SPECTRE Regreso a los orígenes en tono grave

Reino Unido 2015 148 min.
Dirección Sam Mendes Guión John Logan, Neal Purvis, Robert Wade y Jez Butterworth, según los personajes creados por Ian Fleming Fotografía Hoyte van Hoytema Música Thomas Newman Intérpretes Daniel Craig, Christoph Waltz, Léa Seydoux, Ralph Fiennes, Monica Bellucci, Naomie Harris, Rory Kinnear, Ben Whishaw, Dave Bautista, Andrew Scott, Jesper Christensen, Stephanie Sigman Estreno en Reino Unido 26 octubre 2015; en España y Estados Unidos 6 noviembre 2015

Esta vigésimo cuarta entrega oficial de las aventuras del superagente más famoso del cine, y segunda consecutiva dirigida por Sam Mendes, pasará posiblemente a la Historia por ser la primera no escrita por su creador, Ian Fleming, en la que Bond tiene que luchar directamente contra su enemigo eterno, la organización criminal Spectre, después de que Sean Connery se enfrentara a ella en algunos de los primeros episodios allá por los sesenta y primeros setenta del siglo pasado. Si los tres anteriores trabajos de Daniel Craig fueron una preparación para retomar el personaje desde sus orígenes, tras cerrarse el círculo en Skyfall ahora todo vuelve a su lugar: El cañón de pistola aparece al principio y no al final, M vuelve a ser un hombre, reaparece Moneypenny, tenemos esbirro bruto e invencible del villano, final traca en su guarida, artilugios de espionaje creados por Q, un par de chicas Bond, con protagonismo de una sobre la otra, y todas las constantes tradicionales de la serie. Se mantiene no obstante el tono grave, serio y trascendente de los títulos anteriores, que han marcado el estilo del actor británico, con pocas concesiones para el humor. Los resultados en esta ocasión no superan las expectativas; salvo el trepidante arranque en México D.F., el resto de las secuencias de acción no son realmente memorables, la trama pierde a menudo el interés y se resiente de puntuales caídas de tensión, mientras su estética es demasiado oscura y ocre, y no hay ninguna novedad que destaque por sí sola. Por si fuera poco el villano, un clásico del ciclo, no posee los matices que debieran hacerlo inquietante. Hay por descontado espectáculo y entretenimiento, pero el conjunto acaba sucumbiendo por debajo de otros más distinguidos, que en el caso de los cuatro protagonizados por Daniel Craig se saldan a favor de Casino Royale y Skyfall.

XII FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA: 5ª JORNADA

THE OTHER SIDE

Francia-Italia-USA 2015 92 min.
Dirección Roberto Minervini Guión Roberto Minervini y Denise Ping Lee Fotografía Diego Romero Documental

Hace unos años en este mismo festival, el director italiano y profesor universitario Roberto Minervini nos sorprendió muy gratamente con un docudrama extraordinariamente sensible y delicado de título Stop the Pounding Heart. Su fascinación por los norteamericanos como objeto de estudio antropológico rebrota aquí con un film, igualmente encuadrable en la categoría de documental ficcionado al estilo de aquellos míticos Vivir cada día de la Televisión Española de los setenta y ochenta, en el que analiza la así llamada América profunda a través de dos comunidades antagonistas. De la mano de un toxicómano que habita en parajes rurales de Louisiana, al cuidado de su pareja, su madre enferma y su abuelita bailonga, conocemos un ambiente de gente pacífica, dentaduras descuidadas o directamente ausentes, y vidas muy sencillas alimentadas por trabajos chapuceros. En el otro extremo, y ya casi al final de la película, asistiremos al entrenamiento de un grupo paramilitar fascista y extremista que abusa de las armas, el alcohol, el sexo y las drogas y lanza violentas consigas antigubernamentales. No descubrimos nada ni de uno ni del otro lado; sabemos perfectamente que en Estados Unidos abundan estas faunas, y que no todo, ni mucho menos, es clase media con buenas casas, coches y trabajos. La paranoia de las armas y la guerras, así como los marginados de la sociedad que sobreviven entre prisiones y caravanas, son temas sobradamente conocidos para cualquiera que viva en el mundo que habita. Son las formas y el cariño que Minervini deposita en quien cree lo merece, y la pericia de conectar estos dos extremos absolutos, los desheredados y los prepotentes, frente a ese enemigo común que es una administración incapaz de resolver los problemas habituales de la gente común, que prefiere inmiscuirse en el gobierno de otras naciones antes que limpiar su propia mierda.

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BERSERKER

España 2015 102 min.
Guión, fotografía y dirección Pablo Hernando Música Aaron Rux Intérpretes Julián Génisson, Ingrid garcía Johnson, Vincenç Miralles, Chema Adeva, Lorena Iglesias, Rocío León, Daniel Luke, Elena Serrano

Segundo largometraje del joven realizador vasco Pablo Hernando, que sorprende por sus formas aseadas y académicas a pesar de contar presumiblemente con un presupuesto muy ajustado. Y más sorprende aún su inquietante punto de partida, una particular investigación criminal en la que la incógnita no es quién lo ha hecho sino por qué. Diálogos fluidos, personajes atractivos y bien interpretados, van sucediéndose a un ritmo que no siempre es satisfactorio, pero que en general no pierde nunca el interés, y que dosificado con puntuales brotes de humor, ayuda aún más a su fácil digestión. Lástima que, como suele ser habitual en nuestro cine, llegue un momento en el que no se sepa avanzar, algo que también le ocurre al novelista protagonista, lo que en su caso tiene gracia, porque provoca inquietud en el espectador por conocer cuál es el verdadero final de la truculenta historia. El resultado acaba sucumbiendo a su propio artificio, con razonamientos y soluciones harto pueriles y mal trabajadas. Por el camino, sin embargo, conseguimos entretenimiento, empatía con los personajes y una puesta en escena sobria acompañada de una narración relajada y elegante a años luz de la histeria desgraciadamente imperante en nuestro cine. Puede que cuando sea capaz de pulir un buen argumento, Pablo Hernando nos dé muchas satisfacciones.

