ESTRENO EN CINES DE ALABAMA MONROE Y LA MUJER DEL CHATARRERO

Estrenadas en el pasado Festival de Cine Europeo de Sevilla:
Alabama Monroe 14 febrero 2014
La mujer del chatarrero (Un episodio en la vida de un chatarrero) 21 febrero 2014

PIRATAS Y LIBÉLULAS Emocionante ejercicio de superación y reconocimiento

El pasado viernes 15 de noviembre se presentó en el Teatro Alameda, en el marco del X Festival de Cine Europeo de Sevilla, el documental escrito y dirigido por Isabel de Ocampo Piratas y libélulas, una emocionante película ambientada en el Polígono Sur de la capital andaluza. Mi amigo José Serrano Rodríguez, crítico de cine de El Correo de Andalucía, ha escrito la siguiente reflexión sobre la película.

El teatro es una disciplina artística que utilizada como una herramienta pedagógica ayuda al alumnado a adquirir las competencias básicas exigidas en la educación obligatoria. Hacer teatro fomenta el desarrollo de la autoestima, motiva el ejercicio del pensamiento, estimula la creatividad, transmite e inculca valores y ayuda a conocer y a controlar las emociones. Matilde López, profesora de Lengua y Literatura del IES Romero Murube del Polígono Sur de Sevilla, sabe que el teatro puede ayudar a estimular el aprendizaje de un alumnado que vive en un barrio marcado por los conflictos. Un barrio problemático que sólo sale en los medios de comunicación por los incidentes generados por la alta tasa de absentismo escolar, de desempleo, o por los casos de delincuencia y de tráfico de estupefacientes.

Después de varios años trabajando con grupos estables las artes escénicas en el centro como parte de actividad extraescolar, y del éxito cosechado en numerosos certámenes juveniles con obras de Lorca o Shakespeare, uno de estos grupos,  formado por siete alumnos y alumnas y animados por esta heroica mujer, deciden convertirse en compañía profesional. Se llaman Los Shespirs como homenaje al genial dramaturgo inglés. Lo que cuenta la realizadora salmantina Isabel de Ocampo en Piratas y libélulas con cariño y buen gusto es la historia del proceso de transformación de estos y estas jóvenes y el que se produce en su barrio. El grupo protagonista pasan de ser chicos y chicas que no dominan la lectura, con problemas de convivencia y con escaso control emocional, a ganarse con su trabajo y el reconocimiento de éste el respeto de los habitantes del Polígono. Quieren perseguir también el sueño de vivir del mundo del espectáculo para convertirse en actores y actrices de éxito.

Es Piratas y libélulas un ejercicio audaz y valiente que pasea la cámara por increíbles experiencias personales y por un barrio marcado, derruido y sucio, sin futuro. Una cámara que se impregna de magia con las vivencias e ilusiones de estos y estas jóvenes; que busca la esperanza cuando se adentra en la cocina de las casas humildes del barrio en la que sus habitantes aún creen que tener una buena educación es la mejor manera de salir de un sistema que les oprime; una cámara que se detiene con justicia a ponerles voz y rostro para que se les conozca y se les considere. Se trata de un juego que mezcla realidad y ficción sin rubor y que enseña las costuras como muestra de libertad y frescura. Una muestra de vitalidad y sinceridad que arranca un trozo de vida convirtiéndose en un generoso retrato etnográfico que seduce y emociona a partes iguales trascendiendo más allá de lo meramente cinematográfico.

X FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA: 8ª JORNADA

LES SALAUDS

Francia-Alemania 2013 83 min.
Dirección Claire Denis Guión Jean-Pol Fargeau y Claire Denis Fotografía Agnès Godard Música Stuart Staples Intérpretes Vincent Lindon, Chiara Mastroianni, Julie Bataille, Michel Subor, Lola Créton, Alex Descas, Grégoire Colin

A pesar de contar con una extensa filmografía a sus espaldas, Claire Denis apenas se dio a conocer en nuestro país hace dos años con el estreno de Una mujer en África, protagonizada por Isabelle Huppert. Su última película, Les salauds (Los bastardos) se pasó por Cannes antes de estrenarse en Francia y otros países de su entorno. Se adscribe a una tradición de género muy cultivado en el país galo con directores como Henri Verneuil, Gérard Oury o Jacques Deray; de hecho no resulta difícil identificar a Vincent Lindon como sucesor, aunque menos popular, de estrellas del cine negro francés como Jean-Paul Belmondo o Alain Delon. Pero Denis lleva el género y sus reglas a su terreno, el que le interesa, que es la denuncia del machismo y el reflejo de la mujer en la sociedad actual. Un cocktail en el se mezclan, sin agitar, intrigas familiares, violencia contra la mujer y procedimientos mafiosos, genera sin embargo un producto que no acaba de cuajar, especialmente por un ritmo premioso y torpezas varias de realización. Por otro lado no queda bien reflejado el papel que desempeña la mujer en esta intriga criminal, con una hermosa Chiara Mastroianni exhibiendo fuerza y decisión sólo para mantener lo que ya tiene, y que no le priva de ejercer cierta forma de sumisión. Merece no obstante por mostrar ese mundo execrable en el que todo vale por rendirse al Dios dinero, donde no existen principios éticos ni morales y los valores más intocables, entre los que se encuentran el amor hacia los hijos y la sinceridad frente a quien tiende su ayuda, se pierden inexorablemente.

SALVO

Italia-Francia 2013 104 min.
Guión y dirección Fabio Grassadonia y Antonio Piazza Fotografía Daniele Capri Intérpretes Saleh Bakri, Luigi Lo Cascio, Sara Serraiocco, Giudietta Perriera, Mario Pupella, Redovane Behache, Jacopo Menicagli

Rita era la protagonista ciega del cortometraje con el que se iniciaron los realizadores de esta película. Un personaje que retoman para ampliar su tragedia y enmarcarla ahora en una trama de mafia y vendetta siciliana. Como si se tratara de Autrey Hepburn en Sola en la oscuridad, Rita sufre un acoso criminal en su domicilio, pero en lugar de buscar un botín lo que se busca es matar a un rival. A Rita no le asusta tanto la oscuridad como la claridad, porque es fotosensible. La relación que entablará con su acosador, una suerte de héroe trágico y romántico en la piel de un sicario de la muerte, le proporcionará una luz mágica que le permitirá "ver" las cosas de otra manera. Haciendo uso de un estilo propio, en el que sobresalen los planos fuera de cámara con los que, como ella, oímos el horror que se está desencadenando pero no lo vemos, y a la vez tomando detalles deudores del estilo de los hermanos Taviani, consiguen convertir con naturalidad lo que en principio es un thriller en una historia de amor y redención, lo que hace que del debut en el largo de Piazza y Grassadonia podamos esperar cosas muy interesantes en el futuro.

