EL REGRESO DE ULISES Metódica y reflexiva tragedia griega

Título original: The Return
Reino Unido-Italia-Grecia-Francia 2024 116 min.
Dirección Uberto Pasolini Guion Edward Bond, John Collee y Uberto Pasolini, según “La Odisea” de Homero Fotografía Marius Panduru Música Rachel Portman Intérpretes Ralph Fiennes, Juliette Binoche, Charlie Plummer, Chico Kenzari, Claudio Santamaria, Ángela Molina, Kayne Lee Harrison, Tom Rhys Harries, Amir Wilson, Jamie Andrew Cutler, Moe Bar-El, Aaron Cobham, Jaz Hutchins Estreno en el Festival de Toronto 7 septiembre 2024; en Estados Unidos 6 diciembre 2024; en Italia 30 enero 2025; en Reino Unido 11 abril 2025; en Francia 18 junio 2025; en España 22 agosto 2025

Conde y sobrino de Luchino Visconti, Uberto Pasolini se labró una carrera de éxito como director asistente de películas como La misión y productor de otras como Full Monty. En 2008 dio el salto a la dirección con un considerable reconocimiento de crítica gracias a la cinta Machan, repitiendo gesta con Naturaleza muerta. Pero fue en 2020 con la entrañable Nowhere Special, aquí traducida como Cerca de ti, con la que recibió el reconocimiento definitivo de crítica y público. Ahora nos presenta su cuarta película como director, estrenada de forma escalonada en festivales y países de todo el Mundo, hasta llegar este verano a nuestra cartelera. Se trata de una nueva adaptación de la historia de Ulises, tal como nos la relató Homero en La Ilíada y La Odisea. En concreto, Pasolini extrae su particular revisión del tramo final del segundo de los libros. Homero ha sido llevado al cine en diversas ocasiones, generalmente de forma fragmentaria, en películas como La Ilíada, Troya, Ulises o Helena de Troya, hasta llegar a La Odisea de Andrei Konchalovsky en televisión (1997) y la anunciada versión mastodóntica de Christopher Nolan para el año que viene.

En El regreso de Ulises, o lo que es lo mismo, de Odiseo, el director italiano plantea una revisión austera y de carácter eminentemente teatral, casi como una tragedia griega, rodada en la isla de Corfú, premeditadamente morosa y muy centrada en la interpretación de su multinacional y multirracial elenco artístico, empezando por unos espléndidos Ralph Fiennes y Juliette Binoche, reunidos de nuevo casi cuarenta años después de coincidir en El paciente inglés. Fiennes transformado gracias a un enorme esfuerzo físico en Ulises, lo que le ha permitido lucir físico también en 28 años después, y Binoche exhibiendo su belleza madura y serena como Penélope, mientras Charlie Plummer, reciente protagonista de National Anthem, da vida al hijo de ambos, Telémaco, y Ángela Molina da rienda suelta a un más que aceptable acento inglés como Euriclea, nodriza del rey de Ítaca.

Pasolini pone inteligentemente el acento en la diferente forma de gobernar de hombres y mujeres, la violencia extrema frente a la mesura y la diplomacia, logrando un film estimable que, aunque exige concentración y paciencia por parte del público, provoca tanto estímulo como admiración por estos clásicos a los que el paso de tantos siglos no ha restado actualidad. Y si no basta observar cómo andamos en pleno siglo XXI, todavía gobernados mayoritariamente por hombres ávidos de poder y sedientos de sangre. En el ámbito musical, la ex esposa de Pasolini, Rachel Portman, primera mujer compositora en ganar un Oscar, en ese mismo 1996 de El paciente inglés, por Emma, pone su talento siempre delicado y minucioso al servicio de esta historia trágica y reflexiva.

EL CLUB DEL CRIMEN DE LOS JUEVES Miss Marple en el Hotel Marigold

Título original: The Thursday Murder Club
USA 2025 118 min.
Dirección Chris Columbus Guion Katy Brand y Suzanne Heathcote, según el libro de Richard Osman Fotografía Don Burgess Música Thomas Newman Intérpretes Helen Mirren, Pierce Brosnan, Ben Kingsley, Celia Imrie, Naomi Ackie, Daniel Mays, Henry Lloyd-Hughes, Tom Ellis, Jonathan Pryce, Paul Freeman, Richard E. Grant, David Tennant, Geoff Bell, Ingrid Oliver Estreno en Netflix 28 agosto 2025

