HEADHUNTERS El infierno transformador

Título original: Hodejegerne
Noruega 2011 101 min.
Dirección Morten Tyldum Guión Ulf Ryberg y Lars Gudmestad, según la novela de Jo NesbØ Fotografía John Andreas Andersen Música Jeppe Kaas y Trond Bjerknaes Intérpretes Aksel Hennie, SynnØve Macody Lund, Nikolaj Coster-Waldau, Julie R. Ølgaard, Daniel Bratterud, Eivind Sander Estreno en España 24 agosto 2012

Bautizada en nuestro país con el título inglés en un alarde más de burdas tácticas comerciales, esta película noruega se sube al carro del prestigio cosechado por el nuevo thriller escandinavo merced a las novelas de Stieg Larsson (Millennium) y el que firma el original en el que se ha basado ésta, Jo NesbØ, adoptando unas impecables, atractivas y muy aseadas formas al más puro estilo del cine americano. Sin embargo, a diferencia de éste, acusamos dos características que la hacen muy distinguida. Por un lado las gélidas motivaciones que llevan a su protagonista a zambullirse en la vorágine de violencia, persecuciones y situaciones límites en que consiste su rocambolesco argumento. Y por otro el hecho de que su intención no es la de mero divertimento, con una primera parte dominada por la sofisticación, el tono desenfadado casi de alta comedia, con una banda sonora rítmica y moderna y una puesta en escena extremadamente elegante, que da paso a una segunda lindando con el gore más insoportable; esa sucesión de descargas adrenalíticas no están vacías de contenido moral, por cuanto más allá de una crítica a la posesión de la belleza y la desconfianza en los méritos propios, en realidad autor y realizador nos invitan a una bajada a los infiernos en los que se maquinan los entresijos de una guerra, con sus juegos de estrategia, sus luchas de intereses y poderes y su fuerza destructora de toda emoción sentimental de camino a la deshumanización total. Todo encaminado a la transformación ética y espiritual del protagonista, un hombre corriente con notables miserias. Quizás cogida con alfileres, la trama se revela no obstante sorprendente, con giros continuos y explicaciones para todos sus detalles, sustentándose además todo el elevado atractivo del film en unas interpretaciones solventes a cargo de un plantel tan resultón como convincente. Paradójicamente esta película en la que los noruegos se congratulan de mantener un sistema de vida bastante seguro y equilibrado, se estrenó en su país tan sólo un mes después de que un criminal desestabilizara dicho orden con las terriblemente célebres matanzas de Oslo y Utoya.

EL LEGADO DE BOURNE Otra franquicia exprimida

Título original: The Bourne Legacy
USA 2012 135 min.
Dirección Tony Gilroy Guión Tony y Dan Gilroy, según la novela de Eric van Lustbader inspirada en los personajes creados por Robert Ludlum Fotografía Robert Elswit Música James Newton Howard Intérpretes Jeremy Renner, Rachel Weisz, Edward Norton, Joan Allen, Albert Finney, Oscar Isaac, Stacey Keach, Scout Glenn, David Strathairn, Donna Murphy Estreno en España 15 agosto 2012

La cuarta entrega de esta fructífera franquicia se nos antoja el típico producto que pretende aprovechar de manera harto oportunista los logros conseguidos en títulos anteriores, a través de su denominación de origen. El nombre de la saga, Bourne, aporta el aval frente a la taquilla, mientras un reparto lleno de nombres conocidos pretende poner la nota de calidad; sólo así se entiende que tanto en los títulos de crédito como en la cartelería se promocionen intérpretes que apenas ocupan unos minutos de metraje, como Joan Allen, Scott Glenn o Albert Finney. Robert Ludlum falleció antes de ver sus novelas en la gran pantalla. La pericia de los depredadores productores ha logrado que primero se novelice una supuesta secuela y después se lleve al cine; ya se sabe que lo de adaptar novelas viste mucho cuando se trata de ofrecer un producto de supuesta calidad como éste. El resultado es un thriller insustancial e impersonal perpetrado por el guionista de la trilogía anterior y realizador de las muy frías Michael Clayton y Duplicity. Un film que no cumple las reglas de todo buen suspense. No hay un protagonista con el que identificarse, al tratarse de otro de esos superhombres tan de moda en el cine americano, tan preparado físicamente como despierto intelectualmente. No hay humor en absoluto, tomándose demasiado en serio una trama por otro lado poco atractiva y nada clara (su primera media hora pasa sin pena ni gloria, sin que se aclaren las motivaciones de lo que ha de venir). Y su desmedido metraje evidencia una vez más la obsesión del cine americano por imprimir carácter épico a sus producciones pretendidamente trascendentales. Más interesante en sus escenas dialogadas que en las estrictamente de acción, como esa penosa persecución final de motocicletas por Manila, lastrada por un montaje frenético y extremadamente confuso, su mejor secuencia es quizás la que acontece en un laboratorio, si bien desaprovecha las posibilidades que apunta de una manipulación tecnológica de la mente, tan bien desarrollada en films como El mensajero del miedo. Jeremy Renner, incorporando al agente Aaron Cross, cuya vida peligra desde que Jason Bourne destapara los secretos de la defensa americana, apunta maneras pero le falta carisma, y Rachel Weisz demuestra una encomiable profesionalidad tomándose tan en serio un trabajo tan endeble.

