SEFF 2020, 3ª JORNADA

KAREN Una granja en África

España 2020 65 min.
Dirección María Pérez Sanz Guion María Pérez Sanz y Juan Carlos Egea Fotografía Ion de Sosa Música Christina Rosenvinge Intérpretes Christina Ronsenvinge, Alito Rodgers, Isabelle Stoffel Estreno en el Festival de Sevilla 8 noviembre 2020 (Sección oficial)

La cantante y compositora Christina Rosenvinge se prodiga poquísimo en el cine, a pesar de ofrecer unas más que probadas aptitudes interpretativas y enamorar la pantalla sin reserva alguna. Apenas unos papeles secundarios en películas como Todo es mentira y La pistola de mi hermano integran una filmografía que ahora completa con su papel más emblemático y completo hasta la fecha, el de Karen Blixen, la famosa escritora danesa inmortalizada por Sydney Pollack y Meryl Streep en Memorias de África. En apenas una hora de metraje la directora María Pérez Sanz, autora hace cinco años del documental Malpartida Fluxus Village sobre el museo que Wolf Vostell levantó en pleno paraje extremeño, traza un retrato humano y sentimental de la colona y granjera danesa, conocida en los ambientes literarios como Isak Dinesen. En especial fija su atención en su relación con el criado somalí Farah Aden, a quien da vida con bastante convicción Alito Rodgers. Poco a poco la relación se convierte en espejo de admiración y respeto, de igual a igual, entre una colona y un nativo con el hermoso paisaje del continente paradójicamente agredido y devastado como telón de fondo. Bien es cierto que a pesar de contar con unas interesantes líneas de guion sobre temas como la amistad o el destino, y un trabajo comedido y cálido de la artista madrileña, que exhibe además su espléndida belleza y madurez, su hora de duración se hace pesada merced a un agotamiento prematuro de ideas y cierta parsimonia en el retrato de espacios y situaciones. 

PETITE FILLE Amor infinito 

Francia 2020 85 min.
Fotografía, guion y dirección Sébastien Lifshitz Estreno en el Festival de Berlín 22 febrero 2020; en el Festival de Sevilla 7 noviembre 2020 (Las nuevas olas no ficción)

Sasha nació en cuerpo de niño pero se siente niña y así quiere vivir su efímera vida, como ocurre con millones de personas alrededor del mundo. Su familia, de carácter obrera, se lo pone muy fácil pero no así otros de sus entornos, curiosamente los educativos. De su lucha, y muy particularmente de la de su madre, por conseguir que se respete su voluntad, de la que tanto depende su felicidad y plenitud, trata este documental realizado por el especialista en la materia Sébastien Lifshitz, que alterna ficción (Primer verano) y documental (Los invisibles, Bambi) pero casi siempre tratando temas de identidad sexual y transgénero. No faltarán quienes tilden Petite fille de manipuladora y pornográfica, por mostrar sin tapujos ni remilgos el día a día de esta familia, el sufrimiento de esta niña cuyos ojos se empapan de lágrimas cuando entiende el incomprensiblemente duro camino que le queda por recorrer, y sin embargo creemos que productos como éste siguen siendo muy necesarios, y que la familia ha demostrado una enorme valentía al exponer su caso como espejo en el que reflejarse muchísimos otros casos. Hay sobre todo en la cinta un retrato emocionante del amor incondicional e infinito de una madre, pero suscita también la pregunta de si todo esto no sería tan necesario si no se hubiera siempre delimitado tanto los roles femenino y masculino. Premiada en Gante y Chicago. 

BORRAR EL HISTORIAL Idiotas atrapados por la tecnología 

Título original: Effacer l’historique
Francia 2020 110 min.
Guion y dirección Benoît Delépine y Gustave Kervern Fotografía Hughes Poulain Intérpretes Blanche Gardin, Denis Podalydès, Corinne Masiero, Denis O’Hare, Benoït Poelvoorde, Yolande Moreau, Bouli Lanners, Michel Houellebecq Estreno en el Festival de Berlín 24 febrero 2020; en Francia 26 agosto 2020; en el Festival de Sevilla 8 noviembre 2020 (Sección oficial)

Con el cine de Delépine y Kervern se conecta o no, y si no se hace entonces directamente irrita. Toda su filmografía podría definirse como humor grotesco o comedia absurda, con títulos como Mammuth o la más reciente I Feel Good, y ésta no se queda corta. Tres vecinos de uno de esos barrios en los suburbios de una gran ciudad sufren diversos atropellos a causa de las nuevas tecnologías. Las redes sociales, la telefonía móvil o los seriales de televisión se convierten rápidamente en un enemigo al que enfrentarse. A lo largo de casi dos horas asistimos a una interminable serie de situaciones grotescas y sumamente insípidas de la mano de unos personajes insoportables, hasta que estalla la confrontación y toman caminos aun más disparatados y faltos de gracia. Definitivamente algunas personas no conseguimos conectar con este humor que tantas carcajadas es capaz de arrancar en congéneres. Solo la imagen final del planeta Tierra rodeado de una densa capa de satélites alberga cierta gracia para este cronista, a pesar de lo cual se hizo con el Oso de Plata en Berlín.

