LOS DOMINGOS Lejos del mundanal ruido

España-Francia 2025 110 min.
Guion y dirección Alauda Ruiz de Azúa Fotografía Bet Rourich Intérpretes Blanca Soroa, Patricia López Arnaiz, Miguel Garcés, Juan Minujín, Mabel Rivera, Nagore Aranburu, Irina Robledo Espinosa, Guille Zani, Víctor Sainz, Itziar Aizpuru, Noe Chiroque, Florinda Okomo, Bego Aristegui Estreno en el Festival de San Sebastián 21 septiembre 2025; en salas 24 octubre 2025

La nueva película de Alauda Ruiz de Azúa, directora de Cinco lobitos y la serie Querer, llega a las pantallas con la Concha de Oro bajo el brazo, dispuesta a generar debate entre el numeroso público que de seguro está dispuesta a congregar. Y lo hace con un tema largamente abandonado en el cine mundial, salvo por ese arsenal de películas de carácter catecumenal que visitan las salas para gozo de las clases más reaccionarias, el de la vocación religiosa. Los cimientos están en el colegio concertado en el que cursa sus estudios la joven protagonista. Pero ahí lo cursaron también su padre y su tía, y sus miradas son muy distintas a la de ella, generando una especie de curiosa trinidad dispuesta a agitar nuestras opiniones al respecto de una decisión que afecta a una familia de la burguesía vasca. Allí, en el colegio, la joven canta en un coro que entona en castellano, inglés o vasco temas de amor al Santísimo, sigue las indicaciones de un joven y atractivo sacerdote que le sirve de asesor espiritual y quizás de gancho atractivo, y disfruta de retiros espirituales próximos a conventos que le abren la posibilidad, parafraseando a Thomas Hardy, de alejarse del mundanal ruido. El mismo ruido que representa una familia en la que no faltan los problemas económicos y sentimentales, y del que podría desembarazarse recluyéndose en un remanso de paz y silencio.

Puede, no obstante, que la sugestión y el autoconvencimiento le hagan realmente experimentar esa llamada que ansía, pues no nos encontramos ante un film contestatario, sino que más bien practica desde el respeto y la contención el sano ejercicio de dejar que seamos cada uno y una quienes interpretemos el drama que acosa a esta en otros tiempos acomodada familia. Quizás no sea ella, la joven a las puertas de la universidad y de conocer tantas y tantas experiencias, a las que desde luego no parece cerrarse del todo, sino su tía, magistralmente interpretada por Patricia López Arnaiz, quien funcione como eje central de esta inquietante historia. Quizás ella nos represente mejor que ningún otro personaje, centre nuestra incredulidad y nuestro convencimiento absoluto de que todo son patrañas, incompatible con la sensatez y, desde luego, con el rigor científico, que es lo que nos hace avanzar como sociedad en busca de una verdadera igualdad y un sincero bienestar. Ella es, con toda su fuerza, quien lucha contra una decisión a la postre disparatada, mientras un padre interesado se abandona a sus propios objetivos, más pendientes del saneamiento económico que de la felicidad de su hija, y la joven se presenta completamente convencida de su arriesgada decisión, mientras a su alrededor se teje una telaraña sibilina que la empuja a una presunta luz, especialmente tras una reveladora escena que ya no deja huecos a la trama.

Ruiz de Azúa es la autora del delicado guion, estructurado en gran parte alrededor de una mesa de comedor, mientras la matriarca logra domingo tras domingo, mantener a la familia aparentemente unida y dispuesta a debatir el problema, como también lo haremos nosotros y nosotras al término de la proyección. Un libreto tan inteligente como para dejarnos libres frente a la interpretación de los hechos. Pero sobre todo dirige, porque ésta es una película de actrices y actores, y ella sabe muy bien lo que necesita de cada uno y una de ellas, y lo consigue. Todo responde, en última instancia, a otro vestigio de épocas pasadas, a una involución que tarde o temprano nos pasará cuenta e irá, si no lo remediamos pronto, hacia la demolición de nuestros valores y principios, que creíamos tan asentados y a los que redes sociales y otros agentes tanto daño les están haciendo.

ON FALLING Una actitud incomprensible

Reino Unido-Portugal 2024 104 min.
Guion y dirección Laura Carreira Fotografía Karl Kürten Intérpretes Joana Santos, Inés Vaz, Piotr Sikora, Neil Leiper, Jake McGarry, Itxaso Moreno, Leah MacRae, Billy Mack Estreno en el Festival de Toronto 6 septiembre 2024; en Portugal 27 marzo 2025; en España 19 septiembre 2025

Premiada el año pasado en San Sebastián con la Cocha de Plata a la mejor directora, el debut de la portuguesa Laura Carreira, bajo bandera fundamentalmente inglesa, fija su atención en una joven como ella que sobrevive con un trabajo precario y rutinario en una localidad de las islas británicas, mientras observa a su alrededor un entorno en el que no se ve capaz de encajar. Una mirada diferente al cine de carácter social, donde lo importante no es tanto contar una historia que nos conmueva y agite nuestra conciencia, sino acercarnos en modo crónica al día a día de una persona que carece de habilidades sociales.

Ahí es donde radica fundamentalmente el problema de la cinta, en insistir en un modelo de persona con carácter lo más parecido a una autista, con comportamientos que hacen su caso muy particular y aislado, en todos los sentidos. Mientras, a su alrededor vibra la vida, lo que no parece estar indicándonos que esa idéntica precariedad y el esclavismo universal al que, no lo olvidemos, estamos todos y todas condenadas, precisamente por aceptar un sistema que interesa sólo a unos cuantos, no afecta a toda persona por igual.

El enganche generalizado al móvil o a series de televisión de fácil consumo no parece tampoco potenciar esa sensación de aislamiento y falta de ternura que padece una protagonista incapaz de escapar de esa realidad aburrida, monótona y carente de interés en el que se siente sumergida, y para la que todos los recursos puestos a su disposición son sistemáticamente desaprovechados por su incomprensible actitud. Todo lo cual, rodado con el habitual feísmo que caracteriza este tipo de producciones, hace que el film se nos antoje poco agraciado y menos convincente. Hay muchas formas de rebelarse contra el sistema, y falta hace enfrentarse a él, pero la actitud de nuestra protagonista, en este sentido bien interpretada por Joana Santos, nos parece incomprensible.

RAMÓN Y RAMÓN Padres, amigos y virus

Perú-España-Uruguay 2025 100 min.
Dirección Salvador del Solar Guion Salvador del Solar, Héctor Gálvez y Miguel Valladares Fotografía Inti Briones Música Gabriel Casacubierta y Hernán González Villamil Intérpretes Emanuel Soriano, Álvaro Cervantes, Jely Reategui, Beto Benites, Darío Yazbek Estreno en el Festival de San Sebastián 25 septiembre 2025; en salas 27 junio 2025

Salvador del Solar ha repartido su trabajo entre la interpretación y la dirección. Hace unos años destacó relativamente con su película Magallanes, y ahora nos llega esta cinta voluntariosa y bienintencionada. Un drama familiar ambientado en pleno confinamiento por el coronavirus en Lima y zonas rurales de Perú. Una producción en parte financiada por El Deseo, con cameo incluido de Agustín Almodóvar, que pretende analizar la difícil relación, ahora imposible de retomar, entre un hijo homosexual y su padre, a la vez que fija su atención en la relación de amistad que se produce entre el joven y un vecino español, siempre desde el prisma de aquella situación especial que nos invitó a todos y todas a romper con la rutina y sentir que otra forma de vida era posible, aunque el tiempo demostrara que la ilusión era efímera.

