FRANKENSTEIN ¿Monstruo o super héroe?

USA-México 2025 149 min.
Guion y dirección Guillermo del Toro, según el libro de Mary Shelley Fotografía Dan Laustsen Música Alexandre Desplat Intérpretes Oscar Isaac, Jacob Elordi, Mia Goth, Christoph Waltz, Lars Mikkelsen, Felix Kammerer, Ralph Ineson, Charles Dance, David Bradley, Christian Convery Estreno en el Festival de Venecia 30 agosto 2025; en Estados Unidos 17 octubre 2025; en España 24 octubre 2025; en internet (Netflix) 7 noviembre 2025

Treinta años después de que Kenneth Branagh, auspiciado por Francis Ford Coppola y el éxito de su Drácula, presumiera de ofrecernos la versión definitiva y más fiel del relato de Mary Shelley sobre el nuevo Prometeo, Guillermo del Toro retoma para las nuevas generaciones el mito, tomándose algunas licencias, especialmente en el doble punto de vista del relato, la primera mitad desde la óptica del doctor y la segunda de la propia criatura, y sobre todo en el tratamiento físico e intelectual del monstruo, que luce más hermoso que nunca en las facciones y el imponente físico, cicatrices mediante, de Jacob Elordi (Saltburn, Priscilla y próximamente una nueva versión de Cumbres borrascosas). Pero disfruta también de una fuerza descomunal y una capacidad para cicatrizar sus heridas y regenerar sus miembros, que lo convierten directamente en una suerte de súper héroe, tema que del Toro también ha cultivado en Hellboy. Y todo para contar en síntesis la misma historia que incide en la inocencia con la que venimos al mundo y cómo ésta se va degenerando y pervirtiendo ante la fealdad y la maldad de cuanto nos rodea.

Del Toro pone en la empresa un gran esfuerzo estético, logrando un film disfrutable sobre todo por su majestuosa e imponente puesta en escena, aunque en el apartado de efectos visuales parezca que los logros de los últimos veinte años se hayan quedado por el camino. Sólo así se explica que los lobos luzcan tan rudimentarios a nivel digital en aspecto y movimiento. Una recreación de la época que no persigue la fidelidad sino la fantasía, con vestuario colorista e imaginativo, suntuosas estancias de estilos muy diversos y un regusto en la fotografía que al final se convierte en lo más destacado de un film que significativamente entretiene.

Oscar Isaac luce algo desmadrado como Dr. Frankestein, mientras Mia Goth aporta una fría y calculadora belleza, física e intelectual, a su personaje de Elizabeth, signo de los tiempos. El resto, Waltz y Dance sobre todo, aporta categoría, y las gélidas aguas en las que se ambientan el prólogo y el final, belleza y esa pizca de terror que la cinta no persigue, a favor de un factor poético que tampoco logra atesorar en toda su dimensión, ni siquiera con la inspirada y variada banda sonora de Desplat. El hecho de que se haya distribuido de forma limitada en salas, y no precisamente las más aventajadas, a la espera de su estreno en Netflix dentro de dos semanas, resulta un despropósito si lo que más ofrece es esa hermosura estética que merece disfrutarse en una pantalla bien grande.

PINOCHO DE GUILLERMO DEL TORO Inocencia y mortalidad

Título original: Guillermo del Toro's Pinocchio
USA-México-Francia 2022 117 min.
Dirección Guillermo del Toro y Mark Gustafson Guion Guillermo del Toro, Patrick McHale y Matthew Robbins, según la novela de Carlo Collodi Fotografía Frank Passingham Música Alexandre Desplat Voces (en versión original) Ewan McGregor, David Bradley, Gregory Mann, Finn Wolfhard, Cate Blanchett, John Turturro, Ron Perlman, Tim Blake Nelson, Burn Gorman, Christolph Waltz, Tilda Swinton Animación Estreno en Estados Unidos 11 noviembre 2022; en España 25 noviembre 2022; en Netflix 9 diciembre 2022

Desde que Disney fijara su atención en este cuento entre siniestro y juguetón del escritor y periodista italiano del siglo XIX Carlo Collodi, son muchas las adaptaciones que se han hecho del mismo, destacando las de Luigi Comencini para televisión en 1971 y la más reciente de Matteo Garrone de hace tres años. El año que estamos a punto de despedir ha conocido dos nuevas, la que Robert Zemeckis realizó a partir del original de Disney de 1940, que le ha reportado muy malas críticas a pesar de contar con el sello indiscutible de su autor y hallazgos visuales realmente atractivos, y este seudomusical con el que se presenta la visión personal del reputado Guillermo del Toro.

