lucha entre propósitos y caprichos deviene en tesis argumental de una película que avanza lenta pero con interés, y a la que se entregan en cuerpo y alma sus protagonistas, mientras de fondo les une una canción de José Luis Perales, aquel lejano Velero llamado Libertad.

jueves, 30 de octubre de 2025

EDÉN La isla de las manipulaciones

Título original: Eden
USA 2024 129 min.
Dirección
Ron Howard Guion Noah Pink Fotografía Matthias Herndl Música Hans Zimmer Intérpretes Jude Law, Ana de Armas, Vanessa Kirby, Sydney Sweeney, Daniel Brühl, Jonathan Tittle, Felix Kammerer, Toby Wallace, Ignacio Gasparini, Richard Roxburgh, Paul Gleeson, Thiago Moraes Estreno en el Festival de Toronto 7 septiembre 2024; en Estados Unidos 22 agosto 2025; en España (Amazon Prime) 24 octubre 2025 


Siguiendo la estela de películas que adaptan material previamente llevado al documental, Edén ofrece en versión ficción la historia que hace diez años se contó en The Galapagos Affair: Satan Comes to Eden, un interesante documental sobre el misterio que rodeó la estancia de una serie de personajes en el período de entre guerras, la década de 1930, en una de las Islas Galápagos, Floreana. Allí se mudó el doctor Friedrich Ritter y su compañera Dore Strauch, en busca del reposo y el aislamiento que le permitiera reflexionar en términos filosóficos sobre el devenir de la humanidad, siguiendo ese peligroso ciclo democracia-fascismo-guerra en el que lamentablemente parece que nos encontramos en la actualidad. 
Pronto se les adhirieron la familia Wittmer también provenientes de Alemania, admiradores del trabajo de Ritter. La convivencia no fue fácil, pero menos aún lo fue cuando apareció el tercer personaje en discordia, una supuesta baronesa y su séquito, con la supuesta intención de construir un hotel de lujo. A partir de ahí se sucedieron manipulaciones, rencillas, traiciones e intrigas, convirtiendo el supuesto paraíso en un pequeño paradigma de la verdadera condición humana.

Quizás no sea Ron Howard el director más apropiado para llevar a la pantalla una historia tan sórdida, sombría y cruel, lo que hace seguramente que no nos encontremos ante una de sus mejores películas, como las recientes Rush o Trece vidas, pero tampoco es de las peores, y al menos sirve para conocer esta inquietante e insólita historia. El encargado del guion ha probado ya cierta pericia en el trabajo con personajes reales, como atestiguan la serie Genius y la película Tetris.

En su multiestelar reparto destaca el trabajo de Ana de Armas, muy involucrada como baronesa, mientras el aspecto musculado de Jude Law no sintoniza con la precariedad alimenticia que está obligado a soportar en la angosta isla. Aparte de las gratuitas referencias pictóricas al Caminante sobre el mar de nubes de Caspar David Friedrich, y a un metraje desmesurado, la cinta se deja ver con cierto interés y curiosidad, y merece entre otras cosas por el, a nuestro juicio, espléndido trabajo de la actriz hispano cubana.

viernes, 2 de mayo de 2025

OTRO PEQUEÑO FAVOR Entretenimiento ligero y sofisticado

Título original: Another Simple Favor
USA 2025 120 min.
Dirección Paul Feig Guion Darcey Bell, Jessica Sharzer y Laeta Kalogridis Fotografía John Schwartzman Música Theodore Shapiro Intérpretes Anna Kendrick, Blake Lively, Allison Janney, Michele Morrone, Elena Sofia Ricci, Alex Newell, Andrew Rannells, Kelly McCormack, Henry Golding, Joshua Satine, Ian Ho, Elizabeth Perkins, Bashir Salahuddin Estreno en Amazon Prime 1 mayo 2025


Para quienes sólo pretendan pasar un par de horas entretenidas, de forma ligera y sin muchas complicaciones, llega esta secuela de una comedia de intriga ingeniosa y sofisticada que se estrenó hace seis años en salas. Su distribución ahora se limita a plataformas domésticas digitales y su responsable vuelve a ser Paul Feig, que desde aquella infame y grosera La boda de mi mejor amiga, ha ido suavizando paulatinamente sus formas, con Espías, Cazafantasmas (2016), Un pequeño favor y la cursilona Last Christmas marcando ese camino de progresiva redención.

La película vuelve a reunir a las dos amigas enemigas que incorporan con oficio y acierto la simpática Anna Kendrick y la siempre fascinante Blake Lively, que junto a su extravagante y a menudo delirante vestuario, es uno de los alicientes de la cinta, además de su localización en la isla de Capri, potenciando toda la sofisticación posible, que incluye un elenco italiano de considerable atractivo comercial. Todo al servicio de una intriga disparatada en la que lucen algunos increíbles efectos visuales y en la que impera la luz, fuera y dentro, a veces hasta el extremo de parecer más un producto televisivo que puramente cinematográfico.

No obstante, se disfruta en la medida en que se admire a sus protagonistas, sus hermosas localizaciones y su esmerada sofisticación, siempre lejos de la película a la que sirve de secuela, más fresca y atrevida, aunque en el fondo abunden también los diálogos y las situaciones disparatadas, con todo el descaro al antojo de su equipo artístico y de producción.

jueves, 3 de abril de 2025

HOLLAND Una de detectives aficionados

USA-Reino Unido 2024 108 min.
Dirección
Mimi Cave Guion Andrew Sodroski Fotografía Pawel Pogorzelski Música Alex Somers Intérpretes Nicole Kidman, Gael García Bernal, Matthew Macfayden, Jude Hill, Lennon Parham, Rachel Sennott, Jeff Pope, Isaac Krasner Estreno en Amazon Prime 27 marzo 2025

Después de realizar varios videos de pop alternativo y dirigir el telefilm Fresh, también con connotaciones morbosas y supuestas críticas sociales, Mimi Cave debuta en el largometraje, aunque su película haya acabado igualmente en plataformas domésticas. El resultado es un film fallido y disparatado, cuyo principal problema reside en la falta total de química de su pareja protagonista, colegas de profesión y detectives aficionados a los que dan vida una retocadísima pero siempre eficaz Nicole Kidman y un Gael García Bernal poco inspirado y menos implicado en la truculenta y enrevesada trama que le ha tocado protagonizar.