Lástima que con premisas tan atractivas, el film deambule entre sus buenas pero malogradas intenciones, un tiempo moroso que lastra el resultado y una falta de interés que se va afianzando paulatinamente. Merece la pena quizás por su envolvente paisajismo y por sus protagonistas, especialmente un Álvaro Cervantes que se convierte en catalizador de la traumática y catártica experiencia del protagonista, Emanuel Soriano, algo más perdido e impostado que su compañero de reparto. Por lo demás, su propia falta de objetivos claros y precisos la convierten en una película irrelevante.

Quiere quizás el virus erigirse en metáfora de las relaciones tóxicas y dependientes, la falta de comprensión y empatía hacia el prójimo y la agresión que todos y todas sufrimos a causa de un sistema que monotoriza nuestros comportamientos y hasta nuestros sentimientos. Pero si es así queda muy diluido, de nuevo falto de una orientación que deje claro el objeto de un análisis que nunca llega a fructificar.

THE LAST SHOWGIRL Plumas, joyas y años

USA 2024 88 min.
Dirección Gia Coppola Guion Kate Gersten Fotografía Autumn Durald Música Andrew Wyatt Intérpretes Pamela Anderson, Kiernan Shipka, Brenda Song, Jamie Lee Curtis, Dave Bautista, Billie Lourd, Jason Schwartzman Estreno en el Festival de Toronto 6 septiembre 2024; en Estados Unidos 10 enero 2025; en España 20 junio 2025

Hace una década, la nieta de Francis Ford Coppola, Gia, tuvo cierto éxito y algún que otro reconocimiento con su película Palo Alto. Con un estilo mucho más directo y natural que su habitualmente pretenciosa tía Sofia, la directora nos presenta ahora la emotiva y hasta cierto punto tierna historia de una mujer enamorada de su frívola profesión, lo que le ha alejado del mundo real de compromisos y responsabilidades, que ahora se le presenta de forma tan completa como cruda, cuando su futuro se tambalea por el cierre definitivo del espectáculo en Las Vegas en el que trabaja como miembro del cuerpo de coristas con brillos, plumas y físicos erotizados desde hace más de treinta años.

La más famosa de cuantas vigilantes de la playa hayamos conocido dentro y fuera de la pantalla, Pamela Anderson, presta su esbelta figura y sus más de cincuenta y cinco años a dar cuerpo y alma a esta desventurada, lo que más de uno y una interpreta como propia redención de la actriz y confesión en primera persona de su propio drama. Sin embargo, no es ella ni una excepción ni un caso aislado en un mundo en el que tantos y tantas acarician la fama o, en su caso, la estabilidad, para después pasar al olvido. Y no sirve vivir de las rentas, sino aprovecharlas, invertirlas y conseguir vivir de otros menesteres, como hacen la mayoría para sobrevivir a una fama efímera y controlada. El film, por cierto, deja claro que en el pais de las oportunidades, sin trabajo no hay ni seguro médico ni plan de pensiones. Justo el modelo que quieren implantar algunos y algunas de nuestras políticas.

Coppola cuenta la particular peripecia emocional de esta belleza crepuscular con ternura y delicadeza, sin cargar nunca las tintas, aportando una buena dosis de necesario feminismo, y con episodios de confesiones y asunción de responsabilidades tan elocuentes como eficientes. En medio, una sororidad emocionante, un trabajo sobresaliente de la voluptuosa actriz, algún guiño humilde a All That Jazz y Corazonada, y la aportación impagable de Jamie Lee Curtis, cuya actuación le valió una nominación al Bafta, sobre todo cuando se marca un inolvidable baile al son de Total Eclipse of the Heart de Bonnie Tyler en una tarima improvisada en un casino de la fascinante ciudad de las imitaciones kitsch. En San Sebastián la película fue galardonada con el Premio del Jurado,

EL ÚLTIMO SUSPIRO Radiografía del dolor y la muerte

Título original: Le dernier soufflé
Francia 2024 100 min.
Guion y dirección Costa-Gavras, según el libro de Régis Debray y Claude Grange Fotografía Nathalie Durand Fotografía Armand Amar Intérpretes Denis Podalydès, Kad Merad, Mailyne Canto, Fabrice Scott, Charlotte Rampling, Ángela Molina, Karin Viard, Hiam Abbass, Agathe Bonitzer, Georges Corraface Estreno en el Festivald e San Sebastián 25 septiembre 2024; en Francia 12 febrero 2025; en España 25 abril 2025

Siempre es agradable volver a los clásicos, y Costa-Gavras sin duda lo es, como esos abuelos que tienen tanto que enseñarnos. A sus noventa y dos años, el director de Z, Estado de sitio, Desaparecido, La caja de música y Amén, regresa a la gran pantalla con su estilo preciso y austero para contarnos una historia de interés general, la llegada de la muerte, enfermedad mediante. Lo hace a través del lazo de amistad que se teje entre un escritor filósofo de fama intelectual y un médico especializado en cuidados paliativos, ante la posibilidad de que el primero sufra un cáncer agresivo y la admiración que le profesa el segundo. La película se estructura entonces en una serie de episodios protagonizados por otras tantas mujeres flamantes, de la aristocrática Rampling a la gitana Molina, pasando por una poco o nada resignada Hiam Abbass que atesora los preciosos recuerdos que le propició un viaje a Sevilla, y Karin Viard dando vida a la oncóloga que pone la puntilla final.

Gavras, a partir de un original escrito a cuatro manos, indaga así sobre distintas formas de afrontar la enfermedad y la muerte, el concepto de dignidad que indiscutiblemente debería acompañarla, y el dolor que provoca en quien la padece y sus seres queridos. Lo hace con su inconfundible estilo casi documentalista, sin más adornos que una serie de cenas y fiestas con colegas y familiares, quizás lo más discutible e incomprensible de su sólido trazo, a quienes los protagonistas confían esos descubrimientos que convierten el periplo humano y sentimental en una camino de aportación y enriquecimiento mutuo.

Pero el director no pretende ni se espera de él que sea complaciente, de manera que no quiere ni puede quitar hierro a una situación que todos y todas tememos y que antes o después padeceremos, salvo aquellos y aquellas que dejen este mundo de forma tan inesperada como oportuna. Y todo esto nos lo cuenta alguien cerca del centenario, en un alarde de valentía con una pizca de propio exorcismo. Su presentación en la sección oficial del Festival de San Sebastián, así como su desprecio absoluto en los últimos César, a pesar de las excelentes interpretaciones de Podalydès y Merad, denotan cierta incomprensión ante un film si no excepcional, sí considerablemente valioso.

CUANDO CAE EL OTOÑO Segundas oportunidades

Título original: Quand vient l’automne
Francia 2024 102 min.
Dirección François Ozon Guion François Ozon y Philippe Piazzo Fotografía Jérôme Alméras Música Evgueni y Sacha Galperine Intérpretes Hélène Vincent, Josiane Balasko, Pierre Lottin, Ludivine Sagnier, Garlan Erolos, Sophie Guillermin, Malik Zidi, Paul Beaurepaire Estreno en el Festival de San Sebastián 21 septiembre 2024; en Francia 2 octubre 2024; en España 13 diciembre 2024

Después de la autoindulgente Peter von Kant y la disparatada Mi crimen, Ozon regresa con uno de sus mejores trabajos, un thriller espeso y ambiguo protagonizado por una impagable Hélène Vincent. La veterana actriz, que ya trabajó con Ozon en Gracias a Dios, interpreta a una abuela en conflicto permanente con su única hija, que le amenaza con prohibirle las visitas de su nieto, moneda de cambio en una tortuosa relación que puede acabar provocándole secuelas traumáticas irreparables.

