NO HAY OTRA OPCIÓN Una tragedia tomada a risa

Título original: Eojjeolsuga eobsda
Corea del Sur 2025 139 min.
Dirección Park Chan-wook Guion Park Chan-wook, Don McKellar, Lee Kyoung-mi y Jahye Lee, según la novela “The Ax” de Donald E. Westlake Fotografía Kim Woo-hyung Música Jo Yeong-wook Intérpretes Lee Byung-hun, Son Ye-jin, Lee Sung-min, Yeom Hye-ran, Yoo Yeon-seok, Cha Seung-won, Park Hee-soon, Yoon Ga-yi Estreno en el Festival de Venecia 29 agosto 2025; en Corea del Sur 24 septiembre 2025; en España 13 febrero 2026

Hemos insistido a lo largo de la carrera del mimado director coreano Park Chan-wook en su paralelismo con su idolatrado Alfred Hitchcock, y volvemos a hacerlo a propósito de esta nueva adaptación de la novela de Donald E. Westlake The Ax, traducible algo así como El recorte. Pero esta vez se lanza a la comedia de acción, alocada y desprejuiciada, directamente. La novela ya fue adaptada por Costa-Gavras en 2005 bajo el título de Arcadia, a nuestro juicio con mayor acierto y sentido de la mesura. Por cierto, que en la producción de esta nueva adaptación han intervenido la esposa y el hijo del director francogriego. El thriller hace de nuevo su aparición, con Lee Byung-hun prestando su físico y continuas muecas al padre de familia que cree tenerlo todo hasta que un recorte de plantilla en la empresa en la que trabaja da al traste con su presente y futuro.

Con Park Chan-wook al mando, todo el disparate que a grosso modo podría parecer su argumento, a partir del momento en el que el protagonista toma una decisión extrema y radical, sirve para generar una enorme astracanada, desmadrada y fuera de toda lógica y contención. Vuelve el director coreano, tras Stoker, su única incursión en el cine estadounidense hasta el momento, La doncella y Decision to Leave, a dejar todo el potencial dramático de su empresa en la mera superficie, en este caso ahondando en la risa provocada por sus surrealistas situaciones, más que en la tragedia que supone la pérdida del trabajo como consecuencia de recortes crueles, ambiciosos e indiscriminados.

Nada en contra de convertir en comedia material tan sensible, pero siempre que esto no suponga dejar fuera su carga dramática y social. De esta forma, sólo encontramos puro slapstick al estilo oriental, prácticamente todo lo que somos capaces de encontrar en esta película que, no obstante, mereció el Premio del público a la mejor producción internacional en Toronto y el de mejor director en Sitges, además de tres nominaciones a los Globos de Oro que no se han materializado en candidaturas al Oscar.

MARTY SUPREME Vender zapatos a un cojo

USA 2025 149 min.
Dirección Joshua Safdie Guion Ronald Bronstein y Joshua Safdie Fotografía Darius Khondji Música Daniel Lopatin Intérpretes Timothée Chalamet, Gwyneth Paltrow, Odessa A’zion, Kevin O’Leary, Abel Ferrara, Tyler Okonma, Fran Drescher, Larry “Ratso” Sloman, Luke Manley, Géza Röhrig, Koto Kawaguchi, Sandra Bernhard Estreno en Estados Unidos 25 diciembre 2025; en España 30 enero 2026

La habilidad estadounidense para venderlo todo, incluido un film sobre ping pong, se resume en una secuencia de esta película, cuando el tío del protagonista admira su capacidad para vender zapatos incluso a una persona sin piernas. Inspirándose en la biografía del supuestamente legendario jugador de ping pong Marty Reisman, Joshua Safdie se independiza de su hermano Ben tras un sinfín de cortometrajes, algún documental y cuatro largos de ficción entre los que destaca Diamantes en bruto, a mayor gloria de Adam Sandler. Y consigue los mayores laureles, muchos más que su hermano con la valiosa The Smashing Machine, otro biopic con deporte como trasfondo, con esta mastodóntica recreación del Nueva York de los años cincuenta del pasado siglo. Allí acontece la mayor parte de las andanzas de un buscavidas con tanta energía y fe como la desplegada por el propio realizador y su generoso equipo técnico y artístico. El resultado es una carrera sin tregua ni fin hacia la previsible gloria, jalonada de zancadillas, episodios donde reina la mala suerte y la acción violenta, siempre echando mano de ese tono de comedia que dulcifique el paquete y logre el entretenimiento perfecto. A todo lo cual se presta Timothée Chalamet con decisión y una energía inusitada, mientras a su alrededor se teje todo un ejército de estupendos secundarios, entre los que destaca la siempre atractiva Gwyneth Paltrow.

Corrupción policial, miseria, picaresca, éxito empresarial y decadencia artística se dan la mano en un puzzle tan ingenioso como extenuante, lo que a muchos y muchas puede atraer y convencer, mientras los demás podemos acabar algo hastiados. Su magnífica reconstrucción histórica, incluyendo ese Japón vencido en busca de la exaltación patriótica, es uno de sus principales atractivos. A ello hay que añadir el excelente trabajo de prácticamente todo el reparto, y una curiosa banda sonora anacrónica en la que los sonidos ochenteros del compositor Daniel Lopatin se mezclan con canciones en su mayoría también de esa época.

Junto a todo esto, hay que reconocer la inventiva de sus guionistas para someter a su protagonista a tantas desventuras propias de un buscavidas incansable e insaciable, con una determinación que Chalamet logra transmitir con considerable acierto. Del libreto son responsables el propio director y Ronald Bronstein, hermano de Mary Bronstein, en cuya película Yeats participaron los Safdie como actores hace casi veinte años, y que actualmente tiene en pantalla Si pudiera, te daría una patada, por la que Rose Byrne opta a un Oscar a la mejor actriz, tras ganar el Globo de Oro en la categoría de comedia o musical. Por su parte, Chalamet ganó el de mejor actor en la misma categoría, y opta al Oscar al mejor actor, de entre las nueve nominaciones al Oscar y once al Bafta que atesora la película.