LA GRAN BELLEZA

Título original: La grande bellezza
Italia 2013 142 min.
Dirección Paolo Sorrentino Guión Paolo Sorrentino y Umberto Cortarello Fotografía Luca Bigazzi Música Lele Marchitelli Intérpretes Toni Servillo, Carlo Verdone, Sabrina Ferilli, Carlo Buccirosso, Iaia Forte, Pamela Villoresi, Galatea Ranzi, Franco Graziosi, Giorgio Pasotti, Máximo Popolizio, Sonia Gessner, Anna Della Rosa, Luca Marinelli, Serena Grandi, Isabelle Ferrari, Giusi Merli

Cuando le preguntan a la Santa, una monja misionera de 104 años, si le pueden hacer una entrevista, ella responde que ha hecho voto de pobreza y eso no se cuenta, se vive; cuando el protagonista Jep, un dandy con pinta de José Luis de Vilallonga, le pregunta a la Santa por qué come raíces, ella responde porque son importantes. Jep lleva toda la vida buscando la belleza, al menos desde que conoció su primer y hermosísimo amor. Uno de esos días cree verla por la calle con el rostro y el cuerpo de Fanny Ardant y la música de Kronos Quartet acompañando el momento. El resto del tiempo, hasta que aparece la Santa para darle otra dimensión a la vida y a la muerte, Jep lo pasa divirtiéndose en sensacionales fiestas, acudiendo a estimulantes cenas y reuniones de suculentos diálogos, descubriendo niñas pintoras de temperamental talento, o cortejando hermosas strippers de cuarenta años. Él cree que es una vida vacía, la nada, como la que quiso representar Flaubert en una novela que nunca escribió. Pero Sorrentino, que comenzó a sorprendernos con Las consecuencias del amor y El amigo de familia, y acabó convenciéndonos con El Divo… luego vendría su fallida incursión en el cine americano con Un lugar donde quedarse, protagonizada por Sean Penn, ahora nos fascina con este homenaje a la Ciudad Eterna y sus grotescas, cretinas y estrafalarias criaturas, tal como apuntaba Fellini en algunas de sus películas. Ésta es la Dolce Vita de Sorrentino, que termina con la Santa pero comienza brillantemente en terrazas de la ciudad, con coreografías y mucha alegría al son de la Carrá. Y durante este viaje fascinante, mágico e imaginario por Roma y sus moradores intelectuales, faranduleros, cotillas y otras almas perdidas, reímos, nos emocionamos y, sobre todo, sentimos. Y de paso Sorrentino nos regala un dominio de la cámara y de la puesta en escena extraordinarios y una selección musical sin desperdicio, sea Bizet, Gorecki, Preisner, Part, Antonello Venditti o Monica Cetti, mientras excelentísimos y monjas disfrutan de la misma alegría de vivir que esa burguesía decadente que se arrastra por Roma.

Críticas publicadas en El Correo de Andalucía

X FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA: 7ª JORNADA

MICHAEL KOHLHAAS

Francia-Alemania 2013 122 min.
Dirección Arnaud des Pallières Guión Christelle Berthevas y Arnaud des Pallières, según la novela de Heinrich von Kleist Fotografía Adrien Debackere y Jeanne Lapoirie Música Martin Wheeler y The Witches Intérpretes Mads Mikkelsen, Mélusine Mayance, Delphine Chuillot, David Kross, Bruno Ganz, Denis Lavant, Roxana Duran, Paul Bartel, David Bennent, Swann Arlaud, Sergi López, Amira Casar

La leyenda del comeciante Hans Kohlhase dio pie a una famosa y revolucionaria novela de Heinrich von Kleist que llegó a dejar una huella indeleble en Kafka y en E. L. Doctorow, quien utilizó un argumento similar en una de las tramas de su celebrada novela Ragtime. En 1969 Volker Schlöndorff llevó la novela al cine con más o menos fidelidad, ambiente en Alemania y Martín Lutero entre sus personajes; David Warner daba vida al protagonista. Tanto aquélla como esta película estuvieron en Cannes, pero des Palllières ha preferido ambientar su cinta en Francia y cambiar algunos personajes. El argumento trata de una fanática búsqueda de justicia y retrata lo que hoy podríamos considerar un terrorista. Lástima que todo lo moderna que la novela se consideró en el siglo XVI devenga en esta adaptación cinematográfica en todo lo contrario: cine rancio, trasnochado, sin emoción ni garra, mal rodado y peor dialogado (atención en este sentido al ridículo parlamento de Bruno Ganz); tedioso de principio a fin, con una fotografía oscura y secuencias de acción sonrojantes. En el fondo nos habla de la salvaguarda del honor sin importar las consecuencias, de las imperfecciones de la justicia humana y de la redención a través de ella, siguiendo siempre parámetros anticuados y nada progresistas. Justicia divina, justicia por su propia mano, justicia de las leyes, justicia de los señores, y sobre todo justicia para nosotros que tenemos que soportar tanta impostura y despropósito. Por cierto, ¿qué pinta aquí Sergi López montado en un burro y hablando catalán?

EL DESCONOCIDO DEL LAGO

Título original: L’inconnu du lac
Francia 2013 100 min.
Guión y dirección Alain Guiraudie Fotografía Claire Mathon Intérpretes Pierre Deladonchamps, Christophe Paou, Patrick d’Assumçao, Jérôme Chappatte, Mathieu Vervisch, Gilbert Traine

Hitchcock y Rohmer hacen cruising en un bosque francés junto a un lago y el resultado es este disparate reaccionario. No deja de ser curioso que su realizador sea militante declarado de la causa gay, tal como se aprecia en una filmografía en la que destacan el mediometraje Ce vieux rêve qui bouge, nominado en los César y los Premios Europeos de 2001, y el largometraje Le roi de l’evasion, Premio Especial del Jurado en Gijón 2009. Sorprende también que este film haya logrado un par de premios secundarios en el Festival de Cannes. Y todo esto porque se trata de una película cuya primera mitad divaga sin ritmo preciso ni demasiada elocuencia, para desembocar luego en un ridículo thriller que ahonda en los mismos prejuicios de siempre, y que más de treinta años después de A la caza (Cruising) de William Friedkin, insista en colocar peligros en lugares donde los homosexuales sólo buscan placer y felicidad. Afortunadamente sirve para liberar algunos tabúes muy presentes en el cine, como el sexo explícito entre hombres, de la misma forma que veíamos hace poco entre mujeres en La vida de Adèle, en aquel caso nada novedoso y muy habitual como reclamo publicitario.