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LAS MIL Y UNA NOCHES. EL INQUIETO (As 1001 noites. Volume 1, O inquieto)

Portugal-Francia-Alemania-Suiza 2015 125 min.
Dirección Miguel Gomes Guión Miguel Gomes, Telmo Churro y Mariana Ricardo Fotografía Sayombhu Mukdeeprom Intérpretes Joana de Verona, Diogo Dória, Gonçalo Waddington, Rogério Samora

La primera entrega de uno de los proyectos cinematográficos más ambiciosos del director de Tabú y de la historia del cine portugués en general, se articula en un prólogo y tres cuentos inspirados en la estructura y el espíritu de los que Scheherezade contaba al sultán Schariar para evitar su muerte y el de otras doncellas del reino de Tartaria, pero trasladados a Portugal y la severa crisis económica que azota a uno de los países más castigados de Europa. El experimento no es novedoso, ya que en el siglo XIX Robert Louis Stevenson hizo lo propio con una recopilación de extraños relatos ambientados en Londres bajo el título de Las nuevas noches árabes. En el prólogo se nos pone en antecedentes de la lucha proletaria en los astilleros y la paulatina pérdida de derechos sociales que desde hace tanto se viene sufriendo, así como se hace hincapié en la laxitud del ser humano para poner remedio a problemas tan universales como la posible desaparición de las abejas, fundamentales para preservar la cadena de la evolución natural. Después Gomes nos presenta un cuento en el que unos burócratas y banqueros sufren una curiosa maldición, otro en el que un gallo molesta con su canto a una comunidad sorda y borrega ante unas elecciones con candidatos burdos e ignorantes, y otro más sobre los preparativos de un baño en el mar en pleno enero al que se entregan inconsciente e incondicionalmente los habitantes de un pueblo maltratado. La cinta mantiene un tono grotesco y desafiante ante la incompetencia del gobierno luso, de los gobiernos en general, siempre con el elemento fantástico presente. Abruma el ingenio del director y su equipo para recopilar historias y convertirlas en narraciones entre la comedia y lo maravilloso, siendo precisamente los pasajes más convencionales, como los testimonios de víctimas muy identificables de la crisis, los menos interesantes por ser los más comunes y previsibles.

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MON AMIE VICTORIA (Mi amiga Victoria)

Francia 2014 95 min.
Guión y dirección Jean Paul Civeryac, según el relato de Doris Lessing “Victoria and the Staveneys” Fotografía David Chambille Intérpretes Guslagie Malanga, Nadia Moussa, Catherine Mouchet, Pascal Greggory, Alexis Loret, Pierre Andrau, Elise Akaba, Tony Harrisson

El director francés Jean Paul Civeryac, consagrado hace una década con Toutes ces belles promesses, adapta un relato de la escritora británica Doris Lessing contenido en la misma recopilación que incluye Las abuelas, relato que inspiró a su vez la película Dos madres perfectas protagonizada por Naomi Watts y Robin Wright. Se trata de un texto sumamente inteligente que aborda el tema del racismo desde una óptica original y diferente, tratado más bien como un problema de clasismo en una sociedad supuestamente tolerante y abierta que asume su aceptación de las razas antaño colonizadas con más impostura que naturalidad. Victoria, la chica protagonista, queda marcada para siempre por un episodio que le lleva a conocer cuando apenas es una niña a una acomodada familia de ideología liberal y progresista. Los acontecimientos le irán descubriendo que al contrario de lo que pudiera parecer, se siente desubicada y con menos oportunidades de las que disfrutan sus iguales blancos. Rodada con gusto y delicadeza, Civeryac opta sin embargo por una voz en off permanente que no hace sino subrayar lo que ya nos indican las imágenes, lo que resta fuerza dramática al conjunto. Además, aunque pudiera parecer que reina la sutileza, lo cierto es que los personajes y las situaciones están voluntariamente acentuadas para dejar muy claro el mensaje y la denuncia expuestos. El atractivo de los personajes y las localizaciones hacen el resto para que acabe convirtiéndose en una cinta mucho más complaciente de lo que sería conveniente.