Otro problema fundamental es su falta de identidad del conjunto, que no se sabe si se trata de una intriga romántica o criminal, una comedia o un thriller, aunque seguramente sea todo eso sin profundizar en nada y sin lograr combinar géneros de forma satisfactoria. Su cuidada ambientación y el reclamo de sus estrellas, entre quienes se encuentra el niño Jude Hill, descubierto en Belfast de Kenneth Branagh, no consiguen que el producto levante el vuelo. Tampoco encaja lo que se vislumbra como una crítica al mundo típicamente suburbano.

A pesar de todo, se deja ver como entretenimiento sofisticado y un pelín marciano, mientras su verdadera gracia reside en comprobar cómo tantos estadounidenses siguen anclados, con todo el orgullo que ello conlleva, en las costumbres ancestrales de los países europeos de donde provienen, por muchos aranceles con los que el viejo continente sea castigado por supuesto parasitismo. Lástima que en su guion abunden las lagunas y las soluciones de chistera, mientras no acabamos de comprender por qué necesita ambientarse en los noventa del pasado siglo.

domingo, 2 de marzo de 2025

NICKEL BOYS Irriante experimento formal

USA 2024 140 min.
Dirección
RaMell Ross Guion RaMell Ross y Joslyn Barnes, según la novela de Colson Whitehead Fotografía Jomo Fray Música Alex Somers y Scott Alario Intérpretes Ethan Herisse, Brandon Wilson, Aunjaue Ellis-Taylor, Hannish Linklater, Fred Hechinger, Daveed Diggs, Robert Aberdeen, Gralen Bryant Banks Estreno en el Festival de Telluride (USA) 30 agosto 2024; en Amazon Prime 27 febrero 2025


Desconcertante debut en el largometraje de RaMell Ross, convertido así, de la noche a la mañana, en objeto de culto e incomprensible admiración. Se trata de la adaptación de una novela ganadora del Pulitzer (¡qué bien venden los americanos todo lo suyo!), que como Sugarcane, otro trabajo en liza para los Oscar, en este caso en el apartado de mejor documental, indaga sobre la limpieza étnica en uno de esos centros educativos o reformatorios que con el tiempo han arrojado escalofriantes cifras de abusos y fallecidos. Pero la cinta de Ross no se limita a ser una denuncia o un alegato sobre la barbarie de un país considerado civilizado y que quizás se erige como el más racista del mundo occidental, por no decir del mundo en general.

Donde allí eran indios canadienses, aquí son una vez más negros, en concreto dos jóvenes a quienes sólo vemos juntos una vez, gracias a un espejo en el techo que los refleja y sirve como cartel anunciador. Porque el resto del tiempo, la cámara adopta una posición subjetiva y vemos a cada uno de los protagonistas con los ojos del otro, por lo que siempre hay uno que escapa a nuestra perspectiva, en lo que se convierte en caprichoso y a la postre irritante ejercicio de experimentación formal. Todo se reduce entonces a dos horas y veinte minutos tediosos, hundidos en una narrativa caprichosa, que juega constantemente al desafío, por lo que hay que estar muy atento y espabilado para comprender el conjunto de adversidades por el que atraviesan los dos jóvenes en una crónica con tendencia permanente a la impostura y el preciosismo estético, incluido el formato cuadrado y la música vanguardista.

Fuera de este prisma queda la denuncia, la catarsis emocional y el juego dialéctico, que pierden fuerza y efectividad a favor del experimento, para entregarse todo a la videocreación artística y el desapego hacia todo lo grave que se cuenta, las atrocidades perpetradas en el centro al que alude su título, Nickel. Habrá quien quiera ver poesía, pero por mucho que cuente con el beneplácito de industria y crítica, rendida a sus supuestos encantos, a nosotros sólo se nos antoja una película pedante y ridícula.

jueves, 4 de abril de 2024

REMANDO COMO UN SOLO HOMBRE Elogio del trabajo en equipo y el cine clásico

Título original : The Boys in the Boat
USA 2023 124 min.
Dirección
George Clooney Guion Jon Hartmere, Mark L. Smith y Chris Weitz, según el libro de Daniel James Brown Fotografía Martin Ruhe Música Alexandre Desplat Intérpretes Joel Edgerton, Callum Turner, Peter Guinness, Sam Strike, Hadley Robinson, Courntey Henggeler, Jack Mulhern, James Wolk, Alec Newman, Sam Douglas, Luke Slattery, Thomas Elms, Bruce Herbelin-Earle, Will Coban, Tom Varey, Joel Phillimore Estreno en Estados Unidos 25 diciembre 2023; en España (Amazon Prime) 29 marzo 2024


Con la última de sus nueve películas como director, posiblemente un trabajo de encargo, Clooney ha abandonado ese estilo pretencioso y pedante que le caracteriza, siendo el resultado  la cinta más encantadora y amable de cuantos títulos conforman esa filmografía. En cierto modo se trata de un sentido homenaje al cine clásico, con una narrativa sencilla y bien articulada, una galería de personajes sólida y un desarrollo emotivo enfocado hacia el trabajo en equipo, del que la nación estadounidense siempre se ha sentido orgullosa e identificada. 
Cuenta una de esas historias de superación que tanto gusta a la cultura norteamericana, basándose en el caso real de un grupo de universitarios en la pésima situación económica que les ha dejado la depresión económica del 29, que encuentran en la práctica del remo y la configuración de un equipo su modus vivendi y posibilidad de recuperar una vida más amable y placentera.

Como siempre en estos casos, hay una gesta, traducida en la participación del equipo primerizo de remo del estado de Washington en los Juegos Olímpicos del 36 en Berlín, con aparición incluida del legendario corredor Jesse Owens enfrentado no sólo a los prejuicios racistas nazis sino con más razón a los de su propio país. El camino paga todos los peajes de un producto de estas características, entrenador y seleccionador muy implicado, al que da vida el siempre eficaz Joel Edgerton, personaje central con el que sentirse identificado, Callum Turner en el papel más sólido y completo hasta ahora de su filmografía, el consabido romance y esa vista nostálgica al pasado a la que tanto contribuye, además de la pericia y profesionalidad de un Clooney contenido y adaptado, la hermosa fotografía y la encantadora partitura de Desplat.