ALABAMA MONROE

Título original: The Broken Circle Breakdown
Bélgica-Holanda 2013 111 min.
Dirección Felix Van Groeningen Guión Carl Joos y Felix Van Groeningen, según la obra de Johan Heldenbergh y Mieke Dobbels “The Broken Circle Breakdown Featuring the Cover-Ups of Alabama” Fotografía Ruben Impens Música Bjorn Eriksson Intérpretes Veerle Baetens, Johan Heldenbergh, Nell Cattrysse, Geert Van Rampelberg, Nils de Caster, Robbie Clairen, Bert Huysentruyt

La película revelación del cine europeo de este año, con cinco nominaciones a los Premios Europeos incluidas, es un híbrido entre el melodrama desmelenado y el musical country. Mezclar una trama terriblemente trágica con alegres canciones y números musicales no es ninguna novedad. La música siempre ha supuesto una evasión ante la adversidad, y eso lo sabían muy bien la gente de la radio cuando en América estalló la Gran Depresión del 29; de ahí surgió el serial Pennies from Heaven, que Herbert Ross convirtió en espléndida película en 1981. Pero la estrategia ahora es otra y se revela mucho más manipuladora y obscena en su afán de acumular tragedia y poner sobre la mesa temas tan serios y controvertidos como la eterna lucha entre la fe y la ciencia para explicar y entender eso que por mucho que progresemos parece que nunca alcanzaremos a comprender, la muerte. Pero el joven director de esta cinta no se compromete y no emite ninguna postura, dejando que sea su protagonista masculino el que exhiba rabia y valentía, mientras la mujer se limita al papel de víctima que siempre se le ha reservado, sacrificio incluido. Lo peor es que todo el conjunto va de moderno y progresista, allí donde sólo se acumula una visión muy convencional y conservadora de la vida, el amor y la muerte. Cierto que su pareja protagonista hace un trabajo excelente; él es además autor de la obra teatral en la que se basa. Tampoco se le puede negar pericia a la hora de rodar, una excelente planificación y un esmerado montaje de sonido, fundamental en una cinta cuyos números musicales son con diferencia lo mejor de la función. Han pasado más de cuarenta años desde que Arthur Hiller triunfara con su Love Story, cáncer incluido, como para que los belgas nos vuelvan a contar la historia y se atrevan a tocar temas tan trascendentes y delicados bajo una óptica tan tendenciosa e inmoral. Si alguna revelación hay aquí es el grupo musical que toma como nombre el título original de la cinta, The Broken Circle Breakdown (La crisis del círculo roto), con sensacionales recreaciones de canciones country de reputados autores americanos.

CLASS ENEMY

Título original: Razredni sovraznik
Eslovenia 2013 112 min.
Dirección Rok Bicek Guión Rok Bicek, Nejc Gazvoda y Janez Lapajne Fotografía Fabio Stoll Intérpretes Igor Samobor, Natasa Barbara Gracner, Tjasa Zeleznik, Masa Derganc, Robert Prebil, Voranc Boh

Esta película eslovaca plantea una cuestión muy interesante. La vida de un grupo de jóvenes de instituto da un vuelco cuando inmediatamente tras la llegada de un nuevo profesor con unas tácticas de enseñanza estrictas y rigurosas, sucede una tragedia que servirá a los chicos y chicas para unirse y luchar aunque sea bajo parámetros equivocados. Estalla la rabia y la injusticia, mientras los adultos, profesores y padres, tendrán que buscar una solución dialogada y civilizada al conflicto surgido entre los alumnos y el profesor en cuestión. Lástima que el ritmo de la película sea tan premioso y aburrido, y que las interpretaciones sean tan rígidas y los personajes tan arquetípicos, porque podría haber dado lugar a una interesante variante dentro de esa serie de películas de instituto que desde Semilla de maldad a Diarios de la calle, pasando por Rebelión en las aulas, han cultivado el tradicional conflicto entre adultos y jóvenes en el seno del sistema educativo.

Críticas publicadas en El Correo de Andalucía

X FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA: 6ª JORNADA

SOLDATE JEANNETTE

Austria 2013 80 min.
Guión y dirección Daniel Hoesl Fotografía Gerald Kerkletz Música Bettina Köster Intérpretes Johanna Orsini-Rosenberg, Christina Reichsthaler, Josef Kleindienst, Aurelia Burckhardt, Julia Schranz, Ines Rössi

El joven cineasta austriaco Daniel Hoesl se confiesa privilegiado por vivir en un mundo rico y no necesitar dinero para hacer lo que le gusta. De hecho con esta película inaugura su productora European Film Conspiracy, una cooperativa que aglutina supuestos creativos con talento motivados sólo por el concepto del arte sin ataduras económicas; toda una utopía. Y de eso va también su película, presentada en Sundance y ganadora del premio Tiger en Rotterdam, en la que una mujer vive con toda clase de lujos pero ajena y despreocupada por el dinero. Se diría que una víctima de la crisis económica en la alta burguesía. De hecho todas sus amistades y una extraña Juana de Arco que emite juicios de valor y consejos cuando asiste a clases de defensa personal, restaurantes caros o al spa, insisten en el carácter capitalista de la sociedad en la que se desenvuelven. Sin cambios notables de expresión y con una predisposición envidiable a la felicidad, nuestra heroína tendrá que cambiar radicalmente de vida sin que ello le suponga el mayor esfuerzo ni sacrificio. En este punto surge el encuentro con otra mujer, más joven, en la que se generará una metamorfosis proporcionalmente opuesta. Se nota la influencia decisiva del cine de Ulrich Seidl, para quien Hoesl trabajó como asistente de dirección en la trilogía Paraíso, en una película más deudora del diálogo pero tan evocadora, crítica y bizarra aún en su cuidada estética como el cine de su mentor, si bien menos incisiva y mal intencionada.

THE SELFISH GIANT

Reino Unido 2013 91 min.
Guión y dirección Clio Barnard Fotografía Mike Eley Música Harry Escott Intérpretes Conner Chapman, Shaun Thomas, Sean Gilder, Lorraine Ashbourne, Ian Burfield, Steve Evets, Siobhan Finnerman

El gigante egoísta es un cuento de Oscar Wilde de un marcado carácter religioso, por cuanto está protagonizado por un Jesucristo niño. Cuesta trabajo entender qué fue lo que inspiró de este cuento a la cineasta británica Clio Barnard a la hora de trazar el argumento de esta película, rara incursión de la documentalista en la ficción dramática. No obstante sí es fácil distinguir lo mucho que de religiosidad hay en esta cinta que analiza conceptos como responsabilidad (el fracaso escolar en un sistema educativo endeble y complaciente) y culpa, la que siente su protagonista, llamado Arbor en honor al documental que Barnard dirigió en 2010 y que le valió una nominación al Bafta en la categoría de mejor debutante, tras los dramáticos acontecimientos que narra la cinta. No se trata de The Mighty ni de Simon Birch ni guarda moralejas disneynianas, pero como en aquéllas hay una relación entre dos niños que se complementan y en la que uno es claramente dominante, envidioso y manipulador. Con notable sutileza, Barnard, en un estilo estético y narrativo muy similar al de Ken Loach, marca las emociones y sentimientos de un niño irresponsable y canalla en claro contraste con el otro, alter ego amable y generoso. La previsibilidad de una tragedia anunciada y el desequilibrio imperante en el conjunto hace que la culpa, y por extensión la redención, gane la batalla al más interesante y útil concepto de la responsabilidad, con el que la cinta hubiera tenido un mayor valor educativo y esperanzador.

