EL SER QUERIDO Un trauma desenfocado

España-Francia 2026 135 min.
Dirección Rodrigo Sorogoyen Guion Isabel Peña y Rodrigo Sorogoyen Fotografía Álex de Pablo Música Olivier Arson Intérpretes Javier Bardem, Victoria Luengo, Raúl Arévalo, Marina Foïs, Raúl Prieto, Pepa Gracia, Melina Matthews, Nuria Prims, Pablo Gómez-Pando, Malena Villa, Mourad Ouani, Miguel Garcés, Laura Birn Estreno en el Festival de Cannes y en Francia 16 mayo 2026; en España 26 agosto 2026

Decía Isabel Peña, en el coloquio posterior al estreno de la película en un centenar de salas a lo largo y ancho de la geografía española, que esta vez ella y Sorogoyen habían preferido echar mano de emociones y sentimientos universales en lugar de contar con el asesoramiento experto preceptivo para articular sus celebrados thrillers. Pues bien, la pareja artística funciona mejor cuando cuentan con dicho asesoramiento que cuando se dejan guiar por sus propios impulsos. Ni Madre ni esta cinta estrenada en la sección oficial de Cannes, están a la altura de Stockholm, Que Dios nos perdone, El reino o As bestas, que conforman junto a la estupenda serie televisiva Antidisturbios, el grueso de su filmografía juntos. Sorogoyen juega ahora a una doble banda, mostrar los entresijos, dificultades y tensiones de un rodaje particularmente complicado, y al mismo tiempo transmitir el dolor que sufre una hija abandonada por su padre cuando aún era muy joven, y cuyo reencuentro no va a resultar fácil, mientras él hace lo que puede por recuperar el tiempo y, sobre todo, el afecto perdido.

Una dilatada secuencia de introducción sirve para mostrar el frágil paso de la cortesía al reproche, tras tantos años de ausencia y abandono. A partir de ahí, se dan cita las pautas habituales en este tipo de relaciones interrumpidas, con Javier Bardem capaz de exhibir frustración y conciencia de irresponsabilidad, y a la vez un carácter hierático y controvertido, evidente especialmente en otra secuencia pilar del desarrollo argumental. Mientras, Vicky Luengo realiza un trabajo dramático competente y adecuado, a pesar de no ser capaz de exhibir toda la rabia y el dolor que las circunstancias exigen. El duelo que se entabla entre ambos se alarga en demasía, con episodios que poco o nada añaden a la trama, un signo de ambición que se refleja también en una caprichosa mezcla de formatos y texturas que no alcanzan a potenciar el drama, así como apenas logran hacerlo el innumerable reparto de secundarios y secundarias, más allá de una Marina Foïs que repite con Sorogoyen tras As bestas, y que cuenta con una aportación algo más sustanciosa que el resto de la comparsa.

En un segundísimo plano queda el rodaje dentro de la película, una cinta aparentemente al estilo de David Lean, en la que acontecimientos históricos, el Sáhara ocupado por la Segunda República española, se combinan con la mirada romántica y sentimental de una joven de clase acomodada. Un guion más pulido habría encontrado el nexo de unión entre esa ficción y la realidad traumática que pretende erigirse en leit motiv de la cinta, en la línea de lo que hace casi cincuenta años hizo Karel Reisz con La mujer del teniente francés. Nos encontramos, por lo tanto, con una cinta más bien pretenciosa, con alguna secuencia memorable y otra gran interpretación de un Bardem también en buena forma física, pero a la que le falta algo más de alma y coherencia para lograr su cometido, que no es sino transmitir esa desazón vivida por tantos y tantas hijas inocentes que han pagado a menudo con un trauma irreparable el abandono egoísta e irresponsable de sus padres.