Presentados los personajes, a los que hay que añadir la mejor amiga de la primera y el ex convicto hijo de esta última, el director francés teje una trama de carácter rural en la que las sospechas y los sentimientos se dan la mano para analizar el espinoso tema de las segundas oportunidades. Con una narrativa precisa y sencilla, la película nos invita a un juego de espejos y sospechas, así como a reflexionar sobre la oportunidad de la muerte como forma a menudo de resolver situaciones que trastornan a los implicados y su entorno, una manera de extirpar un tumor.

Todo ello haciendo gala de una gramática clásica, confiando el resultado a un ritmo sobrio y elegante, unas interpretaciones cómplices y un apartado artístico en el que sobresalen la luminosa fotografía y la relajante banda sonora, resultando un film sencillo, atractivo y muy disfrutable. Triunfó en San Sebastián en los apartados de mejor guion (Premio del Jurado) y mejor interpretación masculina de reparto (Pierre Lottin).

EX MARIDOS Reconciliaciones familiares

Título original: Ex-Husbands
USA-México 2023 99 min.
Guion y dirección Noah Pritzker Fotografía Alfonso Herrera Salcedo Música Robin Coudert Intérpretes Griffin Dunne, James Norton, Miles Heizer, Rosanna Arquette, Eisa Davis, Richard Benjamin, Lou Taylor Pucci, Pedro Fontaine, Echo Kellum, John Ventimiglia, Natalie Gold, Nate Mann, Rosa Gilmore, Ian Owens Estreno en el Festival de San Sebastián 24 septiembre 2023; en España 7 junio 2024

Tras su estreno en el Festival de San Sebastián y su paso por diversos festivales, la puesta en marcha de esta película se ha producido precisamente en nuestro país. Todo en su guion apunta a que su joven director, en el que es su segundo largometraje tras un paréntesis de casi una década, traslada algunos de sus episodios familiares a esta crónica sobre la dificultad en los tiempos actuales de mantener una vida convencional basada en el matrimonio y la descendencia tradicional. Pritzker reúne en esta comedia agridulce a Griffin Dunne, que aunque no ha parado de trabajar para la televisión, hacía mucho que no le veíamos en cine, y Rosanna Arquette, cuarenta años después de coincidir en ¡Jo, qué noche! de Scorsese.

Con mayor protagonismo del muy deteriorado actor y ocasional director (Adictos al amor), la película indaga sobre las relaciones entre un padre y sus dos hijos durante la despedida de soltero de uno de ellos en una ya no tan paradisíaca playa de México. Tan invadidos de llagas sentimentales como de algas lo está el mar que baña los lujosos resorts en los que unos y otros ahogan sus penas, los fracasos emocionales protagonizan unas relaciones intergeneracionales tan difíciles como susceptibles de reconstrucción. En este contexto asistimos con interés a situaciones y emociones que quizás no nos son ajenas, si bien todo está diseñado para dar cabida a clichés y tópicos muy reconocibles.

Nada de esto es obstáculo para que disfrutemos con la sensible y delicada propuesta de un director que parece mirar a un cine que ya no se hace en Estados Unidos, que prioriza el ingenio de un buen guion y la solvencia de unas destacadas interpretaciones al ritmo frenético y la puesta en escena sofisticada con la que hoy se resuelven este tipo de productos en la meca del cine. Ahí radica su mayor interés, en salirse de la horma diseñada en la industria de su país para ofrecer un trabajo añejo y por extensión tan rico al paladar, logrando en su exposición de diferentes formas de duelo y sus respectivas causas, su mayor baza. La cinta recupera también al muy veterano actor y director Richard Benjamin.

PUAN Entre existir y funcionar

Argentina-Italia-Brasil-Francia-Alemania 2023 111 min.
Guion y dirección María Alché y Benjamín Naishat Fotografía Hélène Louvart Música Santiago Dolan Intérpretes Marcelo Subiotto, Leonardo Sbaraglia, Julieta Zylberberg, Alejandra Flechner, Cristina Banegas, Andrea Frigerio, Mara Bertelli, Claudia Cantero, Gaspar Offenhenden, Lali Espósito Estreno en el Festival de San Sebastián 26 septiembre 2023; en Argentina 5 octubre 2023; en España 27 marzo 2024

Alché y Naishat tienen cada uno y una por separado una considerable carrera a sus espaldas como realizadores, pero es ahora con esta comedia agridulce con la que han saltado a la esfera internacional y logrado cierto interés como producto de calidad y ambicioso reducto de filosofía existencialista. Ambientada en lo que parece una universidad privada en la calle Puan de Buenos Aires, quizás en el año 2012, pues ni uno ni otro particular quedan suficientemente claros, trata sobre la diferencia entre existir y funcionar, dejarse llevar o tomar la iniciativa, tal como su torpe y algo anodino protagonista parece querer explicar a su rica y avejentada alumna de improbable interés por la materia.

Acostumbrado a existir bajo la sombra de su mentor y maestro, titular de la cátedra que tras su muerte aspira a ocupar, nuestro protagonista, un estupendo Marcelo Subiotto que logró la Concha de Plata del pasado Festival de San Sebastián, quizás en representación de un reparto coral absolutamente impecable, apenas recorre su vida sin un objetivo existencial que le asista, más allá del conocimiento y de seguir las reglas más o menos convencionales que se nos han impuesto. Pero la llegada de un oportunista y seductor antiguo compañero, un pícaro y pedante Leonardo Sbaraglia, le obligará a dejar simplemente de existir para comenzar a funcionar. La cinta a su vez funciona más como sucesión de episodios, algunos muy divertidos, en los que sus múltiples personajes se dedican a derrochar ingenio verborreico, sin que sus autores y realizadores acierten a encontrar un rumbo fijo al que destinar las desventuras de su perdido y desorientado personaje principal.

Se trata de un film por lo tanto disfrutable y divertido, repleto de ocurrencias y con cierto sabor intelectual que se echa mucho de menos en tanto y tanto cine que se estrena sin dejar huella indeleble alguna. Pero falla su intención y no logra cerrarse de manera convincente y satisfactoria, sin que tampoco quede muy definido el ambiente político y social en el que pretende desarrollarse, habiéndose rodado tantos meses antes de que el lamentable fenómeno Milei arrasara en las urnas e hiciera todavía más improbable la utópica intelectualidad que propone una cinta donde la corrupción durante décadas ha mermado tanto las posibilidades de un país que merecería mayor riqueza de la que disfruta. En San Sebastián logró también el premio del jurado al mejor guion, mientras los Goyas y los Forqué la consideraron en el apartado de mejor película iberoamericana, que en ambos casos le arrebató La memoria infinita.