THE IMMIGRANT

USA-Francia 2013 120 min.
Dirección James Gray Guión James Gray y Ric Menello Fotografía Darius Khondji Música Christopher Spelman Intérpretes Joaquin Phoenix, Jeremy Renner, Marion Cotillard, Dagmara Dominczyk, Angela Sarafyan, DeeDee Luxe, Antoni Corone, Gabriel Rush

El director norteamericano James Gray, que habitualmente trabaja al margen de la industria de Hollywood, es muy apreciado en Francia. Su primera película, Little Odessa, ganó el premio de la crítica en Deauville, mientras todas las demás han estado en la sección oficial de Cannes, y La noche es nuestra y Two Lovers estuvieron nominadas en los César. Por eso no extraña que su último trabajo haya sido coproducido por el país vecino y no haya faltado a su cita en la Costa Azul. La inmigrante es su primera película de eso que antes llamábamos de época; Nino Rota llamó al tema musical que presentaba a Vito Corleone (De Niro) en El padrino 2ª parte con este mismo título, y por su parte Gray se revela anclado en los parámetros estéticos que inauguraba aquella obra maestra de Coppola y que a partir de entonces se convirtieron en imprescindibles para retratar ese Nueva York de principios del siglo XX poblado de inmigrantes y desplazados europeos que superaban el terrible filtro de la Isla de Ellis. Esa puerta al Nuevo Mundo igual podía convertirlos en gánsters, prostitutas o ciudadanos respetables. Al personaje de Marion Cotillard le ocurre lo segundo, como aún hoy les sucede a muchas mujeres que llegan a la Unión Europea en busca de oportunidades para ser felices. Gray tizna esta tragedia americana de una melancolía y un pesimismo exacerbantes, mientras define al personaje principal como una mujer por un lado decidida y fuerte y por otro pusilánime y víctimista. Los policías corruptos de La noche es nuestra, los gánsters de La otra cara del crimen y los indecisos amantes de Two Lovers, su anterior y muy celebrada película, se dan cita y se mezclan en esta crónica triste y desesperada de una época que encuentra su reflejo en la realidad contemporánea más inmediata. Con ésta son cuatro las películas de Gray protagonizadas por Joaquin Phoenix, que en esta ocasión borda su papel de proxeneta enamorado en un conjunto tan desconcertante y hermoso como desolador. El veterano Darius Khondji (Seven, Midnight in Paris) firma una oscura y tenebrista fotografía, mientras Chris Spelman debuta en la composición musical tras haber sido consultor en las bandas sonoras de las tres anteriores películas de Gray, con un trabajo exquisito y sensible deudor del estilo de Wojciech Kilar, con quien trabajó en La noche es nuestra.

LA BATAILLE DE SOLFERINO

Francia 2013 94 min.
Guión y dirección Justine Triet Fotografía Tom Harari Intérpretes Laetitia Dosch, Vincent Macaigne, Arthur Harari, Virgil Vernier, Marc-Antoine Vaugeois

La batalla de Solferino tuvo lugar en 1859 en el seno de la guerra entre el Imperio Austro-Húngaro y la coalición franco-sarda; Solferino da nombre además a la calle de París en la que se encuentra la sede del partido socialista, y ahí en la fecha del 6 de mayo de 2012 en la que Hollande ganó las últimas elecciones generales francesas, se ambienta gran parte de esta ácida y violenta comedia. Hoy con las cámaras digitales los rodajes se simplifican y abaratan, permitiendo que se pueda grabar en tiempo real aprovechando un acontecimiento histórico como éste, y de paso que salgan como figurantes Segolene Royal y Jack Lang. La euforia y posterior batalla campal que se desató tras conocerse los resultados electorales sirven a la realizadora Justine Triet, que con este trabajo debuta en el largo de ficción, para ubicar otra guerra, la que entablan una pareja de separados por la custodia y derecho de visitas de las hijas. Escenas incómodas de una violencia inusitada se mezclan con personajes y situaciones cómicas, generando una sensación desconcertante y agotadora.

Críticas publicadas en El Correo de Andalucía

X FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA: 5ª JORNADA

WE ARE THE BEST!

Título original: Vi är bäst!
Suecia 2013 102 min.
Dirección Lukas Moodysson Guión Lukas y Coco Moodysson, según la novela gráfica de la segunda Fotografía Ulf Brantas Intérpretes David Dencik, Liv LeMoyne, Mira Grosin, Mira Barkhammar, Henrik Dahl, Alexander Karlsson

El realizador sueco Lukas Moodysson no parece querer abandonar las formas que le dieron a conocer cuando saltó a la fama con Fucking Amal, en plena efervescencia del Dogma de Lars Von Traer, a pesar de que posteriormente abandonara esa frescura de rodaje cuando abordó su más ambiciosa película hasta el momento, Mamut. Con esas formas desenfadadas, desafiando la estética academicista con la que se suelen resolver las películas ambientadas en el pasado, Moodysson adapta una novela gráfica de su esposa Coco en la que tres adolescentes fascinadas por la estética after punk de principios de los 80 deciden montar un grupo de rock con el único y sano objetivo de divertirse. Una propuesta simpática porque por una vez nos enfrentamos a una película que no utiliza esa delicada edad para hablarnos de superaciones y traumas, sino para recordarnos lo mucho que disfrutamos cuando aún somos niños pero ya hemos edificado un universo con entidad propia, cuando tantas cosas descubrimos. Simpática también por su tono leve, por la naturalidad con la que expone a sus personajes y situaciones, y por la sinceridad y la jovialidad con la que se desenvuelven sus tres jovencísimas protagonistas. Un film además elocuente, por los recursos tan sencillos que utiliza para hablarnos de la flexibilidad y la receptividad con la que se suelen vivir esos emblemáticos años. Y una película agradecida porque pone su particular granito de arena para que las niñas sean más visibles pero sin estereotipos ni prejuicios.

WHEN EVENING FALLS ON BUCHAREST OR METABOLISM

Título original: Când se lasa seara Bucuresti sau metabolism
Rumanía-Francia 2013 89 min.
Guión y dirección Corneliu Porumboiu Fotografía Tudor Mircea Intérpretes Bogdan Dumitrache, Diana Avramut, Mihaela Sirbu, Alexandru Papadopol

Como en su anterior película, Policía, adjetivo, exhibida también en este festival, Corneliu Porumboiu utiliza un ritmo narrativo y unos recursos que son un auténtico desafío a la paciencia del espectador, para generar una metáfora sobre una situación política, caso de Policía, o una realidad social y sentimental. Un director de cine y la actriz protagonista de su nueva película, además de ocasional amante, mantienen una serie de encuentros para preparar el rodaje de la misma. En estos interminables encuentros, rodados con cámara fija y encuadre estático, lo que no hace sino potenciar el distanciamiento con un público incapaz de involucrarse en aquello que se le está contando, ambos personajes dialogan sobre cine, en Rumanía o en otros países, con tecnología digital o analógica, así como sobre relaciones entre hombres y mujeres y otras banalidades, dejando entrever dos personalidades distintas que no van a llegar a entenderse. La función deviene insufrible y exasperante, a pesar de que las intenciones son puramente metafísicas, factor que sin embargo no se erige en impedimento para que el realizador observe cierto parecido, francamente inexistente, entre la actriz y Monica Vitti, y por extensión homenajear sin pudor alguno el cine de Antonioni. Una supuesta úlcera que más bien podría ser una gastritis representa el metabolismo de un título tan pretencioso y aburrido como la cinta a la que acompaña. Pura provocación convertida en basura seudoexistencial.

