SPIDER-MAN: HOMECOMING Superhéroes americanos, peligro a la vista

USA 2017 133 min.
Dirección Jon Watts Guión John Francis Daley, Jonathan Goldstein, Christopher Ford, Chris McKenna, Jon Watts y Erik Sommers, según los personajes creados por Stan Lee Steve Ditko Fotografía Salvatore Totino Música Michael Giacchino Intérpretes Tom Holland, Robert Downey jr., Michael Keaton, Jacob Batalon, Marisa Tomei, Zendaya, Jon Fravreau, Laura Harrier, Tony Revolori, Angourice Rice, Tyne Daly, Gwyneth Paltrow Estreno en Estados Unidos 7 julio 2017; en España 28 julio 2017

El nuevo Spider-Man existe como un eslabón más de la ya larga serie de Los vengadores, en sus vertientes comunes, individuales o unos contra otros, por lo que promete dar aún mucha más guerra. Lo cierto es que tras la trilogía dirigida por Sam Raimi y protagonizada por Tobey Maguire, que aparte de lo soso que es la criatura, tenía su gracia, y las dos malogradas incursiones de Andrew Garfield en el rol, la reaparición del hombre araña en la piel del jovencísimo Tom Holland (Lo imposible), que ya se estrenó con el traje en Capitán América: Civil War, tiene un enfoque divertido. Su edad le lleva más del lado de las inseguridades propias de la adolescencia, los primeros amores (con una compañera de color) y las amistades frikis (con un compañero de instituto, indígena hawaiano), y por extensión más distendido y simpático que los héroes más trágicos y traumatizados que puso de moda Christopher Nolan. Aunque el verdadero acierto del tono de la película del poco o casi nada conocido Jon Watts (Clown y Coche policial son sus discretos créditos), que aquí se limita a poner el piloto automático, es remontarse a los tiempos de Superman de Richard Donner, que sigue siendo para muchos aún hoy el mejor film sobre superhéroes, el más divertido y atractivo de todos. La diferencia es que entonces nos contaban la historia por primera vez y ahora ya nos la han contado demasiadas. De nuevo toda una pandilla de guionistas para poner en pie algo tan endeble y poco original como esto, salvado gracias al carisma de sus protagonistas y los espectaculares aunque a estas alturas poco impresionantes efectos visuales. La corrección política apuntada en los amores y amistades del joven señuelo, ese Michael Keaton disfrazado de malvado a lo Birdman, y el sempiterno juego hipócrita de los americanos, denunciando tráfico de armas e inseguridad ciudadana, cuando todo en la ficción y en la vida real lo provoca el propio sistema, son algunas de las particularidades de una cinta que se deja ver sin gran entusiasmo, agota por su larga duración (marca de la casa) y apenas remonta la media de esta cansina saga que a mucha gente sin embargo entusiasma. Todo muy estudiado para contentar a un público infantil y adolescente, con estrella Disney en el reparto incluida (Zendaya), lo que hace que tanta y tan extrema violencia sea aún menos conveniente y censurable. Para este cronista lo mejor es la breve y siempre seductora y elegante aparición de Gwyneth Paltrow.

TANNA La misma historia en otros mundos pero de éste

Australia 2015 104 min.
Dirección Bentley Dean y Martin Butler Guión Bentley Dean, Martin Butler y John Collee Fotografía Bentley Dean Música Antony Partos Intérpretes Mungau Dain, Marie Wawa, Marceline Rofit, Albi Nagia, Lingai Kowia, Mikum Tainakou Estreno en el Festival de Venecia 7 septiembre 2015; en España 28 julio 2017

