LA BELLEZA Y EL DOLOR Emocionante y necesaria lucha por la vida y la dignidad

Título original: All the Beauty and the Bloodshed
USA 2022 122 min.
Dirección Laura Poitras Fotografía Nan Goldin Música Soundwalk Collective Documental Estreno en el Festival de Venecia 3 septiembre 2022; en Estados Unidos 2 diciembre 2022; en España 10 marzo 2023

Habrían hecho bien los académicos y académicas de Hollywood en premiar este documental, poniendo el broche de oro a una lucha justa y meritoria contra una de las familias más poderosas de la industria farmacéutica norteamericana, por encima del trabajo que ensalza la labor opositora de Alexei Navalny contra Putin, menos arriesgado y que cuenta con el beneplácito absoluto de todas las capas sociales y políticas del país. El enemigo está muchas veces dentro, no siempre llega de fuera, y eso lo sabe muy bien la protagonista del último trabajo de Laura Poitras, que saltó a la fama hace unos años a propósito de su documental Citizenfour, otra crítica a la moral americana, en aquella ocasión en la figura de Edward Snowden y su huida de la justicia por denunciar la vigilancia ilegal de los servicios de inteligencia de su país y otros del entorno a la ciudadanía popular.

La fotógrafa y artista conceptual Nan Goldin lidera desde hace años un movimiento de lucha contra la familia Sackler por la comercialización del fármaco Oxycodin, un opiáceo fuertemente adictivo cuyos responsables sabían que podía provocar la muerte por sobredosis, como así ha ocurrido con varios cientos de miles de personas en el país desde hace varias décadas. Una lucha desde el arte y con el arte como objetivo, con el propósito de retirar de los principales museos neoyorquinos y otros repartidos por Londres, París y otras ciudades, el nombre de la mencionada familia como una de las principales benefactoras de estas instituciones. Un dinero manchado de sangre al que alude ese derramamiento de sangre del título original y que proviene de una cita de la hermana de la protagonista, cuyo suicidio es el eje alrededor del cual surge el carácter rebelde y luchador de la homenajeada.

Lucha surgida del dolor, del trauma, de una familia desestructurada y una infancia robada, hasta que se abraza la comunidad underground neoyorquina, la versión americana de la movida, que tanto asociamos a fiesta, droga, alcohol, sexo y rock y pop alternativo. Y sin embargo, de esa misma marginación frecuentemente despreciada y vilipendiada, y de su centro como familia adoptiva surge la lucha responsable y constante de un colectivo que ha sufrido toda la barbarie urdida desde el poder y la llamada clase decente, abusos, sida y pobreza sistemática incluidas. Todo esto, analizado desde la vida de la propia protagonista, da fuerza y carisma a este excepcional trabajo al que solo cabe reprochar su largo metraje, lo que provoca que a veces caiga en falta de tensión y ritmo. Al menos en Venecia supieron apreciar sus virtudes, concediéndole el Oso de Oro.

EL IMPERIO DE LA LUZ Ponme una película, Sam

Título original: Empire of Light
Reino Unido 2022 119 min.
Guion y dirección Sam Mendes Fotografía Roger Deakins Música Trent Reznor y Atticus Ross Intérpretes Olivia Colman, Micheal Ward, Colin Firth, Toby Jones, Tanya Moodie, Tom Brooke, Hannah Onslow, Crystal Clarke, Ron Cook, Sara Stewart, William Chubb, Spike Leighton Estreno en el Festival de Toronto 12 septiembre 2022; en Reino Unido 9 enero 2023; en España 31 marzo 2023

Parece mentira que miremos el arranque de la década de los ochenta ya con la nostalgia de un tiempo perdido, de una vida anterior y tan lejana, y eso es lo que a algunos y algunas nos ocurre viendo este nuevo film del director de American Beauty, 1917 y dos entregas de James Bond. Pero es lo que nos sugiere y en los que nos sumerge la primera mitad de este film que recrea aquella época desde las paredes de un suntuoso cine de provincias, en la costa sur de Inglaterra, que conoció tiempos más glamurosos y programa en sus dos excelentes salas cintas como The Blue Brothers, All That Jazz, El hombre elefante, Toro salvaje, Bienvenido Mr. Chance, Locos de remate o Carros de fuego.