NORTHWEST

Título original: Nordvest
Dinamarca 2013 91 min.
Dirección Michael Noer Guión Michael Noer y Rasmus Heisterberg Fotografía Magnus Nordenhof JØnck Intérpretes Gustav Dyekjaer Glise, Oscar Dyekjaer Glise, Lena Maria Christenssen, Annemieke Bredahl Peppink, Nicholas Westwood Kidd, Roland MØller

Cine de género abordado con las maneras propias de una cinematografía que lleva mostrando sus cartas de naturaleza desde hace ya algunas décadas. Gángsters en chándal inmersos en una vorágine de violencia y dinero de la que resultará difícil salir sin sacrificios considerables. Como prácticamente desde los inicios del cine, al protagonista podemos identificarlo como esos hombres al margen de la ley a los que no resultaría difícil imaginar triunfando en otros menesteres si el destino no les hubiera gastado una mala pasada. Paul Muni, James Cagney o Al Pacino podrían ser los referentes de este chico de barrio al que la fortuna sonríe un día para abandonarlo al otro y de paso arrastrar a sus seres más queridos. Realizada con buen oficio, sentido del ritmo y una eficiente dosificación de la tensión dramática, la película cumple con su objetivo que no es sino el de entretener y de paso hacer reflexionar sobre las malas compañías.

THE POLICE OFFICER’S WIFE

Título original: Die Frau des Polizisten
Alemania 2013 175 min.
Guión, dirección y fotografía Philip Gröning Intérpretes Alexandra Finder, David Zimmerschied, Pia Kleemann, Chiara Kleemann, Horst Rehberg

Si con El gran silencio este cineasta del Renacimiento que es Philip Gröning se adentraba en las entrañas de un monasterio cartujo de clausura en Francia y observaba de cerca el comportamiento de estos monjes, en su mayoría jóvenes con voto de silencio, y su empresa resultaba todo un éxito de crítica y taquilla, ahora se zambulle en otras entrañas, las de la violencia doméstica. Con un metraje generoso y una estructura tan original como desconcertante, Gröning disecciona la vida cotidiana y emocional de una joven pareja y su pequeña hija. Asistimos a un sinfín de escenas domésticas, juegos, muestras de cariño, paseos, servicios laborales… para poco a poco ir descubriendo otra realidad paralela que tiñe de desesperación y dolor una existencia aparentemente apacible. El desmoronamiento moral de sus personajes se va produciendo en paralelo al trastorno mental que en un caso provoca la situación y en el otro deviene en consecuencia de la misma. De la misma forma vamos intuyendo cuál va a ser la víctima inocente y definitiva de este cruento conflicto tan diabólico como deshumanizado; y para no dejar ningún cabo suelto tenemos acceso también a conocer quién o quiénes han provocado esta mala educación sentimental que tanto daño está provocando en nuestras familias. Gröning rueda con enorme meticulosidad y una extraordinaria planificación que hacen que también en lo estético nos encontremos ante un producto impecable, intenso, lúcido, genuino y hasta visionario. Justamente reconocida con el Gran Premio Especial del Jurado en el pasado Festival de Venecia.

Críticas publicadas en El Correo de Andalucía

X FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA: 4ª JORNADA

SACRO GRA

Italia-Francia 2013 93 min.
Dirección y fotografía Gianfranco Rosi Guión Gianfranco Rosi y Niccolò Bassetti Documental

Controvertida y hasta polémica ganadora del León de Oro en el pasado Festival de Venecia, no sólo por tratarse del primer documental que lo hace sino también por sus discutibles valores cinematográficos, la visión en este Festival de Sevilla de la película de Gianfranco Rosi no hace sino confirmar precisamente ese temor, que no es ni de lejos la genialidad ni la gran revelación que promete. Con la autopista de circunvalación de Roma como excusa – la GRA (Grande Raccordo Anulare) del título -, Rosi teje un mosaico de personajes y experiencias alrededor de la misma con el supuesto fin de erigirse en testimonio de nuestra época, si bien no acierta más que a acumular situaciones con momentos aislados de cierto interés. Así el jubilado que investiga el efecto de las plagas de insectos en las palmeras, el aristócrata lituano que alquila su lujosa y hortera mansión para rodajes y fotonovelas, el enfermero de ambulancia que mima a su madre anciana, o el sabio popular que reflexiona incansablemente ante la paciencia abrumadora de su hija, son los episodios más logrados y eficaces de un ejercicio en el que no pueden faltar prostitutas de carretera. En última instancia se pretende aglutinar especímenes extraídos de una Italia que ya no es la de la Via Veneto de La Dolce Vita, sino que está globalizada como el resto de nuestra civilización, sin apenas entidad propia, marcada por una alarmante falta de elegancia aunque entre sus habitantes se mantengan sombras de un pasado surrealista entre las que destacan esas mujeres concentradas para rezar y ser testigos de supuestos milagros, algo que no tiene remedio en la ciudad que alberga la morada del Sumo Pontífice.

STRAY DOGS

Título original: Jiao you
Francia-Taiwán 2013 138 min.
Dirección Tsai Ming-liang Guión Song Peng Fei, Tsai Ming-liang y Tung Chen Yu Fotografía Liao Peng-jung y Sung Wen Zhong Intérpretes Chen Shiang-chyi, Lee Kang-sheng, Lee Yi Cheng, Lee Yi Chieh, Lu Yi Ching

El cine, como cualquier otra manifestación artística, necesita progresar, explorar nuevos caminos de expresión narrativa y formal, desarrollarse para no anquilosarse y apostar por nuevos cauces para alcanzar sus objetivos. Como en cualquier otra disciplina los cambios cuestan digerirlos, por lo que las experiencias radicales sirven, a la larga, para ir modificando cánones sin que el destinatario final llegue a percibir de manera brusca esos cambios que el tiempo va paulatinamente aplicando a la obra de arte. Tsai Ming-liang ya hizo gala de un lenguaje distinto y radical en El sabor de la sandía, que le valió ser premiada en Berlín y Sitges en 2005. Pero ahora va mucho más allá para hablarnos de emociones humanas al límite, abandono familiar, crisis económica y de pareja y responsabilidades paternofiliales. Ming-liang estructura su larga película en unas relativamente pocas secuencias, algunas de las cuales dilata más allá de lo que la paciencia permite, creando una serie de cuadros mayormente estáticos y que sin embargo acumulan una fuerza inusitada gracias al encuadre, la mirada intensa de sus personajes y un elocuente uso del color. El resultado por supuesto no está al alcance de casi nadie, pero servirá para, junto a otras cintas tan atrevidas o más que ésta, educar nuestra manera de ver cine y abrirnos a las miles de posibilidades que aún nos quedan por descubrir para que el arte cinematográfico no se anquilose, progrese y evolucione convenientemente.