AGÁRRALO COMO PUEDAS Ver para (no) creer

Título original: The Naked Gun
USA 2025 85 min.
Dirección Akiva Schaffer Guion Dan Gregor, Doug Mand y Akiva Schaffer, según los personajes creados por Jim Abrahams, David Zucker y Jerry Zucker Fotografía Brandon Trost Música Lorne Balfe Intérpretes Liam Neeson, Pamela Anderson, Paul Walter Hauser, Danny Huston, CCH Pounder, Kevin Durand, Liza Koshy, Busta Rhymes, Cody Rhodes, Eddie Yu, Michael Beasley Estreno en Estados Unidos 1 agosto 2025; en España 22 agosto 2025

No nos invitaba especialmente el tráiler de esto que llaman reboot a ver la película. Sin embargo, ante la avalancha de críticas positivas, enalteciendo el trabajo de recuperación que han llevado a cabo el actor y showman Seth MacFarlane y el director Akiva Schaffer del éxito de los noventa que crearon el trío Jim Abrahams y los hermanos Zucker cuando uno de ellos probaba incluso con el cine más serio y convencional en películas como Ghost, y destacando también la supuesta reinvención de Liam Neeson como actor de comedia, decidimos comprobar cuáles eran los méritos de esta película que tantos elogios han suscitado. Y una vez más, no damos crédito. Ni de lejos logra ser tan divertida como aquel trío de películas de referencia, que ni son clásicos ni tan estimulantes como hoy se quiere ver, y que a su vez perpetuaron el éxito de otras sagas como Aterriza como puedas, Hot Shots o la película suelta Top Secret.

La imposición puritana de lo políticamente correcto ha rebajado el tono grosero de aquellas cintas y la serie Police Squad, protagonizadas por Leslie Nielsen, lo que por un lado se agradece, si no fuera porque rebaja también su propia comicidad. Con un argumento tan simple como delirante, pretexto absoluto para la sucesión (no tan interminable) de gags, chistes y ocurrencias que, faltaría más, nos hacen reír a veces a carcajadas, Neeson no hace sino perpetuar su carisma como actor de intriga y acción, pero prestándose a situaciones y diálogos escritos a menudo a ¡seis manos! (a los tres guionistas acreditados hay que sumar Mark Hentemann, Alec Sulkin y el propio Seth MacFarlane) que lo convierten de la noche a la mañana en actor de comedia, mientras Pamela Anderson saborea su propia recuperación tras el reconocimiento obtenido con The Last Showgirl, perpetuando a su vez el icono de mujer fatal objeto del deseo.

Secuencias como la del romántico fin de semana en la nieve convertido en pesadilla terrorífica, o la junta de viejos e inocentes accionistas del malvado de turno, redimen en parte a la película de lo que a la postre no deja de ser otro artificio para hacer caja, evidenciando una vez más la sequía de ideas nuevas en la todavía considerada meca del cine. Fallecido Nielsen, cabe destacar el cameo de Priscilla Presley, sumando a las intervenciones esporádicas del rapero Busta Rhymes, el luchador Cody Rhodes o el veterano cómico Al Weird Yankovic, de quien Schaffer dirigió un biopic protagonizado por Daniel Radcliffe hace unos años. Quienes se queden a disfrutar de los títulos de crédito finales, encontrarán en ellos más de un chiste ocurrente.

MEGALODÓN 2: LA FOSA Secuela aburrida y perezosa

Título original: Meg 2: The Trench
USA-China 2023 116 min.
Dirección Ben Wheatley Guion Dean Georgaris, Erich Hoeber y Jon Hoeber, según el personaje creado por Steve Alten Fotografía Haris Zambarloukos Música Harry Gregson-Williams Intérpretes Jason Statham, Sienna Guillory, Wu Jing, Shuya Sophia Cai, Cliff Curtis, Page Kennedy, Sergio Peris-Mencheta, Skyler Samuels, Melissanthi Mahut Estreno en España, China y Estados Unidos 4 agosto 2023

Todo lo que prometían películas como Turistas o High-Rise se fueron al traste cuando su director Ben Wheatley comenzó a naufragar con una carrera errática y poco o nada interesante, cuya cumbre la encontramos en la insulsa adaptación de Rebeca que perpetró hace unos años. A él se le ha encargado sin embargo la esperada secuela de un éxito sorpresa de hace cinco años, y aunque mantiene las premisas con las que tanto disfrutamos entonces, esta vez el carácter decididamente perezoso de la función hace que presenciemos un clásico más de lo mismo pero mucho más decepcionante y menos divertido.

Arranca de forma prometedora, con una divertida evolución de especies prehistóricas depredadoras, y una atractiva incursión en el ecologismo de acción. Pero de pronto, su primera mitad se nos antoja prácticamente insufrible, sometiéndonos a una historia que carece de cualquier lógica y credibilidad, por mucha ciencia-ficción de que se trate. Superado el aburrimiento, lo que depara su segunda parte no es sino una repetición de lo que tanto celebramos en la anterior y original entrega, primando la desvergüenza y los efectos visuales, pero sin que nada de eso pueda disimular su enclenque guion, plagado de ridículos diálogos, y su débil diseño de personajes, con Sergio Peris-Mencheta como histriónico malvado, y la inevitable niña repelente volviendo a encabezar la cuota china de la producción.

Teniendo en cuenta que la empresa se antoja un híbrido entre Tiburón y Parque Jurásico, con referencia explícita incluida a Tiburón 2, habrá que echarle las culpas de este desaguisado a Spielberg, o al menos exigir a sus responsables que le paguen los consabidos derechos de autor.

GHOSTING Patadas que no dejan marca

Título original: Ghosted
USA 2023 116 min.
Dirección Dexter Fletcher Guion Rhett Reese, Paul Wernick y Chris McKenna Fotografía Salvatore Totino Música Lorne Balfe Intérpretes Ana de Armas, Chris Evans, Adrien Brody, Mike Moh, Amy Sedaris, Tate Donovan, Tim Blake Nelson, Mustafa Shakir, Lizzie Broadway, Anna Deavere Smith Estreno en Apple TV+ 21 abril 2023

Con películas como Amanece en Edimburgo, Eddie el Águila o Rocketman en su haber, nada hacía presagiar que el nuevo film de Dexter Fletcher resultara tan decepcionante y desganado. Con sus protagonistas metidos en labores también de producción, Ghosting, que hace referencia a la táctica de despreciar mensajes o llamadas de teléfono por un tiempo prolongado, no es más que un artilugio de entretenimiento sin apenas interés ni gracia.