Pero son las vidas de quienes lo mantienen a flote lo que verdaderamente importa, sus traumas y sus heridas, especialmente las que provocan una época que pretendemos recordar solo con melancolía, olvidando que tantos problemas estaban lejos de resolverse, y todavía no lo están. Thatcher en el poder y el odio por la diferencia en auge, afectando a una mujer madura abusada y extenuada y un joven de color sometido a burlas y palizas. Entre ellos surge una preciosa relación sustentada en la ternura y la comprensión, pero también en miradas y sonrisas, capaces de seducir tanto o más como lo harían unos físicos más acordes a lo convencional y lo convenido, que no provocasen esa vergüenza que tanto malogra y destroza.

Mendes trata este sensible material con cariño, y sus protagonistas son los perfectos cómplices para lograr sintonizar con el público y sumergirlo en esa sincera o no emoción que fue habitual en aquel cine de finales de los setenta y principios de los ochenta que cautivó a generaciones que hoy seguimos confiando en este arte y disfrutando con él como si tuviese el efecto sanador y balsámico que necesitamos para llevar las riendas de nuestra vida. En esta aventura hasta los compositores Trent Reznor y Atticus Ross relajan y suavizan su estilo y se adaptan a la inventiva melódica y sentimental que acompañaba habitualmente aquellas irrepetibles películas.

TRES DOCUMENTALES EN BUSCA DEL ÓSCAR

ALL THAT BREATHES

Reino Unido-India-USA 2022 97 min.
Dirección Shaunak Sen Fotografía Ben Bernhard, Riju Das y Saumyananda Sahi Música Roger Goula Sarda Estreno en el Festival de Sundance 21 enero 2022

En una turbulenta Nueva Delhi, cuando en febrero de 2020 los duros enfrentamientos entre hindúes y musulmanes se saldaron con una treintena de fallecidos, tres hombres mantienen un cometido muy especial, salvar milanos negros, rapaces que pueblan los cielos del país y el continente y simbolizan la libertad y la grandeza de las aves frente a la sinrazón de una humanidad cada vez más ensimismada consigo mismo, que da la espalda a la naturaleza que le vio nacer y con la que ya hace mucho debería haber aprendido a convivir.

Con un estilo absolutamente minimalista y tan ajeno al típicamente documental que a veces casi parece un film de ficción con una narrativa considerablemente convencional, su debutante director deja libertad a sus protagonistas, Salik Rehman, Mohammad Saud y Nadeem Shehzad para que expresen lo que escuetamente necesitan, mientras asistimos a una rutina en la que recoger, curar y salvar estas especies se convierte en el objetivo fundamental. No en vano la cinta comienza con ratas invadiendo la superficie con nocturnidad, clara metáfora de los que habitamos la tierra frente a quienes pueblan con su majestuosidad los cielos. Logró el Premio del Jurado en Sundance y de momento aquí solo se ha podido ver en la Seminci.

FIRE OF LOVE

USA 2022 93 min.
Dirección Sara Dosa Guion Shane Boris, Erin Casper, Jocelyne Chaput y Sara Dosa Fotografía Pablo Álvarez-Mesa Música Nicolas Godin Estreno en el Festival de Sundance 20 enero 2022; en España 26 agosto 2022

Imposible viendo este documental de National Geographic no pensar qué hubieran hecho Katia y Maurice Kraft, los protagonistas de esta cinta de Sara Dosa, si viviesen todavía y hubiesen conocido la erupción del Cumbre Vieja en La Palma, de la que tanto, trágico y buen material de archivo se ha conseguido. Quizás se hubiesen congratulado de que seguramente muchos de sus descubrimientos y hallazgos se pusieron en práctica para evitar la oleada de víctimas que de no haberse procedido a tan efectivas campañas de desalojo y prevención se habrían producido. La pareja de vulcanólogos a los que está dedicado este trabajo asumieron su pasión por este fenómeno de la naturaleza tras su desencanto manifiesto con el mundo que les tocó vivir, con la Guerra de Vietnam en pleno apogeo y núcleo de protestas en todo el mundo. De nuevo el desencanto con la humanidad acerca a la sabia y majestuosa naturaleza.