F1: LA PELÍCULA Emoción sobre ruedas

Título original: F1: The Movie
USA 2025 155 min.
Dirección Joseph Kosinski Guion Ehren Kruger y Joseph Kosinski Fotografía Claudio Miranda Música Hans Zimmer Intérpretes Brad Pitt, Damson Idris, Javier Bardem, Kerry Condon, Tobias Menzies, Sarah Niles, Kim Bodnia, Samson Kayo, Callie Cooke, Will Merrick, Joseph Balderrama, Abdul Salis, Ramona Von Pusch Estreno en Estados Unidos y España 27 junio 2025

Desde Grand Prix a Rush y algunos títulos más recientes, el cine ha producido un buen puñado de películas centradas en el universo de la Fórmula 1. Aunque parezca la adaptación de un video juego, la que nos ocupa en un producto original para la gran pantalla, sólo disfrutable en cines de gran formato, aunque por el camino tengamos que sufrir el ya inevitable e intrínseco picnicine. Lewis Hamilton está detrás, como productor, de este proyecto multimillonario y adrenalítico, mientras es el muy reconocido director de Tron Legacy, Oblivion y Top Gun Maverick, Joseph Kosinski, quien se encarga de insuflar ritmo y pasión en un producto que huye del aspecto infográfico para lograr un realismo convincente y un montaje que, aunque frenético, no ahogue el entretenimiento.

Sólo disfrutar de las magnéticas presencias de Brad Pitt y Javier Bardem ya merece la pena y nos convence de la grandeza de este tipo de cine centrado en grandes gestas épicas y mega estrellas capaces de emocionarnos con sólo una mirada o un breve discurso. Lo demás es pura fórmula uno, seguramente más disfrutable aún para quienes entiendan del deporte, si bien todos y todas estamos invitadas a participar de la propuesta, mientras el trabajo extenuante de los comentaristas se encarga de aclararnos algunos pormenores de la disciplina. Además del puro entretenimiento que es capaz de ofrecernos un equipo artístico y técnico de primera, la cinta ofrece temas de diversa índole y calado emocional, como el trabajo en equipo, el sentido de la responsabilidad, la amistad, la generosidad y la perseverancia. Apenas un hilo argumental destinado a desglosar el camino lleno de obstáculos y accidentes hasta rozar la gloria, no invalida un espectáculo que conjuga fuerza y ritmo con acierto y precisión.

La banda sonora de Hans Zimmer se encarga de potenciar toda esa carga adrenalítica que atesora una cinta en la que además disfrutamos con cameos tan divertidos como el de Fernando Alonso o bromas en relación a Carlos Sainz, lo que junto al protagonismo del gran premio de España como desencadenante de la tragedia inicial, da buena muestra del nivel alcanzado por nuestro país en el automovilismo. Que además esté rodada en los circuitos reales de Daytona, Monza, Budapest o Las Vegas, por citar algunos, añade espectacularidad a este entretenimiento nada pretencioso, ideal para el verano.

DUNE: PARTE DOS Mucho desierto y ningún espejismo

Título original: Dune: Part Two
USA-Canadá 2024 166 min.
Dirección Denis Villeneuve Guion Denis Villeneuve y Jon Spaihts, según la novela de Frank Herbert Fotografía Greig Fraser Música Hans Zimmer Intérpretes Timothée Chalamet, Zendaya, Rebecca Ferguson, Javier Bardem, Josh Brolin, Austin Butler, Florence Pugh, Dave Bautista, Christopher Walken, Léa Seydoux, Stellan Skarsgard, Charlotte Rampling, Souhelia Yacoub, Roger Yuan, Alison Halstead, Giusi Merli Estreno en Estados Unidos y España 1 marzo 2024

Todo lo que habíamos escrito sobre la primera parte de esta bendecida adaptación de la novela icónica de Frank Herbert, podemos reiterarlo ahora ante su segunda de varias partes ya anunciadas, como atestigua Anya Taylor-Joy en su breve aparición casi al final del largo y tedioso metraje de esta película. Sin embargo, algo ha cambiado, y mucho, en estos tres años que las separan, de forma que algunas de las cuestiones que entonces considerábamos anacrónicas, las guerras y las luchas de poder junto al avance del fascismo, han cobrado tal fuerza que parecen estar dando la razón a Herbert y esta saga sin fin que plantea el otras veces interesante Denis Villeneuve. Eso no redime al producto de su condición de película fría y sin emoción, cuya impecable puesta en escena no logra sorprendernos, faltaría más con el presupuesto que maneja, como tampoco lo hace su reparto multiestelar, al que no paran de adherirse nuevos nombres, como el Elvis Austin Butler, que releva al Sting de la fallida película de David Lynch, así como Florence Pugh o Léa Seydoux.