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MUSTANG

Francia-Alemania-Turquía-Qatar 2015 97 min.
Dirección Deniz Gamze Ergüven Guión Deniz Gamze Ergüven y Alice Winocour Fotografía David Chizallet y Ersin Gok Música Warren Ellis Intérpretes Günes Sensoy, Dogba Doguslu, Tugba Sunguroglu, Elit Iscan, Ilayda Akdogan, Nihal Koldas, Ayberk Pekcan

El multipremiado debut en la dirección de largometrajes de la realizadora turca Deniz Gamze Ergüven es el clásico ejemplo de producto diseñado y orientado para levantar indignación más allá de la denuncia, abrazando incluso la ambición comercial. A pesar de ello no es cuestión de quitarle méritos y no saber reconocer la valentía de una mujer que lucha con esta especie de Vírgenes suicidas por los derechos y las libertades de un amplio sector de la población femenina de su país, sin olvidar el peligro permanente que amenaza al otro, el que disfruta de un status parecido al de la mujer occidental. Cinco jóvenes, por supuesto gráciles y bellísimas, para calar más hondo, disfrutan de sus vacaciones estivales con total y desinhibido desparpajo, para ir paulatinamente sufriendo la rigidez educativa de su familia, especialmente de las propias mujeres, impulsada por la castrante tradición moral y religiosa. Los consabidos matrimonios concertados, hábitos y prohibiciones varias irán malogrando unas vacaciones que se antojan demasiado largas para tanta acumulación de acontecimientos. Ergüven demuestra pericia para rodar, ingenio para indignar y gusto para dosificar elementos, pero la intención se huele tan de lejos que apesta, por lo que algo más de sutileza y originalidad le hubiera beneficiado considerablemente. La banda sonora de prestigio la firma Warren Ellis, habitual colaborador de Nick Cave.


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XII FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA: 4ª JORNADA

SUITE ARMORICAINE

Francia 2015 145 min.
Guión y dirección Pascale Breton Fotografía Tom Harari Música Eric Duchamp Intérpretes Valérie Dreville, Kaou Langoët, Elina Löwensohn, Manon Evenat, Laurent Sauvage, Clet Beyeer

La universidad de Rennes, en la región francesa de la Bretaña, sirve a la realizadora Pascale Breton como escenario para trazar lo que ella pretende sea una especie de suite musical en torno a las vidas de dos personas que coinciden allí y cuyos destinos se cruzan a través de una fotografía que ilustra los creativos años ochenta. Lástima que necesite dos horas y media interminables para llegar a sus conclusiones, relacionadas con la comunión entre el hombre y la naturaleza y la desorientación que en éste ha ido provocando la desnaturalización e industrialización del entorno. Una profesora de arte regresa a la universidad en la que estudió, donde recupera el contacto con algunas de las amistades de las que disfrutó en sus años de estudiante, sin que nada de esto llegue a trascender ni apenas interesar a lo largo de su dilatado y tedioso metraje. Por otro lado un joven estudiante huye de una madre alcohólica y sin hogar que acaba invadiendo su espacio e intimidad. El empeño de la profesora por encontrar la Arcadia, el paraíso perdido y utópico generado desde la mitología clásica a través de poetas y soñadores, en los cuadros que disecciona frente a su clase, y la curiosidad que en el alumno despierta esa búsqueda constituye la tesis de una película que va perdiendo sus objetivos conforme avanza una trama sin fuelle ni medida, para acabar apenas recuperando su camino cuando se acerca el final y el hastío se ha apoderado irremediablemente del sufrido observador que es el espectador.

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C'EST L'AMOUR

Francia 2015 98 min.
Guión y dirección Paul Vecchiali Fotografía Philippe Bottiglioni Música Catherine Vincent Intérpretes Astrid Adverbe, Pascal Cervo, Julien Lucq, Fred Karakozian, Paul Vecchiali, Manuel Lazanberg, Roland Munter

Objeto de una imprescindible retrospectiva en el festival, el veterano realizador francés Paul Vecchiali no ha parado de dirigir desde principios de los sesenta, con más de veinte largometrajes a sus espaldas entre los que destacan L'étrangleur, Femmes femmes, Wonder Boy o Encore, y otros muchos trabajos para la televisión. Sin embargo sus películas apenas se conocen fuera de Francia, y allí tampoco alcanzan siempre los circuitos comerciales de exhibición. Su universo particular, a menudo incómodo, lo convierte en el clásico enfant terrible no apto para todos los gustos y sensibilidades. Si en 1971 diseccionaba la vida con C'est la vie!, en su último largometraje le toca el turno al amor, en su vertiente más sólida, sustentado en el respeto y la dependencia así como en la costumbre y la obsesión, y el más desatado y arrojadizo, basado en el deseo y la atracción, el morbo y la seducción a la que siempre queremos ser sometidos, cualquiera que sea nuestra edad. El lenguaje naturalmente no es ni convencional, fácil ni cómodo, aunque su puesta en escena, colorista y luminosa, lejos del estilo Fassbinder que caracterizaba sus films en los setenta, ayude a entablar el diálogo con soluciones formales y narrativas entre experimentales y caprichosas. Diálogos repetidos con distinta entonación para pervertir su sentido, o repetidos tal cual para insistir en él, junto a primeros planos enmarcados en una naturaleza netamente mediterránea, pueblan un film que puede causar estupor y hasta espantar, pero que encierra en su poético trazado verdades absolutas sobre las relaciones sentimentales, hetero, homo y bisexuales, oxidadas, renovadas y provocadas con bailes de seducción y posterior apaleamiento.