No es la primera vez que Pinocho se somete a las reglas del musical; ya en 1996 otra adaptación contó con partitura de Rachel Portman y canciones de Brian May y Stevie Wonder. Ahora es el espléndido Alexandre Desplat quien se encarga de ilustrar con una de sus bellas composiciones y un ramillete de curiosas aunque nada pegadizas canciones esta nueva incursión en el universo paternofilial de Collodi. Del Toro, en una operación similar a la que unió a Tim Burton con Henry Selick en Pesadilla antes de Navidad y La novia cadáver, se alía con el artesano de la animación Mark Gustafson, en el que es su primer largometraje, para dar vida a este personaje con aspecto desaliñado y diseño premeditadamente tosco, dentro de una galería en el que todos los personajes parecen tallados en madera al más puro estilo de las marionetas de antaño. Es cierto que poco o nada aporta este Pinocho a la galería que le precede, si acaso un mayor hincapié en el concepto de mortalidad y en el carácter sumamente inocente del protagonista, que sin duda se hace querer por su ternura y generosidad. Pero en el camino la película muestra una estética depurada, momentos de encantadora belleza, algunos personajes diseñados con irrefutable buen gusto y ese empeño del director en denunciar de paso los regímenes fascistas o directamente reírse de ellos, como ocurría con el franquismo en El laberinto del fauno y Mussolini en esta película ambientada entre las dos guerras mundiales y con ellas como terrible telón de fondo, donde el parque de atracciones que convertía a los niños en burros se ha sustituido por un campamento de adiestramiento para jóvenes que se convierten en combatientes.

Cuesta posicionarse a favor o en contra de esta sin duda innecesaria enésima adaptación del célebre personaje de madera con nariz prominente, pero de lo que no cabe duda es del esmero y el cariño puesto por su director y el equipo técnico y artístico, así como del acabado formal meticuloso y artesano que a través de la técnica del stop motion logra esta película, con la aportación impagable de un reparto de estrellas poniendo las voces en su versión original.

EL CALLEJÓN DE LAS ALMAS PERDIDAS Artificiosa dualidad entre el hombre y la bestia

Título original: Nightmare Alley
USA 2021 150 min.
Dirección Guillermo del Toro Guion Guillermo del Toro y Kim Morgan, según la novela de William Lindsey Gresham Fotografía Dan Laustsen Música Nathan Johnson Intérpretes Bradley Cooper, Cate Blanchett, Rooney Mara, Toni Collette, Willem Dafoe, Ron Perlman, David Strathairn, Richard Jenkins, Mary Steenburgen, Tim Blake Nelson, Mark Povinelli, Holt McCallany, Jim Beaver, Paul Anderson Estreno en Estados Unidos 17 diciembre 2021; en España 21 enero 2022

No se acierta a saber si la última película de Guillermo del Toro, tras varios años de ausencia en la gran pantalla después del éxito cosechado con La forma del agua, es un remake del título que dirigió Edmund Goulding y protagonizó Tyrone Power un año después de formar equipo de calidad en El filo de la navaja, o por el contrario se trata simplemente de una nueva adaptación de la novela de William Lindsey Gresham en la que también se basaba aquella. Por extensión desconocemos si el hecho de que en esta nueva versión su protagonista mantenga una justificación basada en un dichoso trauma familiar es una cuestión de fidelidad al original o simplemente una licencia del director de El laberinto del fauno tan inoportuna como impertinente. De cualquier modo fue mucho más lúcido Goulding a la hora de prescindir de dicha motivación y justificar el comportamiento de su indecente e inmoral protagonista en un instinto animal de supervivencia y notoriedad basado en una ambición genuina y desmedida que le lleva irrenediablemente a la perdición y a esa perseguida identificación con el monstruo que llevamos supuestamente dentro. Lo cierto es que aquel título en blanco y negro con vocación de serie B y aspecto de cine negro, conseguía mejor que esta revisión penetrar en nuestro subconsciente y reflexionar sobre nuestra frágil naturaleza.