O CORNO Madre y tierra, señas de cultura y progreso

España-Portugal-Bélgica 2023 103 min.
Guion y dirección Jaione Camborda Fotografía Rui Poças Música Camilo Sanabria Intérpretes Janet Novás, Siobhan Fernandes, Carla Rivas, Daniela Hernán Marchán, María Lado, Julia Gómez, José Navarro, Nuria Lestegás, Darío Fernández Raposo, Diego Anido, Belén Merino Estreno en el Festival de Toronto 10 septiembre 2023; en salas comerciales 11 octubre 2023

Nuestro país puede sentirse orgulloso por ser pionero, como en tantas otras cuestiones de carácter progresista, en aglutinar tal cantidad de estrenos dirigidos por mujeres que por fin consiga dar voz a sus protagonistas, durante tantísimo tiempo eclipsadas y reducidas a un valor de mera servidumbre, también en lo artístico. Con varios cortometrajes y un largometraje a sus espaldas, Jaione Camborda se ha convertido ahora en la primera española en lograr la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián, y lo ha hecho con una cinta difícil aunque hermosa, sensible aunque austera, dura y en cierto modo dolorosa.

La directora gallega utiliza sus recursos de forma sabia y controlada para lograr transmitir un mensaje de sororidad en torno al hostigamiento que la mujer sufría en los estertores del franquismo, y aún hoy lo hace en ciertos ámbitos y comunidades. Mujer madre, como demuestra su larga y difícil secuencia de arranque; mujer asida a la tierra, como especifica su más explícito título internacional, The Rye Horn (El cuerno del centeno) y podemos observar en esas carreras de atletismo sobre la arena a pies descalzos o en la rutina de la marisquería en la Ría de Arousa. Pero sobre todo mujer superviviente, lo que obliga a nuestra aguerrida protagonista a cruzar fronteras y ríos en busca de justicia y libertad, dejando todo atrás y reivindicando su papel como mujer fuerte, independiente y autosuficiente. Entre medias queda el retrato de otras que no le sirven sólo de comparsa, sino de reivindicación, lucha contra los estereotipos y presencia rotunda frente a un hombre al que ya no le queda más remedio que rendirse y aceptar su fracaso y sumisión.

Madre, tierra y raíces, presentes también en la elección de la lengua vernácula como cultura identitaria, arraigada en un acervo popular al que ellas han contribuido tanto como los hombres que han escrito, e impuesto, su historia. Se trata por lo tanto de un trabajo preciso e imprescindible, al que quizás se pueda achacar ciertas caídas de tensión y ritmo, o demasiado ensimismamiento en sus planteamientos narrativos y estéticos, al menos en determinadas ocasiones. Nada cabe objetar sin embargo a la portentosa interpretación, y sobre todo presencia física, de Janet Novás, su fuerte y decidida protagonista.

ANDALESGAI 2023 (1)

WILDHOOD Buscando mi destino indígena

Canadá 2021 99 min.
Guion y dirección Bretten Hannam Fotografía Guy Godfree Música Neil Haverty Intérpretes Phillip Lewitski, Joshua Odjick, Avery Winters-Anthony, Michael Greyeyes, Joel Thomas Hynes, Savonna Spracklin, Steve Lund, Mary-Colin Chisholm, Becky Julian Estreno en el Festival de Toronto 11 septiembre 2021; en Estados Unidos 24 junio 2022 (internet)

Realizada a partir de las propias vivencias de su director, la película no deja de ser una típica road movie con protagonistas jóvenes en busca de su destino. Pero tiene la particularidad de ambientarse parcialmente en la comunidad indígena que subsiste en Mi’Kma’Ki, en Nueva Escocia, Canadá, con parte de la película hablada en miq’maq.

Un reducto en el que la espiritualidad y la desconfianza ante nuevas sensibilidades y orientaciones se hacen más palpables. No es ajeno a esta incomprensión el protagonista, un mestizo al que su padre maltrata y que busca a su madre y de paso su herencia identitaria, mientras en el camino se enfrenta a sus propios deseos y anhelos y al despertar del amor.

Se deja ver con agrado, sin conseguir ser nada diferente ni especial a pesar de su exótico paisaje humano, sino más bien echando mano de clichés estilísticos muy manoseados en este tipo de producciones amables de carácter independiente. Se agradecen sus generosos paisajes y la belleza de los cuerpos y rostros jóvenes que los cruzan.

SUBLIME Descubrimientos juveniles

Argentina 2022 100 min.
Guion y dirección Mariano Biasin Fotografía Iván Gierasinchuk Música Emilio Cervini Intérpretes Martín Miller, Teo Inama Chiabrando, Azul Mazzeo, Joaquín Arana, Facundo Trotonda, Javier Drolas, Carolina Tejeda, Emma Subiela Estreno en el Festival de Berlín 12 febrero 2022; en Argentina 17 noviembre 2022

Al margen de la dificultad de entender los diálogos, en los labios de un grupo de jóvenes de 16 años de media que hablan con un acento muy cerrado y una dicción poco cuidada, esta película sobre una inquebrantable amistad apoya su interés en la ternura que transmite y en la nostalgia que provoca volver a esos años de descubrimiento de la propia identidad. 

Su primera escena, un falso video doméstico, nos muestra ya al joven protagonista, todavía niño, en espera impaciente de su mejor amigo para celebrar su cumpleaños. Varios años después ambos forman parte junto a otros compañeros de clase de un grupo de rock juvenil, entonando canciones expresamente compuestas para la película por Emilio Cervini.

A partir de ahí asistimos a una sucesión de episodios en los que el desencanto con la sexualidad pretendida y el descubrimiento de otras alternativas irán mermando la felicidad del joven protagonista, entre encuentros frustrados, tardes de playa y escenas de clase, tejiéndose en el interior del joven una serie de preguntas y respuestas que tendrá que dilucidar a través de decisiones cruciales. Premiada en San Sebastián con el Sebastiane a la mejor película iberoamericana, también se pudo ver en el Festival de Gijón.

MARTE UNO El despertar del insomnio

Título original: Marte Um

Brasil 2022 115 min.
Guion y dirección Gabriel Martins Fotografía Leonardo Feliciano Música Daniel Simitan Intérpretes Cícero Lucas, Carlos Francisco, Camilla Damiao, Rejane Faria, Ana Hilario, Russo Apr, Robson Vieira, Juan Pablo Sorin, Tokinho Estreno en el Festival de Sundance 20 enero 2022; en Brasil 25 agosto 2022

Bajo apariencia de película amable y llena de ternura, el director brasileño Gabriel Martins ofrece un retrato emotivo y en cierto modo amargo de una familia de clase media-baja en una ciudad de provincias en el Brasil inmediatamente posterior a la llegada de Bolsonaro al poder. Esperanzas que se van diluyendo en una sociedad fuertemente capitalista en la que cada vez cuesta más sobrevivir y en la que la felicidad se confía a la posibilidad de convertirse en una figura del fútbol, colaboración de Sorin, estrella del Cruzeiro Esporte Clube, o formar una familia convencional heteronormativa. Ilusiones que se van perdiendo ante una realidad que impone su propia dinámica y en la que la llegada de la separación de los hijos se hace dolorosamente inminente.

Martins confía en su poderoso elenco para lograr la empatía del público, a través de episodios que siguen las vicisitudes de cada uno y una de las cuatro integrantes de esta familia humilde pero alegre, bajo una estética colorista y una banda sonora llena de ritmo y sabor que sirve para constatar el espíritu desenfadado y luchador de un pueblo que se resiste a sucumbir a las circunstancias, por malas que se prevean bajo el prisma de una ultraderecha corrupta y represora.