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POD ELEKTRISCHESKIMI OBLAKAMI (Bajo nubes eléctricas)

Rusia-Ucrania-Polonia 2015 138 min.
Guión y dirección Aleksey German jr. Fotografía Sergey Mikhalchuk y Evgeniy Privin Música Andrei Surotdinov Intérpretes Louis Franck, Merab Ninidze, Viktoriya Korotkova, Chulpan Khamatova, Piotr Gasowski, Viktor Bugakov, Karim Pakachakov, Konstatin Zeliger, Ramil Salakhutdinov

Con apenas un par de películas en su haber, el hijo del polifacético cineasta Aleksey German se adentra en la que es seguramente su obra más compleja y personal con esta cinta de ciencia-ficción en la que una URSS apocalíptica se enfrenta al prólogo de una guerra global justo cuando se cumplen cien años de la Revolución Bolchevique. A través de siete capítulos o episodios, German construye un entramado terriblemente difícil de seguir y comprender, en el que el cansancio y la decepción parecen darse la mano en una propuesta tan pesimista como desconcertante. Diálogos imposibles, absurdos e inconexos se combinan con personajes que casi parecen fantasmas flotando en un paisaje frío como la nieve, en el que un edificio sin terminar, vestigio del imperio perdido, parece erigirse en nexo común entre unas almas perdidas al borde del delirio. Casi dos horas y media en las que la cámara se mueve con soltura no exenta de cierto virtuosismo a través de rostros, estatuas y escombros que simbolizan una espiritualidad enferma, mientras la platea asiste atónito a un proclama existencialista tan pretenciosa como irritante, y una muy cuidada planificación e hipnótica fotografía terminan por convertirse en el único aliciente de tan desconcertante función.

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XII FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA: 3ª JORNADA

THE CHILDHOOD OF A LEADER (La infancia de un líder)

Reino Unido-Hungría-Francia 2015 113 min.
Dirección Brady Corbet Guión Brady Corbet y Mona Fastvold Fotografía Lol Crawley Música Scott Walker Intérpretes Tom Sweet, Bérénice Béjo, Liam Cunningham, Robert Pattinson, Stacy Martin, Yolande Moreau

Al americano Brady Corbet lo conocemos fundamentalmente por participar, casi siempre como actor secundario, en películas indies o europeas, como Fuerza mayor, Viaje a Sils Maria o Mientras seamos jóvenes. Su paso también por cintas de Haneke, la versión americana de Funny Games, y Von Trier, Melancolía, ha debido de influir decisivamente en su debut como realizador de largometrajes, después de dirigir varios cortos y escribir el guión de otras películas. El ambiente sórdido y malsano que se respira especialmente en el universo del austriaco se recrea también en esta ficción inspirada en un relato de Sartre sobre la génesis de un líder psicópata y genocida, entre fascista y comunista, de los que han manchado las páginas de Historia del siglo pasado. Llega esta crónica que no disimula en su tratamiento visual y narrativo su vocación de cine de género, con parecidos razonables incluso con La profecía de Donner, en un momento muy sensible de la realidad política y social mundial, en el que con estrategias más sibilinas nos están metiendo de lleno en un nuevo sistema castrador, represor y fascista, donde derechos y logros se van desvaneciendo poco a poco sin que apenas lleguemos a darnos cuenta. Esta sin duda terrorífica película, con una infancia marcada por trastornos de identidad sexual y una educación estricta y equivocada, juega con códigos y símbolos, algunos muy reconocibles, para sin renunciar a un acabado formal clásico, lograr turbar y hasta molestar, en gran parte gracias al trabajo interpretativo mesurado y matizado del joven Tom Sweet y la espléndida, violenta y desatada banda sonora del mítico y septuagenario cantante de pop y jazz Scott Walker, de la mejor música escuchada en mucho tiempo en una pantalla de cine.

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MADAME MARGUERITE (Marguerite)

Francia-República Checa-Bélgica 2015 127 min.
Guión y dirección Xavier Giannoli Fotografía Glynn Speeckaert Música Ronan Maillard Intérpretes Catherine Frot, André Marcon, Michel Fau, Christa Théret, Dennis Mpunga, Sylvain Dieuaide, Aubert Fenoy

Natalia de Andrade fue una portuguesa considerada como la peor cantante de ópera de todos los tiempos, lo que la convirtió muy a su pesar en estrella cómica de programas televisivos brasileños, a la vez que sus dos discos grabados en Madrid se vendieron como rosquillas por su componente grotesco y divertido. Unas décadas antes la millonaria estadounidense Florence Foster Jenkins destrozó los tímpanos de quienes la escucharon cantar al mismo tiempo que asesinaba literalmente a Verdi o Mozart, y en ella se inspira esta película ambientada en el París y alrededores de entre guerras. Groucho Marx preguntaba a Margaret Dumont si quería casarse con ella y si era millonaria, conteste primero a la segunda pregunta, tras cuya afirmación él exclamaba: ¡la amo! No por casualidad Xavier Giannoli, que ya dirigió a Depardieu en un film de temática musical, Canciones de amor, ha bautizado a su personaje como la actriz fetiche de los Marx, pues el dinero es la clave. Es la llave para que durante tanto tiempo la rancia y decadente burguesía, encabezada por su hipócrita y desorientado marido, permitiese que se pusiera continuamente en ridículo y creyera en su talento como cantante. Otros la aplaudieron por lo mucho que de perversión significaba precisamente para la clase social que representaba, aprovechándose de ella para actos de toda índole, incluso anarquistas. Pero lo verdaderamente alarmante era que casi nadie parecía darse cuenta que lo suyo era un caso clínico digno de terapia intensiva. Lástima que todo este material tan generoso y prometedor quede en manos de Giannoli en un mero artículo de lujo, un escaparate bellamente ambientado y decorado, de excesiva duración y que apenas logra trascender más allá de sus aspectos meramente cómicos, a pesar de lo cual Catherine Frot (Odette, La cocinera del presidente) realiza un trabajo impecable.