Apoyándose en el prodigioso material de archivo atesorado por la pareja, fallecida por acercarse demasiado al abismo infernal en junio de 1991 en Luzón (Filipinas), el film cuenta con un vibrante, complejo y trepidante montaje, premiado en Sundance, la voz como narradora de Miranda July y el doblaje de las voces de los protagonistas allí donde el metraje en súper 8 no contiene sonido. Elaboradísima y a veces fascinante, casi hipnótica, gracias a las imágenes ahora expuestas, el film fluye a lo largo de la vida de estos dos enamorados desde que se conocieron hasta su muerte, con paradas en algunas de las más vistosas erupciones de volcán de las décadas de los setenta y ochenta del pasado siglo. Fracasa sin embargo como testimonio didáctico capaz de arrojar algo más de luz sobre el fenómeno, quedándose en la epidermis de una sucesión de imágenes deslumbrantes. Una variada e imaginativa banda sonora de Nicolas Godin, integrante del grupo Air, potencia la belleza de las imágenes.

NAVALNY

USA 2022 98 min.
Dirección Daniel Roher Fotografía Feliz Angermaier, Nikita Pavlov y Niki Waltl Música Marius De Vries y Matt Robertson Estreno en el Festival de Sundance 25 enero 2022; en España (HBO max) 26 mayo 2022

El nuevo trabajo del responsable de Once Were Brothers, documental que contaba la historia del mítico grupo The Band, se centra ahora en un tema de candente actualidad, la historia del activismo político del principal opositor al régimen ruso de Putin, su presunto envenenamiento con Novichok, una sustancia que afecta al sistema nervioso y provoca la muerte sin dejar rastro, su recuperación y su valiente gesta al regresar al país a pesar del peligro evidente para él y su familia, hasta desembocar en la prisión en la que se mantiene encerrado hasta nuestros días. Todo ocurrió hace apenas tres años, y la cámara sigue vigilante y sigilosa los testimonios frontales del protagonista, echando mano de archivo para mostrar su carrera como activista anticorrupción, y de material genuino para narrar todos los acontecimientos mencionados así como el proceso que él, su familia, sobre todo su esposa Yulia, y su equipo en Alemania, especialmente la abogada Mariya Pevchikh, productora también del film, y el periodista búlgaro Christo Grozev, llevaron a cabo para preparar su triunfal regreso a Moscú, inspirado a la vez por los entusiastas vítores duramente represaliados de sus numerosos y numerosas incondicionales.

Dividirá al público como lo hace la criminal invasión de Ucrania, entre quienes ven el fruto de la provocación yanqui y quienes no ven legitimación alguna y solo motivación sádica y criminal en los tejemanejes del Kremlin. Y paradójicamente provocará en más de uno y una la sensación de incomodidad ante un personaje que parece diseñado al gusto, atractivo físico incluido y familia ideal, y podría acabar por ello pareciendo un monigote del imperialismo americano para erigirse en un arma más de desprestigio del régimen moscovita. Preferimos pensar que no es así y seguir maldiciendo a quien con su sed de guerra está generando tanto y disparatado dolor. Contiene secuencias de mucha tensión, brillantemente ilustradas con la efectiva banda sonora de Marius De Vries y Matt Robertson. Bafta al mejor documental, logro en Sundance el premio del público al mejor documental norteamericano.

FeMÀS ARRANCA CON ESPÍRITU DE CUARESMA

XL Festival de Música Antigua de Sevilla. Ensemble Correspondances. Sébastien Daucé, dirección. Programa: Die mit Tränen säen werden SWV 378, Da Jesus an dem Kreuze stund SWV 478 y Selig sind die Toten SWV 391, de Schütz; Vulnerasti cor meum y Mit Fried und Freud ich fahr dahin, de Buxtehude; Miserere des Jésuites H.193 y Litanies de la Vierge H.83, de Charpentier. Espacio Turina, viernes 10 de marzo de 2023

Tras una festiva inauguración con La Regalada en las Setas, tres compositores del primer Barroco protagonizaron este primer concierto del Festival de Música Antigua que este año cumple cuarenta ediciones. Los tres forman parte del conjunto de autores a los que el aún joven conjunto francés Ensemble Correspondances presta una mayor atención en conciertos y grabaciones, y con los que han conseguido un mayor reconocimiento y el cumplimiento de un fin muy apreciado, divulgar su música y su trascendencia. Música que por mucha abstracción que nos propongamos hacer, no podemos disociar de su objetivo y emplazamiento, acompañar liturgias y estaciones de penitencia tan arraigadas en nuestro acervo popular y con un evidente carácter evangelizador en sus entrañas. La propuesta era contrastar estos ceremoniales en su vertiente luterana y puramente católica; de Lübeck a París rezaba, para continuar con expresiones religiosas, el enunciado de su programa. Dos conceptos distintos de liturgia y del acompañamiento musical correspondiente, de la mano del alemán Heinrich Schütz, el danés Dietrich Buxtehude y el francés Marc Antoine Charpentier.