SANCHO Y RINCÓN DISFRAZANDO RIGORES

Otoño Barroco de la Asociación de Amigos de la Orquesta Barroca de Sevilla. Juan Sancho, tenor. Miguel Rincón, guitarra barroca. Programa: Tonos humanos de José Marín. Sábado 7 de noviembre de 2020 

El ciclo Otoño Barroco se centró anoche en los tonos humanos, canciones profanas españolas del siglo XVII, de José Marín, conservados curiosamente en Cambridge desde su descubrimiento en una tienda de Londres a finales del siglo XIX. El compositor, cantante y guitarrista madrileño, que trabajó incluso para la corte de Felipe IV, se caracterizó por una enorme ambigüedad que le llevó de vestir hábitos religiosos a cometer atroces crímenes que le condujeron a la cárcel, la tortura y el exilio, de ahí a retomar una vida ejemplar y mientras todo eso ocurría componer bellísimas canciones según poemas de profundo calado emocional, siempre según las pautas y características del tema amoroso. 

Para la ocasión se reunieron dos queridos artistas sevillanos, el tenor Juan Sancho y el especialista en cuerda pulsada Miguel Rincón, últimamente tan ocupado en Suiza que apenas hemos tenido ocasión de disfrutar de su talento. A Sancho todavía lo recordamos por su debut en el Maestranza hace un buen puñado de años de la mano de William Christie y Les Arts Florissants. Desde entonces su trabajo como cantante de ópera especializado en el repertorio barroco se ha ido enriqueciendo y engrosando, de ahí que haya adoptado un estilo muy característico del que no fue capaz del todo de desprenderse en este recital que quizás requería otra línea de canto. No obstante su trabajo resultó extraordinario, de una fluidez proverbial y una capacidad intachable para modular y frasear a discreción, haciendo justicia a las hermosas melodías de Marín, sin olvidar una dicción perfecta que permitió casi en todo momento seguir sin problema los hermosos poemas seleccionados. Es cierto que muchos de estos tonos nos hemos acostumbrado a escucharlos en voces femeninas como las de Mariví Blasco, Raquel Andueza o hace más tiempo Montserrat Figueras, y puede que por ello oírlos ahora en la voz de Juan Sancho resultara chocante, a pesar de que están concebidas para voz masculina, la del propio Marín. 

Sancho hizo desde luego una exhibición de buen gusto, control de la técnica y hermosura en la voz que casó estupendamente con el arte de Rincón para introducir las coplas a partir de piezas de Gaspar Sanz y otros, fundamentalmente jácaras, y glosar en perfecto estilo cada una de las propuestas que Sancho cantó con tanta intensidad y sentimiento, a veces dejando fluir ornamentaciones propias de la ópera, otras atreviéndose con el quejío flamenco. Desde el bellísimo Montes del Tajo hasta el delicadísimo Coraçon que en prisión, Sancho y Rincón sobresalieron en gallardía y donaire, logrando eso tantas veces difícil de captar nuestra atención sin soltarla, con cumbres como el inmarchitable Ojos pues me desdeñáis, de la que Sancho hizo una versión sobrecogedora, y ese Filis no cantes que entona aquello de disfrazando rigores de suavidades, ideal para que estos tiempos de incertidumbre se amortigüen con el talento, la belleza y la delicadeza con que ambos artistas defendieron tan precioso repertorio. Entre bloques de tres tonos cada uno, Rincón tocó unos canarios de Sanz y una jiga de Santiago de Murcia basada en una sonata de Corelli, de forma impecable, técnicamente precisa y perfectamente glosada.

Artículo publicado en El Correo de Andalucía

SEFF 2020, 2ª JORNADA

EL ARTE DE VOLVER Encuentros excesivos

España 2020 91 min.
Guion y dirección Pedro Collantes Fotografía Diego Cabezas Música Yuri Méndez Intérpretes Macarena García, Nacho Sánchez, Ingrid García Jonsson, Mireia Oriol, Luka Peros, Celso Bugallo, Lucía Juárez Estreno en el Festival de Venecia 8 septiembre 2020; en el Festival de Sevilla 7 noviembre 2020 (Historias extraordinarias)

Asistíamos el año pasado por estas mismas fechas al regreso a casa de una joven sevillana después de varios años residiendo en Londres. Lo hacíamos de la mano del debutante Guillermo Rojas y la estupenda Una vez más, con una serie de situaciones marcadas por la fluidez, la naturalidad (a pesar de que en ocasiones los diálogos podían parecer algo impostados) y sobre todo la capacidad de transmitir una emoción pura y cierta complicidad con una problemática generalizada en nuestro país, la falta de oportunidades y de un horizonte cierto para una gran mayoría de jóvenes. También debutante en el largometraje, Pedro Collantes repite operación con una esforzada Macarena García como protagonista. Ella vive en Nueva York, es actriz y vuelve a su casa en Madrid para presentarse a un prometedor casting. A lo largo de una larga, pretenciosa y tediosa jornada tiene toda clase de encuentros muy forzados, algunos impertinentes, otros metafilosóficos y otros directamente vergonzantes, a menudo llevados al extremo de lo permisible o simplemente convincente. Estirada y excesivamente teatralizada, acabamos preguntándonos a dónde conduce tanta impostura y semejante dosis de aburrimiento.