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UN ETAJ MAI JOS (Un piso abajo)

Rumanía-Francia-Alemania-Suecia 2015 93 min.
Dirección Radu Muntean Guión Alexandru Baciau, Radu Muntean y Razvan Radulescu Fotografía Tudor Lucaciu Música Electric Brother Intérpretes Teo Corban, Lian Postelnicu, Oxana Moravec, Ionut Bora

Mucho se está celebrando últimamente la llamada nueva ola rumana, con películas de indudable calidad como La muerte del señor Lazarescu, 4 meses, 3 semanas, 2 días y Madre e hijo a la cabeza, con las que One Floor Below (título internacional) comparte al guionista Razvan Radulescu. En esta ocasión sin embargo la intención de contar una historia de investigación criminal desde un punto de vista tan original como el que se plantea, naufraga por falta de puntos de interés a los que agarrarse. Un hombre sospecha que un vecino ha asesinado a otra joven que vive en el mismo edificio, sin embargo el miedo a inmiscuirse en semejante trama le obliga a mantener un silencio que le llevará a acumular una tensión que supuestamente se hace insostenible. Sobre el papel la propuesta promete, sin embargo en la práctica asistimos a una serie de gestiones cotidianas, entre escenas familiares y cometidos profesionales, que nada añaden al drama y juegan despiadadamente con nuestra paciencia, sin que a la larga se resuelvan ni nuestras propias sospechas ni la supuesta tensión sufrida. Este es el tipo de planteamientos que cuando se abordan con talento e ingenio pueden resultar muy estimulantes y dar un giro fresco y sorprendente respecto a los métodos tradicionales y convencionales, pero que cuando no es así sólo provocan hastío y aburrimiento.

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XII FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA: 2ª JORNADA

HITCHCOCK/TRUFFAUT

Francia-USA 2015 80 min.
Dirección Kent Jones Guión Kent Jones y Serge Toubiana Música Jeremiah Bornfield Documental

El cine según Hitchcock, todo un libro de cabecera para cualquier cinéfilo, recogía una extensa entrevista que le hizo el François Truffaut periodista de Cahiérs du Cinema al maestro del suspense a principios de los años sesenta y en el que se desvelaban algunos de los secretos del director con la seguramente más fascinante filmografía de todos los tiempos. Un tratado de gran cine de primera mano que ha inspirado a montones de cineastas de todas las nacionalidades y épocas, buena muestra de lo cual son los realizadores convocados, en su mayoría americanos de esos tildados de autores, como Scorsese, Fincher, Anderson, Bogdanovich, Schrader o Gray, a los que se unen Assayas y Desplechin en representación de la parte de producción francesa. El atractivo de este documental reside fundamentalmente en el que provoca el cine del genio británico, de quien se realiza un generoso memorándum con especiales paradas en Vértigo y Psicosis. Poco se detiene sin embargo en la trayectoria como cineasta de Truffaut más allá de Los cuatrocientos golpes, ni la influencia que Hitchcock ejerció en La sirena del Mississippi y sobre todo en Fahrenheit 451 y La novia vestía de negro, donde incluso contrató al compositor fetiche del director de Los pájaros, Bernard Herrmann. Tampoco se profundiza en la labor de Cahiérs du Cinema para encumbrar a directores del cine americano hasta entonces considerados meras piezas de un engranaje industrial, y tras ello considerados verdaderos autores intelectuales de películas que han pasado a engrosar nuestro patrimonio cultural, como Ford, Capra, Hawks o Lubitsch. No obstante el film se ve con agrado y emoción ante monumentos cinematográficos como los homenajeados. Y si una cosa deja claro, aunque sea involuntariamente, es que la grandeza del cine reside en sus imágenes más que en la palabra, hasta el punto de que incluso aquí llama más la atención el nutrido material de archivo, fotografías, reportajes y selección de secuencias, que el guión y las opiniones de los creadores que ilustran el discurso intelectual de la cinta.

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EL TIEMPO DE LOS MONSTRUOS

España 2015 92 min.
Guión y dirección Félix Sabroso Fotografía David Azcano Música Daniel Belardinelli Intérpretes Javier Cámara, Carmen Machi, Candela Peña, Julián López, Pilar Castro, Secun de la Rosa, Yael Barnatán, Jorge Monje, Antonia San Juan, Pepón Nieto

La carrera de Félix Sabroso y Dunia Ayaso ha deambulado entre la mediocridad (El grito en el cielo, Los años desnudos) y el esperpento (Descongélate, La isla interior), con resultados muy irregulares. La reciente desaparición de su compañera le ha llevado a dirigir en solitario este inclasificable experimento dedicado a su memoria. Lo mejor que se puede decir de esta cinta es que se sale de la línea actualmente seguida por un cine español previsible y demasiado pendiente del público, después de tantos años de espaldas a éste. No hay concesión alguna aquí a lo comercial ni apunte ninguno del cine de masas que tanto se empeña en imitar el actual cine patrio. Por el contrario Sabroso apuesta por ponerse intelectual, lo que al colaborador de La que se avecina no le pega nada. Con ocho personajes en busca de guión, realiza un híbrido en el que pretende un encuentro entre Buñuel, del que incluso cita descaradamente El ángel exterminador por si alguien no se hubiera dado cuenta, con Almodóvar, un referente constante, estética y temáticamente, en el cine de este director canario. Lo que resulta es un desastre terriblemente pretencioso que intenta ser surrealista cuando sólo consigue ser ridículo, petardo y patético. La cita que lo abre, algo así como que entre los viejos y los nuevos tiempos surgen monstruos, parece condicionar inútilmente toda la película, que como si de una función teatral con caídas de tensión y ritmo se tratara, nos presenta a estos personajes desconcertados y desubicados con los que resulta imposible empatizar.