Pretende combinar comedia romántica y acción como si la empresa fuera todo lo original que promete, obviando que esa mezcla ya ha sido llevada al cine en muchas ocasiones, la mayoría con resultados más estimulantes. Tan descuidada es que hasta se permite errores de rácord, algunos de ellos relacionados con el peinado de una Ana de Armas que debería seleccionar mejor sus proyectos después del buen trabajo que realizó como Marilyn Monroe en Blonde, si no quiere acabar encasillada en estos productos de poco calado artístico.

Ni es tan espectacular como las películas de James Bond a las que emula, ni tan divertida como otras incursiones en ese subtema de la o el ciudadano corriente que acaba sumergido en intrigas de acción internacional, ni tan vertiginosa como para hacerte saltar del asiento. Es simplemente una nadería plagada de inútiles cameos (Ryan Reynolds, Anthony Mackie, John Cho, Sebastian Stan), que entretiene y da muchas patadas pero no deja ninguna marca.

RENFIELD Terapia de autoayuda a lo bestia

USA 2023 93 min.
Dirección Chris McKay Guion Robert Kirkman y Ryan Ridley Fotografía Mitchell Amundsen Música Marco Beltrami Intérpretes Nicholas Hoult, Nicolas Cage, Awkwafina, Ben Schwartz, Adrian Martínez, Shohreh Aghdashloo, Brandon Scott Jones, Camille Chen, Bess Rouss, Jenna Kanell, James Moses Black Estreno en Estados Unidos y España 14 abril 2023

Buena prueba de que escasea la imaginación, y más bien lo que se hace es camuflarla con supuestos proyectos ingeniosos, es esta película que se recrea una vez más en el mito de Drácula para poner en escena un espectáculo abiertamente gore que pretende recuperar la combinación entre comedia y barbarie que tan buenos réditos dio a cineastas como Peter Jackson (Braindead) o Sam Raimi (Posesión infernal) en los más inocentes años ochenta del pasado siglo. Por cierto, no contentos con un olvidable remake hace unos años, en unos días se estrenará otro intento de revitalizar el éxito de este último que llevaba por título original Evil Dead.

Con los discretos créditos de Batman: La LEGO película y La guerra del mañana, estrenada solo en plataformas digitales, en Reinfeld Chris McKay consigue que brille su prólogo, un divertido y muy logrado recuerdo al Drácula de Bela Lugosi para introducir el personaje central de la película, su fiel sirviente a lo largo de décadas, que aquí se rebela contra su señor para intentar independizarse y luchar contra todo el mal que el vampiro representa. Se nos propone así una suerte de terapia de auto ayuda, literal cuando el pobre criado acude a un grupo de psicoanálisis, que ha de revertir en otro superhéroe con el que engordar la máquina del dinero, derivando finalmente en otra tontería insustancial que apenas alcanza a interesar a lo largo de su escueta hora y media de duración, lo mejor del conjunto.

El problema es que hoy hay demasiada violencia en general, especialmente preocupante en el arco de edad de la adolescencia, que es el que se confiesa admirador de este tipo de productos, como para seguir incidiendo en ella como vehículo lúdico y de entretenimiento. Algo que nos hace reflexionar sobre ¿qué fue antes, la gallina o el huevo, una sociedad degradada e hiper violenta a la que dar lo que reclama, o esa cultura de la violencia que la ha generado? Afortunadamente hay espacio para la esperanza, representada en el personaje que interpreta la siempre simpática y original Awkwafina, determinada e incorruptible. Por su parte, Nicolas Cage se mantiene en constante pose autoparódica, y destaca la posible reivindicación de Nicholas Hoult (El menú) como un protagonista a tener en cuenta. Mucha sangre, cuerpos espachurrados y descuidado diseño de producción podrá contentar a quienes sean incondicionales del género, porque al resto posiblemente no le haga mucha gracia.

TODO A LA VEZ EN TODAS PARTES Caótica e insufrible

Título original: Everything Everywhere All at Once
USA 2022 139 min.
Guion y dirección Daniels (Dan Kwan y Daniel Scheinert) Fotografía Larkin Seiple Música Son Lux Intérpretes Michelle Yeoh, Stephanie Hsu, Ke Huy Quan, James Hong, Tallie Medel, Jenny Slate, Harry Shum jr., Bill Wiff, Sumita Mai, Aaron Lazar, Brian Le, Anthony Molinari Estreno en Estados Unidos  25 marzo 2022; en España 3 junio 2022

Recuperamos esta película estrenada el pasado mes de junio, y que despreciamos entonces por la escasa confianza que nos merecía, tras la avalancha de premios a la que ha sido expuesta, dos Globos de Oro y seguras nominaciones al Oscar incluidas. Si poca gracia nos hizo l anterior película de los Daniels, Swiss Army Man, con un náufrago que se hacía amigo de un cadáver flatulento, menos aún ha conseguido hacernos esta cinta de la productora de moda, A24, donde una mujer china de avanzada edad, inmigrante en Estados Unidos, se enfrenta a la salvación del mundo, y de paso de su propia familia, amenazada por un divorcio y la homofobia hacia su única hija, a través de ese socorrido multiverso, donde todo vale.

Un espasmo en el cuello sirve para que sus sufridos protagonistas cambien de realidad, siempre alternativa, y se enfrenten una y otra vez a personajes cuyos registros cambian según el universo en el que se encuentren, conformando en suma un caos total y absoluto donde reina la confusión y la desidia. Ni la recuperación de Jamie Lee Curtis, afeada considerablemente, en un registro cómico consigue insuflar interés a la empresa. El resultado convierte el multiverso de Spiderman en un ejercicio de filigrana intelectual, mientras aquí se revela en un sinfín de ocurrencias, algunas de muy mal gusto, que apenas logran suscitar nuestro esforzado interés.

Si lo que esta pareja de realizadores y guionistas querían era epatar y resultar atrevidos, ¿por qué pixelan las partes de los luchadores que con su culo pretenden atrapar trofeos puntiagudos? Al final no hay más que mucha violencia, muchas artes marciales y un caos absoluto, suponemos que controlado aunque apenas lo parezca, que pretende ser original, atrevido y diferente, y aunque pueda serlo, resulta sobre todo intranscendente e insufrible.