Sus deslumbrantes tomas aéreas de las competiciones de remo que configuran sus puntos de inflexión, contribuyen sobremanera al hermoso acabado de la película. El deporte aparece así considerado, una vez más, como medio para la solidaridad, la camaradería y la felicidad personal plagada de reto, éxito y superación, y vuelve de esa manera a protagonizar un viaje tan entrañable como dulce que supone además un estímulo emocional.

sábado, 30 de marzo de 2024

ROAD HOUSE. DE PROFESIÓN: DURO Una de mamporros y poco más

Título original: Road House
USA 2024 114 min.
Dirección
Doug Liman Guion Anthony Bagarozzi y Charles Mondry, según el guion original de Hilary Henkin y David Lee Henry Fotografía Henry Braham Música Christophe Beck Intérpretes Jake Gyllenhaal, Billy Magnussen, Daniela Melchior, Conor McGregor, Lukas Gage, Joaquim de Almeida, Jessica Williams, B.K. Cannon, Dominique Columbus, Austin Post, Darren Barnet Estreno en Amazon Prime 21 marzo 2024

Un desconocido Rowdy Herrington dirigió en 1989 Road House 
a la mayor gloria de Patrick Swayze. La mala acogida de la cinta por parte de la crítica provocó que el director quedara relegado a una serie B permanente, con cintas tan mediocres como Gladiator (olvidada película de boxeo de igual título que la epopeya que Ridley Scott rodó ocho años después) y Persecución mortal, improbable film de acción y seducción con Bruce Willis y Sarah Jessica Parker como protagonistas. Pero aquel drama de acción sobre un experto en seguridad contratado para poner orden en un bar y de paso en toda una comunidad dominada por un mafioso sin escrúpulos ni compasión, tenía suficientes encantos como para lograr un buena cifra en taquilla y, con el paso de los años, convertirse en un film de culto que ahora disfruta del consabido remake de la mano de Doug Liman, un experto en cine de acción que ha cosechado éxitos como Barry Seal: El traficante, Al filo del mañana, El caso Bourne o Sr. y Sra. Smith, aunque sus arranques (Swingers) prometieran otro tipo de cineasta más comprometido y serio.

Pero los tiempos cambian y nuestra inocencia se ha ido perdiendo paulatinamente, de forma que todo el encanto que tenía aquel modesto film de 1989, incluida una banda de country rock que amenizaba la acción con un buen puñado de canciones, y un romance previsible que añadía amabilidad a la cinta, sin olvidar su moraleja y ajuste de cuentas un poco a lo Frank Capra con solidaridad y colaboración entre los humillados empresarios del lugar, han dado paso a un film de acción pura y dura, con héroe protagonista naturalmente atormentado (también Swayze lo estaba, pero de otra forma, no con gesto taciturno y pose indiferente como el que luce Gyllenhaal) y una trama que conduce inevitablemente al gran duelo final con el luchador profesional irlandés Conor McGregor en su debut como actor después de protagonizar dos documentales sobre su figura.

Mientras Gyllenhaal se mantiene más recatado que Swayze, McGregor se encarga de suplir ese puritanismo con una buena dosis de exhibición física. Por lo demás, asistimos a la sempiterna descarga de adrenalina a fuerza de una buena coreografía y un rodaje plagado de efectos técnicos y fotográficos de auténtico vértigo, mientras el resto, incluida la alarmante falta de definición del reparto, no logra insuflar demasiado interés.

miércoles, 21 de febrero de 2024

AMERICAN FICTION No es cuestión de color

USA 2023 117 min.
Guion y dirección
Cord Jefferson, según la novela de Percival Everett Fotografía Cristina Dunlop Música Laura Karpman Intérpretes Jeffrey Wright, Tracee Ellis Ross, Issa Rae, Sterling K. Brown, John Ortiz, Erika Alexander, Leslie Uggams, Adam Brody, Myra Lucretia Taylor, Raymond Anthony Thomas, Keith David, Okieriete Onaodowan, Miriam Shor Estreno en el Festival de Toronto 8 septiembre 2023; en Estados Unidos 22 diciembre 2023; en España (Amazon Prime) 27 febrero 2024

La reciente irrupción de películas como ésta o Los que se quedan hacen presagiar una recuperación de ese cine amable y a la vez inteligente que hace mucho no se cultiva en Estados Unidos. Tirando de nostalgia en el caso de Alexander Payne, mirando más hacia el presente y la modernidad en el del debutante Cord Jefferson, apenas entrenado en la televisión, ambas son comedias sentimentales con las que no resulta difícil empatizar e identificarse, participar y obtener un poco de felicidad. 
Jeffrey Wright interpreta a un escritor negro serio y comprometido con su talento y su profesión, no con su raza. Hace tiempo que su familia dejó de estar del lado de los oprimidos y han disfrutado de los mismos privilegios y comodidades que los blancos, por lo que detesta la literatura barata y el arte en general que explota la opresión y la condición de raza. Pero las circunstancias le harán tomar un camino inesperado, traicionarse a sí mismo y vivir en la mentira.

Jefferson maneja todo este entramado con sentido de la ironía y hasta el sarcasmo, con un estilo elegante y fluido y la ayuda de un reparto ejemplar. Los chispeantes diálogos, la sofisticación del conjunto y el carisma de sus personajes hacen que el visionado del film se convierta en pura delicia y todo suceda con naturalidad y mucha frescura, hasta que volvamos a confiar en esa comedia americana que se ríe de sí mismo y se atreve a arremeter contra todo, especialmente contra la mediocridad y la influencia que sobre todos y todas ejercen quienes llevan las riendas del cuento.

Y como parece que el cine literario tenga que estar asociado al jazz, la compositora Laura Karpman riega el acontecimiento con una espléndida e igualmente elegante partitura musical, aderezada con clásicos de Ace Spectrum, Gene Harris, Sonya Spence o Cannoball Adderley & Miles Davis. Aunque el mote del protagonista sea Monk por llamarse Thelonius, no hay rastro sin embargo en esta espléndida banda sonora del genial pianista y compositor estadounidense.

martes, 2 de enero de 2024

SALTBURN Ripley pone Brideshead patas arriba

Reino Unido-USA 2023 127 min.
Guion y dirección
Emerald Fennell Fotografía Linus Sandgrem Música Anthony Willis Intérpretes Barry Keoghan, Jacob Elordi, Rosamund Pike, Richard E. Grant, Alison Oliver, Archie Madekwe, Carey Mulligan, Reece Shearsmith Estreno en Reino Unido y Estados Unidos 17 noviembre 2023; en España (internet) 22 diciembre 2023


Para su segunda película como directora, tras el éxito cosechado con Una joven prometedora, Emerald Fennell se adjudica un guion original que en realidad contiene multitud de referentes, partiendo de la idea de base, calcada de Retorno a Brideshead, cuyo autor Evelyn Waugh es mencionado en uno de los diálogos de la película para que no quede duda al respecto. También Patricia Highsmith y su carismático Ripley cobran peso en esta disparatada e irritante película con la que la realizadora pretende multiplicar el éxito de su debut provocando con el pretexto de diseccionar las costumbres rancias y caprichosas de una clase aristocrática todavía con un supuesto fuerte peso en la sociedad británica.