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O FUTEBOL

España 2015 68 min.
Dirección Sergio Oksman Guión Sergio Oksman y Carlos Muguiro Fotografía André Brandao Intérpretes Simao Oksman, Aílton Braga, Sergio Oksman

Afincado en nuestro país, el realizador brasileño Sergio Oksman retoma el lenguaje documentalista que caracteriza su escueta filmografía para hacer un particular retrato de su propio padre. Descubierto por muchos cuando en 2006 dirigió un documental sobre el actor estadounidense Al Lewis, Goodbye America, popularizado como el abuelo de la mítica serie de televisión Los Munster, Oksman ofrece ahora cine arriesgado y resistente en toda regla para aprovechando una estancia en su ciudad natal, Sao Paulo, durante la celebración de los pasados Mundiales de Fútbol, marcar un certero, atento y conmovedor retrato de su progenitor, con quien mantiene una relación distante y extraña. La ancianidad como referencia y el cariño como motor se encuentran en una cinta contemplativa que no se detiene tanto en la pasión por el fútbol como la entendemos como en la veteranía de quien ya no se excita tanto, recuerda más que vive y se convierte en testigo inerte de un espectáculo que antaño le fascinaba. Sin radio en un coche en el que a menudo somos invitados a ocupar su asiento trasero; adivinando lo que ocurre en el campo desde una atalaya; o bebiendo y fumando en el bar mientras fuera se desata la euforia. Todo pasa y muere en esta vida, hasta esa epidemia mundial por el deporte rey que margina a quien se abstrae de ella. El maridaje entre fútbol y cine no archiva grandes gestas, así que ya iba siendo hora de que una destacara.

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EL CUENTO DE LOS CUENTOS (Il racconto dei racconti)

Italia-Francia-Reino Unido 2015 125 min.
Dirección Matteo Garrone Guión Matteo Garrone, Ugo Chiti, Massimo Gaudioso y Edoardo Albinati, según el libro de Gianbattista Basile Fotografía Peter Suschitzky Intérpretes Salma Hayek, Vincent Cassel, John C. Reilly, Alba Rohrwacher, Toby Jones, Shirley Henderson, Hayley Carmichael, Bebe Cave, Stacy Martin, Jonah Lees, Christian Lees

Poco hacía presagiar que el autor de películas como Gomorra y Reality, que observan la actualidad para analizarla y desintegrarla, se embarcara en una cinta de corte fantástico orientada a rescatar varios de los muchos cuentos que escribió el napolitano Giambattista Basile en el siglo XVII. Con una riqueza visual extraordinaria y una estructura narrativa que recuerda mucho a los seriales televisivos, desde el momento en que apuesta por combinar y alternar las historias en lugar de presentarlas de forma lineal, Garrone consigue una obra monumental, de concepción tan barroca como siniestra, en la que los cuentos recuperan su vocación original de historias tremendas pobladas de seres extraordinarios, amenazadores y crueles. Nada que ver con el edulcoramiento que sufrieron los cuentos tradicionales de los Hermanos Grimm, Perrault o Andersen cuando Disney los engulló y vampirizó. Aquí son perceptibles las historias que inspiraron a aquellos clásicos, tanto como a Twain y su Príncipe y mendigo, devolviéndonos a muchos y muchas a una infancia en la que aún era posible disfrutar de este tipo de cuento fascinante y estremecedor. Tan entretenida como espeluznante, lo mejor de El cuento de los cuentos reside en su capacidad para recuperar la imaginación y la fantasía y llenar de personajes variopintos un paisaje tan hermoso como estremecedor, digno del mejor de los cuentos. Una puesta en escena suntuosa, unas bellísimas localizaciones naturales y arquitectónicas, y un elenco internacional de primera categoría completan un espléndido y muy recomendable espectáculo donde paradójicamente y a pesar de su distanciamiento de la actualidad y la realidad, acaba hablando de nosotros mismos, nuestros anhelos, miserias y virtudes.

XII FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA: 1ª JORNADA

LES DEUX AMIS (Los dos amigos)

Francia 2015 100 min.
Dirección Louis Garrel Guión Louis Garrel y Christophe Honoré Fotografía Claire Mathon Música Philippe Sarde Intérpretes Golshfiteh Farahani, Vincent Macaigne, Louis Garrel, Mahaut Adam