Producción estadounidense al más puro estilo británico, basada en una novela de éxito, a su vez primera entrega de una serie de cuatro libros escritos por el comediante y presentador televisivo británico Richard Osman, cuya esposa, Ingrid Oliver, interpreta a la hija del personaje encarnado por la veterana Celia Imrie. Un trabajo que podría convertirse así mismo en una saga cinematográfica si se siguen adaptando los títulos posteriores y su autor se aventura a escribir más. Se trata de las pesquisas detectivescas de un grupo de personas de avanzada edad y estatus económico elevado, tanto como para permitirles habitar en un típico castillo gótico en la campiña inglesa, habilitado como residencia para la tercera edad. Comandados por una ex jefa del M16, Helen Mirren, suerte de Miss Marple adaptada a los nuevos tiempos, que incluso se atreve a emular en clave humorística a La reina (Isabel), y con un desubicado Pierce Brosnan entre los aficionados detectives, se dedican a disfrutar de su tiempo libre intentado resolver casos de crímenes sobreseídos, hasta que una sucesión de asesinatos en la propia residencia se convierte en reto personal y pasatiempo atrevido.

Al timón de esta combinación de Agatha Christie y el Hotel Marigold figura un Chris Columbus alejado de sus éxitos como guionista (Gremlins, Los Goonies, El secreto de la pirámide) y realizador (Solo en casa, Mrs. Doubtfire y las dos primeras entregas de Harry Potter), pero algo mejorado respecto a sus últimos batacazos, Rent, Percy Jackson y el ladrón del rayo y Pixels. No acaba, sin embargo, de inquietar, ni apenas interesar, una trama en exceso artificiosa, con una investigación y una resolución cogida con alfileres y harto convencional, dentro de un ambiente que pretende ser entrañable cuando apenas logra ser edulcorado y ligeramente amable.

Columbus parece dirigir con piloto automático, mientras el elenco se erige en principal reclamo y atractivo, destacando el protagonismo de Mirren, mientras la presencia de Kingsley se antoja prescindible, y otros como Jonathan Pryce, Paul Freeman o Richard E. Grant adornan el conjunto con sus estimables aportaciones. Tambi´ñen funciona la siempre estimulante música de Thomas Newman. Entre los intérpretes más jóvenes destacan Naomi Ackie, a quien hemos visto en Parpadea dos veces, y Tom Ellis, afortunado protagonista de la serie Lucifer. Netflix produce con su particular sello aseado para consumo fácil y nada comprometido de audiencias poco exigentes.

SIN OXÍGENO Salvar una vida

Título original: Last Breath
Reino Unido 2025 93 min.
Dirección Alex Parkinson Guion Alex Parkinson, Mitchell LaFortune y David Brooks Fotografía Nick Matthews Música Paul Leonard-Morgan Intérpretes Woody Harrelson, Simu Liu, Finn Cole, Cliff Curtis, Mark Bonnar, MyAnna Buring, Josef Altin, Bobby Rainsbury, Connor Reed Estreno en Reino Unido 28 febrero 2025; en España 29 agosto 2025

Para su debut en la dirección de ficciones, el documentalista Alex Parkinson ha retomado una historia que ya trató en su formato habitual hace unos años, la del buzo profesional Chris Lemons, que quedó atrapado a 90 metros de profundidad en las gélidas aguas del Mar del Norte cuando se disponía a realizar labores de mantenimiento en las tuberías que nos abastecen de la calidad de vida que disfrutamos. Una increíble historia real que sólo así consigue demostrarnos que los milagros existen, aunque sea como consecuencia de una serie de factores que ni siquiera los científicos más atribulados son capaces de descifrar.

Está claro que la historia debió impactar tanto a Parkinson que ha convertido aquel documental, también titulado Último aliento (aunque aquí esta versión la hayamos traducido por la más específica Sin oxígeno) en un depurado y sencillo trabajo de ficción que mantiene los mismos parámetros de aquella y sufre idénticos despropósitos, como el de alargar en exceso la trama sin aportar más contenido que el estrictamente necesario, lo que hace que la narración resulte morosa y la tensión quede tan repartida que no logre levantar el vuelo en exceso. Una considerable falta de definición de los personajes lastra también sus posibilidades, mientras la ambientación en tierras escocesas y su vocación eminentemente humanista, dan relieve al conjunto. De hecho, lo que más atrae y llama la atención es el retrato de unos seres humanos empeñados en salvar una vida, desde la cápsula de los buzos y desde el barco que la sostenía, dando buena muestra de hasta qué punto vale una vida y merece preservarla, frente a quienes promulgan la idea de hundir barcos que se dediquen a salvar vidas, y quienes consagran la suya a acabar con las de otras miles mediante guerras e invasiones tan cruentas como absolutamente deleznables.