¡PIRATAS!, monos, inadaptados, científicos y dodos

Título original: The Pirates! Band of Misfits
Reino Unido-USA 2012 88 min.
Dirección Peter Lord y Jeff Newitt Guión Gideon Defoe Música Theodore Shapiro Voces originales Hugh Grant, David Tennant, Imelda Staunton, Martin Freeman, Jeremy Piven, Salma Hayek, Anton Yelchin Estreno en España 15 agosto 2012

Evasión en la granja, Wallace y Gromit: La maldición de las verduras, Ratónpolis y Arthur Christmas son algunas de las películas que nos han llegado del estudio británico de animación Aardman, que habitualmente trabaja con la técnica artesanal del stop motion, otras con técnicas modernas de animación digital, y otras, como ésta, con una combinación de ambas. Los resultados a nivel técnico son sorprendentes, no tanto por propuestas vertiginosas o apabullantes, sino por un sentido de la composición, el color y el detalle que obligan a más de un visionado para un disfrute completo. Pero de nada sirve todo eso si no va acompañado de un guión interesante, una dramatización inteligente y unos personajes carismáticos; lo sabemos bien a tenor de la cantidad de bodrios técnicamente impecables que invaden nuestras pantallas a lo largo de cada temporada. Afortunadamente no es el caso de este prodigio del género, una cinta divertida, amena tanto para los más pequeños como para los adultos curiosos, con un humor lleno de inteligencia y mala baba, que convierte en malvada de turno a la mismísima Reina Victoria, y en la que se juega con acierto al lado cómico de personajes como el mono y sus desternillantes diálogos mudos al más puro estilo Buster Keaton, o el mítico dodo desencadenante de una hilarante trama. Por si fuera poco Darwin se erige como uno de sus protagonistas, enfocándolo como ser humilde y tímido que esconde más de un siniestro secreto, y el Hombre Elefante se pasea por unas calles de Londres en las que el detalle de ambientación se da la mano con espléndidos anacronismos. Piratas burlones pero no temibles, simpáticos y tiernos, magistralmente diseñados y resucitados por un equipo en estado de gracia a partir de los cuentos infantiles urdidos por Gideon Defoe, autor también del guión, y con Peter Lord pero sin Nick Park comandando el timón.

ROCK OF AGES (La era del rock) Rock verbenero

Título original: Rock of Ages
USA 2012 123 min.
Dirección Adam Shankman Guión Chris D’Arienzo, Justin Theroux y Allan Loeb Fotografía Bojan Bazelli Música Adam Anders y Peer Astrom Intérpretes Julianne Hough, Diego Boneta, Tom Cruise, Catherine Zeta-Jones, Alec Baldwin, Russell Brand, Paul Giamatti, Malin Akerman, Mary J. Blige Estreno en España 10 agosto 2012