No hay que ser muy  listo para descubrir en esta exótica película una variación de Romeo y Julieta en una tribu primitiva de la Polinesia del Pacífico, y de paso utilizar su archivisto argumento para ejercer de documentalista en relación a las costumbres y rutina de esta gente sencilla y aparentemente feliz, y al mismo tiempo demostrar que en lo básico no somos muy diferentes, en cuanto a restricción de nuestra libertad, sometimiento a reglas y prejuicios y ruptura de esa delgada linea que separa la paz de la guerra y el amor de la muerte. Pero todo resulta ficticio y sometido a impostura, a pesar de que sus realizadores se hayan curtido en el documental. Tiene mérito que sus protagonistas sean reales, no intérpretes profesionales, a pesar de lo cual utilizan recursos y postureos muy familiares para el gremio de los actores y actrices. Se disfrutan los paisajes y la belleza de sus protagonistas, así como la frescura de la niña que todo lo enreda, pero siempre con la sensación de estar bañado por el barniz de la postal turística, sin mucha verdad de fondo, algo que la traducción al castellano, sea doblada o subtitulada, ayuda también a provocar, habida cuenta de la familiaridad con nuestro mundo occidental de los términos utilizados. Casi un siglo atrás Flaherty (Nanuk, el esquimal) y Murnau (Tabú) consiguieron plasmar mucho mejor la idiosincrasia de estas comunidades primitivas, todavía vigentes en un mundo que creemos conocer suficientemente. Logró, no obstante, el Premio de la Crítica Internacional en la Semana de la Crítica del Festival de Venecia, y colarse en las nominaciones al Oscar a la mejor película de habla no inglesa, quizás para cubrir el hipotético cupo de producciones exóticas a concurso.

50 PRIMAVERAS Sólo ella brilla entre tanto despropósito

Título original: Aurore
Francia 2017 89 min.
Dirección Blandine Lenoir Guión Jean-Luc Gaget, Blandine Lenoir y Océane Michel Fotografía Pierre Milon Música Bertrand Belin Intérpretes Agnès Jaoui, Thibault de Montalembert, Pascale Arbillot, Lou Roy-Lecollinet, Sarah Suco, Philippe Rebbot, Samir Guesni, Eric Viellard Estreno en Francia 26 abril 2017; en España 28 julio 2017

De historias de mujeres que se replantean su vida una vez cumplida cierta edad, entre los cuarenta y cincuenta años, está la historia del cine llena. Recuerdo con especial cariño una de finales del siglo pasado, dirigida por Richard LaGravenese y protagonizada por Holly Hunter, que se titulaba De ahora en adelante y trataba sobre una recién divorciada de la alta sociedad neoyorquina que debe afrontar una nueva vida, quizás encontrar un nuevo amor o sencillamente aprender a disfrutar de ella misma en un mundo en el que la sensualidad no está reñida con la inteligencia. Lo que Blandine Lenoir nos ofrece en esta ocasión es más o menos lo mismo pero con un toque cómico, más bien histriónico, en el que lo único que brilla y se salva es la protagonista, la también realizadora Agnès Jaoui, y el personaje que interpreta. Es el único definido con cariño en un universo en el que sus hijas son endebles, una por estar embarazada y la otra enamorada; su mejor amiga confunde la diversión con la histeria, y las asesoras laborales y sociales son directamente unas mamarrachas. Así las cosas, en su vocación de secundarios, los hombres tienen mejor suerte, son menos disparatados y un poco más cerebrales, aunque tampoco sean unos linces. Una serie de desafortunadas situaciones, junto a un par de ellas más trabajadas y logradas, malogran un film en el que su intachable protagonista se mueve al son que le canta un guión torpe y desorientado. No hay manual de autoayuda en esta cinta que ni siquiera consigue celebrar la feminidad y que exaspera en más de una de sus propuestas. Además, los franceses no suelen ser muy graciosos, y esta fallida película lo demuestra. Lamentablemente aquel film de 1998 fue un fracaso y casi nadie lo vio, y éste, mejor distribuido en circuitos intelectuales y reclamo de mujeres en esa edad o mayores, presuntamente hará su agosto.

LES CORDES BASSES: EN LA CUERDA GRAVE

18ª edición Noches en los Jardines del Alcázar. Les Cordes Basses: José María Ferrer, viola. Trino Zurita, violonchelo. Francisco Lobo, contrabajo. Programa: Partie a tre, de Michael Kirsten; Divertimento en Mi bemol mayor, de Michael Haydn; Trío Op. 38 No. 1, de Bernhard Romberg. Miércoles 26 julio 2017

A la izquierda Luis Miguel Díaz,
que tocará la viola el 16 de agosto

Otra demostración clara del buen nivel alcanzado por nuestros músicos es el conjunto Les Cordes Basses, una original formación de cuerda grave que da salida de forma profesional y aseada a los trabajos, aún escasos, compuestos a lo largo de la historia para tal combinación de instrumentos. Esta vez se presentaron con un programa titulado Bellezas ocultas, como aquella infame película protagonizada por Will Smith cuyo original era Collateral Beauty; algo curioso porque los autores convocados se caracterizan por ser colaterales a otros contemporáneos mucho más reconocidos. Caso evidente el de Michael Haydn, hermano más joven de Franz Josef, o Romberg, virtuoso del violonchelo que llegó a despreciar a su amigo Beethoven en varias ocasiones en que éste quiso dedicarle composiciones suyas. 