UNA FAMILIA PERFECTAMENTE NORMAL Una situación rara y ambigua 

Título original: En helt almindelig familia

Dinamarca 2020 93 min.
Dirección Malou Reymann Guion Malou Reymann, Maren Louise Käehne y Rune Schjøtt Fotografía Sverre Sørdal Intérpretes Kaya Toft Loholt, Mikkel Boe Følsgaard, Rigmor Ranthe, Neel Rønholt, Hadewych Minis, Peter Zandersen Estreno en el Festival de Rotterdam 27 enero 2020; en Dinamarca 20 febrero 2020; en el Festival de Sevilla 7 noviembre 2020 (Historias extraordinarias)

Conviene disfrutar de esta encantadora y a la vez desconcertante película sin saber mucho a priori de ella, descubrirla como deberíamos tener la oportunidad de hacer con casi todas las películas que vemos. Cuenta una historia efectivamente extraordinaria, edificante y educativa, sin embargo juega en exceso a la ambigüedad y el desconcierto. Se trata ciertamente de una familia con un problema de aceptación puntual, ambientada a finales del pasado siglo o comienzos del presente, con el fútbol y el turismo como principales reclamos de España en el mundo, y con adolescentes asumiendo una nueva etapa de distinta manera. El problema radica cuando la joven protagonista experimenta un rechazo que nadie se atreve a tratar o cuestionarse, cuando a los ojos del espectador parece que se le estén dando las pautas necesarias para comprender cuál es su trauma. Y cuando apenas quedan cinco minutos de función, surge un problema añadido que hace la propuesta aun más inexplicable. Un progenitor toma entonces una decisión a todas luces inadecuada cuando todavía tiene cuestiones sin resolver que atañe al futuro de sus hijas. A pesar de todo se ve con agrado, tiene encanto y suscita debate y controversia, lo que no es poco. Premiada en el Festival de Rotterdam. 

EL PROFESOR DE PERSA El nombre de los asesinados

Título original: Persischstunden

Alemania-Rusia-Bielorusia 2020 127 min. 

Dirección Vadim Perelman Guion Ilja Zofin, según la novela de Wolfgang Kohlhaase “Erfindung einer Sprache” Fotografía Vladislav Opelyants Música Evgueni y Sacha Galperine Intérpretes Nahuel Pérez Biscayart, Lars Eidinger, Jonas Nay, David Schütter, Alexander Beyer, Andreas Hofer, Leonie Benesch Estreno en el Festival de Berlín 22 febrero 2020; en Alemania 24 septiembre 2020; en el Festival de Sevilla 7 noviembre 2020 (Selección EFA)

Los campos de exterminio nazi siguen siendo una fuente de inspiración inagotable, y su capacidad para sorprender parece no tener límites. El director ucraniano Vadim Perelman debutó de la mano del cine americano con Casa de arena y niebla, a la que siguió La vida ante sus ojos. Ahora, con producción fundamentalmente alemana, adapta una novela del prolífico y veterano guionista alemán Wolfgang Kohlhaase en la que un joven judío sobrevive al holocausto durante dos largos y agonizantes años con el miedo pegado a la piel, gracias a un golpe del azar que le coloca en la buena senda para a través del ingenio y la astucia más sorprendentes lograr gozar de ciertos privilegios mientras ve cómo miles y miles de congéneres se ven abocados al exterminio absoluto. Perelman dirige con mano firme, un tratamiento clásico de la imagen y la narrativa y dos espléndidas interpretaciones por parte de Nahuel Pérez Biscayart (120 pulsaciones por minuto), que da vida al astuto y sufriente judío reconvertido en el profesor de persa del título, y Lars Eidinger (Personal Shopper, Próxima) como el ambiguo capitán que lo protege. Pero lo más impactante y conmovedor de la función es que gracias al juego de ingenio que se marca el protagonista acaba aprendiendo el nombre de miles de presos que pone identidad y dignidad a los millones de asesinados del mayor crimen jamás perpetrado por el hombre contra sus semejantes. Mejor montaje en Valladolid.