Todo lo que de machista y misógina tenía aquella película de finales de los cuarenta, se mantiene de manera más inconveniente en esta aportación del director mexicano, ambientada a principios de dicha década, cuando Estados Unidos estaba a punto de entrar en la Segunda Guerra Mundial. Le ocurre a este nuevo film del director mexicano lo mismo que a sus celebrados títulos anteriores, que es su incapacidad para analizar y redondear el universo que propone, quedándose más en los aspectos meramente estéticos. Tenemos así una película atractiva por cuanto lo es su reparto multiestelar, de una factura impecable y exquisita, cuidada fotografía y triste ambientación, a la que contribuye la grisácea partitura de Nathan Johnson (Puñales por la espalda) reconvertido en Carter Burwell. Pero naufraga en su cometido de reflejar el proceso de autodestrucción de un alma perdida en la ambición y la falta de escrúpulos, que acaba convirtiéndose en el monstruo que todos tememos llegar a ser algún día.

HISTORIAS DE MIEDO PARA CONTAR EN LA OSCURIDAD y olvidar al salir de ella

Título original: Scary Stories to Tell in the Dark
USA 2019 111 min.
Dirección André Øvredal Guion Dan Hageman, Kevin Hageman, Guillermo del Toro, John August, Marcus Dunstan y Patrick Melton, según el libro de Alvin Schwartz Fotografía Roman Osin Música Marco Beltrami y Anna Drubich Intérpretes Zoe Margaret Colletti, Michael Garza, Austin Zagur, Gabriel Rush, Natalie Ganzhorn, Austin Abrams, Gil Bellows, Dean Norris, Kathleen Pollard, Lorraine Touissaint, Javier Botet Estreno en Estados Unidos y España 9 agosto 2019

No es casualidad que los cuentos que Alvin Schwartz escribió y recopiló en tres volúmenes a lo largo de la década de los ochenta, hayan encontrado eco ahora en esta resurrección generalizada que el cine estadounidense está perpetrando del género de aventuras adolescentes que tanto se prodigó precisamente en aquella época y que ahora ha sido impulsado fundamentalmente a través de la exitosa serie de televisión Stranger Things.

 

Lo que sí resulta decididamente sorprendente es que el guion haya sido escrito entre seis, incluido su productor y principal avalista, Guillermo del Toro, considerando la pobreza extrema de su escritura, con frases de una calidad literaria paupérrima confiadas a jóvenes intérpretes de escasa o nula capacidad para empatizar o inquietar. La idea es refundir varios de estos cuentos en un argumento único que los ensamble al estilo Destino final, con una tendencia a la rutina exacerbante solo salvada por algunos momentos de ingenio creativo, generalmente relacionado con la originalidad de sus criaturas, alguna de ellas interpretada por el imprescindible Javier Botet.

 

No cabe duda de que la cinta es entretenida, pero decididamente pobre en sus planteamientos, su gramática y contenido, a pesar del buen material literario de arranque y una apuesta seria por su puesta en escena y espíritu combativo a través de la ambientación en una época tan convulsa en Estados Unidos como el final de los sesenta del siglo XX, Vietnam, el racismo y Nixon a la cabeza, paradigmas de un terror mucho más preocupante que el que presiden las monstruosas pesadillas de sus endebles protagonistas. Cabía esperar más del realizador de la inquietante aunque tampoco redonda La autopsia de Jane Doe, de origen noruego y con un puñado de películas a sus espaldas en su país, pero al menos podemos agradecerle que no abuse de efectismos ni estridencias baratas.