Interpretados en orden cronológico, los tres músicos andaluces comenzaron el recorrido con el muy desconocido Michael Kirsten, de quien eligieron una Suite barroca al más puro estilo galante francés. Zurita es gran conocedor del barroco, clásico y romántico y supo adaptarse con facilidad a cada uno, atacando esta primera pieza con un espíritu austero, desplegando con agilidad y facilidad, como sus compañeros, los acordes más agitados, mientras acusó cierta inseguridad y endeblez en los lentos y sostenidos, como la introducción y una chacona que sonó destemplada en todos sus resortes y niveles. Más velado que los dos instrumentos más graves, Luis Miguel Díaz extrajo de su viola sonidos aterciopelados en un tono siempre amable y homogéneo. El Divertimento en forma de trío de Haydn (también los compuso en cuarteto), casi una broma musical, permitió al trío desplegar agilidades y brillar en los acordes breves y muy medidos de su particular gramática, evidenciando su generoso sentido del humor y combinando colores con un elegante toque de originalidad.

Romberg fue más influyente en su época como violonchelista que como compositor, a pesar de que su música rebosa encanto y elegancia. Su estética eminentemente romántica se hizo patente con el sonido expansivo y moderadamente apasionado de Zurita, justa muestra de respeto y admiración por un autor que promovió grandes progresos en el instrumento. La condición jazzística de Francisco Lobo, que nos brindó interesantes locuciones, se tradujo en sus propios arreglos del Tema de amor de Cinema Paradiso, atribuido a Andrea Morricone, si bien lleva el sello del autor del resto de la banda sonora, su padre Ennio. Una pieza de arrebatado lirismo que puso fin como propina a un concierto en el que quedó clara la pasión de los intérpretes por aquello que mejor saben hacer y han convertido en motor de su vida.

Artículo publicado en El Correo de Andalucía

DUNKERQUE Sacrificio heroico por tierra, mar y aire

Título original: Dunkirk
USA-Reino Unido-Francia-Holanda 2017 106 min.
Guión y dirección Christopher Nolan Fotografía Hoyte Van Hoytema Música Hans Zimmer Intérpretes Fionn Whitehead, Aneurin Barnard, Kenneth Branagh, James D’Arcy, Mark Rylance, Barry Keoghan, Tom Glynn-Carney, Cillian Murphy, Tom Hardy, Jack Lowden Estreno simultáneo en Estados Unidos y España 21 julio 2017