Hay películas que se conciben para triunfar y sin embargo fracasan estrepitosamente. Esta por ejemplo se esperaba incluso con cierta expectación. Adam Shankman se reveló hace unos años como un eficaz director de musicales gracias a la labor desempeñada con Hairspray; puede que fuera porque en aquella ocasión contaba con un buen material de base, pero es indiscutible que supo impregnarle al conjunto de la energía y la alegría necesarias para que el género funcionase. El material de origen en esta ocasión es bien distinto; Rock of Ages se apunta a la moda imperante desde hace unos años de recuperar una serie de éxitos del pop de otras generaciones y reciclarlas y cohesionarlas a través de un argumento dramático más o menos coherente. Lo hemos visto en cine y teatro, americano e incluso español, Mamma Mia, Hoy no me puedo levantar, We Will Rock You o Across the Universe son buena muestra de ello. En esta ocasión se trata de un musical de relativo éxito en Broadway que repasa éxitos del rock de los 80 de gente como Quarterflash, Pat Benatar, Scorpions, Bon Jovi, Speedwagon, Foreigner, Joan Jett o Night Ranger. El problema surge cuando no se echa imaginación al guión, acumulando situaciones comunes archivistas en este tipo de comedias, como la chica de provincias que busca una oportunidad en la gran ciudad y encuentra el amor, el artista que es descubierto por casualidad, la estrella extravagante y caprichosa que esconde traumas de juventud, la historia de homosexualidad reprimida metida con calzador, o la pija vengativa estilo Sarah Palin que esconde sus impulsos más lascivos y secretos. Y todo plasmado sin convencimiento ni emoción, con interpretaciones caricaturescas y unos números musicales cutres e impersonales. El resultado es un bodrio descomunal, un desastre absoluto que no se salva ni por la curiosidad de ver y oír a Cruise o Zeta-Jones cantar algunos de esos éxitos o incorporar estos estereotipos ridículos.

TED Chistes de pedos

USA 2012 106 min.
Dirección Seth MacFarlane Guión Seth MacFarlane, Alec Sulkin y Wellesley Wild Fotografía Michael Barrett Música Walter Murphy Intérpretes Mark Wahlberg, Mila Kunis, Patrick Warburton, Giovanni Ribisi, Joel McHale, Matt Walsh, Jessica Barth, Laura Vandervoort y las voces de Seth MacFarlane (versión original) y Santi Millán (versión doblada al castellano) Estreno en España 10 de agosto de 2012

Los hermanos Farrelly han hecho mucho mal a la comedia americana, embruteciéndola y vulgarizándola hasta límites insospechados en una cinematografía que vio crecer la elegancia y el glamour de la mano de Cukor, Hawks, Sturges, Leisen, Wilder, Quine o Edwards. Vale que este argumento crítico está muy trillado, pero resulta significativamente más relevante cuando nos estamos refiriendo a una película que en esencia imita los cánones de la comedia clásica americana, evidente además en una banda sonora de inconfundible sabor a swing compuesta por quien hace treinta y cinco años triunfara en las pistas de baile con su versión disco de la Quinta Sinfonía de Beethoven, popularizada en Fiebre del sábado noche. Hay además secuencias, como la desternillante de la fiesta con suculento cameo de Sam “Flash Gordon” Jones incluido, deudoras del mejor screwball norteamericano. Otros cameos interesantes los protagonizan la cantante Norah Jones y un Ryan Reynolds en plan fantasía homoerótica. De cualquier modo si algún riesgo ha corrido su artífice, Seth MacFarlane, creador de la exitosa serie animada de televisión Padre de familia, que también se encarga de ponerle voz al osito de peluche protagonista en su versión original, es el de atraer al público infantil con un producto muy poco recomendable para él, tengan por lo tanto cuidado los padres porque el osito se las trae. Siguiendo con la moda imperante abundan los chistes de pedos, el mal gusto, el humor escatológico, los tópicos sobre la amistad y la pareja, la mujer caprichosa y castradora, el matrimonio como único final feliz a una historia de amor perdurable, la madurez como meta inevitable y aconsejable en todo caso… y luego está el doblaje, que se encarga del resto: Falete, Belén Esteban, Verano Azul y otras perlas están presentes en la libertina traducción del libreto original, como cuando en una película de los hermanos Marx de los 30 les oíamos cantar Maria de West Side Story, compuesta en 1956, o nombrar a Brigitte Bardot en la versión emitida en castellano por televisión. A pesar de todo hay destellos de ingenio en esta película, talento aunque mal aprovechado y momentos desternillantes entre absurdos y sorprendentes, pero en un conjunto destinado a públicos previamente adocenados e idiotizados, incapaces de distinguir méritos entre tanta zafiedad y vulgaridad. Sus ingeniosos y ocurrentes títulos de crédito hacían presagiar otra cosita.