El sueño de llegar a escapar del planeta y colonizar otro, Marte, se confunde con el insomnio de la madre, afectada por bromas televisivas de dudoso gusto y el orgullo de sentirse amiga de uno de los más importantes influencers del país, la ambigua y sofisticada de baja estatura Tokinho, que imprime al conjunto de un agradable espíritu de tolerancia y diversidad, aun tratándose de los tradicionales consuelos de una sociedad eclipsada por valores poco aconsejables.

LOS REYES DEL MUNDO Poética del desarraigo

Colombia-Luxemburgo-Francia-México-Noruega 2022 111 min.
Dirección Laura Mora Ortega Guion María Camila Arias y Laura Mora Ortega Fotografía David Gallego Música Leonardo Heiblum y Alexis Ruiz Intérpretes Carlos Andrés Castañeda, Davison Florez, Brahian Acebedo, Cristian Campaña, Cristian David Duque, Jacqueline Duque, Luis Eduardo Benjumea, Violeta Zabala, Esteher Posada Arias, María Adela Villa Estreno en el Festival de San Sebastián 21 septiembre 2022; en Colombia 6 octubre 2022; en España 17 marzo 2023

La flamante ganadora de la Concha de Oro en el pasado Festival de San Sebastián, ni siquiera considerada en los Goya para una merecida nominación a mejor película latinoamericana, es una valiente y desgarradora crónica sobre la ausencia de esperanza y el derroche de ilusión de unos jóvenes de Medellín condenados al desarraigo y privados de su herencia legítima. Cuenta en clave semi documental, desde el momento en que cada uno y una, incluida la funcionaria del registro, parecen interpretarse a sí mismos, el viaje épico y casi homérico de una pandilla de jóvenes sin futuro hacia la tierra prometida, en forma de predio arrebatado por las fuerzas paramilitares colombianas y ahora devueltas pretendidamente, en otro ejercicio de hipocresía institucional, a sus legítimos herederos. Un viaje jalonado de travesuras y aventuras, pero también de tragedia y dolor, que los cinco hombres, sin acceso a la educación y sumidos solo en la cultura de la violencia, emprenderán en un ejercicio de absoluta y rotunda libertad que quienes vivimos una vida cómoda pero convencional nunca experimentaremos.

Sorprende que sean mujeres, realizadora y guionista, quienes hayan urdido esta trama de machitos incontrolables, si bien es su sensibilidad la que logra dar al conjunto el tono poético que merece y da sentido al conjunto, consiguiendo una película dura y a la vez hermosa, tan bellamente fotografiada y con tan majestuosas localizaciones. Una cinta esmerada en todos sus detalles, contando para ello con el apoyo imprescindible de la producción europea, aunque en ella se eche en falta colaboración española. Los reyes del mundo es en última instancia un retrato más de los desheredados de este mundo, las víctimas de un sistema que necesita sacrificios para subsistir y en el que no tienen cabida ni la clemencia ni la esperanza, como muy bien representa ese hogar oníricamente calcinado de quienes ni en la vejez tienen derecho a un descanso digno.

Quizás el uso tan recurrente del caballo blanco sea el único reproche posible a una cinta que no necesitaba de ese trillado recurso para expresar con poesía todo ese dolor que es lo único que en última instancia encuentra arraigo en esa tierra tantas veces prometida y tan a menudo prohibida. Se exhibe con subtítulos dada la ininteligible jerga que utilizan sus protagonistas para comunicarse, por otro lado cinco jóvenes con todo el talento necesario para dar credibilidad a la empresa cuando lo más seguro es que ni siquiera sean capaces de entender la grandeza y el significado de la tragedia que están interpretando.

LA CONSAGRACIÓN DE LA PRIMAVERA Delicadeza y naturalidad

España 2022 110 min.
Dirección Fernando Franco Guion Fernando Franco y Bego Aróstegui Fotografía Santiago Racaj Música Maite Arrotajauregi y Beatriz Vaca Intérpretes Valeria Sorolla, Telmo Irureta, Emma Suárez Estreno en el Festival de San Sebastián 21 septiembre 2022; en salas 30 septiembre 2022

Aparte de poder presumir del póster más atractivo de la temporada, la nueva película de Fernando Franco es pura delicia, delicada y exquisita, de esas que se ven con la expresión permanente de encantamiento. Insiste en los temas que inspiraron su escueta filmografía, la enfermedad psíquica o mental y la influencia que ejerce sobre las personas que rodean a la enferma. Pero esta vez da un giro radical para arrojar más luz que en sus anteriores trabajos. Aunque la discapacidad del prójimo sigue poniendo en entredicho la nuestra propia, esta vez ejerce una influencia positiva en nosotros, nos ayuda a madurar y a curar nuestras propias heridas. Bien es cierto que el director, para lograr esa empatía y ese dulzor que provoca la relación entre una joven estudiante tímida y confusa y el joven con parálisis cerebral al que conoce y asiste, define unos caracteres encantadores, empezando por el propio protagonista que es pura simpatía y no provoca sino mucha ternura, y siguiendo por la espléndida madre a la que incorpora Emma Suárez.

También promueven ese placentero visionado las delicias de esa juventud que se mueve entre las clases en la universidad, foco del conocimiento y el saber, y las fiestas domésticas, con el solo contrapunto de la férrea disciplina religiosa en el colegio mayor. Así, Franco logra una cinta más convincente, agradable y natural que sus anteriores trabajos, La herida y Morir, donde se instalaba la desazón y el negativismo bajo formas austeras que poco hacían por involucrar al espectador. Pero nada sería igual sin la naturalidad con la que sus dos jóvenes protagonistas afrontan sus delicados cometidos, y la frescura con que el director propone situaciones que podrían resultar incómodas y sin embargo se disfrutan con el mismo agrado con el que vemos a Julie Andrews cantar por las verdes praderas austríacas.

Quizás pretender ser demasiado realista proponga un desenlace que provoque la discusión y la reflexión no siempre del agrado de todos y todas. Lástima que una vez más nuestro cine se promocione tan mal, de forma que de todos los personajes que pueblan esta preciosa película, fundamentalmente entre compañeros de universidad y amigas del colegio mayor, en la red solo seamos capaces de encontrar los nombres del trío protagonista, con total desprecio por el resto de actores y actrices que intervienen en esta estimulante empresa.

LOS OJOS DE TAMMY FAYE ¡Maquíllate y reza!

Título original: The Eyes of Tammy Faye
USA 2021 126 min.
Dirección Michael Showalter Guion Abe Sylvia Fotografía Mike Gioulakis Música Theodore Shapiro Intérpretes Jessica Chastain, Andrew Garfield, Vincent D’Onofrio, Cherry Jones, Mark Wystrach, Sam Jaeger, Fredric Lehne, Louis Cancelmi, Gabriel Olds, Chandler Head Estreno en el Festival de Toronto 12 septiembre 2021; en Estados Unidos 17 septiembre 2021; en España previsto el 25 febrero 2022

La telepredicadora americana Tammy Faye, un icono mediático de la religión llevada al extremo más friki en Estados Unidos, y competente cantante de estilo country, fue ya objeto de un par de documentales a principios de este siglo, uno de igual título que esta película, dirigido por Fenton Bailey y Randy Barbato en 2000, y otro para la televisión centrado en su lucha contra el cáncer, Tammy Faye: Death Defying, cuestón obviada en esta cinta dramática.