OPERACIÓN FORTUNE: EL GRAN ENGAÑO Misión imposible de saldo

Título original: Operation Fortune: Ruse de guerre
USA-China 2023 114 min.
Dirección Guy Ritchie Guion Ivan Atkinson, Marn Davies y Guy Ritchie Fotografía Alan Stewart Música Christopher Benstead Intérpretes Jason Statham, Aubrey Plaza, Josh Hartnett, Cary Elwes, Hugh Grant, Bugzy Malone, Eugenia Kuzmina, Peter Ferdinando, Lourdes Faberes, Sam Douglas, Eddie Marsan, Max Beesley, Conor MacNeill, Oliver Maltman, Kaan Urgancioglu Estreno en España 4 enero 2023; en Estados Unidos 12 enero 2023

No cabe hacerle reproches a este nuevo delirio chulesco violento de Guy Ritchie, al fin y al cabo repite por enésima vez el esquema que le hizo célebre hace un buen puñado de años con cintas como Snatch y Lock & Stock, y que ha ido perdiendo frescura y fuerza por el camino. Por medio quedaron insufribles revisiones de mitos como Sherlock Holmes o Robin Hood, algún destello tenue de luz en sus adaptaciones del Agente Cipol y Aladdin, y otros ejemplos de sus juguetes con amiguetes en The Gentlemen y Despierta la furia.

Con la primera producción mainstream que se estrena este nuevo año, Ritchie parece asumir su propuesta a lo Misión Imposible de saldo con la presentación de un nuevo personaje, Orson Fortune, incapaz de emular al todo terreno Ethan Hunt, y con el M16, el mismo que está detrás de 007, como centro de operaciones, esta vez desdoblándose para procurar a la empresa algo de originalidad en el asunto. Todas sus localizaciones se encuentran en el mismo lugar, Antalya en Turquía, un retiro turístico de lujo que lo mismo se representa a sí mismo que sirve para recrear en decorados un risible aeropuerto madrileño. En este contexto, la ridícula trama de persecuciones, traiciones, giros de guion y matanzas con humor presuntamente socarrón y un desprecio absoluto por la narrativa en beneficio de un ritmo y un montaje caóticos, se centra en la recuperación de una mortífero arma tecnológica que pone, adivinen, a la humanidad en peligro.

Ni su multiestelar reparto, en el que destaca la recuperación de Josh Hartnett (Pearl Harbor) y Cary Elwes, cuyas líneas de guion le permiten hacer alguna broma a propósito de su icónica intervención en la mítica La princesa prometida, logran captar nuestra atención más allá del puro entretenimiento, con sospecha irredimible de una imperdonable pérdida de tiempo.

CON LOS AÑOS QUE ME QUEDAN Una road movie descafeinada

España-México 2022 115 min.
Guion y dirección Frank Ariza Fotografía Javier Salmones Música Maria Vertiz Intérpretes Regina Blandón, Manuel Vega, Estefanía de los Santos, Paco Tous, Aislinn Derbez, Michelle Rodríguez, Enrique Villén, Antonia San Juan, Ken Appledorn Estreno en el Festival de Almería 26 noviembre 2022; en salas 9 diciembre 2022

Para su segundo largometraje, después de la comedia negra ¡Ay mi madre!, el director gaditano (y guionista en la inefable Sin ti no puedo) Frank Ariza ha tirado la casa por la ventana. Se ha aliado con una productora mexicana y convertido los paisajes andaluces, madrileños y mexicanos en escenarios californianos, con el objetivo de poner en pie una genuina road movie protagonizada por una mujer enfrentada a una serie de problemas económicos e identitarios que acepta una peligrosa misión de contrabando mientras afronta sus miedos familiares y sentimentales. Todo en un cóctel que puede resultar algo indigesto ante la cantidad de situaciones y personajes que propone.

Con expresión permanentemente disgustada, la joven mexicana Regina Blandón comparte coche con un fresco y desenfadado buscavidas al que da vida el joven madrileño Manuel Vega, mientras un sinfín de secundarios procuran amenizar el viaje y sus múltiples vicisitudes. La función empieza con narradora en off, una Estefanía de los Santos que reincide en su vocación histriónica; pero conforme avanza la trama la narración se va antojando confusa, a lo que no es ajeno un montaje desordenado y caótico, todo lo cual va paulatinamente conduciendo al desinterés y la desidia.

Una lástima, porque cuenta con medios holgados, tiene momentos con chispa, algunos incluso divertidos, y más o menos funciona como entretenimiento. Pero en general se pierde en sus diversas y variopintas propuestas y sus claros referentes tarantinianos, dejando una incómoda sensación de vacuidad generalizada.

BULLET TRAIN Otro delirio hiper violento

USA-Japón 2022 126 min.
Dirección David Leitch Guion Zak Olkewicz, según la novela de Kotaro Isaka Fotografía Jonathan Sela Música Dominic Lewis Intérpretes Brad Pitt, Joey King, Aaron Taylor-Johnson, Brian Tyree Henry, Andrew Koji, Hiroyuki Sanada, Michael Shannon, Sandra Bullock, Bad Bunny, Logan Lerman, Zazie Beetz Estreno en España y Estados Unidos 5 agosto 2022

Hubo un tiempo en el que incluso los títulos de las canciones se traducían en nuestro país. Sin ir más lejos, el éxito de los Bee Gees con el que se inicia esta película, en una versión oportunamente exótica, Stayin’ Alive se llamó aquí Viviendo. Ahora, aunque España sigue siendo un país analfabeto en idiomas (y en otras asignaturas también), nuestros distribuidores prefieren los títulos originales, por muy bien que hubiese resultado llamar a este engendro Tren bala.

Después de ver el tráiler infinidad de veces (los asiduos al cine estamos condenados a una publicidad agotadoramente repetitiva), por fin podemos ver en pantalla grande la versión larga, que es lo que ofrece esta cinta que una vez más ha merecido, para sorpresa de propios y extraños, el beneplácito de una crítica sospechosamente acomodada. Y es que no vemos en este disparate motivo alguno para el regocijo, puede que porque seamos muy mayores para compartir esta cultura de la extrema violencia y el disparate sin tregua que se ofrece incluso como artefacto ingenioso y vehículo apto ¡para la comedia!, por mucha sangre y vísceras que vuelen ante nuestros ojos. Está claro que todo está construido robóticamente a imagen y semejanza de una generación que ha crecido a la sombra de los videojuegos y las franquicias de la exageración y el dislate, como ese Fast and Furious o aquel Deadpool de las que el director David Leitch se ha curtido en alguna de sus secuelas. Ser el doble de acción de Brad Pitt también le habrá servido a la hora de recibir su apoyo económico.