El conjunto no resulta tan aparatoso en su resolución formal, con tanta arena de por medio que hace añorar cintas mucho más sinceras como Lawrence de Arabia o la mismísima Guerra de las Galaxias que parece inspirarse en el universo de Herbert. Pero incluso como producto profético, la enrevesada y a la vez ingenua trama se nos antoja frecuentemente ridícula e incoherente, y la empresa aburrida y escurridiza en esos presuntos logros que tanto la crítica como el público parecen querer ensalzar de forma harto incondicional. Quizás el problema, sin existe, es que nos estamos haciendo mayores y tanta parafernalia seudo-religiosa, mesiánica y fascistoide nos provoque arcadas.

Lo peor es que no podemos ni siquiera consolarnos con esta máxima de Woody Allen que decía si la cosa funciona, porque nos encontramos ante otro de esos productos tan tóxicos e inapropiados que sólo provocan regresión con su carga de violencia y sistema de clases, por mucho que en algún momento creyésemos ver un espejismo en tanto desierto y el discurso pareciera ir a la contra de esos estamentos y realidades finalmente bendecidas.

LA SIRENITA Con el cuento a otra parte

Título original: The Little Mermaid
USA 2023 135 min.
Dirección Rob Marshall Guion David Magee, según la película de Ron Clements y John Musker basada en el cuento de Hans Christian Andersen Fotografía Dion Beebe Música Alan Menken Intérpretes Halle Bailey, Jonah Hauer-King, Javier Bardem, Melissa McCarthy, Daveed Diggs, Jacob Tremblay, Awkwafina, Noma Dumezweni, Art Malik, Jessica Alexander, Martina Laird Estreno en España y Estados Unidos 26 mayo 2023

Disney prosigue con su política de ambición sin límites, palpable en televisión, extendiendo la saga de La guerra de las galaxias hasta extremos extenuantes, y el cine, alargando los ciclos de superhéroes Marvel y repitiendo todos sus éxitos animados con la excusa de presentarlos ahora en imagen real. Una operación camuflada entre tanta infografía que resulta más indigesta y artificiosa que si se tratara de una auténtica traslación de los clásicos a la imagen de carne y hueso. La sirenita supuso a finales de los ochenta del pasado siglo la recuperación definitiva de una empresa que andaba algo perdida entre productos sin apenas repercusión mediática y comercial. Volver a los clásicos de una literatura infantil que ya empezaba a mostrarse obsoleta e inconveniente, supuso en cierto modo un regreso al estilo y la filosofía de la empresa, que no dejaría de encadenar éxito tras otro, primero mediante animación tradicional, más tarde, la mayoría de las ocasiones a través de su asociación con Pixar, por animación digital.

La experiencia de Rob Marshall en el musical (Chicago, Nine) y las aventuras caribeñas con la cuarta entrega de las aventuras de Jack Sparrow, además de su incursión en los cuentos infantiles clásicos de la mano de su adaptación de Into the Woods de Stephen Sondheim, le han colocado como responsable ideal para llevar a buen puerto esta nueva producción de Disney. Pero que la protagonista y la reina sean ahora de raza africana no parece novedad suficiente como para considerar actualizado el cuento de Andersen. El espíritu valiente y decidido de la protagonista ya aparecía en la cinta de Ron Clements y John Musker, mientras se mantienen conceptos tan vinculantes y adoctrinadores como la monarquía o la brujería, siempre asociada a una mujer malvada. Son estos rancios postulados los que hacen que sigamos utilizando por ejemplo terminología tan inapropiada como feudos o bastiones cuando hablamos de espacios conquistados por nuestros partidos políticos, olvidando que están a nuestro servicio, y que la ciudadanía no somos de su propiedad.

Mal por el contenido educativo de estos cuentos obsoletos cuya fórmula de actualización Disney ni encuentra ni le interesa hacerlo. En cuanto al apartado artístico y técnico, cabía esperar más espectáculo y un mejor diseño de producción, mientras su argumento resulta tan archiconocido que apenas logra interesarnos. Alan Menken reescribe su partitura original y añade nuevas canciones, ahora con letra del mimado de Broadway Lin-Manuel Miranda, ya que Howard Ashman falleció cuando escribía los versos de Aladdin en 1991. El encanto de Halle Bailey, que pronto estrenará la versión de El color púrpura que adapta el musical basado en la novela de Alice Walker y la película de Spielberg, el carisma de Javier Bardem y el desparpajo de Awkwafina no nos parecen razones suficientes para justificar este nuevo más de lo mismo al que tanto nos tiene acostumbrados y acostumbradas la industria norteamericana.