En una operación que nos recuerda a la que hace apenas unos años llevó a cabo Mimi Leder con la jueza del Tribunal Supremo Ruth Bader Ginsburg en Una cuestión de género, basada a su vez en el documental de Julie Cohen y Betsy West RBG, el realizador Michael Showalter, que hace algún tiempo disfrutó de cierta fama gracias a la comedia The Big Sick (La gran enfermedad del amor), dedica a tan controvertido personaje un film a mayor gloria de una formidable Jessica Chastain. En ella y las bondades con las que el guion parece querer restablecer su dignidad y memoria, recaen las mayores virtudes de un film por lo demás todo lo aseado y previsible que es habitual una cinta de estas características. Faye logró junto a su esposo, el charlatán y codicioso Jim Bakker, interpretado con bastante tendencia a la sobreactuación y el histrionismo por Andrew Garfield, erigir en los setenta y ochenta del pasado siglo el más grande imperio mediático en torno a la religión, llegando incluso a construir un parque temático dedicado a familias cristianas.

Todo un mensaje de prosperidad y comodidad al más puro estilo del sueño americano, traición y competencia incluidas, con apología absoluta del conservadurismo y las políticas de derechas, que les llevaron a la corrupción y el delito fiscal, si bien la cinta carga las tintas sobre el esposo, mientras procura reflejar en ella su visión amable y sentimental, incluso ingenua y algo naif, de la vida y su carácter abierto y generoso ante la diferencia. Showalter dirige con oficio y pulcritud, mientras Chastain, premiada en San Sebastián, nos regala una interpretación memorable y entrañable, amparada también por un maquillaje que mientras en ella hace milagros, en el resto se revela impostado y definitivamente maniqueo.

QUIÉN LO IMPIDE La suma a veces resta

España 2021 220 min.
Guion, dirección y fotografía Jonás Trueba Música Rafael Berrio, Alberto González, Andrei Mazga y Pablo Gavira Intérpretes Candela Recio, Pablo Hoyos, Silvio Aguilar, Pablo Gavira, Claudia Navarro, Marta Casado, Rony-Michelle Pinzaru, Javier Sánchez Estreno en el Festival de San Sebastián 23 septiembre 2021; en salas 22 octubre 2021

La reconquista, película dirigida por Jonás Trueba en 2016, está en la génesis de un proyecto entre el documental y la ficción que ha acaparado la atención del cineasta y su productora, Los Ilusos, durante los últimos cinco años. Allí los jóvenes Candela Recio y Pablo Hoyos daban vida a los protagonistas en edad adolescente, inspirando a la vez a su director un ambicioso proyecto que hablara de los jóvenes del nuevo milenio, sus problemas e inquietudes. Cuatro episodios a lo largo de casi cinco horas ocuparon el proyecto, un work in progress que ahora da luz a un largo de generosa duración, aunque para ello sacrifica una hora del metraje rodado y somete todo el material a un trabajo de edición, montaje y sonido, que en parte malogra a nuestro juicio el resultado final. Así, todo lo que en Solo somos, Principiantes, Si vamos 28, volvemos 28 y Tú también lo has vivido, era frescura y dejaba a sus protagonistas respirar y manejarse libremente, lo que acababa siendo muy revelador, en el global Quién lo impide adopta cierta impostura y acerca más su acabado al universo romántico y bobalicón de su autor.

Dos de aquellas cuatro películas se pudieron ver en el Festival de Sevilla del 2018, mientras la totalidad tuvo su estreno en la Cineteca de Madrid antes de la pandemia. Al material recopilado ahora se le ha añadido un prólogo y un epílogo que refleja el confinamiento y la incertidumbre que el coronavirus ha provocado en una generación a la que de momento se le ha escatimado prácticamente un año de sus vidas, en una edad en la que es fundamental aclararse, responder a sus preguntas y progresar en la vida ante la llegada de la madurez y la responsabilidad. Algo así como las trascendentales preguntas que uno de los jóvenes se hace acerca del amor y la muerte, y que desgraciadamente cobran ahora un mayor relieve de inseguridad e incertidumbre, de forma paradójica en grave contraste con unos planes de estudios que van alejándose paulatinamente de la asignatura que nos hace más libres, la filosofía. El mensaje es que aunque esto se produzca en aras de un mayor control sobre nuestras vidas, nada impida el ejercicio de un libre pensamiento y una reflexión informada sobre el sentido y el destino de nuestra existencia, que nadie impida que ese pensamiento y esa postura ante todo lo que nos rodea nos siga motivando. Llama poderosamente la atención comprobar cómo podemos sentirnos identificados con estas nuevas generaciones y sus anhelos quienes hemos entrado ya en la cincuentena, demostrando que al fin y al cabo y a pesar de la tecnología y los avances socioeconómicos, tampoco hemos cambiado tanto.

Lástima sin embargo que el estilo de su responsable, Jonás Trueba, siempre decantado hacia un romanticismo más bien ñoño, como también podíamos comprobar en su anterior película, La virgen de agosto, aunque posterior al material que da vida a esta última cinta, se apodere de un trabajo que en origen tenía otra intención e intensidad dramática. Queda la audacia de someternos a un ejercicio de metaficción en el que nunca acertamos a saber con exactitud lo que es verdad y lo que es inventado, una licencia apuntada ya desde un principio, y la frescura de un reparto juvenil que consiguió en San Sebastián el premio a la interpretación coral. También allí la película se hizo con el Fipresci de la crítica internacional y el Feroz en la sección Zinemaldia. A ellos les queda por delante la gran aventura de la vida, con sus desánimos, sus alegrías y sus miserias, demasiado camino por recorrer y muchas preguntas todavía por hacer.

UN SEGUNDO Las raíces en el desierto

Título original: Yi miao zhong
China-Hong Kong 2021 104 min.
Dirección Zhang Yimou Guion Zhang Yimou, Jingzhi Zou, según la novela de Yan Galing Fotografía Zhao Xiaoding Música Lao Zai Intérpretes Yi Zhang, Liu Haocun, Fan Wei, Li Xiaochuan, Yu Alei, Yan Li, Liu Yunlong, Zhang Shaobo Estreno en China 27 noviembre 2021; en España 15 octubre 2021

Mucho ha estado en hibernación esta película del más querido y a estas alturas veterano de los cineastas chinos desde su estreno en su país hasta su debut internacional como película de inauguración del Festival de San Sebastián, algo que no comprendemos dado el alto nivel alcanzado y sus emotivos y culturalmente significativos resultados. Yimou alterna sus películas épicas (Hero, La casa de las dagas voladoras) con otras de corte más intimista (Amor bajo el espino blanco, Regreso a casa), sin embargo esta su última película podríamos considerarla en el segundo grupo si no fuera por el papel épico y relevante que juega el desierto en el que todo se olvida y todo se perdona a lo largo de su envolvente desarrollo.

Un segundo de película es el codiciado trofeo que persigue un presidiario en tiempos de la Revolución Cultural China. Pero ese segundo se encuentra en la bobina que una joven ambiciona para resolver una delicada situación familiar. La lucha noble de uno frente a las zancadillas de diablillo que le pone la otra constituye el eje sobre el que se desarrolla la primera y angustiosa mitad de un film que exhibe todo un canto de amor al cine como catalizador de emociones y álbum de recuerdos, como recinto en el que encontrar consuelo y ánimo. Pero no es un cine cualquiera, sino el que pudieron disfrutar en su espacio natural generaciones de antaño que se caracterizaban por una humildad, una ingenuidad y un entusiasmo que hoy es difícil de encontrar en quienes esconden su cabeza frente a la diminuta pantalla de un teléfono móvil.