Por otro lado, la sensación de soledad y pérdida del ser humano frente a una inmensidad tan oscura e imprevisible como son los océanos, como ese universo cuyos viajantes tanto reconocimiento reciben, esa sensación de claustrofobia ante lo inabarcable, es otro de los méritos innegables de esta aventura increíble. Como curiosidad, después de protagonizar un éxito de Marvel, Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos, y tras papeles de relleno en películas como Barbie, Simu Liu por fin encuentra otro papel de enjundia. Otra curiosidad reside en que el autor de la banda sonora, Paul-Michael Leonard, también se encargara de la música del documental que le sirve de referencia.

DANGEROUS ANIMALS Una combinación inquietante y retorcida

Australia-USA-Canadá 2025 98 min.
Dirección Sean Byrne Guion Nick Lepard Fotografía Shelley Farthing-Dawe Música Michael Yezerski Intérpretes Hassie Harrison, Jai Courtney, Josh Heuston, Rob Carlton, Ella Newton, Liam Greinke, Michael Goldman Estreno en el Festival de Cannes 17 mayo 2025; en Australia 12 junio 2025; en España 14 agosto 2025

En la escala de animales más mortíferos para el ser humano, los mosquitos ocupan el primer lugar, seguidos del hombre y su inexplicable vocación de autodestrucción. Los tiburones se sitúan en un escalón mucho más abajo, a pesar de lo cual han constituido desde siempre, mucho antes de que Spielberg asolara las playas de medio mundo con el clásico que justo estos días cumple cincuenta años, el mayor de los terrores acuáticos, alimentando pesadillas y dando lugar a una interminable lista de películas, la mayoría olvidables y otras directamente delirantes, en lo que se ha venido a llamar Sharksplotation. Paralelamente, son muchas también las películas que ilustran las andanzas de los asesinos en serie, desde El estrangulador de Boston que protagonizó Tony Curtis a El silencio de los corderos, pasando por El fotógrafo del pánico, con la que esta película guarda alguna que otra semejanza.

La hábil combinación de ambos géneros, masivamente abusados desde hace un buen puñado de años, convierte a esta película en un suculento manjar para quienes buscan nuevas experiencias, servidas de la manera más honesta posible, y haciendo de sus discretos recursos una virtud, pues logra un mayor realismo del que nos tienen acostumbrados este tipo de propuestas. Yendo aún más allá, el director Sean Byrne, con apenas tres películas en quince años, siempre de terror, introduce en el combinado otro ingrediente, una apasionada historia de amor en la que el más cruento sacrificio vale para demostrar la afinidad sentimental más sincera. Un espléndido trabajo de fotografía, sacando el máximo provecho a unas sensacionales localizaciones, de la espectacular City of Gold Coast de Queensland a la mítica Gran Barrera del Coral australiana, añade atractivo a una cinta en la que sus protagonistas de empeñan a fondo, desde un oportunamente desatado Jai Courtney (danza ritual incluida, al ritmo de los Creedance, en la línea del clásico de Jonathan Demme), único rostro conocido del elenco (Terminator Genesis) a una estupenda Hassie Harrison haciendo de la rabia y la voluntad su principal arma de supervivencia, y su enamorado Josh Heuston, añadiendo atractivo al conjunto con sus imponentes físicos.

Ideal para estas fechas veraniegas, así como para pasar ese mal rato masoquista que buscan quienes se acercan a verla, llegó a estrenarse en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes, señal de que tiene estilo, el que le ha insuflado con considerables dosis de personalidad su director y el resto del elenco técnico y artístico que le acompaña, empezando por un guion inteligente y bien estructurado, a pesar de que no prescinde de los tópicos habituales, visión perfecta bajo el mar (y de noche), respiración aguantada hasta límites imposibles o luchas encarnizadas que apenas dejan secuelas. Nos viene a la cabeza aquella Calma total de los ochenta que hoy consideramos un clásico, así como el descubrimiento de Nicole Kidman, para aventurar que quizás con el paso de los años ésta también pueda convertirse en cinta de culto.