Lo cierto es que la cinta se disfruta en cuanto a su atractivo reparto y su lujosa y luminosa puesta en escena, con el aval de la ambientación en Oxford y una de esas suntuosas mansiones góticas británicas que tanto fascinan a un público que no parece cansarse de la flema británica. En el centro, un personaje misterioso con el que Barry Keoghan, nominado al Oscar el año pasado por Almas en pena de Inisherin, parece consagrase definitivamente. Él y la siempre fascinante presencia de Rosamund Pike acaban por convertirse en el único atractivo real de una película que se va disparatando paulatinamente y perdiéndose en el mismo laberinto que parece servirle de asunto.

Y sin embargo, debido a la aceptación que está teniendo en algunos círculos, podría convertirse con el tiempo en película de culto. Nosotros, de momento, sólo hemos encontrado una ambiciosa y hasta pretenciosa obsesión por defenestrar a sus personajes y ambientes con el mayor impacto visual, narrativo y estético posible, aunque por extensión nos deje un desinhibido baile final de su considerablemente inquietante protagonista.

martes, 26 de septiembre de 2023

CASSANDRO El luchador sin máscara

USA-México 2023 107 min.
Dirección
Roger Ross Williams Guion David Teague y Roger Ross Williams Fotografía Matías Penachino Música Marcelo Zarvos Intérpretes Gael García Bernal, Roberta Colindrez, Perla de la Rosa, Joaquín Cosío, Raúl Castillo, Bad Bunny Estreno en el Festival de Sundance 20 enero 2023; en Estados Unidos 15 septiembre 2023; en España (Amazon Prime) 22 septiembre 2023

Con un panorama tan plagado de productos que se repiten hasta la saciedad, se agradece algo que cuente una historia distinta, y la de Saúl Armendáriz, luchador norteamericano de origen hispano que saltó a la fama por aprovechar su condición gay para dar un espectáculo en el ring atrevido y diferente, sin duda lo es. Tras la cámara Roger Ross Williams, que hasta ahora sólo había dirigido documentales, uno de los cuales, Love to Love You, Donna Summer, se estrenó hace poco. En su salto a la ficción, eso sí basada en hechos reales, cuenta con dos bazas fundamentales, las divertidas y originales coreografías de las numerosas luchas (libres) que se acumulan en su metraje, y la interpretación de Gael García Bernal, rebosante de frescura y vitalidad, pero sobre todo tan atrevida en sus atuendos, mohines y posturas.

Alrededor de él destaca también la actuación de Perla de la Rosa como madre con quien mantiene una relación muy especial llena de ternura y complicidad, así como la intervención del rapero Bad Bunny en un papel secundario. Sin embargo no parece que Williams y su coguionista hayan encontrado mucho material dramático para su película, al margen del afán de superación del protagonista y su preparación para enfrentarse al ídolo de la profesión en México, El hijo de El Santo, quien además aparece como una colaboración especial en el film. La relación de Cassandro con un hombre casado surge de la nada, mientras su difícil, por no decir nula, relación con el padre ausente se trata con demasiado superficialidad y convencionalismo.

Con todo el film se disfruta por su originalidad, sus divertidas coreografías y cierta sensación de liviandad que evita tópicos a pesar de tratar un tema tan espinoso como es el de la identidad sexual en un mundo excesivamente machista. Sin embargo, incluso en este extremo extraña que no fuera él el único travesti en el ring, apareciendo otros que incluso echan mano de su vena folclórica a la hora de subirse a él y enfrentarse a sus enmascarados contrincantes. Surge ahí la paradoja, son los otros los que llevan máscara, no los valientes que exhiben su diferencia sin prejuicios. Por cierto, el verdadero Cassandro el Exótico fue protagonista de un documental sobre su extravagante figura hace apenas un lustro.

martes, 22 de agosto de 2023

ROJO, BLANCO Y SANGRE AZUL Progreso frente a tradición

Título original: Red White & Royal Blue
USA 2023 118 min.
Dirección
Matthew López Guion Matthew López y Ted Malawer, según la novela de Casey McQuiston Fotografía Stephen Goldbaltt Música Drum & Lace Intérpretes Taylor Zakhar Pérez, Nicholas Galitzine, Uma Thurman, Clifton Collins jr., Rachel Hilson, Sarah Shahi, Stephen Fry, Ellie Bamber, Thomas Flynn Estreno en Amazon 11 agosto 2023


Tras debutar como guionista en la serie de televisión creada por Aaron Sorkin The Newsroom, Matthew López se embarca ahora como director en la adaptación de una exitosa novela rosa que no disimula su ambición política y social. Bajo una ficción muy parecida a la realidad, con orientación sexual suplantando al matrimonio interracial, el hijo de la presidenta de Estados Unidos y el hermano del heredero a la corona inglesa, mantienen una relación romántico sexual furtiva, mientras sus respectivos países se esfuerzan por salvaguardar las buenas relaciones que históricamente les han caracterizado.

La propuesta da para una comedia romántica con su porción de enredo, bien urdida y con un sabor clásico y añejo muy agradecido, sin renunciar a una vistosa modernidad. Pero en el camino se introducen ideas interesantes, bajo un guion modélico en el que se vislumbra el esfuerzo y el interés desplegado fundamentalmente por López, su principal artífice. La inutilidad y el anacronismo de una institución como la monárquica es puesta en evidencia, aunque para ello no se dude en plasmar los fastos de la realeza y su atractivo mediático y popular. Sus jóvenes protagonistas son por supuesto todo lo apuestos y atractivos que cabía esperar, y por supuesto nada afectados y muy masculinos, siguiendo el patrón generalizado.