Ha llegado con toda su artillería y fuerza mediática y ha conquistado tanto a seguidores como detractores de su polémico director, promotor de artilugios tan sofisticados y a menudo caprichosos como Memento, Origen e Interstellar, además de responsable de la actual visión del superhéroe de cómic como personaje trágico y atormentado, gracias a Batman, el caballero oscuro al que ha dado vida Christian Bale en tres espectaculares superproducciones. Con su recreación del infierno vivido en las playas de Dunkerque por los ejércitos aliados, predominantemente británicos, ante el imparable avance de las tropas alemanas en mayo de 1940, Nolan da un inesperado giro en su filmografía, abandonando provisionalmente el cine fantástico para adentrarse en el histórico, con resultados satisfactorios aunque haya cuestiones en su planteamiento que puedan conducir al debate y la confrontación. Durante una semana debió vivirse en aquellas playas convertidas en ratonera, lo más parecido a un calvario al que Nolan ha querido acercarse potenciando luz y sonido a través de la excelente fotografía de inspiración vintage del suizo Hoyte Van Hoytema y la obsesiva y contundente música de Hans Zimmer, que aquí monopoliza junto a bombas y disparos el sonido ambiente, machacón y agobiante de la película. Nolan vuelve a jugar con el factor tiempo, algo que se manifiesta incluso en el ritmo de Zimmer, estructurando la narración en tres tiempos, una semana para los soldados que esperaron a ser evacuados mediante la operación Dinamo del 26 de mayo al 4 de junio de 1940, un día para los civiles que acudieron a su ayuda desde las costas británicas, y una hora para los pilotos de la RAF que a bordo de sus flamantes Spitfire aliviaron el ataque alemán lo suficiente para dar algo de tregua a las tropas acosadas. Unos meros apuntes en el guión informan sobre las intenciones de Churchill y las equivocadas decisiones de los mandos nazis, mientras sus personajes se mueven a su vez en tres historias, logrando de su reparto un trabajo excelente que dota de mayor credibilidad a un conjunto cuyo motor es provocar ese ánimo aterrorizado de quien sufre el ataque de un enemigo invisible, alemanes a los que no avistamos pero sí tememos. Todo ello en un apabullante espectáculo, una experiencia sensorial de moderada duración, que busca introducir al espectador en el eje del huracán, en la vorágine de una situación desesperada y de máxima ansiedad, sin que el director haya sucumbido a emular los logros experimentados en el reciente cine bélico desde Salvar al soldado Ryan de Spielberg a la cinta de Mel Gibson, Hasta el último hombre. Su consigna sigue parámetros clásicos que rememoran el cine bélico de aventuras que acaparó las pantallas de los años cincuenta y sesenta, y de los que bebieron otras aproximaciones a la tragedia, como la británica Dunquerque de 1958 y la italiana De Dunquerque a la victoria, ya a finales de los setenta pero con ese mismo espíritu épico heroico en su planteamiento. Nolan añade el componente antibelicista y trágico que aquellas producciones obviaban, llegando a su punto culminante en uno de los episodios que transcurren a bordo de la embarcación de recreo que capitanea el personaje magistralmente interpretado por Mark Rylance. Un emotivo homenaje a la población civil, palpable en el uso recurrente en la banda sonora de Nimrod, la más famosa de las Variaciones Enigma de Elgar, y una lúcida forma de representar cómo una situación de fracaso se puede convertir en heroicidad y puerta hacia la victoria, completan esta valiosa producción, una apuesta de este mago de la prestidigitación por el pasado, en lugar del futuro o el presente distópico a los que nos tiene acostumbrados.

ASUNTOS DE FAMILIA Roles permanentes

Título original: Omor shakhsiya
Israel 2017 90 min.
Guión y dirección Maha Haj Fotografía Elad Debi Música Habib Shadah Intérpretes Mahmoud Shawahdeh, Sana Shawahdeh, Ziad Bakri, Doraid Liddawi, Maisa Abd Elhadi, Amer Hlehel, Hanan Hillo, Jihan Dermelkonian Estreno en el Festival de Cannes 12 mayo 2016

No parece haber encontrado mucha distribución esta película israelí tras su paso por numerosos festivales, entre los que destaca Cannes, donde recibió su puesta de largo. Y no deja de resultar sorprendente, pues se trata de una cinta estimable y disfrutable a pesar de sus deficiencias. La realizadora Maha Haj se centra en las vicisitudes de una familia media israelí con la particularidad de que sus miembros se encuentran desperdigados por varios espacios, entre Jerusalén, Ramala (en Palestina) y Estocolmo. El eje son las relaciones entre pareja, y la clave mostrar el estado aparentemente desequilibrado de unas mujeres, que no es sino el resultado de una sociedad eminentemente patriarcal y machista en la que el hombre está acostumbrado a hacer lo que le viene en gana y utilizar a la mujer a su antojo, sea como diversión o como criada. Estructurada a fuerza de sketches y vaivienes entre unas historias y otras, naturalmente entrecruzadas, falla en ritmo, inconstante y a veces bloqueado, y en el seguimiento de las historias, alguna tan abruptamente abandonada como la del palestino llamado a convertirse en estrella del cine. Naturalmente la sombra del eterno conflicto en Cisjordania tiene una enorme incidencia, generando uno de los episodios más delirantes de la película, cuando una crisis de pareja provoca poco menos que un conflicto de sospecha terrorista. En general puede decirse que la cinta entretiene planteando situaciones creíbles y de considerable ternura, sin que para ello la realizadora ni su equipo fuercen la maquinaria, y utilizando la sutileza como arma y el ingenio como estrategia de guión.

SIERANEVADA La inercia que impide avanzar

Reseña de la película, estrenada en el XIII Festival de Cine Europeo de Sevilla el 7 de noviembre de 2016. Estreno en España el 21 de julio 2017