BRAVE (INDOMABLE) Destino y libertad condicional

Título original: Brave
USA 2012 93 min.
Dirección Mark Andrews y Brenda Chapman Guión Brenda Chapman, Irene Mecchi, Steve Purcell y Mark Andrews Música Patrick Doyle Voces (en versión original) Kelly Macdonald, Billy Connolly, Emma Thompson, Kevin McKidd, Robbie Coltrane, Julie Walters, Craig Ferguson Estreno en España 10 agosto 2012

Aunque no se basa en ningún cuento infantil popular ni se inspira en ninguna leyenda celta real, la nueva película de Pixar se adapta como un guante a esas dos posibles influencias, y sin embargo no aporta nada nuevo al imaginario del cine de animación más convencional. Lejos de sus mejores producciones, y peligrosamente más cerca del típico producto Disney, esta producción de John Lasseter pretende postular sobre las relaciones entre madre e hija, presentándonos una princesa presuntamente audaz y contestataria (indomable dice el subtítulo que nuestros inteligentísimos distribuidores le han colocado), más amiga del arco y la flecha y de cabalgar con el pelo al viento que de aceptar el destino que le ha sido impuesto, a saber casarse y llevar la corona con sumisión y dignidad. Nada nuevo en este tipo de producciones; pero es tomar las riendas de nuestro propio destino y no conformarnos con lo que se nos ofrece por pura inercia, y sobre todo flexibilizar y suavizar posiciones entre educadores y educados, lo que propone esta película. Y no desatina mucho en su evidente mensaje, que no es otro sino prepararnos para ofrecer a nuestros vástagos los mejores recursos a nuestro alcance, para una vez hayan alcanzado la madurez permitirles volar en libertad, sin coacciones ni imposiciones. Educación en libertad, lo que no está mal, aunque  volvemos a lo de siempre, nada nuevo. Técnicamente el espectáculo es notable, su estructura dramática está impecablemente trazada y el humor es considerable, con personajes muy divertidos, como los gamberros y glotones principitos, pero en total sabe a poco, a más de lo mismo, sin llegar en ningún momento a entusiasmar. El cuidado que sus responsables han puesto en buscar voces que se adecuen perfectamente al acento escocés, se pierde definitivamente con un doblaje neutro e impersonal. Se proyecta precedido de un precioso y muy poético cortometraje sobre La luna, con música de Michael Giacchino.

LA SIESTA DEL FAUNO DE JUAN RONDA Y AUXILIADORA GIL EN EL ALCÁZAR

XIII Noches en los Jardines del Real Alcázar. Juan Ronda, flauta travesera; Auxiliadora Gil, piano. Programa: El impresionismo en la música (Obras de Gaubert, Debussy y Fauré). 10 de agosto de 2012

La música de Debussy, a menudo evocadora de la naturaleza, profusa en motivos vegetales y florales, elementos decorativos y figuras en arabescos, se aviene bien con los exuberantes jardines del Alcázar, donde este año se le rinde homenaje por su ciento cincuenta cumpleaños.

Esta vez Juan Ronda no necesitó echar mano de trascripciones, como sí hiciera cuando tocó con el Trío Apsara; el repertorio para flauta y piano es más nutrido en el impresionismo francés, aunque con riesgo de monotonía. El sofocante calor fue un buen aliado del efecto soñoliento provocado con un programa abordado sin entusiasmo ni emoción.

Ya hemos destacado otras veces que Ronda conoce y controla perfectamente su instrumento pero lo ahoga en ornamentaciones y filigranas sin ahondar en su expresividad y emotividad, lo que unido a una errática y tosca Auxiliadora Gil al piano, generó insatisfacción ante un programa bellísimo sobre el atril. La primera de las tres sonatas que compuso Philippe Gaubert reflejó su ingenuidad y delicada articulación, pero ya en los Seis Epígrafes Antiguos de Debussy se acusó ese exceso de monotonía y languidez. Dos de estas piezas y la sensual Syrinx, significativo pariente de la siesta del fauno, fueron ofrecidas la semana pasada por Ausdruck Trio con más ahínco. No fue precisamente pausada la interpretación que Gil hizo del hermoso Vals plus que lente, frecuentemente errado, con tendencia a enfatizar y un uso desacertado del pedal que ahogaba notas más necesitadas de respiración. Sólo el allegro de la Fantasía Op.79 de Fauré logró despertarnos de un sopor generalizado.

Artículo publicado en El Correo de Andalucía el 12 de julio de 2012