LILO, MI AMIGO EL COCODRILO Un musical inofensivo

Título original: Lyle, Lyle, Crocodile
USA 2022 106 min.
Dirección Josh Gordon y Will Speck Guion William Davies, según el libro de Bernard Waber Fotografía Javier Aguirresarobe Música Benj Pasek, Justin Paul y Matthew Margeson Intérpretes Javier Bardem, Winston Fegley, Constance Wu, Scoot McNairy, Brett Gelman, Ben Palacios y la voz de Shawn Mendes Estreno en Estados Unidos 7 octubre 2022; en España 22 octubre 2022

Gordon y Speck suavizan sus maneras y se vuelven más normativos y convencionales tras una carrera de comedias gamberras en la que destaca Fiesta de empresa. Lo hacen para adaptar unos cuentos que son bastante populares en Norteamérica y que tienen como protagonista a un cocodrilo que canta y, menos hablar, adopta costumbres y comportamientos humanos. Estamos por lo tanto ante la enésima conversión de animales en humanoides, deslegitimando por desgracia cualquier reivindicación animalista que pueda contener la propuesta.

Este personaje en concreto convive con una familia al más puro estilo Alf, la célebre comedia televisiva de los ochenta, mientras su legítimo dueño, un Javier Bardem sobrado de virtudes que no duda en afearse a la vez que bailar y cantar como si llevara haciéndolo toda la vida, intenta que el animal supere su miedo escénico y poder así triunfar en los escenarios de Broadway y el resto del planeta. Frente a ellos, un vecino poco condescendiente intentará hacerles la vida imposible, sin que la situación sobrepase el nivel de lo meramente circunstancial y anecdótico.

Todo sirve para poner en pie una fábula sobre la familia diversa, la superación de traumas a través de la ayuda mutua y el valor de la amistad, en clave de comedia musical con un par de pegadizas canciones de los incombustibles Benj Pasek y Justin Paul (El gran showman, Querido Evan Hansen, El espíritu de la navidad y las letras de La La Land) y un cocodrilo como estrella que adopta la forma de un muñeco hinchable mientras sus movimientos los recrea el actor Ben Palacios y la voz la pone el cantante Shawn Mendes. En definitiva se trata de un inofensivo, tanto como el salvaje reptil, entretenimiento especialmente enfocado al público infantil, y con el mayor aliciente de disfrutar con otro trabajo excepcional de Bardem, mientras la luminosa y farandulera fotografía la firma otro español, el veterano Javier Aguirresarobe.

SER LOS RICARDO Radiografía de un sistema enfermo

Título original: Being the Ricardos
USA 2021 132 min.
Guion y dirección Aaron Sorkin Fotografía Jeff Cronenweth Música Daniel Pemberton Intérpretes Nicole Kidman, Javier Bardem, J.K. Simmons, Nina Arianda, Tony Hale, Alia Shawkat, Jake Lacy, Clark Gregg, Linda Lavin, Ronny Cox, John Rubinstein Estreno en Estados Unidos 10 diciembre 2021; en internet (Amazon Prime) 21 diciembre 2021

Tras el éxito el año pasado de El juicio de los 7 de Chicago, el director y guionista Aaron Sorkin (La red social, El ala oeste de la Casa Blanca) vuelve a radiografiar la política y sociedad norteamericana para poner en evidencia sus orígenes enfermizos a través de un fenómeno concreto, el show de televisión de los años cincuenta I Love Lucy. Nos cuenta así una historia de frustración, prejuicios y caza de brujas en una época crucial para la definición de la cultura que ha imperado en este mundo desde hace ya prácticamente un siglo. Partiendo del matrimonio formado por Lucille Ball y Desi Arnaz, la película de Sorkin se centra sobre todo en el personaje de ella, una mujer despierta e inteligente, sensual y aparentemente ecléctica a la que el sistema sin embargo marginó en papeles siempre cómicos con un punto mamarracho.