JIMMY P.

Título original: Jimmy P. (Psychotherapy of a Plains Indian)
Francia-USA 2013 117 min.
Dirección Arnaud Desplechin Guión Arnaud Desplechin, Kent Jones y Julie Peyr Fotografía Stéphane Fontaine Música Howard Shore Intérpretes Benicio del Toro, Mathieu Amalric, Gina McKee, Larry Pine, Joseph Cross, Gary Farmer, Michelle Thrush, Misty Upham

Aunque se trata de una coproducción entre Francia y Estados Unidos, parece más el debut en Hollywood del típico realizador europeo que se ha labrado un prestigio especialmente con un título, en el caso de Desplechin Un cuento de Navidad, protagonizada en 2008 por Catherine Deneuve y, como ésta, Mathieu Amalric. Y para tal acontecimiento adapta la historia verdadera de Jimmy Picard, un indio americano veterano de la Segunda Guerra Mundial que es tratado por un antropólogo francés para liberarle de unos fuertes dolores de cabeza que no parecen estar relacionados con las lesiones sufridas en combate. El film sirve para poner en escena, con una ambientación exquisita y un ritmo elegante, un excelente duelo interpretativo entre Benicio del Toro y Mathieu Amalric, actor fetiche del director y en esta ocasión con un sorprendente aire a lo Roman Polanski. Lo de menos es lo que ocurre, más bien lo interesante es cómo se dicen las palabras y cómo se trata un tema tan poco divulgado en el cine como el relacionado con el reducido colectivo indígena que queda en territorio americano. Llama la atención en este esmerado espectáculo, estética e intelectualmente, el papel que juega la cultura de las distintas tribus indias, y cómo éstas han ido desapareciendo conforme sus integrantes se han ido plegando y adaptando a la cultura occidental dominante. Los trastornos emocionales y tratamientos freudianos que propone pasan así a un segundo plano en un conjunto clásico y académico, que si no se revela espléndido al menos resulta evocador y estimulante. A destacar también la muy atmosférica e intrigante música de Howard Shore. Por cierto, ¿será premeditado que el cartel se parezca tanto al de Rain Man?

GRAND CENTRAL

Francia-Austria 2013 94 min.
Dirección Rebecca Zlotowski Guión Rebecca Zlotowski y Gäelle Macé Fotografía Georges Lechaptois Música ROB Intérpretes Tahar Rahim, Léa Seydoux, Olivier Gourmet, Denis Ménochet, Johan Libéreau, Nozha Khouadra

Hace treinta años Mike Nichols nos hablaba en Silkwood de los peligros que entrañan las centrales nucleares para quienes trabajan en ellas. Lo hacía espléndidamente con la inestimable ayuda de Meryl Streep, Kurt Russell y Cher. La realizadora francesa Rebecca Zlotowski insiste ahora en el tema, y repite triángulo amoroso para ello, sin aportar nada ni ampliar horizonte alguno al respecto. La estructura desequilibrada del film y la falta de emoción que subyace en el conjunto no ayudan para atisbar algún tipo de interés en una cinta que se antoja caduca casi desde su inicio, sin que las atractivas presencias de Tahar Rahim (Un profeta) y Léa Seydoux (La vida de Adéle) puedan hacer nada por remediar el hastío y desinterés con el que acaba digiriéndose. No funciona ni como denuncia ni como romance.

Críticas publicadas en El Correo de Andalucía

X FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA: 3ª JORNADA

10.000 NOCHES EN NINGUNA PARTE

España 2013 113 min.
Guión y dirección Ramón Salazar Fotografía María Barroso y Ricardo de Gracia Música Najwa Nimri e Iván Valdés Intérpretes Andrés Gertrudix, Lola Dueñas, Susi Sánchez, Najwa Nimri, Paula Medina, Rut Santamaría, Manuel Castillo, Andrés Lima

Cambio radical de registro de quien debutara en el largometraje con Piedras después de realizar el corto petardo Hongos, y prosiguiera su carrera con el musical, también petardo, 20 centímetros y los guiones de 3 metros sobre el cielo y Tengo ganas de tí. Ahora se ha puesto trascendente y profundo y nos invita a un viaje onírico por Madrid, París y Berlín, de la mano de un joven de mirada perdida y carácter introvertido que busca en la evasión y la fuga la terapia a un trauma infantil. Salazar subraya la tragedia aunque la disfrace con una estética new age, buen rollo y retroacción a la infancia incluidos. Olvida toda su trayectoria anterior y mira de reojo a los últimos títulos de Malick, reforzado por una hermosa partitura musical que junto a la mirada de su protagonista se erigen en lo mejor de un conjunto reiterativo e irritante en el que domina la impostura también respecto a la desesperanza.

LOS CHICOS DEL PUERTO

España 2013 78 min.
Dirección Alberto Morais Guión Ignacio Gutiérrez-Solana y Alberto Morais Fotografía Bet Rourich Música Xema Fuertes Intérpretes Omar Krim, Blanca Bautista, Mikel Sarasa, José Luis de Madariaga, Ibrahim Bardisi

Tras sorprender a algunos e irritar a otros hace un par de años con Las olas, una road movie en la que un señor de avanzada edad viajaba al lugar en el que vivió duras experiencias en su juventud, el valenciano Albeto Morais insiste en hacer viajar a sus personajes más con carácter simbólico que lúdico. En esta ocasión son tres inexpresivos y tristísimos niños los que se embarcan a través de la ciudad para cumplir el deseo del abuelo de uno de ellos. Como si de un ejercicio de fin de curso se tratara, Morais teje una estructura de guión básica y funcional, coloca la cámara estratégicamente en los espacios elegidos para que deambulen sus niños-zombi, haciendo de paso turismo por la Ciudad de las Artes y las Ciencias o por el cauce ahora ajardinado del Turia, y ofrece unas líneas de diálogo de manual recitadas por actores y actrices de nivel elemental. Y todo para reflexionar, entre otras cosas, sobre el abandono al que sistemáticamente parecen condenados muchos de nuestros niños en la sociedad actual. Un producto de escasa calidad y apenas interés.