SEFF 2020, 1ª JORNADA

NOTTURNO La barbarie en viñetas

Italia-Francia-Alemania 2020 100 min.
Fotografía, guion y dirección Gianfranco Rosi Estreno en el Festival de Venecia 8 septiembre 2020; en el Festival de Sevilla 5 noviembre 2020 (Sección Oficial)

Gianfranco Rosi es el chico mimado del documental europeo, después de los éxitos cosechados con Fuego en el mar y Sacro GRA, que le valió el León de Oro en Venecia y el Giraldillo de Plata en Sevilla. También allí se presentó este nuevo trabajo que sigue las pautas narrativas y el estilo de su predecesora. En una serie de sketches intenta plasmar la dureza de la vida en Oriente Medio, plagado de guerras, tragedias, invasiones, desolación y ahora la furia descontrolada del integrismo islámico del Isis y el Daesh. La supervivencia en viñetas que intentan ilustrar el día a día de una población sumida en el terror, el caos y el fanatismo religioso, una rutina construida sobre un polvorín siempre a punto de explotar. Lástima que el ejercicio se muestre algo disperso, a veces más preocupado por la estética y el ritmo atenuado y contemplativo que por el contenido en sí, hasta que una serie de terribles testimonios de niños y niñas supervivientes de la barbarie y la aniquilación ciega cuentan sus experiencias. La propuesta entonces se torna morbosa y casi pornográfica, y ya no hay marcha atrás. Premiada por Unicef y el cine italiano en Venecia. 

ECHO Tierna Navidad 

Título original: Bergmál

Islandia-Francia-Suiza 2019 79 min.
Dirección Rúnar Rúnarsson Guion Rúnar Rúnarsson, Live Hide y Lilja Ósk Snorradöttir Fotografía Sophia Olsson Música Kjartan Sveinsson Estreno en el Festival de Locarno 11 agosto 2019; en Islandia 20 noviembre 2019; en el Festival de Sevilla 6 noviembre 2020 (Selección EFA)

El director de Gorriones traza a través de cincuenta y seis viñetas y una ternura infinita un retrato emotivo de la población de Islandia en ese momento en el que tanto aflora la solidaridad y los buenos sentimientos como es la Navidad. Justo cuando en todo el planeta no se habla de otra cosa que de salvar la campaña navideña, que parece más urgente que salvar vidas, Rúnarsson aboga más por apelar a los sentimientos más solidarios y bienintencionados del ser humano, con una dosis de positivismo y optimismo realmente conmovedor. Así se aplica en sintetizar cuestiones como la drogadicción, el maltrato, la violencia machista, el feminismo, la separación matrimonial, siempre desde un punto de vista tierno, con enfermeras, trabajadores del teléfono de la esperanza, profesorado, padres y madres, nietas, hijos, como protagonistas. Algunos sketches son irrelevantes y solo sirven para completar el puzzle, pero otros cobran vida interior, resultando fácil imaginar todo un argumento alrededor de sus apenas tres minutos de duración, como el de las niñas pianistas. Vida y muerte enmarcadas entre un paisaje montañoso y el infinito mar, que evidencia lo ridículos que somos y lo efímera que es nuestra huella. 

CHARLATAN La incómoda excelencia

República Checa-Irlanda-Eslovaquia-Polonia 2020 118 min.
Dirección Agnieszka Holland Guion Marek Epstein Fotografía Martin Strba Música Antoni Komasa-Lazarkiewicz Intérpretes Ivan Trojan, Juraj Loj, Josef Trojan, Jirí Cerný, Jaroslava Pokorná Estreno en el Festival de Berlín 27 febrero 2020; en República Checa 20 agosto 2020; en el Festival de Sevilla 6 noviembre 2020 (Selección EFA)

La veterana directora de Europa, Europa, El jardín secreto y Washington Square, y el escritor Marek Epstein rescatan del olvido a un curioso personaje que sufrió el totalitarismo y la intolerancia de los regímenes nazis y stalinista en su país de origen, Checoslovaquia. Un hacedor de milagros curtido en el arte de la sanación, un don que conoció siendo muy joven y cultivó como una obsesión. Capaz de diagnosticar enfermedades a través de la orina y curar mediante el uso de plantas naturales, se convirtió para estos regímenes totalitarios en un personaje incómodo y subversivo a eliminar a la mayor brevedad posible. Con un manejo impecable de los recursos cinematográficos y una capacidad extraordinaria para narrar su extraordinaria historia, Agnieszka Holland firma si no su mejor película sí una de las mejores. Una cinta que atrapa de principio a fin, analiza con una claridad cristalina la ambigüedad subyacente en el ser humano, capaz de hacer un bien infinito a la vez que destruir en favor de su propio provecho y egoísmo. Una película biográfica e histórica, una denuncia social y política, un alegato contra el miedo a la diferencia y una historia de amor conmovedora, contada con rigor academicista y un acabado preciosista. Si encima suena puntualmente la Canción de la Luna de Dvorák, se parte el corazón. Cuenta además con dos soberbias interpretaciones, la del veterano Ivan Trojan dando vida al protagonista, Jan Mikolásek, y el atractivo joven Juraj Loj como su ayudante Frantisek Palko, ambos perseguidos por la justicia comunista. 