Lo cierto es que ni su dirección artística nos ha convencido, con lo que podría haber dado de sí una trama de intriga y venganza al más puro estilo Sergio Leone pero con estética en el guion y la puesta en escena de Tarantino, en un tren que debería ir abarrotado de gente, pero en el que lo único que abundan son los asesinos a sueldo. Una canción compuesta por el autor de la banda sonora, Dominic Lewis, en cuyo trabajo también se atisba el estilo Morricone, cantada por Alejandro Sanz en plan Chavela Vargas, y la participación en el reparto del rapero Bad Bunny, además de un divertido reverso de protagonismo con respecto a la reciente La ciudad perdida, y algún que otro simpático cameo, dan idea de lo estudiada que está la empresa para encandilar a ese público irresponsable e inconsciente al que va dirigida.

EL INSOPORTABLE PESO DE UN TALENTO DESCOMUNAL Nick se homenajea y se ríe de sí mismo

Título original: The Unbearable Weight of Massive Talent
USA 2022 105 min.
Dirección Tom Gormican Guion Kevin Etten y Tom Gormican Fotografía Nigel Bluck Música Mark Isham Intérpretes Nicolas Cage, Pedro Pascal, Tiffany Haddish, Sharon Horgan, Alessandra Mastronardi, Paco León, Jacob Scipio, Neil Patrick Harris, Lily Mo Sheen, Ike Barinholtz, Joanna Bobin, Katrina Vankova Estreno en Estados Unidos 22 abril 2022; en España 17 junio 2022

En un ejercicio de honestidad y sana autocrítica, Nicolas Cage se interpreta a sí mismo en esta comedia de acción ambientada en Mallorca, aunque escenificada para la ocasión en Croacia. Cage se perfila aquí como un actor en bajas horas que acepta asistir como invitado de honor a la fiesta de un magnate español sospechoso de negocios muy turbios que ponen en entredicho la política exterior de Estados Unidos, empeñada en poner y derrocar políticos y regímenes a diestro y siniestro.

Como se puede observar la sorna no solo se ceba con el actor, cuya carrera se ve generosamente homenajeada a lo largo del metraje, poniendo en entredicho sus facultades interpretativas y sus múltiples y a menudo exagerados registros, sino también con la política de su país y el comportamiento de república bananera de otros que lo circundan, además de no desaprovechar la ocasión para criticar una vez más la situación actual de Hollywood. Pero todo está construido alrededor de la estrella, su inconfundible capacidad de atracción para millones de correligionarios, y su vis cómica. El director, que apenas cuenta en su currículo con un largometraje, Las novias de mis amigos, y una serie de televisión entre la comedia y el thriller paranormal, Ghosted, sin mucho éxito en ningún caso, apuesta ahora por una comedia refrescante y en general bastante inofensiva, donde abundan los chistes cinéfilos populares y la camaradería entre el actor y Pedro Pascal (Mandalorian, Narcos).

Por su parte, Paco León aprovecha para debutar en el cine americano con un acento bastante aceptable, una entrega total como es habitual en él y un papel importante por mucho que su nombre haya desaparecido de los títulos de crédito principales y el póster publicitario, por delante de otros que sí tienen ese privilegio. No negamos que hay secuencias que provocan rubor, como la delirante secuencia en la que ambos protagonistas van colocados, y abundancia de frases bobaliconas, pero se deja ver en general como lo que es, un homenaje al actor, divertido, fresco y carente de prejuicios. Atención a los cameos de Demi Moore y David Gordon Green también interpretándose a sí mismos. El segundo dirigió a Cage en una de sus mejores interpretaciones, Joe, y es responsable de las dos últimas entregas de Halloween.

MALNAZIDOS Malos tiempos para la comedia bélica

España 2020 101 min.
Dirección Javier Ruiz Caldera y Alberto de Toro Guion Jaime Marqués y Cristian Conti, según la novela de Manuel Martín Ferreras “Noche de difuntos del 38” Fotografía Kiko de la Rica Música Javier Rodero Intérpretes Miki Esparbé, Aura Garrido, Manuel Llunel, Luis Callejo, Álvaro Cervantes, Jesús Carroza, María Botto, Mouad Ghazouan, Sergio Torrico, Francisco Reyes, Frank Feys, Manuel Morán, Asia Ortega, Ken Appledorn Estreno en el Festival de Sitges 8 octubre 2020; en salas 11 marzo 2022

A Mediaset le ha pasado con esta película lo mismo que le ocurrió hace unos meses con Way Down, que la ha tenido reservada en un cajón hasta encontrar un momento idóneo para estrenarla. Pero a diferencia de la película de Jaume Balagueró, esta no ha encontrado ese momento. Haber esperado desde su estreno como película de inauguración del Festival de Sitges de 2020 hasta hoy solo le ha hecho coincidir con un ambiente bélico mundial que seguramente le afecta considerablemente. No tenemos el cuerpo precisamente para reírnos a costa de la guerra, por muy buenas intenciones que sus directores pongan en cierta confraternización entre bandos para luchar por un enemigo común y más devastador, en este caso unas ficticias armas químicas experimentadas por los nazis en nuestra Guerra Civil, que convierten en zombis a quienes las respiran.

La idea no está mal si no fuera porque la combinación entre nazis y zombis ya tuvo su particular dosis en 2009 cuando Noruega estrenó Nieve muerta, aquí titulada Zombis Nazis. Tras éxitos como Spanish Movie, Promoción Fantasma, Tres bodas de más, Anacleto y Súper López, a Ruiz Caldera se le supone una capacidad para la comedia incontestable, que sin embargo no aflora en este film con un guion demasiado endeble, previsible y falto de esos golpes de humor que se esperaban de una empresa de estas características. Todo el equipo se lo toma muy en serio, con referentes claros en las películas de Indiana Jones, sobre todo en el tratamiento de los oficiales alemanes, y un inevitable recuerdo a La vaquilla de Berlanga, si bien en su favor, y a pesar de estar a años luz de esa obra maestra, aplaudimos que aquella mala baba grosera y estridente que caracterizaba un cine que nos afeaba considerablemente, haya hoy desaparecido ante unos afectos y sentimientos si se quieren de importación pero más nobles y dignos para nuestra recreación.

Con todo, la película se deja ver por su simpática galería de personajes, su impecable acabado técnico y sus buenas intenciones, pero un sentido del ritmo más depurado y una mayor dosis de ingenio e inteligencia en su estructura y líneas de diálogo, hubieran conseguido pulir un trabajo que así presentado resulta en más de un sentido decepcionante.