DE OCCULTA PHILOSOPHIA

España 2013 70 min.
Dirección Daniel V. Villamediana Guión Daniel V. Villamediana y Andrés Alberto Gómez Fotografía Madalina Stefan Documental

Decepcionante acercamiento a la música barroca por parte del director vallisoletano Daniel V. Villamediana, realizador de El brau blau y La vida sublime y autor del guión de la cinta experimental Aita. Con el grupo especializado La reverencia como hilo conductor, asistimos a la fabricación de un clavicordio por parte de un experto luthier, a ensayos y actuaciones del grupo y elucubraciones del propio realizador y un musicólogo sobre la cuestión. Pero poco o nada se revela a un público profano sobre la importancia que desde hace algunas décadas ha cobrado la interpretación musical con instrumentos originales y con rigor historicista, ni sobre la interesante comparación que admite con la práctica sinfonista de la primera mitad del siglo XX. Las reflexiones sobre la glosa o improvisación en la interpretación de la música antigua resultan hasta cierto punto discutibles y poco documentadas, y en general poco aptas para un público no familiarizado, mientras la estructura del film reviste poca originalidad y falta de atractivos visuales al no aprovecharse convenientemente ni los espacios ni la actividad mostradas. En definitiva acaba resultando sólo digerible para incondicionales de la bellísima música ofrecida, con composiciones de Bach, Buxtehude o Monteverdi, y desde luego no para quien se acerque por curiosidad a esta excelencia artística y cultural.

STOP THE POUNDING HEART

USA-Italia-Bélgica 2013 98 min.
Dirección Roberto Minervini Guión Roberto Minervini y Diego Romero Fotografía Diego Romero Intérpretes Sara Carlson, Colby Trichell, Tim Carlson, LeeAnn Carlson

Presentada en la sección oficial del pasado Festival de Cannes, Calmad el corazón agitado es una bellísima historia de amor con una estructura narrativa fresca y original. El director italiano Roberto Minervini y el fotógrafo gallego Diego Romero han urdido este documental devenido en ficción dramática en torno a una familia de granjeros en Texas y un grupo de cowboys de rodeo. Con un mimo extraordinario sobre el detalle y una sensibilidad exquisita, nos cuentan la historia de cortejo entre una joven de belleza medieval y un aguerrido jinete de frágil complexión física e insuficiente madurez sentimental. La trama se desarrolla en un contexto en el que la religión supone el hilo conductor del comportamiento humano, y de ella se sacan todas las consecuencias prácticas para disfrutar de una vida placentera y pacífica; en el que el amor a los animales, el diálogo en familia y el regreso a las cosas esenciales de la vida en perpetua comunión con la naturaleza, se convierten en carta de cambio para una convivencia ejemplar y un aprendizaje vital emotivo y edificante. El proceso amatorio es expuesto con tanta clarividencia como ternura y sensibilidad, mientras sus artífices hacen una estupenda crónica de la situación sin entrar a juzgarla y con la complicidad de las excelentes interpretaciones de un elenco que aunque no profesional realiza un trabajo impecable de composición y complicidad con la cámara.

LA PARTIDA

España-Cuba 2013 94 min.
Dirección Antonio Hens Guión Antonio Hens y Abel González Melo Fotografía Xanelvis González y Raúl Rodríguez Intérpretes Milton García, Reinier Díaz, Luis Alberto García, Mirta Ibarra, Toni Cantó

El cordobés Antonio Hens obtuvo un notable reconocimiento con su cortometraje Malas compañías, no tanto con su debut en el largometraje con Clandestinos. Convertido en una suerte de continuador del desaparecido Eloy de la Iglesia, nos ofrece ahora una dramática crónica sobre una historia de amor homosexual en La Habana, con todas las dificultades que el tema conlleva en el duro y castrante régimen caribeño. Aunque echa mano de tópicos irrenunciables sobre la miseria, la prostitución, el turismo sexual y la disidencia política, Hens hila la historia con corrección y convicción, haciendo uso de una estructura narrativa sólida aunque nada atrevida ni original. El resultado es un film académicamente correcto, entretenido, bien intencionado y mejor interpretado, sólo lastrado por una resolución facilona y estereotipada, inadmisible a estas alturas especialmente si viene de la mano de un director militante y comprometido. Al menos no se le puede negar ser una película honesta y hecha con al corazón.

Críticas publicadas en El Correo de Andalucía

X FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA: 2ª JORNADA

CAMILLE CLAUDEL 1915

Francia 2013 95 min.
Guión y dirección Bruno Dumont Fotografía Guillaume Deffontaines Intérpretes Juliette Binoche, Jean-Luc Vincent, Emmanuel Kauffman, Marion Keller, Robert Leroy, Claire Peyrade

La vida de Camille Claudel ya fue llevada el cine con considerable éxito por Bruno Nuytten en 1988, con Isabelle Adjani como protagonista y Gérard Depardieu dando vida a Rodin. Pero a Bruno Dumont, realizador de culto en determinados circuitos cinéfilos con títulos como La vie de Jésus o Flandres, no le interesa la escritora y artista durante sus años de concubinato con el famoso escultor, sino más bien los de reclusión en un sanatorio mental habitado fundamentalmente por disminuidos psíquicos que poco o nada tenían que ver con sus posibles trastornos mentales. Y le interesa no como personaje en sí mismo sino como representante de una generación de mujeres, y las anteriores y muchas de las posteriores, castigadas por expresarse con total libertad como seres humanos con derechos y libertades y con obligaciones y responsabilidades en igualdad de condiciones con los hombres. Castigadas por sus propias familias, incapaces de asumir ni tan siquiera respetar su rebeldía y su grito por una vida digna y en libertad. Familias influidas por una religión castrante y mortificadora, deshumanizadas y ajenas a cualquier manifestación sincera de sensibilidad. Lástima que tan interesante material sobre el papel se materialice en una película fría y distante, tan rancia en sus planteamientos formales como insufrible en su tendencia a la reiteración de situaciones obvias con las que pretende reflejar un infierno cotidiano poblado por seres tan molestos como indefensos, y que ni siquiera la esforzada interpretación de Juliette Binoche, que aunque consciente de las posibilidades de lucimiento que ofrecía el papel cae a menudo en el exceso, consigue remontar más allá del interés puramente anecdótico.

EL GRAN CUADERNO

Título original: A nagy füzet
Hungría-Alemania-Austria-Francia 2013 109 min.
Dirección János Szász Guión András Szekér, según la novela de Agota Kristof Fotografía Christian Berger Intérpretes András Gyémánt, László Gyémánt, Gyöngyvér Bognár, Piroska Molnár, Ulrich Thomsen

Dos niños gemelos, abandonados por sus padres al cuidado de la abuela materna durante la Segunda Guerra Mundial, aprenden a sobrevivir a la adversidad fortaleciendo su mente y su cuerpo a través de rituales de tono sadomasoquista. A partir de la exitosa y galardonada novela de Agota Kristof, y con el máximo galardón en el Festival de Karolvy Vary bajo el brazo, el realizador húngaro János Szász parece querer poner en juego nuestra paciencia y nuestro estómago a la hora de plantearnos esta historia que mezcla el ambiente sórdido, germen del mal, que se respiraba en La cinta blanca de Michael Haneke (no por casualidad el director de fotografía es el mismo) con la terrible historia de terror protagonizada también por gemelos que nos planteaba Robert Mullingan en 1972 con El otro. Una abuela amargada, resentida y cruel, unos vecinos amorales, unos invasores nazis pedófilos y un párroco corrupto no le ponen fácil a estos inseparables niños su camino a la pérdida fulminante de la inocencia; mientras a nosotros tal acumulación de disparates y barbaridades acaban por hacernos el plato indigesto, más teniendo en cuenta la continua pérdida de tensión y ritmo narrativos que aglutina la película.