MARE Retrato de mujer mirando aviones
Croacia-Suiza 2020 84 min.
Guion y dirección Andrea Staka Fotografía Errol Zubcevic Música Ephrem Lüchinger Intérpretes Marija Skaricic, Goran Navojec, Mateusz Kosciukiewicz, Mirjana Karanovic, Ivana Roscic Estreno en el Festival de Berlín 23 febrero 2020; en Suiza 9 junio 2020; en Croacia 4 octubre 2020; en el Festival de Sevilla 6 noviembre 2020 (Selección EFA)

Mujer joven cargada de hijos, con un marido inadecuado, traumatizado y rutinario, entregada a las labores del hogar tras dejar una profesión que le daba cierta libertad, y encerrada en las cuatro paredes de una casa prestada junto al aeropuerto de Dubrovnik donde trabaja su esposo y de donde salen y entran a diario cientos de vuelos con los que sueña recorrer algún día un mundo que no conoce. Carne de Loach y los Dardenne que la directora Andrea Staka no sabe manejar y utiliza para marearnos con la dichosa cámara sobre el cogote de la protagonista, agobiando cada plano con el fin de exhibir el ambiente claustrofóbico de esta surte de Francesca Johnson trasnochada que solo es capaz de encontrar una efímera liberación echándose un amante. Creíamos que este tipo de personajes estaba ya superado incluso para quienes los utilizan con el fin de deslegitimarlos o denunciarlos, pero Andrea Staka no parece compartirlo y recurre de nuevo a clichés que poco o nada favorecen a la lucha de género.

JOHANN KRIEGER RENACE CON ALEJANDRO CASAL

Ciclo Made in Seville del ICAS. Alejandro Casal, clave y órgano. Programa: Presentación del disco “Krieger: Complete Harpsichord and Organ Music (Música completa para clave y órgano de Krieger)”. Espacio Turina, martes 3 de noviembre de 2020

Ayer tarde arrancó un mini ciclo que bajo el título Made in Seville recoge dos presentaciones de sendos discos de artistas radicados en la ciudad, Alejandro Casal y el guitarrista Pedro Rojas Ogáyar, cuyo turno tendrá lugar el próximo viernes 6 de noviembre. El de Casal es sin duda una valiosa pieza en torno a la música para teclado de Johann Krieger, que recoge extraordinaria música y, sobre todo, sirve a efectos arqueológicos para comprender el esplendor del Barroco alemán que protagonizaron Bach, Haendel y Telemann. Resulta relativamente fácil encontrar grabaciones de su hermano, Johann Philipp Krieger, centrado fundamentalmente en la música vocal, pero mucho más complicado encontrar en el mercado música del homenajeado por Casal.

El clavecinista sevillano compaginó naturalmente la interpretación musical y la oratoria, arte que también maneja satisfactoriamente como consecuencia de su labor como enseñante. En sus abundantes explicaciones glosó con generosidad las notas del cuadernillo del disco que también son obra suya, ayudando a situar en su contexto al compositor. Krieger fue un importante precursor de la música de Bach, junto a otros contemporáneos suyos como Muffat, Lübeck, Froberger, Pachelbel o Buxtehude. Él influyó sobre todo en lo que se refiere al arte del contrapunto y la fuga, como quedó manifiesto en una espléndida fuga a cuatro y una sensacional chacona en sol menor de la colección Anmuthige Clavier-übung, algo así como unos ejercicios graciosos para el teclado, que desgranó junto a la otra gran colección que recoge toda la obra para clave del compositor, sus Sechs Musicalische Partien (seis partitas musicales), de las que interpretó la primera en Do mayor, precedida de una Fantasía en el mismo modo. Es curioso comprobar como en éstas Krieger se pliega al estilo francés tan en boga en aquella época, con Rameau y Couperin a la cabeza, mientras en Anmuthige Clavier-übung, que engloba pieza de muy diverso carácter, como recercadas, preludios, fugas, tocatas, una fantasía y una chacona, anticipa ese estilo regio que caracterizó al instrumento cuando Johann Sebastian Bach multiplicó sus posibilidades y enriqueció su lenguaje.