La empresa sirve fundamentalmente para pasar un rato entretenido y dejar claras las virtudes de una república, en la que los mandatarios o mandatarias (como es el caso gracias a la intervención de Uma Thurman) son elegidos por el pueblo y pueden provenir de la clase trabajadora en el mejor de los casos, frente a la anquilosada y en términos generales inútil institución monárquica, aunque para limar asperezas acabe funcionando como modelo para los súbditos. Un variopinto escaparate de secundarios y secundarias, con espacio para todo tipo de raza y condición potenciando así su voluntad de corrección política, colabora al éxito de la empresa, su facilidad de digestión y la alegría que en general destila su propuesta. En su variada banda sonora hay sitio hasta para Rigoberta Bandini.

lunes, 13 de marzo de 2023

MI POLICÍA Aseada crónica de una realidad aberrante

Título original: My Policeman
Reino Unido-USA 2022 113 min.
Dirección
Michael Grandage Guion Ron Nyswaner, según la novela de Bethan Roberts Fotografía Ben Davis Música Steven Price Intérpretes Harry Styles, Emma Corrin, David Dawson, Linus Roache, Gina McKee, Rupert Everett, Freya Mavor Estreno en el Festival de Toronto 11 septiembre 2022; en Amazon Prime 4 noviembre 2022


El director británico Michael Grandage parece tener especial predilección por las adaptaciones literarias. Después de las estimables Genius (aquí El editor de libros) sobre el famoso editor Max Perkins, y Red sobre el artista Rothko, basada en una obra de John Logan, autor del guion de la anterior, ahora adapta una novela de Bethan Roberts que indaga sobre los daños colaterales que provocaba la moral judeocristiana imperante en los países de nuestro entorno no hace mucho tiempo, cuando de saltarse las normas se trataba.

Nos referimos al matrimonio con el que muchos encubrían la homosexualidad, y las motivaciones que uno y otra integrantes de la pareja tenían para mantener una relación ficticia al menos en lo que a atracción física y sexual se refiere. De paso se tratan temas también como la redención y la expiación de la católica culpa. El problema es que Grandage echa mano de una escritura muy aséptica y poco emotiva, mientras su atractivo reparto, encabezado por un Harry Styles cada vez más integrado en el cine, tras No te preocupes, querida y desde su lanzamiento como miembro del grupo One Direction, tampoco muestra demasiado entusiasmo en encarar esta rutinaria historia de trío sentimental ambientado en Brighton en dos épocas, los años cincuenta de la juventud y el más próximo a nuestro tiempo de una madurez casi senectud.

Todo queda sí en una bonita postal, que hace bien en divulgar un problema que todavía arrastran muchas parejas, sobre todo de clase acomodada y moral católica, pero que podría haberse abordado desde una óptica más apasionada y emocionante. Cuarenta años después de Su otro amor (Making Love), esta película sabe ciertamente a poco.

sábado, 6 de agosto de 2022

TRECE VIDAS Épica heroica, solidaria y sentimental

Título original: Thirteen Lives
Reino Unido 2022 142 min.
Dirección
Ron Howard Guion William Nicholson, según la historia de Don MacPherson basada en hechos reales Fotografía Sayombhu Mukdeeprom Música Benjamin Wallfisch Intérpretes Colin Farrell, Viggo Mortensen, Joel Edgerton, Tom Bateman, Paul Gleeson, Teeradon Supunpinyo, Pasakorn Hoyhon, Giradi Sugiyama, Nophand Boonyai Estreno en Amazon Prime 5 agosto 2022


El 23 de junio de 2018 un equipo infantil de fútbol y su entrenador quedaron atrapados en la cueva tailandesa Tham Luang Nang No (Gran cueva de la Dama Dormida) como consecuencia de una repentina lluvia torrencial un par de semanas antes de que llegara la temporada del monzón. La nueva película de Ron Howard es sin duda la mejor de ficción que ha realizado desde Rush, con escalas en las también estimables En el corazón del mar y Han Solo, y no tanto en las más endebles Inferno y Hillbilly: Una elegía rural. Entre medio ha puesto a prueba su particular visión del documental con retratos de Pavarotti, The Beatles (Eight Days a Week) y el chef español José Andrés (Alimentando el mundo), justo este año que ha perfilado su tendencia humanista también con esta emocionante y emotiva película.

La película narra el complicadísimo rescate que tuvieron que llevar a cabo las fuerzas armadas del país, sus unidades especiales de salvamento submarino (Navy Seal) y un sinfín de voluntarios llegados de todas partes del globo, si bien pone especial énfasis en el trabajo radical, decidido e ingenioso de cuatro submarinistas ingleses. No cabe duda de que la aportación de estos auténticos y reales héroes fue decisiva, pero tampoco que la película, de capital inglés y americano, encuentra en ellos su principal motivación y punto de interés. Eso no le resta valor a un trabajo que en su dilatado metraje, quizás lo más inconveniente de la cinta, transmite valores esenciales pero a menudo despreciados como el trabajo en equipo, la solidaridad humana, el entrenamiento físico como fuente de salud y resistencia, e incluso la fe en las fuerzas de la naturaleza a través del autocontrol y la meditación.

Howard, con la ayuda de William Nicholson (Gladiator, Los miserables) al guion, ha sabido conjugar todos estos aspectos en esta película excepcional, tan llena de vida como la de los trece chavales que se reivindican, dejando atrás polémicas suscitadas entonces sobre si despertaban el mismo coraje y determinación los cientos de niños ahogados en el Mediterráneo mientras buscaban una vida mejor. Aquí destaca esa fuerza sobrehumana para poner todos los recursos técnicos y humanos a nuestro alcance para remediar una situación trágica y angustiosa, de la misma manera que tan a menudo el género saca todo su potencial para aniquilar al prójimo indiscriminada y salvajemente. Es la cara y la cruz de nuestra civilización, perfectamente estructurada por un director tan veterano como sabio, y un equipo artístico de primer orden en el que solo poder admirar el trabajo de Mortensen, Farrell y Edgerton ya emociona y pone la piel de gallina. Conviene abstenerse de refrescar nuestros conocimientos sobre los acontecimientos reales, con el fin de mantener toda la angustia y la inquietud que el film sabe tan bien reflejar.

martes, 4 de enero de 2022

SER LOS RICARDO Radiografía de un sistema enfermo

Título original: Being the Ricardos
USA 2021 132 min.
Guion y dirección
Aaron Sorkin Fotografía Jeff Cronenweth Música Daniel Pemberton Intérpretes Nicole Kidman, Javier Bardem, J.K. Simmons, Nina Arianda, Tony Hale, Alia Shawkat, Jake Lacy, Clark Gregg, Linda Lavin, Ronny Cox, John Rubinstein Estreno en Estados Unidos 10 diciembre 2021; en internet (Amazon Prime) 21 diciembre 2021