Con su debut en la dirección de largometrajes, el actor Louis Garrel, descubierto por Bertolucci con Los soñadores y consagrado con su padre Philippe Garrel en Les amants réguliers, echa mano de dos temas que tradicionalmente han fascinado al cine, en concreto al francés en el caso de los tríos amorosos, con Jules y Jim de Truffaut a la cabeza, cuyas carreras a dos y tres parecen ser un referente, y los personajes extremos y si es posible desequilibrados. La intención, perdida entre claves de comedia y drama que le dan cierto carácter indefinido, parece ser analizar la amistad entre dos hombres en principio antagonistas, el propio Garrel y Vincent Macaigne, a los que se une un vértice amoroso, el constituido por la hermosa actriz iraní Golshfiteh Farahani (A propósito de Elly, La piedra de la paciencia). Con una historia tumultuosa de engaños y decepciones de fondo nos acercaremos a unos códigos morales propios de la amistad que son accidentalmente traicionados para, una vez la sinceridad hace aparición y provoca el caos y el enfriamiento, volver a ser traicionados esta vez voluntariamente. Vale si al menos Garrel hubiera conseguido enganchar con estos personajes tan extravagantes y marginales con el ingenio y el talento suficientes como para convertir en natural lo que parece pura impostura, algo forzado. Afortunadamente el director acierta en el ritmo que impregna a una cinta que alcanza escasa profundidad en sus postulados y rechina en más de una ocasión, aunque al menos entretiene. Por otro lado se le agradece al guión, escrito también por el director en colaboración con Christophe Honoré, quien lo ha dirigido en varias ocasiones, como Mi madre junto a Isabelle Huppert, que cierre suficientes líneas de información como para justificar las reacciones que tienen y provocan sus personajes. Otro factor a tener en cuenta es la música del clásico Philippe Sarde, al que le debemos partituras como Tess o Las cosas de la vida, y que firma un trabajo discreto, contenido y exquisito.

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MIA MADRE

Italia-Francia 2015 106 min.
Dirección Nanni Moretti Guión Nanni Moretti, Francesco Piccolo y Valia Santella Fotografía Arnaldo Catinari Intérpretes Margherita Buy, John Turturro, Giulia Lazzarini, Nanni Moretti, Beatrice Mancini, Stefano Abbati

Cine dentro del cine, nostalgia y el dolor de una pérdida inminente son los principales ingredientes de la nueva tragicomedia de Nanni Moretti, más en la línea de La habitación del hijo que de su anterior y celebrada Habemus Papam. Tragicomedia porque a diferencia de aquel drama sobre la pérdida de un hijo, hay mucho hueco para la comedia y la risa, a cargo casi siempre de un espléndido John Turturro, en este drama más complaciente con una pérdida que deriva no de un capricho del destino sino de la propia naturaleza en sí misma, esa que estamos obligados a respetar y asumir desde que nacemos. Lo efímero de nuestra existencia vivido por una directora de cine, brava Margherita Buy, que filma los grandes problemas de la realidad en la que vivimos, la crisis y la pérdida de derechos sociales, mientras en su vida privada experimenta el drama de la enfermedad y muerte del ser más querido, la madre. Temas importantes como la esclavitud laboral – unos claman por trabajo, otros lo abandonan para disfrutar más y mejor de su intimidad – y la recapitulación de toda una vida en relación a quien se va para siempre, se combinan en un ejercicio de madurez expresiva y cinematográfica encomiable con el rodaje de una película en la que se valora la relevancia de la estrella (la directora repite en varias ocasiones que no quiere ver sólo al personaje sino también al intérprete) y se aprovecha para hacer un ejercicio de nostalgia en la que Kubrick, Bogart, Fellini y Rossellini se dan la mano con el Bevete piú latte de Nino Rota. Todo ello rodado con gusto, elegancia y una emotividad a flor de piel no apta para espíritus muy sensibles. En definitiva, una oda ilustrada con la música elegíaca de Arvo Pärt, a quien ha ofrecido toda una vida al afecto y la sabiduría, y que cuando se prepara para la partida definitiva aún piensa en mañana.

Artículo publicado en El Correo de Andalucía

RAMS (EL VALLE DE LOS CARNEROS) (Hrútar)
Islandia 2015 93 min.
Guión y dirección Grímur Häkonarson Fotografía Sturla Brandth Grøvlen Música Ätli Orvarsson Intérpretes Sigurdur Sigurjónsson, Theodór Júliusson, Chalotte Bøving, Jon Benonysson

Muy reconocido en los circuitos festivaleros, el joven realizador Grïmur Häkonarson nos ofrece una singular película con la que se ha alzado con los premios Un Certain Regard en Cannes y Espiga de Oro en Valladolid. En ella cuenta las desventuras de dos huraños hermanos que no se hablan desde hace mucho tiempo pero que comparten oficio y pasión, el cuidado de sus rebaños de carneros. Cuando llegado un momento de crisis tengan que unir fuerzas y apoyarse mutuamente, irán surgiendo desavenencias que pondrán en tela de juicio los instintos más primitivos. El acierto de la cinta reside en mostrar una comunidad y un espacio natural en el que todas las necesidades son muy básicas y sencillas, lo que no será obstáculo para que a la hora de la verdad los sentimientos y comportamientos sean los mismos que se originan en cualquier tipo de sociedad, sofisticada o no, así como en cualquier espacio y tiempo. Envididas, rencores, enfrentamientos que ni siquiera la palabra y el buen entendimiento pueden resolver, sencillamente porque somos tan brutos e irracionales que preferimos apelar a la vanidad y el orgullo antes que buscar soluciones a lo que verdaderamente importa, el afecto, el respeto y el cariño. Paisajes nevados y majestuosos sirven de escenario a esta historia de pastores rudos, corpulentos y barbudos que protegen un estilo de vida y una tradición en grave peligro de extinción. Su estilo seco y austero y su ritmo pausado pueden dificultar la empatía con los acontecimientos, pero merece darle una oportunidad al menos como producto exótico y diferente.