Ilustre precedente de Bach

Kriger nació en Nuremberg pero recorrió el país tras las huellas de su hermano mayor, ocupando la plaza de maestro de capilla en varias casas aristocráticas hasta que se asentó en Zittau como organista y director de coro. Sus colecciones para clave se convirtieron en las primeras obras impresas del S. XVII en Alemania. Las piezas recogidas en este imprescindible doble disco de Casal se publicaron entre 1697 y 1699, aunque bien pudieron componerse una década antes. Son obras fundamentales para el aprendizaje, y de su fructífero trabajo de desarrollo de las ocho claves o modos más comunes parece que se beneficiaron Bach y Haendel, que incluso no dudaron en tomar prestados algunos de sus sujetos para incluirlos en importantes obras de sus cosechas; de hecho sus preludios, breves y de carácter variado, parecen presagiar el Clave bien temperado de Bach. La chacona que Casal interpretó en directo con su proverbial agilidad en la digitación y su habitual buen gusto, se resuelve en veintinueve variaciones virtuosísticas y muy imaginativas, un hermosísimo ejemplo de la música alemana del diecisiete.

Instrumentos muy singulares

La música para teclado de entonces podía ser interpretada indistintamente al clave o al órgano, dependía del gusto personal del intérprete, como así hace Casal en su disco, salvo que se indicara expresamente el uso del pedal, en cuyo caso su destino era el segundo, como el Preludio en la menor o las dos tocatas, que Casal desgranó en un órgano de su colección, al igual que el clave que Andrea Restelli construyó en 2007 a partir de un original de Christian Vater de 1738 cuyo único ejemplar se conserva actualmente en el Museo Nacional de Nuremberg. Este mismo clave utilizado en la grabación es el que Casal utilizó para su presentación en la Sala Turina. Por el contrario, el órgano empleado en la grabación pertenece a la Catedral de Faro en Portugal, un valioso instrumento construido por Johann Heinrich Hulemkampf en 1715 y renovado en 1767 por Pasquale Oldovini, cuyas frondosas ilustraciones de carácter oriental sirvieron además para la portada del cuadernillo de este disco que el clavecinista habitual colaborador de las orquestas Barroca y Sinfónica de Sevilla, agitador musical de la ciudad, docente y colaborador en multitudes de iniciativas culturales sevillanas, grabó en el espacio Santa Clara y la Catedral de Faro entre noviembre de 2018 y mayo de 2019. Sin duda una joya que merece deleitarse en toda su amplitud y constituye un instrumento impagable para estudiar y conocer la música alemana de la época y su influencia en los grandes maestros del espléndido Barroco tardío alemán.

Artículo publicado en El Correo de Andalucía

EMMA. Frivolidad músico-festiva y superficial

Reino Unido 2020 124 min.
Dirección Autumn de Wilde Guion Eleanor Catton, según la novela de Jane Austen Fotografía Christopher Blauvelt Música Isobel Waller-Bridge y David Schweitzer Intérpretes Anya Taylor-Joy, Johnny Flynn, Mia Goth, Callum Turner, Bill Nighy, Amber Anderson, Gemma Whelan, Rupert Graves, Miranda Hart, Josh O’Connor, Connor Swindells, Tanya Reynolds Estreno en Reino Unido 14 de febrero de 2020; en España 30 octubre 2020 

¿Significará el punto al final del título que nos encontramos ante la versión definitiva de esta novela tantas veces, como el resto de la corta producción de Jane Austen, llevada al cine y la televisión? Esto sería muy presuntuoso por parte de sus responsables. ¿O se trata sencillamente de una forma de distinguirla de sus predecesoras? Lo cierto es que desde que Ang Lee y Emma Thompson volvieran a poner de moda a la famosa escritora inglesa con Sentido y sensibilidad, después de que su obra fuera pasto incombustible de seriales televisivos, y prácticamente con el único precedente cinematográfico del Orgullo y prejuicio de Robert Z. Leonard, el cine no ha dejado de asomarse al universo elegante y pasteloso de la autora georgiana. Fue especialmente prolífica en estos menesteres la última década del pasado siglo. Vieron la luz entonces películas como Persuasión, Mansfield Park y la adaptación de Emma que realizó en un mismo tono romántico y amable Douglas McGrath con Gwyneth Paltrow, Jeremy Northam, Toni Collette y Ewan McGregor en los principales papeles, que le valió además un Oscar a la compositora de su banda sonora, Rachel Portman.

Se nos escapa sinceramente la razón de volver otra vez sobre el tema, más cuando justamente en esa misma década Amy Heckerling y Alicia Silverstone adaptaron la novela libremente a época contemporánea y Beverly Hills, acertando en la que para muchos sigue siendo la descripción más lograda de la heroína, una joven de clase muy acomodada, vida fácil y caprichosa que cree estar ayudando a su entorno ejerciendo de celestina cuando en realidad solo alimenta su vanidad y no asumida prepotencia. Ahora la fotógrafa especializada en músicos pop y rock, Autumn de Wilde, cuyo nombre ya resulta de por sí bastante meloso, debuta en la dirección de largometrajes, tras participar en un documental sobre Stephen Sondheim para la televisión, con una adaptación luminosa, colorista, estéticamente apabullante pero definitivamente grotesca de las desventuras de esta pobre niña rica. Todos sus protagonistas ejercen la sobreactuación y cada elemento artístico está pensado minuciosamente de forma que el conjunto se aleje de la realidad con notable autoconsciencia, empezando por un suntuoso vestuario siempre impoluto y dispuesto sin humildad alguna a crear tendencia. Se agradece la importancia que cobra la música en esta adaptación en la que brilla con luz propia la banda sonora de Isobel Waller-Bridge y David Schweitzer en un estilo entre ópera bufa y folk de las islas, con aportaciones de las propias actrices y actores tanto al teclado como a la voz, y un sentido del ritmo nada ajeno al baile.