JINETES DE LA JUSTICIA Armas y números

Título original: Retfærdighedens ryttere
Dinamarca-Suecia-Finlandia 2020 116 min.
Dirección Anders Thomas Jensen Guion Nikolaj Arcel y Anders Thomas Jensen, según su obra Fotografía Kasper Tuxen Música Jeppe Kaas Intérpretes Mads Mikkelsen, Nikolaj Lie Kaas, Andrea Heick Gadeberg, Lars Brygmann, Nicolas Bro, Gustav Lindh, Albert Rudbeck Lindhart, Roland Møller, Anne Birgitte Lind, Omar Shargaw, Henrik Noël Estreno en Dinamarca 19 noviembre 2020; en España 27 agosto 2021

A pesar de haber dirigido varios largometrajes, Anders Thomas Jensen sigue siendo más reconocido a nivel internacional por su trabajo como guionista, con títulos tan apreciados como Mifune, Hermanos, Después de la boda o En un mundo mejor. Sin embargo esta suerte puede cambiar con este su último trabajo como director, una celebrada adaptación de su propia obra teatral que en su resolución cinematográfica comienza en tono Eastwood planteando cómo un trágico acontecimiento puede ser la consecuencia de una serie de infortunios a los que el destino y los números pueden llegar a afectar de manera decisiva, para más adelante convertirse en una especie de comedia negra al más puro estilo de los Hermanos Coen, en la que el realizador danés tiene que emplearse a fondo para que la rotunda galería de personajes imposibles y las violentas aventuras en las que se embarcan no pase factura al éxito de la función.

Anders sale bien parado de la operación, a pesar de una disparatada propuesta de violencia al margen de la ley, gracias en parte a un espléndido elenco de intérpretes a cuyos personajes él previamente ha dado una vida propia en el guion y su traslación a la pantalla. La ausencia de una investigación oficial, la falta de una persecución policial a todas luces inevitable y esas calles completamente vacías en las que la violencia puede desatarse bajo una inmunidad absoluta, hacen que el producto se resienta, habiendo sido preferible que dichos aspectos se puliesen de forma necesaria y conveniente. Todo ello sin embargo no es obstáculo para que funcione la fórmula de enfrentar al clásico macho alfa curtido en la violencia y la venganza al más puro estilo americano, con el equipo de frikis de la tecnología y la estadística, mentes inteligentes, prodigiosas, que ponen el perfecto contrapunto y dan una entidad propia y original a la empresa, mientras el componente femenino aporta la necesaria, y habitual, dosis de cordura y sentido común.

No conviene sin embargo tomarse nada en serio, ni ese análisis ligero que hace del destino y sus connotaciones, ni la violencia desatada ni la falta de una justicia oficial y conformada, pero el entretenimiento está garantizado y alguna carcajada aislada, también. Triunfó en los premios del cine danés del pasado año.

FREE GUY El amor nos hace libres y reales

USA 2021 115 min.
Dirección Shawn Levy Guion Matt Lieberman y Zak Penn Fotografía George Richmond Música Christophe Beck Intérpretes Ryan Reynolds, Jodie Comer, Joe Keery, Lil Rel Howey, Taika Waititi, Itkarsh Ambudkar, Aaron Reed, Britne Oldford, Camille Kostek, Channing Tatum Estreno en Estados Unidos 13 agosto 2021; en España 18 agosto 2021

Habrá que agradecer a Zak Penn, coguionista de la película, haber llevado tan a buen puerto esta divertida y entrañable comedia de acción ambientada en el mundo de los videojuegos. Y es que ni Shawn Levy, el director, ni el otro guionista, Matt Lieberman, se caracterizan por una filmografía ejemplar. El primero es el responsable de la saga Noche en el museo y un puñado de comedias en su mayoría tontorronas que tienen su cota más alta de calidad en la irregular Ahí os quedáis, cuyo mayor reclamo era incluir a jane Fonda en el reparto. Tampoco su anterior incursión en el cine de acción, Acero puro, dio los réditos esperados. Sin embargo Penn ha colaborado en varios títulos de Marvel y es el autor del libreto de la película que a todas luces parece el referente más inmediato de esta, Ready Player One de Spielberg, que tras su brillante resolución formal a veces daba la sensación de no saber muy bien lo que quería contar. Sin embargo Free Guy lo tiene muy claro y parece ser el remate de aquella, con un éxito a nuestro juicio rotundo.

Tomando igualmente como referente El show de Truman de Peter Weir, su protagonista vive preso en una realidad virtual sin saberlo. Pero en un mundo en el que la tecnología avanza a pasos agigantados y en el que la experimentación da a veces resultados imprevisibles, puede asomar la inteligencia artificial y darle un vuelco a todo. Con esta premisa y un trabajo global nada pretencioso, Levy y su equipo consigue hacer la comedia que de haber podido aprovechar la técnica actual habría soñado hacer Frank Capra. De hecho su protagonista es todo un Juan Nadie o un Caballero sin espada que sin pretenderlo encuentra la forma de erigirse en líder, despertar conciencias y provocar pequeñas revoluciones que nos liberen, a los personajes de los videojuegos y a nosotros y nosotras mismas, que quizás también vivamos en una realidad virtual o paralela, de las cadenas y rutinas que nos acechan. Claro que todo este discurso está convenientemente matizado para no apartarse de su finalidad principal, que es entretener con la máxima calidad artística y técnica posible, que la acción no decaiga y la emoción se mantenga de principio a fin, lo que no es poco en una época en la que el espectáculo se sirve sin apenas alma.

Free Guy es además una preciosa historia de amor, que desprecia príncipes azules y deviene en consecuencias novedosas y muy agradables. El impecable trabajo y fabulosa vis cómica de Reynolds, que se cree hasta la última mueca que hace su personaje, se complementa con el excelente trabajo del resto del reparto, con especial atención al oscarizado director de Jo Jo Rabbit, Taika Waititi, que aquí da vida al villano de turno, una especie de versión masculina de Meryl Streep en El diablo viste de Prada. Entre los múltiples alicientes, además de una divertida banda sonora y un diseño artístico sensacional, está la descacharrante intervención un poco gay de Channing Tatum y las voces en versión original de otros fuertotes como Hugh Jackman o Dwayne Johnson, además de Tina Fey y John Krasinski y el ocurrente cameo de Chris Evans en modo Capitán América. Pura diversión, considerable emoción en una comedia de acción con mensajes y muchísima amabilidad, no se puede pedir más.