Artículo publicado en El Correo de Andalucía

ORQUESTA BARROCA DE SEVILLA Y PROYECTO ATALAYA: DISFRACES CATEDRALICIOS

Proyecto Atalaya 2015. Orquesta Barroca de Sevilla. Julia Doyle, soprano. Enrico Onofri, director. Programa: Astro Nuevo: En torno a Rabassa (Obras de Vicente Basset, Pedro Rabassa, Juan Manuel González Gaitán, Juan Pascual Valdivia y Antonio Ripa). Iglesia de la Anunciación, miércoles 4 de noviembre de 2015

Preciosa portada cortesía de la Fundación
Focus-Abengoa

Sale ahora a la luz el magnífico disco que la Orquesta Barroca de Sevilla grabó en noviembre de 2012 en torno a la música de Antonio Ripa, que fuera maestro de capilla de la Catedral Hispalense. Una grabación que siguió inmediatamente al concierto que por primera vez en doscientos años presentó su música en este mismo escenario, dentro del ambicioso Proyecto Atalaya auspiciado por la extensión cultural de la Universidad. En aquella ocasión, como en tantas otras posteriores en las que hemos escuchado música en tan magnífico templo, la afición se ha quejado no sin razón de las malas condiciones acústicas del recinto, más perceptibles conforme nos alejamos del escenario, hasta el punto de que más allá de la cuarta fila la música parecía proceder de una estancia contigua. Por fin el inconveniente se ha paliado con la instalación de una concha acústica que ayuda a mantener un poco más concentrado el sonido, sin bien desde nuestra posición privilegiada en primera fila apenas conseguimos comprobar algunas mejorías. Lástima que la solución práctica atentara a la estética, lo que una vez más nos hace plantearnos el porqué de la insistencia de la Universidad por celebrar estos conciertos en este lugar, por otro lado emblemático, cuando dispone de recintos mejor equipados y acondicionados.

En cuanto a la conveniencia de rescatar las músicas a menudo perdidas, o archivadas sine die en bibliotecas y templos repartidos por la geografía española, no cabe duda de que la práctica merece ser aplaudida. En muchos de estos casos debemos la rehabilitación de este patrimonio al musicólogo Juan María Suárez Martos, consciente de que la memoria cultural de nuestro pueblo bebe indefectiblemente de la música que sonó en cada momento, y muy especialmente de la que se compuso al amparo de las corrientes procedentes de nuestro acervo histórico y del entorno geográfico que nos circundaba, muy especialmente las que provenían de la siempre creativa Italia. Hace muy bien la Barroca en recuperar estas partituras y ofrecerlas en las mejores condiciones posibles, y comprendemos que con fines comerciales basen casi exclusivamente su producción discográfica en estos maestros olvidados y raramente grabados. Pero constatamos también la necesidad de disfrutar de nuestra orquesta en repertorios más populares e incluso trillados, que permitan calibrar su excelencia en comparación y equiparación con otros conjuntos de fama internacional. Sin duda es estupendo contar con los medios y recursos para recuperar este patrimonio cultural de la ciudad, pero sin olvidar ese otro repertorio que ha sido bendecido a lo largo de los años con el tan codiciado calificativo de lo magistral.

Julia Doyle

Enrico Onofri es de todas las batutas que han pasado por la Barroca la que más se ha implicado en el Proyecto Atalaya. Sin ir más lejos, los conciertos y grabaciones de la música que Pedro Rabassa y Antonio Ripa compusieron para la Catedral de Sevilla se deben a su dirección. La propuesta de este año ha sido ampliar el catálogo de estos dos compositores y contextualizarlos junto a otros que trabajaron en la misma época, segunda mitad del S. XVIII. Para ello el maestro italiano extrajo de la orquesta un sonido a menudo ampuloso y solemne, sin olvidar las afectaciones y maniqueísmos que a menudo caracterizan su estilo y que contribuyen a dar al conjunto un aire pomposo pero agradable, en este caso además muy adecuado. En sus solos al violín Onofri desplegó su habitual destreza y energía sin traicionar su sonido sedoso, nada crispado, puede que incluso algo almibarado. Lástima que la intervención de las trompas en la cantada Eternamente triste de Juan Manuel González Gaitán, maestro de capilla de la Catedral de Córdoba, no estuviera al mismo nivel que el resto de los instrumentos; seguramente la Barroca debería programar más música con intervención de metales, darles así más juego y más ocasión para ir depurando su rendimiento. La soprano inglesa Julia Doyle desplegó un canto lleno de dulzura y contención, sólo alterado por ocasionales sobreagudos, manteniendo un registro homogéneo, sutil y muy atento a los matices y la declamación. Triunfó en el bellísimo villancico Corred, corred pastores de Rabassa y en la sobria y hermosa lamentación de Ripa, en un programa que reunió también a Vicente Basset, cuya pompa justificó la influencia de maestros como Farinelli, y Juan Pascual Valdivia, maestro de capilla de la Colegiata de Olivares. Una oferta que evidenció cómo estos ingeniosos músicos disfrazaron de música sacra, a través fundamentalmente de los textos, obras de indudable sabor profano muy deudoras de las influencias importadas de Francia, Alemania e Italia, aunque en ese momento en aquellos países ya estuviera sonando otra cosa; otro factor que demuestra lo importante que es recuperar, estudiar y analizar estas singulares e imperecederas obras.