LA COLECCIONISTA Otra buena idea mal desarrollada

España 2025 96 min.
Dirección Manuel Sanabria Guion Manuel Sanabria y Óscar Gómez Chacón Fotografía Carlos Pérez Gascó Música Pablo García Lozano Intérpretes Maggie Civantos, Daniel Grao, Canco Rodríguez, Belén López, Paco Tous, Assumpta Serna, Roman Rymar, Sua Esperantza, Ibai Atanes, Lander Otaola, J.C. Gurrutxaga, Kandido Uranga Estreno 22 agosto 2025

Otro ejemplo de cine español de terror que parte de una idea interesante, aunque ésta sólo alcance a revelarse cuando apenas quedan unos minutos para concluir la función, pero carece de un desarrollo suficientemente coherente que provoque la inquietud que pretende. Poco o nada sabíamos de su, sin embargo, veterano realizador, que ha cultivado la comedia en el cine (Sinfín, La fiesta, Hotel Bitcom) y otros géneros, incluida la intriga, en la televisión, donde ha protagonizado una carrera más fecunda.

La eternamente desaprovechada Belén López pone carne y huesos a la coleccionista del título, una suerte de hechicera que regala objetos cargados de simbolismo, capaces de provocar situaciones tan surrealistas que parecen pesadillas. A partir de aquí, su montaje en paralelo, yendo de una historia a otra, la de una mujer traumatizada por la pérdida de un hijo y la de un hombre consumido por las drogas, así como la acumulación de golpes de efecto y sonido, malogran sus posibilidades. Poco o nada ayudan las pesadillas que propone, rodadas con tal sentido de la fantasía que apenas logran sintonizar con un público que asiste atónito y con progresiva falta de interés, las andanzas de sus desdichados personajes por un pueblo fantasmagórico en las entrañas del Duero.

Poco se salva así del conjunto, al margen de esa interesante premisa de carácter terapéutica, lastrado también por una banda sonora omnipresente a fuerza de ruidos y jadeos, y con soluciones sonoras que a menudo guardan poca relación con lo que vemos en pantalla, léase por ejemplo viento y frío, poco palpables. Destaca sin embargo el trabajo entregado y casi entusiasta de su elenco, destacando una traumatizada Maggie Civantos, un atormentado Canco Rodríguez y el reencuentro con Assumpta Serna, apenas vista últimamente en películas de contenido catecumenal.

AGÁRRALO COMO PUEDAS Ver para (no) creer

Título original: The Naked Gun
USA 2025 85 min.
Dirección Akiva Schaffer Guion Dan Gregor, Doug Mand y Akiva Schaffer, según los personajes creados por Jim Abrahams, David Zucker y Jerry Zucker Fotografía Brandon Trost Música Lorne Balfe Intérpretes Liam Neeson, Pamela Anderson, Paul Walter Hauser, Danny Huston, CCH Pounder, Kevin Durand, Liza Koshy, Busta Rhymes, Cody Rhodes, Eddie Yu, Michael Beasley Estreno en Estados Unidos 1 agosto 2025; en España 22 agosto 2025

No nos invitaba especialmente el tráiler de esto que llaman reboot a ver la película. Sin embargo, ante la avalancha de críticas positivas, enalteciendo el trabajo de recuperación que han llevado a cabo el actor y showman Seth MacFarlane y el director Akiva Schaffer del éxito de los noventa que crearon el trío Jim Abrahams y los hermanos Zucker cuando uno de ellos probaba incluso con el cine más serio y convencional en películas como Ghost, y destacando también la supuesta reinvención de Liam Neeson como actor de comedia, decidimos comprobar cuáles eran los méritos de esta película que tantos elogios han suscitado. Y una vez más, no damos crédito. Ni de lejos logra ser tan divertida como aquel trío de películas de referencia, que ni son clásicos ni tan estimulantes como hoy se quiere ver, y que a su vez perpetuaron el éxito de otras sagas como Aterriza como puedas, Hot Shots o la película suelta Top Secret.

La imposición puritana de lo políticamente correcto ha rebajado el tono grosero de aquellas cintas y la serie Police Squad, protagonizadas por Leslie Nielsen, lo que por un lado se agradece, si no fuera porque rebaja también su propia comicidad. Con un argumento tan simple como delirante, pretexto absoluto para la sucesión (no tan interminable) de gags, chistes y ocurrencias que, faltaría más, nos hacen reír a veces a carcajadas, Neeson no hace sino perpetuar su carisma como actor de intriga y acción, pero prestándose a situaciones y diálogos escritos a menudo a ¡seis manos! (a los tres guionistas acreditados hay que sumar Mark Hentemann, Alec Sulkin y el propio Seth MacFarlane) que lo convierten de la noche a la mañana en actor de comedia, mientras Pamela Anderson saborea su propia recuperación tras el reconocimiento obtenido con The Last Showgirl, perpetuando a su vez el icono de mujer fatal objeto del deseo.