Es el cine de las grandes y nobles emociones, de la justicia, la heroicidad y la pasión, que Yimou utiliza con gran acierto para generar un vehículo de inconfundible sabor nostálgico y a la vez proponer una hermosa historia de amistad, encuentros y desencuentros entre quienes están llamados a sustituir a los seres queridos, esos padres e hijas perdidas en el horizonte de una historia difícil y complicada, que se pierde y se encuentra en ese mismo desierto que metafóricamente representa el camino insondable, misterioso y enigmático de nuestra vida, y que es donde únicamente resuena la música, en este caso tan propia del folclore de su país como pudiera serlo una copla de Juanita Reina en nuestra memoria y acervo popular.

MAIXABEL Los muertos están vivos

España 2021 115 min.
Dirección Icíar Bollaín Guion Icíar Bollaín e Isa Campo Fotografía Javer Agirre Erauso Música Alberto Iglesias Intérpretes Blanca Portillo, Luis Tosar, Urko Olazabal, María Cerezuela, Arantxa Aranguren, Mikel Bustamante, Bruno Sevilla, Jone Laspiur, David Blanka Estreno en el Festival de San Sebastián 18 septiembre 2021; en salas 24 septiembre 2021

Después de tres décadas sembrando un horror inexplicable, injustificable e inasumible, ETA seguía matando entrado el siglo XXI, enarbolando la misma tramposa causa de libertad y justicia que tanto engatusó a miles de militantes y simpatizantes y obtuvo de ellos una entrega total e incondicional a la barbarie y la sinrazón. Después de hacernos disfrutar con ese canto a la libertad individual y femenina que supuso La boda de Rosa, Icíar Bollaín se entrega en su décimo largometraje de ficción a diseccionar aquel horror que vivíamos en este país casi a diario desde sus propias entrañas, víctimas y verdugos enfrentados en un cara a cara difícil, duro y doloroso, pero fundamental para entender un drama de tan grandes dimensiones y unas posturas tan a priori difíciles de conciliar.

El encuentro de Maixabel Lasa, viuda de Juan María Jáuregui, asesinado por ETA en Tolosa en julio del año 2000, y dos de sus asesinos, con especial atención al periplo emocional de uno de ellos, Ibon Etxezarreta, que es quien ante nuestros ojos sufre una metamorfosis emocional y sentimental más evidente, propiciada entre otras cosas por el dolor infligido a su propia familia, es el eje sobre el que se desarrolla esta danza macabra y a la vez reconciliadora en la que consiste el nuevo servicio social de la directora madrileña, tan necesario como contundente. Es imposible no abordar desde la emoción este drama surgido de la irracionalidad y la perversidad humana, esta catástrofe propiciada por la mano del hombre, que es siempre peor y más dramática que la generada por las fuerzas de la naturaleza; una emoción que aún siendo contenida y sosegada forma parte irrenunciable de tan desgarrador trauma. A ello se prestan unos intérpretes extraordinarios encabezados por una Blanca Portillo, que tan poco se prodiga en la gran pantalla, tan convencida de la necesidad de su relato que prácticamente se transforma en el personaje real al que da vida, esa Maixabel con cameo incluido al final de la cinta, y que representa a esa gente fuerte y decidida, dispuesta no ya a perdonar, que no a entender, sino a dar esos pasos de gigante que al menos saquen a las futuras generaciones de esa muerte en vida a la que este drama desgarrador arrastró a tanta gente durante tanto tiempo.

La sinrazón empuña armas, pero también desoye, y eso también hace mucho daño y no soluciona nada. Hemos sufrido mucho en este país, y sentimos mucho alivio cuando la banda terrorista anunció el fin de sus actividades criminales en octubre de 2011, pero el camino todavía es largo y merece tanta cautela, delicadeza y discreción como la que muestra Bollaín en su película y demostraron sus protagonistas en la vida real. Aquí, como en todo, ningún capítulo se cierra y la memoria no es reconducida con aliento y dignidad si no es con el diálogo y el encuentro. Los muertos lo merecen, y su presencia entre nosotros y nosotras se hace aún más fuerte cuando esperan de nosotros una actitud serena e inteligente, porque los muertos siguen vivos, mientras los vivos sobreviven en ese elocuente ambiente frío y gris que evoca una condición emocional expectante a que sean las políticas de acercamiento y reconstrucción, que no de olvido ni perdón, las que hagan de nuevo brillar la luz.

LA METAMORFOSIS DE LOS PÁJAROS La madre conectada con Dios y la Naturaleza

Título original: A Metamorfose dos Pássaros
Portugal 2020 101 min.
Guion y dirección Catarina Vasconcelos Fotografía Paulo Menezes Música Madalena Palmeirim Documental Estreno en el Festival de Berlín 28 febrero 2020; en Portugal 1 septiembre 2020; en España 3 septiembre 2021

Nos cuesta conectar con este híbrido entre ficción y documental con el que la directora portuguesa Catarina Vasconcelos quiere contarnos la presuntamente fascinante historia de su familia. Como Irene Giménez Lorang en My Mexican Bretzel, Vasconcelos opta por un toque vanguardista y experimental para contarnos esa historia familiar, pero mientras la española optaba por el trampantojo y la ilusión para a partir de material documental doméstico ajeno lograr hilvanar esa historia íntima y personal, Vasconcelos echa mano más del material rodado de ficción para hablarnos de ausencias en ese tono característico gris y tristón que caracteriza al cine portugués que trasciende sus fronteras.

Hay sin embargo un alto componente místico, casi religioso, en su propuesta que la acerca a menudo a ese cine catecúmeno que salpica nuestras pantallas desde que hace tiempo las hordas de la derecha más intransigente y rancia pretende recuperar el terreno perdido. Vasconcelos, que por supuesto pertenece a una familia burguesa y adinerada, que parece ser la única clase cuyas vivencias particulares merecen ser contadas, exige la máxima atención al público para que no pierda el hilo de sus elaborados textos de una literatura exasperante, incansablemente declamados por una omnipresente voz en off. A la vez experimenta con la imagen y el sonido, la primera para que nos sintamos como si admirásemos un cuadro, quizás ese Sorolla o la Boda campesina de Brueghel El Viejo con los que prácticamente arranca el film; este último casualmente protagonizó una de las pruebas más veteranas del concurso televisivo Saber y ganar solo un día antes de estrenarse entre nosotros la película. Experimenta también con el sonido, como si de un trabajo digno de exhibirse más en un museo que en una sala de cine destinada a contar historias, para sumergirnos en un mar (literal) de misticismo y confusión que sirva para construir esa oda a la madre a la que esta enigmática y a menudo irritante película parece querer dirigirse.

No nos sorprende sin embargo que la cinta haya recibido tantos premios (menores quizás, como el Fipresci en la sección Encuentros de Berlín o el Zabaltegi-Tabakalera en San Sebastián) y vítores críticos, tan proclives a celebrar cualquier cosa que se aparte del lenguaje tradicional y nos invite a esforzarnos en encontrar poesía y sugestión en propuestas desde luego tan elaboradas pero en muchos aspectos insufribles como esta. También su preciosista cartel publicitario ha sido galardonado en algún festival.