Fue quizás esa incapacidad para disociar esta música de su razón y contenido inicial, potenciada por la sobretitulación de los textos, lo que tanto condicionó nuestra apreciación de la que no dudamos sea una música excelsa. Exhaustos de tanta parafernalia eucarística, tanto lamento evangélico y sufrimiento sometido al pueblo desde antaño con fines siempre controladores, lo que durante siglos ha frenado el desarrollo y el progreso de nuestra denostada civilización, no pudimos sino mostrar cierto rechazo a una velada tan ensombrecida por esos postulados tan arraigados en nuestra conciencia que seguimos, generación tras generación, atemorizados por el devenir de nuestro destino. En ese contexto se nos presentaron las obras místicas y contenidas de Schütz, uno de los principales músicos del siglo XVII junto a Monteverdi, que fue por supuesto maestro de corte y de capilla, y que también como todos bebió de las inevitables fuentes italianas, en su caso de la Escuela Veneciana. Su estilo simple y austero encontró eco en las voces del conjunto, perfectamente armonizadas, actuando cada una y uno como consumados solistas, mientras el grupo instrumental de acompañamiento, cinco violas da gamba, una tiorba y el órgano que tocó el propio director y artífice del conjunto, Sébastien Daucé, ofreció prestaciones de auténtica orquesta barroca, siempre desde la contención que demandan las partituras y la suavidad que le impregnó su director. Especialmente notable fue la interpretación de Da Jesus an Dem Kreuze stund, con la teatralidad que aportó la voz de Cristo (bajo) frente a las cuatro voces que intercambiaron los roles de Evangelista.

Como Schütz, también Dietrich Buxtehude está directamente relacionado con el futuro de la música alemana en la piel de Bach, de quien fue maestro. Máximo exponente de la Escuela Organista del Norte, caracterizada por una mayor riqueza estructural e imaginación, en su obra se denota una fuerte inventiva melódica y desarrollo contrapuntístico, a pesar de mantener los parámetros de la liturgia luterana en su música sacra, tal como puedo apreciarse en Vulnerasti cor meum y la pieza que añadió al programa como agradecimiento ante su entusiasmada primera visita a la capital hispalense, Mit Fried und Freud ich fahr dahin. De su ciclo Membra Jesu Nostri el conjunto ofreció la cantata dedicada al corazón, siempre desde la delicadeza y la efectiva conjugación entre voces e instrumentos. El espíritu cambió en una segunda parte protagonizada por Marc Antoine Charpentier, que aunque desde un mismo carisma intimista y recogido, adelantó con su relativo esplendor lo que habrían de ser los derroteros de la música barroca más identificable, especialmente la de los grandes oratorios haendelianos. Con recursos limitados, debido en gran parte a la presión que desde siempre sufrió de la competencia, un Jean-Baptiste Lully celoso de sus dominios, pero con la libertad que le confirió trabajar desligado de corte e Iglesia, Charpentier sonó en las esmeradas voces de Correspondances limpio y delicado, con juegos armónicos y contrapuntísticos muy matizados y detallistas, especialmente en la retahíla de letanías de la Virgen con el que culminó un concierto que en líneas generales nos acabó resultando monótono aunque no rutinario, muy generoso en duración pero con la incómoda sensación de no librarnos de ese acervo religioso que todo lo inunda, especialmente en esta época de Cuaresma en la que tanta ilusión depositan los sevillanos y sevillanas.