Pero en líneas generales la nueva Emma resulta bastante superficial y anodina, solo apta como espectáculo visual y musical. Mientras Gwyneth Paltrow dio vida a una joven más inocente y generosa, perdida entre sus sentimientos y su deseo de ser bondadosa, y Alicia Silverstone resultada más pícara y atrevida, definitivamente caprichosa y liante, la de la bruja Anya Taylor-Joy no deja de ser una alimaña de multitud con registros expresivos, tantos como la latosa Mia Goth que le sirve de amiga y protegida. Definitivamente nos quedamos con la Silverstone de Fuera de onda (Clueless), y creemos que Austen también lo hubiera hecho.

UN COSÌ FAN TUTTE PARA LEVANTARNOS EL ÁNIMO

Ópera de Wolfgang Amadeus Mozart con libreto de Lorenzo Da Ponte. Iván López-Reynoso, dirección musical. Rafael R. Villalobos, dirección escénica y vestuario. Emanuele Sinisi, escenografía. Albert Faura, iluminación. Con Vanessa Goikoetxea, Maite Baumont, Simon Mechlinski, Xabier Anduaga, Natalia Labourdette, Roberto de Candia. Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Coro de la A.A. del Teatro de la Maestranza. Íñigo Sampil, director. Nueva producción del Teatro de la Maestranza y el Teatro Calderón de Valladolid. Teatro de la Maestranza, domingo 1 de noviembre de 2020

Resulta fácil hacer crítica cuando un espectáculo se presenta tan redondo y estimulante como éste, cuando la excelsa música se ofrece en todo su esplendor y la propuesta teatral contiene tantas sugerencias y valores en juego que mantienen al espectador en todo momento alerta y entretenido, sin por ello desviar su atención del maravilloso trabajo literario y musical que se le pone por delante. Recuerdo cómo Peter Shaffer tenía el acierto de mostrar en su aclamado Amadeus a un delirante Mozart disfrutando como un niño mientras escribía una pieza teatro musical en la que dúos derivaban en tercetos, éstos en cuartetos y luego en quintetos y sextetos, como un sensacional juego y una oportunidad para crear algo diferente y divertido. Se trataba, claro está, de su mano emborronando las partituras que eclosionarían en la magistral Cosí fan tutte, cumbre sublime del género y título entre los favoritos indiscutibles de gran parte de la afición. Algo de ese espíritu ha captado el joven sevillano Rafael Villalobos en su juguetona puesta en escena y sus innumerables intenciones, un análisis sin duda pormenorizado y riguroso con el que dar algo de actualidad al libreto de Da Ponte y de paso desconcertar en cierta medida al público con sus referentes culturales. 

Solo doscientas personas tuvimos el privilegio de asistir a esta puesta de largo de la flamante nueva producción del Maestranza. Una función, y las tres que vienen, que han traído de cabeza al equipo técnico y artístico del coliseo sevillano y cuya planificación definitiva para cumplir las normas impuestas por una administración desbordada por la pandemia, han debido propiciar unos días de infarto. Un teatro desangelado, tras nueve meses sin ópera, sin que la mayoría entendiéramos por qué un espacio tan amplio y generoso ha de sufrir las mismas limitaciones que otros más humildes, y por qué debe ser una vez más la cultura la más perjudicada cuando es precisamente en los espacios culturales donde más se respetan las medidas de seguridad y distancia social, donde más protegidos nos sentimos y más se salvaguardan los símbolos de nuestra identidad antes de que un nuevo orden económico y social pueda fulminarlos. Al menos de momento nos queda el consuelo de que nuestros espacios culturales no se hayan cerrado como sí lo han hecho en otros países de nuestro entorno. 

Una propuesta escénica fresca y renovadora 

Una estancia vacía y minimalista preside la escenografía, dentro de un metaescenario que parece servir de ventana a un mundo centrado en el entretenimiento pero también en la educación, neón y concha de apuntador incluidas. En esa estancia que bien pudiera representar las paredes de una galería de arte contemporáneo que exhibe artilugios y peluches de Koons, almohadas de corazones gigantes muy rosados, videocreaciones en los que niños y niñas en esplendoroso blanco y negro parecen aprender una educación sexual y sentimental que los libere de tantos siglos de hipocresía y represión, y donde los colores vivos del vestuario se funden con el gris rígido de las paredes en una rotunda renovación del estilo vodevilesco de puertas que se abren y cierran, se desarrolla este juego de swingers, dignidades y pérdidas de la así llamada buena reputación en el que Villalobos se permite detalles de auténtico desconcierto como la divertida ocurrencia con la que arranca el segundo acto. 