ESTRENO EN SALAS DE EL ROBO DEL SIGLO

Reseña de la película estrenada en el Festival de Cine Español de Málaga el 29 de agosto de 2020

Estreno en salas comerciales 2 julio 2021

OPERACIÓN CAMARÓN Simplemente lo que promete

España 2021 105 min.
Dirección Carlos Therón Guion Josep Gatell y Manuel Burque según la película “Song é Napule” de Giampaolo Morelli Fotografía Sergi Gallardo Música Riki Rivera Intérpretes Julián López, Natalia de Molina, Carlos Librado (Nene), Miren Ibarguren, Alberto López, Antonio Dechent, Canco Rodríguez, Julián Villagrán, Adelfa Calvo, Juanlu González, Xisco González, Manuel Burque, Paco Tous Estreno en el Festival de Málaga 4 junio 2021; en salas 24 junio 2021

Otra de las películas que se quedaron en la trastienda tras el decreto de estado de alarma y el confinamiento general de marzo del pasado año. Ahora Mediaset despliega toda su fuerza propagandística para convertirla en el taquillazo español del verano y quizás de toda la temporada, arrastrando consigo a su pegadiza canción, candidata según su publicidad a canción del verano 2021. Lo cierto es que este nuevo film del director de Es por tu bien y Lo dejo cuando quiera, triunfando también en la televisión con Los reyes de la noche, da lo que promete. Y si su primera mitad nos puede resultar falta de ritmo, con situaciones y diálogos de relleno, llegando incluso a entumecer nuestro ya de por sí escaso interés, en su segunda remonta y logra en su combinación de humor blanco, puntualmente zafio, música e intriga policial con cierto ingenio, despertarnos y alegrar nuestro espíritu.

Se trata de una adaptación más de un éxito europeo (Padre no hay más que uno o Perfectos desconocidos, por citar dos ejemplos), esta vez italiano, una película de 2013 titulada Song é Napule en la que un policía infiltrado en una banda de música intenta dar caza al capo de la camorra en la boda de la hija de su mano derecha. La acción se traslada ahora a la bahía de Cádiz y San Fernando, con exteriores rodados también en Sevilla y pueblos como Alcalá o Lebrija, y el grupo hace trap con toques de flamenco. Lo lidera Carlos Librado, alias Nene para los futboleros, que demuestra tras la trilogía del Baztán su vis cómica, aunque quien más merece nuestra admiración es la ecléctica Natalia de Molina, en un registro nuevo y fresco en su carrera. Ella deposita los pocos valores que tiene la película, feminismo y respeto a la ley y el orden por el camino, mientras Julián López hace lo que mejor sabe hacer desde que lo descubrimos en Muchachada Nui, poner cara de pasmao y metamorfosearse con gracia y desenvoltura.

Las escenas de acción y los momentos musicales están tratados con evidente descuido a pesar de tratarse de una producción desahogada, pero en general la cinta entretiene y hace reír con su desparpajo y habitual ristre de tópicos canallas y andaluces al más puro estilo sainete, incluida una mujer policía muy pegona que podría suscitar más de una suspicacia entre el cuerpo y la gente políticamente correcta, pero que es ideal para desquitarse de tanto machismo imperante, aunque sea pagando con la misma moneda.

MAMÁ MARÍA Las ventajas de hablar árabe

Título original: La daronne
Francia 2020 104 min.
Dirección Jean-Paul Salomé Guion Jean-Paul Salomé y Hannelore Cayre, según la novela de la segunda Fotografía Julien Hirsch Música Bruno Coulais Intérpretes Isabelle Huppert, Hippolyte Girardot, Liliane Rovère, Farida Ouchani, Nadja Nguyen, Iris Bry, Rebecca Marder, Youssef Sahraoui, Kamel Guenfoud, Rachid Guellaz, Mourad Boudaoud Estreno en Francia 9 septiembre 2020; en España 23 abril 2021

Aun recuerdo cuando hace años me dio por estudiar alemán y un jefe que tenía me recomendó que me dedicara más al árabe, que tenía más posibilidades; los alemanes no tienen prejuicios a la hora de comunicarse en inglés, pero los árabes agradecen mucho que se les hable en su idioma, y los grandes negocios del siglo XXI se gestarán en oriente, me decía cuando empezábamos a despedir el siglo pasado. Y vaya si le viene bien al personaje de Huppert dominar esa lengua a la hora de hacer negocios muy lucrativos en esta comedia de intriga y acción cuyo mayor y más efectivo reclamo es precisamente su protagonista.

Afortunadamente no solo ella consigue engancharnos en esta entretenida cinta basada en la novela de la abogada criminalista Hannolere Cayre que aquí se bautizó como La madrina y ahora llega traducida con este horroroso pero muy ilustrativo título de Mamá María. Su director, Salomé, está familiarizado con grandes producciones como Belphegor: El fantasma del Louvre, Arsène Lupin o Espías en la sombra. Películas en las que tuvo oportunidad de dirigir a estrellas internacionales como Sophie Marceau, Romain Duris, Julie Christie, Eva Green o Kristin Scott Thomas. Hacerse cargo ahora de este ingenioso libreto y contar con la complicidad siempre gratificante de Huppert da como resultado una divertida sátira sobre lo escasamente rentable y manifiestamente injusto que suele ser vivir respetando la ley, y cómo las mafias chinas y árabes se van apropiando poco a poco de las finanzas occidentales.

Todo en un jocoso tono cómico pero sin desdeñar sus inevitables cuotas dramáticas y, sobre todo, manteniendo la intriga y la tensión en su justa medida, lo que combinado con el atractivo que siempre emana de esta Meryl Streep europea, capaz de llenar salas cualquiera que sea la película en la que aparezca, da como resultado una cinta muy disfrutable aun en la desfachatez y la visible banalidad de algunos de sus presupuestos, al margen de algunos giros argumentales a los que quizás falte algún pulido adicional. Una ecléctica y funcional banda sonora contribuye al aspecto festivo que mantiene en su conjunto esta entretenida película.