Fotos: Lolo Vasco / FeMÀS
Artículo publicado en El Correo de Andalucía

EL CAFTÁN AZUL Caricias de satén

Título original: Le bleu du caftan
Marruecos-Francia-Bélgica-Dinamarca 2022 122 min.
Dirección Maryam Touzani Guion Maryam Touzani y Nabil Ayouch Fotografía Virginie Surdej Música Kristian Eidnes Andersen Intérpretes Lubna Azabal, Saleh Bakri, Ayoub Messioui, Mounia Lamkimel, Abdelhamid Zoughi, Zakaria Atifi Estreno en el Festival de Cannes 26 mayo 2022; en el Festival de Marrakech 14 noviembre 2022; en España 10 marzo 2023

Sensual y seductora desde los propios títulos de inicio, la nueva película de la directora de Adam reitera su tendencia a la crítica social de un país y un sistema por definición represor y censor de las conductas humanas que denoten un mínimo de libertad, sobre todo en lo que a sexualidad se refiere. Cuenta para este precioso cuento moderno con la complicidad de un trío protagonista de excepción, integrado por Lubna Azabal, que repite con la directora tras su aclamado anterior film y que con ésta se ha llevado el premio a la mejor interpretación en Valladolid, el actor palestino Saleh Bakri, que abandona una vez más su habitual imagen sofisticada y a quien hemos visto en películas como La banda nos visita y Costa Brava, Líbano, y el joven debutante Ayoub Missioui.

Los tres dan vida a un particular trío donde solo habita el corazón y la bondad, quedando muy al margen los escasos personajes negativos que pueda tener una cinta donde todo es relajado y sensual y que mira con impecables hechuras a la esperanza de una vida mejor, donde predominen los sentimientos y se destierre el dolor. Touzani no renuncia a un ritmo pausado y un estilo balsámico, sin por ello caer en la falta de tensión dramática, una sensación que resulta especialmente palpable en el deseo que experimentan cada uno de los vértices de este encantador y amable trío romántico. Temas que difícilmente veremos reflejados en películas de la vertiente musulmana y que la directora trata con tanta delicadeza como sus protagonistas tejen el precioso caftán del título.

En su desarrollo, Touzani demuestra un absoluto respeto a las formas, logrando una estética preciosista apoyada en los buenos y holgados recursos que le reporta la inevitable coproducción con países europeos del entorno. Eso posibilita también una sensual y atmosférica banda sonora y una fotografía de claros y oscuros tan sugerente como manifiestamente melancólica. Un film que se disfruta como una caricia, con esa sinceridad que respira y que emociona en los momentos cruciales de un relato cargado de dolor pero también de ironía, y cuyo desenlace podría ser tan contradictoriamente feliz como amargo.

EL MONSTRUO MARINO Un paso adelante de gigantes proporciones

Título original: The Sea Beast
USA 2022 115 min.
Dirección Chris Williams Guion Chris Williams y Nell Benjamin Música Mark Mancina Voces (en versión original) Karl Urban, Zaris-Angel Hator, Jared Harris, Marianne Jean-Baptiste, Jim Carter, Doon Mackichan, Dan Stevens Estreno en Netflix 8 julio 2022

Curtido en cintas de animación como Bolt, Vaiana y Big Hero 6, Chris Williams ha logrado con El monstruo marino su obra maestra. Disponible en plataformas digitales desde hace más de medio año, solo hemos reparado en ella gracias a la nominación al Oscar, para comprobar de que se trata de una película tan gozosa como generosa en hallazgos técnicos y narrativos, todo tipo de conveniente mensaje educativo incluido. Es una lástima que obras tan vistosas en todos los sentidos como ésta se limiten al consumo doméstico, cuando su lugar de exhibición natural son las grandes salas cinematográficas dotadas con los mejores equipos de sonido e imagen disponibles.

Williams rescata las antiguas películas de corsarios y batallas marítimas que tanto triunfaron en el Hollywood clásico de la mano de estrellas como Errol Flynn. A la vez echa mano de aquellas supersticiones primitivas que hacían de los mares lugares poblados por increíbles y temibles monstruos, tal como aparecían reflejados en muchos de los mapas con los que por aquel entonces se surcaban los océanos. Con todo el ingenio imaginable, los autores de esta excepcional película construyen un cuento moderno sobre la manipulación a través del miedo, la desinformación o la información deformada como arma de control, y la provocación como medio a través del cual se organizan guerras y conflictos de poder. Todo un entramado incómodo para el país de origen, pero tan bien urdido y estructurado que hace sencillo lo complicado, y asumible lo ininteligible.

En el apartado visual, El monstruo marino llega hasta donde nunca había llegado antes un trabajo de este género, logrando a estas alturas despertar nuestra capacidad de asombro y admiración, con diseños extremadamente cuidadosos, mares de un realismo absoluto, movimientos de cámara vertiginosos, un ritmo más que trepidante, un esmerado diseño de personajes con acertada tendencia a la multidiversidad racial y de género, y un minucioso trabajo analítico sobre el miedo a lo desconocido y a lo diferente. Todo lo cual converge en casi dos horas de disfrute absoluto que merece el Oscar por encima de cualquier otro trabajo nominado o no este año.