Tras el éxito el año pasado de El juicio de los 7 de Chicago, el director y guionista Aaron Sorkin (La red social, El ala oeste de la Casa Blanca) vuelve a radiografiar la política y sociedad norteamericana para poner en evidencia sus orígenes enfermizos a través de un fenómeno concreto, el show de televisión de los años cincuenta I Love Lucy. Nos cuenta así una historia de frustración, prejuicios y caza de brujas en una época crucial para la definición de la cultura que ha imperado en este mundo desde hace ya prácticamente un siglo. Partiendo del matrimonio formado por Lucille Ball y Desi Arnaz, la película de Sorkin se centra sobre todo en el personaje de ella, una mujer despierta e inteligente, sensual y aparentemente ecléctica a la que el sistema sin embargo marginó en papeles siempre cómicos con un punto mamarracho.

Tres ejes conforman el motor de esta cinta, la acusación de comunista de la protagonista, su embarazo y la salvación de su matrimonio, permanentemente amenazado por la promiscuidad sexual de él, un actor y músico de origen cubano que triunfó en Estados Unidos de la mano de su orquesta, el cine y los shows televisivos que primero protagonizó y luego produjo a través de la compañía fundada por él y su esposa, Desilu, detrás de la cual estuvieron también éxitos como Star Trek o Los intocables, antes de venderse y convertirse en Paramount Television. En este marco asistimos a la trágica crónica de una democracia, aparentemente la más sofisticada y adelantada del mundo por entonces, cuyo comportamiento tanto se asemejaba al de una dictadura que casi funcionaba como referente para gobiernos abiertamente totalitarios como Chile o España, según la época, como modelo en el que mirarse. Solo así se comprenden prejuicios como la diferencia de raza en el matrimonio como elemento ahuyentador de audiencia, el embarazo como fenómeno a ocultar en la televisión por sus connotaciones evidentemente sexuales, la simpatía por ideologías de izquierdas como factor de traición a la patria y el sistema, y otras circunstancias que hacían de la ciudadanía carne de presidio y marginación.

Con una férrea estructura que combina hábilmente episodios del pasado de la pareja y esa semana decisiva para sacar adelante el show, amenazado por las referidas acusaciones y el empeño del matrimonio por hacer valer sus opiniones y criterios por encima de los del productor y guionista de la serie, Jess Oppenheimer, asistimos a momentos relevantes de la vida de ambas estrellas, especialmente de ella, sensacionalmente interpretada con toda riqueza de matices y momentos de lucimiento excepcionales, por Nicole Kidman. Su frustrante carrera cinematográfica viene reflejada por su complejo de sustituta de Rita Hayworth (Su última danza) o Judy Holliday (Los apuros de Sally), a pesar de aglutinar éxitos como La Dubarry era una dama junto a Red Skelton, Un remolque larguísimo con el propio Arnaz, o ya en el último tramo de su carrera Tuyos, míos, nuestros con Henry Fonda, o el musical Mame, siempre explotando su vena cómica sin que se le permitiese abordar otros géneros para los que sin duda estaba dotada. Kidman encuentra en su meticulosa interpretación ese punto vulnerable y frustrado de la estrella, su innata inteligencia y su ingenio creativo, mientras Bardem nos ofrece otra de sus memorables actuaciones, en este caso atreviéndose incluso a cantar con resultados muy estimables. La música de Daniel Pemberton potencia en cada secuencia y situación la intensidad dramática que exige, mientras unos falsos testimonios de los tres guionistas de I Love Lucy imprimen carácter documental al agridulce conjunto.

lunes, 3 de enero de 2022

EL ENCUENTRO Deshonesta ambigüedad de género

Título original: Encounter
Reino Unido-USA 2021 108 min.
Dirección
Michael Pearce Guion Joe Barton y Michael Pearce Fotografía Benjamin Kracun Música Jed Kurzel Intérpretes Riz Ahmed, Lucian-River Chauhan, Aditya Geddada, Octavia Spencer, Rory Cochrane, Shane McRae, Janina Gavankar, Misha Collins, Brennan Keel Cook, Bill Dawes, Antonio Jaramillo Estreno en el Festival de Toronto 12 septiembre 2021; en internet (Amazon) 10 diciembre 2021


El realizador británico Michael Pearce no llega con esta su segunda película al nivel de intensidad que suscitó la algo desmadrada Beast. El problema de este Encuentro es su ambigüedad de género, que no llega a decantarse ni por la ciencia ficción bajo cuyos parámetros se anuncia y promete, ni por el drama familiar en el que se sumergen un padre y los dos hijos a los que pretende salvar, ni por una road movie, ni siquiera una de fuga y persecución por las carreteras de esa América profunda tantas veces retratada.

Y lo que es peor, no lo hace porque juega descaradamente con la inteligencia del espectador, a quien despista a cada momento y somete a engaños que acaban por hacer de esta una película definitivamente deshonesta. Una pena, porque Riz Ahmed, descubierto el pasado año con Sound of Metal, hace un trabajo excelente como ex marine trastornado por sus experiencias en la guerra, mientras sus dos pequeños hijos en la ficción se desenvuelven estupendamente sin caer en la rutina de hacerlos comportarse como viejos. Pearce logra no obstante mantener el suspense y la intriga frente a la disyuntiva que propone de forma bastante torpe y tramposa. Niños empuñando armas de fuego tampoco ayudan mucho a disfrutar ni recomendar esta prescindible película.

lunes, 13 de septiembre de 2021

MI TÍO FRANK Inteligencia y capacidad de observación

Título original: Uncle Frank
USA 2020 94 min.
Guion y dirección
Alan Ball Fotografía Khalid Mohtaseb Música Nathan Barr Intérpretes Paul Bettany, Sophia Lillis, Peter Macdissi, Steve Zahn, Judy Greer, margo Martindale, Stephen Root, Lois Smith, Jane McNeil, Colton Ryan Estreno en el Festival de Sundance 25 enero 2020; en Amazon Prime 25 noviembre 2020

La irrupción de las plataformas digitales y su expansión con la pandemia ha ocasionado un fenómeno contrario al que han padecido muchas producciones recientes consideradas más propias de la televisión que de una pantalla de cine. Ahora son muchas las películas directamente producidas para ser estrenadas en la pantalla doméstica que mantienen hechuras más propias del cine, como le ocurre a esta cinta curiosamente dirigida por alguien curtido en la televisión con éxitos como A dos metros bajo tierra y True Blood. Alan Ball escribe y dirige esta bonita crónica sobre la dificultad de conciliar la vida privada con la familiar cuando hay secretos que no nos atrevemos a contar.

