Gran Teatro del Liceo, jueves 2 de noviembre de 2023
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| Lesca, Bullock y Walker |
Aunque no sea ni mucho menos el título más popular de cuantos integran la nutrida programación de esta temporada del histórico coliseo de Barcelona, entre otras cosas porque apenas hace un año que se terminó su composición, no cabe duda de que es una de las más importantes apuestas del teatro en mucho tiempo, por su participación en la producción y por la presencia del propio autor en el podio del director, un privilegio y un honor que el Liceo no disfrutaba desde tiempos muy pretéritos y que añaden prestigio a su ya exitoso y longevo currículo. Antony y Cleopatra, con libreto del propio autor inspirado en la tragedia shakesperiana y pasajes de diversos autores clásicos incorporados a su compleja dramaturgia, es el nuevo título operístico de un autor a menudo preocupado por fijar en su obra las grandes preocupaciones contemporáneas. Personajes que hicieron historia para bien o para mal en Nixon en China o Doctor Atomic, o acontecimientos que marcaron un punto de inflexión en la historia, como el secuestro del Achille Lauro en La muerte de Klinghoffer, precedieron a esta Antonio y Cleopatra que aprovecha los vaivenes románticos de la célebre pareja para marcar el fin de una era protagonizada por las intrigas de poder que hicieron agonizar la libertad del pueblo, tal como hoy la vemos amenazada con el auge de los regímenes extremistas y los conflictos bélicos que ponen en peligro nuestro equilibrio y estabilidad.
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| Paul Appleby |
En este contexto, y apartándose de la línea más habitual de la lírica norteamericana, que ve en la literatura, el teatro y el cine su inspiración en lugar de en el devenir de la historia, con autores como Bernard Herrmann (
Cumbres borrascosas), Kevin Puts (
Las horas), Jake Heggie (
Dead Man Walking) o el mismo André Previn (
Un tranvía llamado Deseo),
Adams sigue sin embargo la línea compositiva que caracteriza a algunos de los autores mencionados, y que hunde sus raíces en un estilo empuñado por y asociado a Leonard Bernstein. Su música por lo tanto sigue erigiéndose sobre la tonalidad, con destellos de disonancias e inflexiones propias de la literatura musical del pasado siglo. Es más, con este título certifica
cierto retroceso e instinto de conservación, ofreciendo una partitura quizás demasiado convencional, aunque sea dentro de un catálogo que, como casi todo en el arte estadounidense, ha apostado casi siempre por la respuesta positiva del público. No se trata sin embargo de una partitura desdeñable; mantiene un sentido de la tensión y de la responsabilidad dramática encomiables, con
pasajes trágicos y sobrecogedores, sobre todo en los enérgicos interludios, alguno con confesas reminiscencias wagnerianas.
El propio Adams, al frente de la Orquesta Sinfónica del Gran Teatre del Liceu, y haciendo gala de su experiencia como director de orquesta, exprimió las posibilidades del conjunto, extrayendo de él toda esa furia, inquietud latente y trágica inercia que acumula su música, sin olvidar los
pasajes líricos que también surgen de manera intermitente.
Un excelente montaje y un elenco responsable
Pero fue quizás la puesta en escena lo más audaz, complejo y exquisito de esta coproducción con el Metropolitan y la Ópera de San Francisco que la encargó para celebrar su primer centenario y la estrenó hace justo un año. Elkhanah Pulitzer se ha esmerado para lograr que sus continuos cambios de escenario se sucedan con tanta agilidad y acierto, gracias a unos paneles oscuros que se abren y cierran de forma calculada para ir dejando entrever cada una de las escenas que componen su compleja dramaturgia. Ventanas abiertas a la derecha, a la izquierda, en el centro, arriba, abajo o de par en par, a veces replegadas para formar paredes que recuerdan a las pirámides, y siempre bajo el influjo del cine americano de los treinta del pasado siglo, que tanto gustaba de plantear estas historias de amores y traiciones. Unos focos y unas cámaras en determinados momentos de la función, un vestuario que combina el glamour de los treinta con los complementos históricos romanos y egipcios, y determinados elementos de atrezzo justifican así la incorporación de unos videos de la época, convenientemente intervenidos, demostrando cómo la historia se repite y siempre somos vulnerables y estamos expuestos y expuestas al auge del totalitarismo y la opresión. Sin duda un fascinante trabajo escénico apoyado en movimientos de personajes y masas estupendamente resueltos a nivel teatral, y una iluminación que potenció todo ese alarde escenográfico. Como curiosidad, cabe destacar en el equipo técnico la nueva figura de la directora de intimidad, encargada de velar por la relajación y la convivencia del equipo, libre de abusos y situaciones no deseables, que recayó en una especialista en el tema, Ita O’Brien.
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| John Adams, el segundo por la izquierda |
En cuanto a las voces, no es ésta ni ninguna de las anteriores óperas de Adams, un vehículo para el lucimiento personal, manteniéndose en
un nivel de frecuente recitativo y discretas modulaciones de la voz, sometida a humildes inflexiones y cambios de registro. Sin embargo, cada uno de los numerosos personajes tuvo su oportunidad.
Julia Bullock tuvo que escarbar en los registros más graves y oscuros de su amplia tesitura de soprano, sobre todo a la hora de enfrentarse a pasajes tan difíciles como el del suicidio final.
Gerald Finley, que en diciembre ofrecerá un recital en Les Arts de Valencia, se apoyó por el contrario en los
registros más agudos de su voz baritonil para componer un Marco Antonio dividido entre el honor y la fuerza y su lado más romántico.
Sobresaliente fue la participación del bajo Afred Walker como Enobarbus, muy especialmente en uno de los momentos más líricos y melodiosos de la partitura.
Paul Appleby tuvo que lidiar con la dificultad de proyectar desde lo alto en su difícil discurso ante el pueblo como César, y
la mezzo Adriane Bignani Lesca logró una línea de canto para la que habría que inventar una nueva tesitura, más allá de la de contralto, tan grave y decididamente oscura se mostró su personalísima voz. El resto del elenco, entre quienes se encontraba Marta Infante, tan querida por nuestro público sevillano, cumplió con creces su
compromiso de responsabilidad, mientras las breves pero intensas intervenciones del coro y los movimientos coreografiados de los bailarines, completaron
un elenco esforzado y muy ilusionado.
Artículo publicado en
El Correo de Andalucía
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