Tres ejes conforman el motor de esta cinta, la acusación de comunista de la protagonista, su embarazo y la salvación de su matrimonio, permanentemente amenazado por la promiscuidad sexual de él, un actor y músico de origen cubano que triunfó en Estados Unidos de la mano de su orquesta, el cine y los shows televisivos que primero protagonizó y luego produjo a través de la compañía fundada por él y su esposa, Desilu, detrás de la cual estuvieron también éxitos como Star Trek o Los intocables, antes de venderse y convertirse en Paramount Television. En este marco asistimos a la trágica crónica de una democracia, aparentemente la más sofisticada y adelantada del mundo por entonces, cuyo comportamiento tanto se asemejaba al de una dictadura que casi funcionaba como referente para gobiernos abiertamente totalitarios como Chile o España, según la época, como modelo en el que mirarse. Solo así se comprenden prejuicios como la diferencia de raza en el matrimonio como elemento ahuyentador de audiencia, el embarazo como fenómeno a ocultar en la televisión por sus connotaciones evidentemente sexuales, la simpatía por ideologías de izquierdas como factor de traición a la patria y el sistema, y otras circunstancias que hacían de la ciudadanía carne de presidio y marginación.

Con una férrea estructura que combina hábilmente episodios del pasado de la pareja y esa semana decisiva para sacar adelante el show, amenazado por las referidas acusaciones y el empeño del matrimonio por hacer valer sus opiniones y criterios por encima de los del productor y guionista de la serie, Jess Oppenheimer, asistimos a momentos relevantes de la vida de ambas estrellas, especialmente de ella, sensacionalmente interpretada con toda riqueza de matices y momentos de lucimiento excepcionales, por Nicole Kidman. Su frustrante carrera cinematográfica viene reflejada por su complejo de sustituta de Rita Hayworth (Su última danza) o Judy Holliday (Los apuros de Sally), a pesar de aglutinar éxitos como La Dubarry era una dama junto a Red Skelton, Un remolque larguísimo con el propio Arnaz, o ya en el último tramo de su carrera Tuyos, míos, nuestros con Henry Fonda, o el musical Mame, siempre explotando su vena cómica sin que se le permitiese abordar otros géneros para los que sin duda estaba dotada. Kidman encuentra en su meticulosa interpretación ese punto vulnerable y frustrado de la estrella, su innata inteligencia y su ingenio creativo, mientras Bardem nos ofrece otra de sus memorables actuaciones, en este caso atreviéndose incluso a cantar con resultados muy estimables. La música de Daniel Pemberton potencia en cada secuencia y situación la intensidad dramática que exige, mientras unos falsos testimonios de los tres guionistas de I Love Lucy imprimen carácter documental al agridulce conjunto.

LOS CAMINOS QUE NO ESCOGEMOS La pena infinita

Título original: The Roads Not Taken
USA-Reino Unido 2020 85 min.
Guion, música y dirección Sally Potter Fotografía Robbie Ryan Intérpretes Javier Bardem, Elle Fanning, Salma Hayek, Laura Linney, Branka Katic, Katia Mullova-Brind, Milena Tcharntke, Dimitri Andreas Estreno en el Festival de Berlín 26 febrero 2020; en Estados Unidos 13 marzo 2020; en España (internet) 15 diciembre 2020 

En su corta aunque dilatada en el tiempo filmografía, Sally Potter ha demostrado que no se embarca en un proyecto si no tiene un interés personal muy especial en él. Tras el éxito de la irritante The Party y con aquel Orlando siempre en el horizonte, que nos dio a conocer a una ambigua Tilda Swinton, Potter parece ahora fijar su atención en esa pena infinita que un acontecimiento trágico es capaz de provocar en una mente frágil y sensible, en este caso la del personaje interpretado por Javier Bardem.

Con la ayuda inestimable de su hija, Elle Fanning en pantalla, vivirá un accidentado día en Nueva York entre miradas perdidas, balbuceos y pérdidas de la noción de la realidad. Son todo consecuencias de una de esas temidas enfermedades mentales a las que necesariamente hay que buscarles un detonante. En esta ocasión lo encontramos a través de flashbacks recurrentes, unos en el México natal del protagonista junto a una esplendorosa Salma Hayek, otros en el retiro en una supuesta costa griega recreada en Almería, donde comienza a perder una razón ya del todo desaparecida en ese caótico Nueva York de taxis, hospitales y consultas de dentista y oftalmólogo por el que transita un Bardem esforzado en la mirada triste y el ademán desvaído.

Junto a él disfrutamos con una estupenda Elle Faning, hija coraje que aporta ternura a este doloroso via crucis, y la aparición siempre gratificante de Laura Linney. El resultado es un film que se deja ver sobre todo por sus buenas interpretaciones (Bardem siempre vale un seguimiento) y porque al fin y al cabo dura poco.