Mi tío Frank se inscribe en una corriente reciente que indaga la salida del armario o la simple convivencia en familias tradicionales americanas tan temerosas de la diferencia. En La estación de la felicidad Kristen Stewart tiene que sufrir unas navidades en casa de sus presuntos suegros, manteniendo su anonimato y conformándose con ser solo la amiga de su novia, mientras esta se resiste a confesar su homosexualidad. En el telefilm Dashing in December, un joven ejecutivo regresa al hogar rural que regenta su madre (Andie MacDowell), donde lo único que preocupa en la familia es encontrarle novio, así están las cosas de normalizadas. Pero en Mi tío Frank la acción se remonta a principios de los años setenta del pasado siglo, y entonces resultaba más difícil sentirse libre en un entorno familiar tan enraizado en los valores tradicionales. Paul Bettany interpreta aquí a un intelectual brillante cuyo pasado ha abierto una brecha insondable entre él y su padre. La mirada inteligente, astuta y respetuosa de su sobrina, una encantadora Sophia Lillis, a quien descubrimos en It, irá abriendo un nuevo horizonte en la felicidad de su tío y su entorno más inmediato, incluida su pareja musulmana.

Ball nos cuenta esta entrañable y necesaria historia con todo el cariño que le ha sido posible, mezclando géneros, de la comedia al melodrama, de la road movie a la crónica sentimental y generacional, consiguiendo un film tan hermoso como estimulante, quizás algo lastrado por esa idea omnipresente en el cine y la sociedad americana de la unidad familiar y la necesidad de su apoyo, pero esta vez utilizada como referente de una realidad y un entorno del que apenas podemos escapar y que tantas veces se hace necesario para encontrar el consuelo y el cariño que todos y todas necesitamos.

A la empresa se entregan con gusto y emoción todo su elenco interpretativo, una estructura amable y equilibrada y un entorno tan bellamente fotografiado como primorosamente ilustrado a nivel musical. Pero sobre todo nos quedamos con el personaje de Beth, la sobrina, su inteligencia y su delicadeza a la hora de abordar un tema tan personal y entonces espinoso, sin juicios, artimañas ni consejos, solo con su capacidad de observación y un saber estar que le conduce a canalizar por el mejor de los senderos los sentimientos de su admirado tío, un trabajo también espléndido y sincero de Bettany. Por eso aunque se estrenase en internet hace ya casi un año, al haberla descubierto ahora no podemos resistirnos a recomendarla.

lunes, 6 de septiembre de 2021

CENICIENTA Más alegre y divertida que atrevida o innovadora

Título original: Cinderella
USA 2021 110 min.
Dirección
Kay Cannon Guion Kay Cannon y James Corden, según el cuento de Charles Perrault Fotografía Henry Braham Música Jessica Weiss y Mychael Danna Intérpretes Camila Cabello, Nicholas Galitzine, Billy Porter, Idina Menzel, Pierce Brosnan, Minnie Driver, Tallulah Greive, Maddie Baillio, Charlotte Spencer, James Corden, Romesh Ranganathan, James Acaster, Rob Beckett, Ben Bailey Smith, Luke Latchman, Fra Free, Beverly Knight Estreno en Estados Unidos y España (Amazon Prime) 3 septiembre 2021

Antes que resistirse a los encantos de los cuentos tradicionales infantiles, seguimos aferrándonos a la posibilidad de modificarlos para adaptarlos a los nuevos tiempos, pero la empresa no es precisamente fácil. La cenicienta es uno de los más populares y aclamados, y su influencia ha alcanzado a la música y el cine durante mucho tiempo. Disney sentó las bases para su comprensión y alcance en los últimos setenta años, pero dentro de unos parámetros tan conservadores y rancios como el propio cuento de Charles Perrault en el que se basa ha evidenciado con el paso del tiempo.

Hace apenas un lustro, aprovechando la reelaboración en imagen real de los clásicos de la factoría de dibujos animados, Kenneth Branagh logró presentarnos una Cenicienta algo remozada, más fresca y decidida, apartada del servilismo y la resignación al que nos tenía acostumbrados, y consciente de que su salvación no debía provenir de ningún Príncipe Azul. Aquella era una deslumbrante producción cuidada hasta el último detalle de producción, especialmente vestuario y dirección artística. Lo que ahora nos presenta Kay Cannon, responsable de varias series televisivas de corte feminista, la saga Dando la nota y la película #SexPact, es una versión mayormente musical, decididamente alegre y colorista del cuento. Pero aunque la heroína tiene claro que las riendas de su vida las ha de dirigir ella misma, y antepone su carrera profesional a su vida sentimental, ni renuncia a ella ni a ese mundo de aristócratas y súbditos a los que nos acostumbraron desde nuestra más tierna infancia estos perversos cuentos infantiles que parecían hacer nuestras delicias.

Sorprende que el personaje se decante por la costura y al diseño industrial, cuando está rodeada de tanto color y fantasía en cada figurín que le rodea, ya sea en la plaza del pueblo, la granja o el baile en Palacio. No parece así que quede mucho universo por explorar para convertirse en una diseñadora inimitable. Pero curiosidades aparte, la diversión está asegurada con estupendos números musicales muy bien coreografiados que versionan éxitos de Janet Jackson, Des’ree, Freddie Mercury, Madonna, Earth, Wind & Fire, Salt-N-Pepa, Ed Sheeran o Gloria Estefan, además de un buen ramillete de nuevas canciones.