Críticas publicadas en El Correo de Andalucía

X FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA: 1ª JORNADA

TRES BODAS DE MÁS

España 2013 94 min.
Dirección Javier Ruiz Caldera Guión Pablo Alén y Breixo Corral Fotografía Arnau Valls Colomer Música Javier Rodero Intérpretes Inma Cuesta, Martiño Rivas, Quim Gutiérrez, María Botto, Laura Sánchez, Joaquín Reyes, Rossy de Palma, Paco León, Berto Romero

Tras el éxito cosechado con Spanish Movie y Promoción Fantasma, Caldera parece empeñado en convertirse en el nuevo rey de la comedia española, insistiendo en aplicar métodos y recursos aprendidos del cine americano, como hacen otros compañeros de generación con otros géneros. Mezclando sin complejos ni prejuicios elementos extraídos de comedias británicas de los 90 como Cuatro bodas y un funeral y El diario de Bridget Jones, con guiños a la comedia clásica americana (La fiera de mi niña) y televisiva (Betty la fea), agitado todo en la coctelera y aderezando la mezcla con algunos gags estupendos, ha conseguido una película entretenida, divertida y hasta emotiva en algún momento. Eso no quita que reine la sobreactuación y que la trama resulte forzada, pero es cierto que aunque resulta previsible desde el minuto cero, todo huele en realidad a una estrategia comercial que sabe muy bien a qué público va dirigida, ese que llena salas para que le cuenten lo mismo, y que quiere que el final sea el previsto, como cuando se desea que los sueños se hagan realidad. Hasta en la banda sonora se advierte esa calculadísima estrategia de marketing, con una espléndida selección de canciones (Kisses for Me, ganadora de Eurovisión en 1976, Carrie de Europe, o Please Don’t Go de K.C. and The Sunshine Band, entre otras) y piezas clásicas (Verdi, Beethoven, Mozart) perfectamente encajadas en la trama y en las imágenes que ilustran. Cuenta además con excelentes aportaciones de Paco León y, sobre todo, Rossy de Palma, además de una sorprendente caracterización de la top model Laura Sánchez.

UN EPISODIO EN LA VIDA DE UN CHATARRERO

Título original: Epizoda u zivotu beraca zelzeja
Bosnia, Herzegovina-Francia-Eslovenia-Italia 2013 75 min.
Guión y dirección Danis Tanovic Fotografía Erol Zubcevic Intérpretes Nazif Mujic, Senada Alimanovic, Semsa Mujic, Sandra Mujic

El director de En tierra de nadie, Oscar a la mejor película extranjera 2001, y Triage, que inauguró el Festival de Cine Europeo de hace cuatro años, nos ofrece un docudrama con protagonistas no profesionales. Una familia rumana en Bosnia, extranjeros en la Europa del bienestar y los derechos sociales, sumidos en una pobreza casi extrema y privados de los derechos más fundamentales por su condición de extranjeros y, sobre todo, de pobres. Pero más allá de la mera denuncia, rodada como mandan los cánones con ausencia de artificios, mostrando una realidad fea tal como es, Tanovic se centra en los sentimientos, en las emociones que hacen que incluso en un paisaje invernal, frío, e invadido de humos y fábricas, deshumanizado, quede esperanza para el amor y la generosidad. Allí donde cada día es una nueva lucha por la supervivencia, no caben los egos, lo material no tiene valor y la felicidad llega de la mano de la consecución de las necesidades más básicas, esas que nosotros damos por hecho y, sin embargo, estamos siempre más cerca de perderlos que de conservarlos. Ésta es una llamada de atención y una advertencia, porque ha costado mucho conseguirlo y costará muy poco perderlo; y al final podemos vernos como los protagonistas de esta tragedia, que aunque se protejan con su cariño y entrega, no se merecen esta realidad, como tampoco sus hijos criarse ante una televisión que muestra un mundo irreal e inalcanzable, hoy para ellos, pero mañana podría ser también para nosotros. Y pensar que hay recursos para todos y todas.

SHIRLEY: VISIONS OF REALITY

Austria 2013 92 min.
Guión y dirección Gustav Deutsch Fotografía Jerzy Palacz Música Christian Fennesz Intérpretes Stephanie Cummings, Christoph Bach, Florentin Groll, Elfriede Irall, Tom Hanslmaier

Una docena de cuadros de Edward Hopper (Chair Car, Hotel Room, Morning Sun y Office at Night, entre ellos) sirven al polifacético artista vienés Gustav Deutsch para hacer un repaso por la historia a través de quien podríamos considerar el principal cronista gráfico de la psicología del urbanita americano. Lástima que unas espléndidas reproducciones, en luz y color, de los cuadros no se corresponda con las reflexiones que el artista austriaco pone en boca y mente de la protagonista de los lienzos, figuradamente la misma mujer desde 1931 a 1963. Un sinfín de pedanterías y disertaciones vacuas que consiguen justo lo contrario de lo que son las intenciones de este nuevo ejemplo de coloquio entre el cine y la pintura. Y es que lejos de dar vida a los cuadros homenajeados, éstos parecen más bien muertos y sin atisbo del análisis que de la soledad humana reflejan los cuadros del pintor neoyorquino.

THE CONGRESS

Israel-Alemania-Polonia-Luxemburgo-Francia-Bélgica 2013 122 min.
Dirección Ari Folman Guión Stanislaw Lem y Ari Folman Fotografía Michal Englert Música Max Richter Intérpretes Robin Wright, Harvey Keitel, Jon Hamm, Paul Giamatti, Kodi Smit-McPhee, Danny Huston, Sami Gayle, Michael Stahl-David

La nueva película del director de Vals con Bashir mezcla imagen real y animación para contarnos una desesperanzadora historia sobre el futuro del arte cinematográfico y, por extensión, de la vida misma. Ficción y realidad se debaten en una película compleja, hermosa y poética en la que Robin Wright (La princesa prometida, Forrest Gump, La conspiración) se interpreta a sí misma como una actriz fracasada perdida en un mundo de especulación artística, un Hollywood vampírico que maquina un futuro virtual en el que actores y actrices ya sólo serán cuerpos digitalizados a disposición plena del clásico productor sin escrúpulos. Vida y muerte entre lo real y lo imaginado, las limitaciones de la imagen real sin trucos y la imaginación sin fin de la creación artística, dibujada o escaneada. Y al final del todo la muerte como epílogo inevitable, hoy y en el futuro; un misterio sin resolver, ni con la tecnología más sofisticada y avanzada. Una bellísima puesta en escena, unos dibujos excepcionales en la caracterización de los personajes, y un reparto sumamente atractivo redondean una película que acaba siendo una experiencia sensorial notable, y en la que la envolvente música de Max Richter juega también un papel fundamental.