NORA Un viaje emocionalmente estéril

España 2020 100 min.
Guion y dirección Lara Izagirre Fotografía Gaizka Bourgeaud Música Pascal Gaigne y Paula Olaz Intérpretes Ane Pikaza, Héctor Alterio, Naiara Carmona, Ramón Barea, Klara Badiola, June Isasi, Paul Correa, Kepa Errasti, Iñigo Arambarri, Joseba Usabiaga, Loli Astoreka, Aia Kruse, Peio Berterretche, Hegoa Negueloua, Itziar Ituño, Izaro Estreno en el Festival de San Sebastián 18 septiembre 2020; en salas 3 septiembre 2021

Cinco años han pasado desde que Lara Izagirre proporcionara un Goya a la mejor actriz revelación a Irene Escolar por su interpretación en Un otoño sin Berlín. Y mucho ha pasado también, un año exacto, desde que este su segundo largometraje de ficción haya visto la luz desde su presentación en el último Festival de San Sebastián. Demasiado tiempo para pretender descubrir algo extraordinario en este supuesto viaje de reencuentro y reconciliación consigo misma que emprende la Nora del título. Una Ane Pikaza que se empeña a fondo, incluso proporcionando ella misma las preciosas ilustraciones con las que el personaje busca un hueco profesional en la vida.

Cual Frances McDormand en Nomadland, Nora aprovecha la ausencia de un ser querido, al que su vida estaba tan irremediablemente condicionada que prácticamente no le dejaba respirar, para emprender en un Dos Caballos ese viaje revelador de su verdadera esencia. Pero allí donde debería primar la naturalidad y la sencillez, abunda la impostura, el cliché y un guion de manual que deja tan poco improvisar y respirar al espectador y la espectadora como lo hacen las limitaciones laborales y familiares a la protagonista. El resultado se revela rápidamente como un vehículo más pretencioso que fabulador sobre la que su directora procura verter una mirada feminista que no lo es tanto en cuanto repite algunos esquemas y situaciones tan archivistas que resultan más rancias y conservadoras de lo conveniente.

Los generosos paisajes del País Vasco tanto español como francés, primorosamente fotografiados, la aparición estelar de la estrella local de la canción Izaro, y una melodiosa banda sonora que potencia ese carácter amable que pretende transmitir la cinta, no consiguen hacer remontar una propuesta caduca y errática desde su propio planteamiento.

ANE Una generación herida

España 2020 100 min.
Dirección David Pérez Sañudo Guion David Pérez Sañudo y Marina Parés Fotografía Víctor Benavides Música Jorge Granda Intérpretes Patricia López Arnaiz, Mikel Losada, Jone Laspiur, Aia Kruse, Luis Callejo, Mariana Cordero, Nagore Aranburu, Gorka Aguinagalde, Fernando Albizu Estreno en el Festival de San Sebastián 20 septiembre 2020; en salas comerciales (no en Sevilla) 16 octubre 2020 

El resultado de un guion inteligente, todo un esfuerzo en euskera realizado por un burgalés y una malagueña, una interpretación asombrosa y una dirección precisa solo podía dar como resultado una de las películas más interesantes del cine español estrenadas el pasado año. Sañudo y Parés parten de un cortometraje de hace dos años, protagonizado por Aia Kruse, ahora en un papel secundario, que han desarrollado para conseguir un retrato de un País Vasco herido y dividido que provoca tanto pavor como conmoción.

Las heridas de un pasado teñido de terrorismo se traducen en unas formas pervertidas para conseguir objetivos en principio tan legítimos como evitar desalojos o atentados al medio ambiente. La construcción de las vías del tren de alta velocidad son el telón de fondo de esta historia con madre coraje centrada en la búsqueda y descubrimiento de su hija a las puertas de la mayoría de edad. Como si de Laura de Otto Preminger se tratara, la Ane del título tarda en aparecer en escena mientras especulamos sobre su paradero y verdadera identidad, tal como lo hacen sus padres separados. El giro a mitad de metraje nos lleva por un viaje al centro de una juventud marcada por la violencia de consecuencias inesperadas.

Rodada casi íntegramente en euskera – solo la andaluza Mariana Cordero y el castellano Luis Calleja hablan en español – en el film sobresale la excelente interpretación de Patricia López Arnaiz, mientras la función nos lleva de la mano por toda una aventura bien urdida y rodada, absorbente e inquietante a partes iguales.

LA HIJA DE UN LADRÓN Drama social de perfiles misteriosos

España 2019 102 min.
Dirección Belén Funes Guion Belén Funes y Marçal Cebrian Fotografía Neus Ollé Intérpretes Greta Fernández, Eduard Fernández, Álex Monner, Borja Espinosa, María Rodríguez Soto, Frank Feys Estreno en el Festival de San Sebastián 23 septiembre 2019; en salas comerciales 29 noviembre 2019

El nuestro es un país fecundo en óperas primas. Cada año se estrenan un sinfín de debuts cinematográficos. Para el suyo parece que la catalana Belén Funes, curtida en trabajos de asistente en películas tan diversas como Tres días con la familia, Mientras duermes o Tengo ganas de ti, haya retomado el personaje de Sara a la fuga, cortometraje con el que obtuvo la Biznaga de Plata en el Festival de Málaga de 2015. En él se contaba la historia de una joven quinceañera que vive en un centro de acogida y recibe las visitas intermitentes de su padre, también interpretado por Eduard Fernández. Su hija, Greta, a quien hemos visto recientemente en la última película de Isabel Coixet Elisa y Marcela, retoma ahora el papel que en el corto hacía Dunia Mourad. Ha crecido, tiene un bebé y vive ajena a la suerte que pueda correr su padre, encerrado en la cárcel, con quien le une un pasado que se presagia turbulento y oscuro.

La escritora y realizadora prefiere ahorrarnos información, lo que menoscaba nuestra aceptación de los hechos que se nos narra. Casi parece percibirse cuál sea ese drama pretérito y las razones que asistan a la protagonista para comportarse como lo hace, pero la incertidumbre afecta a nuestro interés y comprensión del relato. Por el contrario, sus comportamientos parecen fruto de una educación muy condicionada, la que nos obliga a vivir de forma tan robótica como predeterminada, como si no existiera otro horizonte que esa vida convencional arraigada en una sociedad fuertemente ideologizada por la religión.

Parece que en el devenir de los acontecimientos la joven tenga que sufrir un proceso de aprendizaje que le ayude a aceptar que hay otros caminos hacia la felicidad, que la independencia e incluso la soledad pueden apreciarse de forma más positiva. Pero lo cierto es que en el camino Sara no para de dar pasos en falso, que le convierten en dependiente, incluso acosadora, relacionarse con su padre de forma incoherente y hasta caprichosa, y luchar por sus objetivos con insuficiente coraje. Pero falta información y nos cuesta hacernos una idea completa y veraz de cuál sea el drama de esta joven producto de la marginación social en un mundo fuertemente condicionado por el poder y la fortuna. Mientras tanto asistimos con agrado a secuencias con tanta ternura como aquella en la que lava el pelo de su hermano, otra víctima de la desigualdad y el desarraigo. Greta Fernández logró con esta interpretación la Concha de Plata a la mejor actriz en San Sebastián, y ya está en todas las quinielas de los próximos galardones a celebrar.