Secuencias como la del romántico fin de semana en la nieve convertido en pesadilla terrorífica, o la junta de viejos e inocentes accionistas del malvado de turno, redimen en parte a la película de lo que a la postre no deja de ser otro artificio para hacer caja, evidenciando una vez más la sequía de ideas nuevas en la todavía considerada meca del cine. Fallecido Nielsen, cabe destacar el cameo de Priscilla Presley, sumando a las intervenciones esporádicas del rapero Busta Rhymes, el luchador Cody Rhodes o el veterano cómico Al Weird Yankovic, de quien Schaffer dirigió un biopic protagonizado por Daniel Radcliffe hace unos años. Quienes se queden a disfrutar de los títulos de crédito finales, encontrarán en ellos más de un chiste ocurrente.

MATERIALISTAS El precio del amor

Título original: Materialists
USA 2025 109 min.
Guion y dirección Celine Song Fotografía Shabier Kirchner Música Daniel Pemberton Intérpretes Dakota Johnson, Chris Evans, Padro Pascal, Zoe Winters, Marin Ireland, Louisa Jacobson, Dasha Nekrasova, Eddie Cahill, Sawyer Spielberg Estreno en Estados Unidos 13 junio 2025; en España 14 agosto 2025

Después de debutar participando en el guion de la serie de televisión La rueda del tiempo, la directora coreana-canadiense Celine Song saltó a la fama con su debut cinematográfico Vidas pasadas, en la que analizaba las relaciones a tres bandas entre dos jóvenes que fueron amantes en su juventud y que se enfrentaban en Nueva York a sus propias raíces asiáticas y al hecho de que ella hubiera rehecho su vida. Dos años después, Song insiste en el género romántico con otro proyecto muy personal para el que ha contado con el inestimable respaldo de A24, sin duda la productora de moda, aunque lo sea más en el género de terror que en ningún otro.

En Materialistas, una suerte de comedia romántica que se ciñe en la medida de lo posible al género aunque en el fondo no sea tan comedia y sí muy romántica, Dakota Johnson interpreta a una agente casamentera que se debate entre el lujo y la opulencia que le brinda uno de sus pretendientes, el amor puro e incondicional que le ofrece otro, o terminar sus días felizmente soltera e independiente de cualquier atadura sentimental. La originalidad de la propuesta reside en que, a través de su trabajo y las entrevistas que debe realizar para el mismo, conocemos los requisitos y exigencias que solicitan sus clientas y clientes para encontrar eso que denominamos sus medias naranjas. Algo así como un First Dates, aunque tratándose del núcleo de la cultura capitalista, ponen el acento en el poder adquisitivo de las candidaturas. Una agencia, que a diferencia de las aplicaciones digitales, sólo está al alcance de quienes pueden permitírselo, como las operaciones de alargamiento de extremidades. Eso nos lleva a un mundo de lujo y sofisticación, tan afín a este tipo de seudo-comedias, y la vez un regreso a aquel cine de distensión y enajenación que tanto hacía las delicias de un público al que su propia miseria llevaba a aceptar estos cuentos de hadas sin vacilación alguna.

En este contexto, Song nos ofrece una película inteligente y atractiva, en la que sus protagonistas pueden conversar dilatadamente, sin prisas, con fineza y elegancia, sin montajes frenéticos ni aspavientos innecesarios, algo muy de agradecer. Así, encontramos una Dakota Johnson absolutamente deliciosa, en el que quizás sea su mejor trabajo hasta la fecha, mientras Evans y Pascal le dan la réplica perfecta, y Zoe Winters equilibra la balanza con la necesaria dosis de tragedia que provoque la reflexión acerca de un mundo tan frío y a la postre violento como el que se ha asentado desgraciadamente en un país que siempre lo fue, pero ahora lo evidencia más. Sólo podemos reprochar al conjunto la abundancia de canciones, sin duda tan elegantes como el conjunto en sí mismo, pero que dejan clara la exigencia de una productora que, como tantas otras, busca el éxito popular incluso pasando por encima de su directora, a quien consideramos responsable de todos y cada uno de los detalles de un film que, no obstante, mantiene el tono fresco, inteligente, sofisticado y atractivo. Aspectos que se denotan incluso en el empeño de recurrir a referencias cultas dentro del populismo norteamericano, del Nueva York de Woody Allen a los encuadres ocres de Edward Hooper. Como curiosidad, reparamos en Sawyer Spielberg, hijo de Steven, que aparece brevemente interpretando al hermano de Pedro Pascal.