Si no se renueva convenientemente el repertorio, bien sea porque la música contemporánea no llegue al público como lo hacían Mozart, Haydn o Beethoven en su época, o como hoy lo hace el rock y el pop, con algunos artistas ofreciendo descomunales espectáculos escenográficos y de vestuario en sus giras, habrá al menos que renovar la propuesta escénica, ofrecer dentro del conjunto algo que potencie su valor dentro de unos cánones artísticos más acordes a nuestra sensibilidad como ciudadanos y ciudadanas contemporáneas. El joven sevillano lo ha conseguido y, a pesar de algunos abucheos recibidos al terminar la función, nosotros lo aplaudimos sin reservas. De cualquier forma sería inconcebible no reconocer que ha realizado un trabajo espléndido de dirección de actores y actrices, buen teatro al contrario de lo que estamos acostumbradas a ver en muchos espectáculos líricos. 

Seis hacen un conjunto 

Cosí fan tutte es una obra de conjunto, en el que como comentábamos dúos se convierten en tríos y así sucesivamente. No está concebida para lucimiento de una sola voz, a pesar de que el personaje de Fiordiligi pueda congregar la mayor parte de los números solos y oportunidades de lucimiento. Pero tiene que contar en todo momento con el máximo rendimiento y las mejores facultades de sus compañeras y compañeros de reparto. Exige un elenco de primera categoría, y el reunido en este estreno del Maestranza puede hacer gala de ello. Aunque al principio la voz de la soprano vasca nacida en Florida Vanessa Goikoetxea pudo sonarnos tremolante e insegura, rápidamente confirmó sus sobradas aptitudes para cantar el rol a un excelente nivel, con un trabajo teatral también de primer orden y un soberbio aprovechamiento de sus cualidades técnicas y expresivas en Come scoglio y Per pietà, evidenciando una potencia y una proyección extraordinarias en los agudos, que se apaga nunca alarmantemente en los registros más graves. Fue un auténtico gozo disfrutar del joven tenor también vasco Xabier Anduaga en su versión de Un’aura amorosa, cantada con una delicadeza extrema especialmente perceptible en sus afinadísimos pianissimi, y también en la famosa cavatina del segundo acto, defendida con gracia y agilidad. 

Ágiles fueron también las contadas intervenciones de Maite Baumont en solitario, de voz segura y con suficiente cuerpo para dar contrapunto a su hermana en la ficción, y decididas las de Natalia Labourdette, una vez más haciendo las delicias del público del Maestranza, aunque para ella Villalobos ahondara en el arquetipo de la femme fatal, ataviada como mujer objeto entre el Cabaret de Bob Fosse y las inexpresivas supermodelos de los videos de Robert Palmer. Ella supo cantar y actuar con fuerza arrolladora y una presencia escénica contundente, con un ejército a sus espaldas de alter egos bailarinas que, como el resto del elenco, disfrutaron de unos sugerentes juegos de sombras de la mano del especialista Albert Faura. Villalobos tuvo la malicia de subir a las tres protagonistas a unas sillas que pusieron en juego su equilibrio y por extensión integridad física. El apartado vocal lo redondearon el joven barítono polaco Simon Mechlinski que disfrazado a lo Wayne’s World utilizó todos sus encantos cómicos para seducir, con graves perfectamente colocados, una considerable potencia y una tesitura más próxima a la de bajo. También el bajo barítono Roberto de Candia hizo bien su trabajo, a nivel canoro y estrictamente teatral. La flacidez y escaso relieve con que el también jovencísimo talento mexicano Iván López-Reynoso abordó la Obertura hizo presagiar una acompañamiento musical poco inspirado. Afortunadamente no fue así, se plegó con total naturalidad y buen gusto al drama y el canto, con momentos sublimes como el sempiterno Soave sia il vento, a lo que la ROSS respondió con total eficacia y flexibilidad, tanto dentro del foso como fuera del escenario, donde se lució la sección banda y el coro, una vez más magistralmente dirigido por Íñigo Sampil. 

Cosí fan tutte ha sido siempre una ópera difícil de entender, ya desde el propio enigmático título. No se sabe si considerarla como una pieza misógina o, todo lo contrario, un empoderamiento de la mujer, e incluso desestimar ambas consideraciones. Pero la nueva producción del Maestranza y el Calderón de Valladolid da nuevas claves al menos para disfrutarla de forma diferente, y en la diversidad está también la tolerancia y el respeto, cuestiones que el arte en mayúsculas siempre tendrá la obligación de defender.

Fotos: Roberto Alcaín (Teatro de la Maestranza)

Artículo publicado en El Correo de Andalucía