EL ROBO DEL SIGLO Menos ingenio del que necesita

Argentina 2020 114 min.
Dirección Ariel Winograd Guion Álex Zito y Fernando Araujo Fotografía Félix Monti Música Darío Eskenazi Intérpretes Guillermo Francella, Diego Peretti, Luis Luque, Pablo Rago, Rafael Ferro, Mariano Argento, Juan Alari, Johanna Francella, Mario Alarcón Estreno en Argentina 16 enero 2020; en el Festival de Málaga 29 agosto 2020 

Ariel Winograd tiene en su haber el acierto de dirigir en 2017 la comedia Mamá se fue de viaje, que dio lugar a remakes en México, Italia, Francia y España, donde Santiago Segura lo convirtió en vellocino de oro con Padre no hay más que uno. Aparte de eso su carrera se ha plagado de comedias más o menos logradas, a las que ahora se añade este film de robos con ritmo y resolución también de comedia, fundamentalmente por la aportación de sus protagonistas, entre quienes se cuentan el siempre brillante Guillermo Francella, y una banda sonora entre swing y soul que fija el ritmo y el estilo de la cinta.

Cuenta una historia real, lo que hace que a pesar de sus disparatadas premisas resulte convincente, en la que un puñado de conocidos, unos delincuentes, otros candidatos, deciden de la noche a la mañana, sin muchos preámbulos, atracar un banco en principio insondable, urdiendo un plan tan ingenioso como complejo y arriesgado.

Rodada con oficio pero sin el ingenio que exigen este tipo de producciones, se hace digerible tanto por su planteamiento como por sus aseados ingredientes, cumpliendo así su principal cometido, que es entretener sin muchas complicaciones ni segundas lecturas. Por eso resulta exagerado estimar que forme parte del selecto grupo de películas destacadas del año en Latinoamérica, así como manifiestamente injusto para una cinematografía tan variada y ecléctica como la que nos propone el continente americano. Pero los Forqué así la han considerado.

JUDY Y PUNCH Educación en igualdad mal planteada

Título original: Judy & Punch
Austrlia 2019 106 min.
Guion y dirección Mirrah Foulkes Fotografía Stefan Duscio Música François Tétaz Intérpretes Mia Wasikowska, Damon Herriman, Benedict Hardie, Virginia Gay, Lucy Velik, Gillian Jones, Terry Norris, Daisy Axon, Tom Budge, Brenda Palmer Estreno en el Festival de Sundance 27 enero 2019; en Australia 21 noviembre 2019; en España 7 mayo 2020 (Internet), 28 agosto 2020 (limitado, no en Sevilla) 

Las marionetas, como los cuentos clásicos infantiles, han estado repletas de mala educación y malos hábitos, y un ejemplo claro de ello son las más representativas de la cultura anglosajona, Punch y Judy, un matrimonio mal avenido en el que la mujer está siempre recibiendo golpes del marido, clarísimo reflejo de una educación ultra machista que llega hasta nuestros días. Es hora de que cambien las tornas y sea ella quien coja las riendas de la situación, de ahí que la debutante en la dirección de largometrajes Mirrah Foulkes haya decidido titular su libreto al revés de como se conoce a la desdichada pareja, Judy por delante y Punch detrás.

Acierta a definir a su protagonista femenina como mujer fuerte y decidida que articula su particular ajuste de cuentas con un esposo fanfarrón, egoísta y criminal, sin hacer uso de la violencia directa, sino forzando los mecanismos de la justicia y aprovechando la ayuda de un ejército de mujeres igualmente vilipendiadas bajo acusación de brujería, tan habitual en el siglo XVII en el que se ambienta la cinta. Para dejar claro la correspondencia con su argumento y la situación actual, Foulkes no duda en inundar su historia de anacronismos de todo tipo, en ambientación, música y datos diversos. Pero el espectáculo no llega al buen puerto deseado desde el momento en que apenas tiene capacidad para atrapar entre tanta sandez y humor fuera de lugar.

Ni siquiera su reparto parece tomarse muy en serio el cometido, de forma que finalmente toda denuncia y compromiso social queda en superficie, sin la capacidad para concienciar que sí tienen las secuencias documentales de los títulos finales, con unos niños de los años cincuenta del pasado siglo perplejos y asustados ante una función de los violentos Punch y Judy, o Judy y Punch.

THE GENTLEMEN. LOS SEÑORES DE LA MAFIA Periodismo de ¿investigación?

Título original: The Gentlemen
USA 2019 113 min.
Dirección Guy Ritchie Guion Guy Ritchie, Ivan Atkinson y Marn Davies Fotografía Alan Stewart Música Chris Benstead Intérpretes Matthew McConaughey, Charlie Hunnam, Hugh Grant, Colin Farrell, Henry Golding, Michelle Dockery, Jremy Strong, Eddie Marsan, Tom Wu, Jason Wong, Lyne Renee, Chidi Ajufo, Simon Barker Estreno en Reino Unido 1 enero 2020; en Estados Unidos 24 enero 2020; en España 28 febrero 2020

A veces, incluso de forma involuntaria, una película transmite algo distinto de lo que aparentemente pretende, y así una de mafiosos, intrigas y trampas variadas puede convertirse en un eficaz alegato contra ese periodismo de presunta investigación que nos vende como verdad absoluta lo que no es más que mera invención para salir al paso. Es lo que hace el personaje de un estupendo Hugh Grant en la última película de Guy Ritchie, con la que el director británico recupera el estilo farsante y juguetón que caracterizó sus inicios en cintas como Snatch y Lock & Stock, pero con la sofisticación que ha acuñado en Hollywood y que le ha reportado vehículos interesantes como Operación UNCLE, cargantes como las dos entregas de Sherlock Holmes o delirantes como Aladdin. 

Grant da vida a un periodista que a través de argucias, inventos, certezas y productos de su investigación, pretende chantajear a toda una organización mafiosa que opera en las altas esferas del Reino Unido, liderada por un cerebrito curtido en Oxford y familiarizado con el alto copete británico. Es como si Ritchie hubiera querido hacer un discurso sobre ese periodismo que nos obliga a dar por válido todo lo que leemos o vemos en la televisión, aunque por supuesto estamos seguros de que de lo que se trata en realidad es de hacer una película entretenida a partir de un tema tan espinoso pero tan querido por los cineastas como es el del crimen organizado.

Afortunadamente se han jugado las reglas de la comedia con tan buen tino que desaparece todo lo incómodo que pueda suscitar tan delicado tema, mientras una buena definición de cada personaje de su nutrido y espectacular reparto y una sucesión de situaciones, algunas de ellas bastante divertidas, consiguen que el film se vea si no con interés al menos con agrado. Su ritmo frenético y videoclipero y el machismo recurrente, marcas de la casa, casan bien con las intenciones del director, a lo que ayudan algunas simpáticas canciones con sus análogas puestas en escena.