Lástima que Camila Cabello, cantante convertida ahora en eficiente actriz, persiga sus sueños en medio de la monarquía y el amor, un mundo construido a la medida de los cuentos tradicionales aunque en el desarrollo se vayan sucediendo algunos detalles que aparten el conjunto, aunque solo sea un poco, del adocenamiento conservador generalizado. Podemos considerar un punto a favor de la película que se trate con gracia y desparpajo algunos temas relacionados con el amor conyugal, la igualdad en la pareja o el toque femenino en la gobernación de un pueblo. También que el hada madrina sea el imparable Billy Porter, todo un triunfador en las pasarelas más frívolas y electrizantes y en los escenarios de Broadway, además de en la serie Pose.

martes, 3 de agosto de 2021

JOLT Una bestia enamorada

USA 2021 91 min.
Dirección
Tanya Wexler Guion Scott Wascha y Louis Waymouth Fotografía Jules O’Loughlin Música Dominic Lewis Intérpretes Kate Beckinsale, Bobby Cannavale, Jai Courtney, Stanley Tucci, Laverne Cox, Ori Pfeffer, David Bradley, Susan Sarandon Estreno en Amazon Prime 23 julio 2021

No hay más que echarle un vistazo a la filmografía de la bella y entrenada Kate Beckinsale para echarse a temblar. Prácticamente encorsetada en la franquicia Underworld, con incursiones en cintas románticas de poca enjundia y otras de acción de escasa relevancia, además de seriales de televisión, la que empezara a las órdenes de Kenneth Branagh en Mucho ruido y pocas nueces, y se embarcara luego en proyectos de alto calado como Pearl Harbor, se ha especializado en películas de acción y patadas a diestro y siniestro, y esta no es una excepción.

Dirigida quizás para darle cierta sensibilidad femenina por Tanya Wexler, de quien recordamos con agrado aquella Hysteria de hace una década, la película se centra en una mujer que ha desarrollado una fuerza y una agilidad extraordinarias así como unos impulsos criminales irrefrenables como consecuencia de la falta de cariño sufrida cuando era niña. Controla dichos impulsos mediante un artilugio neurológico y se adentra en una vorágine de venganza y violencia a partir de su propio enamoramiento. Un híbrido entre cine de acción de serie B y telefilm con aspiraciones, rodado en estudios en Bulgaria simulando Nueva York y con participación técnica portuguesa, aunque se trata de una producción exclusivamente norteamericana.

Lo bueno de la cinta es que no se toma en serio, es consciente de su vocación de mero entretenimiento, de guasa total y fiesta violenta permanente, poniendo en boca de la protagonista frases hilarantes con perfecto acento inglés, sin despeinarse a pesar de enfrentarse en continuas batallas con auténticos mamotretos musculosos, y dispuesta a todo, incluso a jugar con bebés, para conseguir sus propósitos. No hay más, ni tampoco menos. Bueno sí, que Susan Sarandon aparece al final, aunque ya lo había hecho antes pero de incógnito, para intentar dar dignidad al asunto y prepararnos, quién sabe, para otra interminable serie de secuelas.

domingo, 28 de febrero de 2021

I CARE A LOT El mundo en el que vivimos

USA-Reino Unido 2020 118 min.
Guion y dirección
J Blakeson Fotografía Doug Emmett y Mike Valentine Música Marc Canham Intérpretes Rosamund Pike, Peter Dinklage, Eiza González, Dianne Wiest, Chris Messina, Isiah Whitlock jr., Macon Blair, Damian Young, Alicia Witt, Nicholas Logan Estreno en el Festival de Toronto 12 septiembre 2020; en Amazon Prime 19 febrero 2021

Considerada como una comedia quizás porque de no ser así no habría otra manera de digerirla, no cabe duda de que la realidad que presenta puede parecer un puro disparate, pero tampoco podemos negarle que funciona perfectamente como metáfora del mundo en el que vivimos, que no es ni más ni menos que el que hemos decidido que así sea. La falta de democracia, o mejor dicho de libertad, a la que algunos acertadamente aluden, proviene precisamente de su mismo concepto, de nuestra capacidad para elegir el sistema y el régimen bajo el que queremos vivir, y que nos ha hecho elegir un capitalismo cien por cien agresivo, tramposo y maloliente que convierte cada elección en la que participamos en una carta blanca para que el dinero siga siendo nuestro amo y único Dios, no importa a quién se pise, engañe y haga daño. Podemos ser corderos o leones, o como dice el personaje de Rosamund Pike en lenguaje inclusivo, leonas, pero todos y todas estamos bajo el mismo cielo, el que hemos diseñado para que quienes puedan hagan y deshagan a su gusto, convirtiendo los crímenes que les interesan en legales y los que no seguirán estando al margen, castigados y censurados por la sociedad biempensante.

Hecha la ley, hecha la trampa, parece que deba imperar en nuestra rutina, la misma que hace que ningún medio de comunicación se pregunte por qué la gente anda crispada, se tira a la calle, quema contenedores y furgones policiales. Radicales les llaman, porque no se atienen al estado de las cosas, no aceptan los crímenes de la clase respetada, política y económica, la que delinque legalmente. No se trata de justificar a quienes hacen más daño a la cultura que a la sociedad con sus proclamas fruto de la rabia y la desgana contra quienes desprecian la confianza que ponemos en ellos y ellas cada vez que acudimos como corderos a las urnas. En esta película de J Blakeson, apenas conocido por un par de películas irrelevantes, no hay malos contra buenos, sino malos legales contra malos ilegales. Arranca de forma incómoda e inasumible, para poco a poco hundirse en el cine de género, el thriller, y acabar ajustando cuentas como no podía ser menos tratándose de una película americana, que tanto les gusta practicar la hipocresía, pero al menos denuncian lo que otros ni se atreven.

No hay actualmente periodismo ni opinión, solo líneas de pensamiento preconcebidas para encajar en el engranaje del poder, seguir engañándonos y sometiéndonos hasta conseguir sus propósitos, el de los gobiernos, los bancos, las grandes empresas y las insaciables corporaciones, que hasta de pandemias sacan tajada. Puede que en esta película haya mucho disparate y que algunos giros de guion sean inaceptables e inverosímiles, pero al menos hay que agradecerle que a su manera nos advierta que hay mucho criminal suelto, y no son precisamente los que movidos fundamentalmente por la rabia y la desesperación se tiran a la calle y montan un cirio. Cabría preguntarnos por qué ocurre esto en lugar de condenar sus consecuencias, que también asumen los más débiles. Esto, y la siempre estimulante presencia de Rosamund Pike, a quien hay que sumarle la delirante participación de Peter Dinklage y una interpretación de Dianne Wiest llena de matices y resortes, hacen de esta película una experiencia recomendable, si bien cabría censurar que para una vez que se habla de empoderamiento de la mujer, ésta sea tan despiadada y despreciable, y no adelantamos nada, lo dice ella mismo nada más empezar la función. Esto es, de alguna manera, cine que perturba.