VARELA Y FERNÁNDEZ INDAGAN EN LA ESENCIA DEL AMOR

Alternativas de cámara en colaboración con Juventudes Musicales de Sevilla. Rosa G. Varela, violonchelo. Pepe Fernández, piano. Programa: 9 canciones de Myrten Op. 25, de Schumann (arr. Fernández); Tres romanzas op. 22, de Clara Schumann (arr. Varela); Sonata para piano y violonchelo op. 38, de Brahms. Sala Manuel García del Teatro de la Maestranza, jueves 9 de marzo de 2023

El ciclo Alternativas de cámara que organiza en Teatro de la Maestranza en colaboración con Juventudes Musicales de Sevilla, contó anoche con dos jóvenes músicos sevillanos que protagonizaron un estimulante recital en torno a los amores correspondidos de Robert y la cada vez más presente en conciertos de cámara Clara Wiek Schumann, redondeado con la recurrente historia de amistad, para algunos amor no correspondido o platónico, que vivió Brahms cuando se unió como alumno a la familia de Düsseldorf. Una historia que ha conocido mil especulaciones y ha sido llevada al cine y la literatura, marcando una fuente inagotable para diseñar programas como éste con el que Varela y Fernández indagaron en la esencia del amor puramente romántico. El proyecto sirvió además de para disfrutar del buen hacer de la violonchelista y el pianista, para comprobar sus más que competentes aptitudes para el arreglo o la adaptación musical, pues tanto la selección de lieder que tocaron de Schumann como las tres romanzas de Clara originales para violín y piano, sufrieron las obligadas transcripciones, de las que fueron autores el joven utrerano y la violonchelista sevillana.

Myrten, el ciclo de canciones que Schumann dedicó a su esposa como regalo de bodas, pone música a poemas de diversos autores, de Burns a Goethe pasando por Rückert, Heine, Moore y Lord Byron, a diferencia de otros ciclos schumanianos centrados en un solo poeta. A lo largo de sus veintiséis entregas, Schumann va desgranando distintos estados de ánimo que reflejan a la perfección esa icónica dualidad de personalidad que exhibía el compositor, que le llevaba de mostrarse animado y confidente así como nostálgico y contemplativo. Fernández, de quien todavía guardamos el grato recuerdo que nos dejó en aquellas Noches del Alcázar de 2021 junto a su paisano Manu Brazo, presente anoche también en la abarrotada sala Manuel García, diseñó para la ocasión un coherente recorrido por nueve de esos lieder, unidos para dar continuidad a ese viaje emocional del que los intérpretes se hicieron eco exhibiendo tanto control técnico como fuerza expresiva. Entusiasta absoluto, Fernández actuó sin embargo manteniendo el respeto y la consideración debida a la violonchelista, una Rosa García Varela que acertó en sus largas frases melódicas, exhibiendo un sonido carnoso y opulento, de timbre convenientemente homogéneo y transiciones por lo general bastante correctas. Necesitaría quizás una mayor atención a los cambios de registro y al mantenimiento del tono justo para lograr una interpretación impecable. Ambos desgranaron sentimiento en el Widnung de apertura, y lograron darle al final, Zum Schluss el tono justo entre melancólico y trágico, pero fue con Der Nussbaum que alcanzaron el máximo de sus posibilidades, logrando plasmar con notable el espíritu trágico en su cometido. Solo con las dos partes del Lied aus dem Schenkenbuch tuvieron ocasión de relajarse y ofrecer un carácter más distendido.

Las tres romanzas que Clara Schumann compuso para el virtuoso Joseph Joachim son páginas de una claridad y una sinceridad absolutas, que el dúo desarrolló con buena actitud y considerable desenfado. Los enérgicos arpegios de Fernández en el andante inicial se mezclaron con naturalidad con el elegante fraseo de su compañera, que en el allegretto central (Mit zartem Vortrage) exhibió un tono manifiestamente melancólico y suave con notables agilidades en las profusas ornamentaciones. El contraste del piano burbujeante con las largas frases melódicas del violonchelo lograron un memorable final Leidenschaftlich schnell, rápido y centelleante. La única página original para los dos instrumentos convocados, la Sonata nº 1 en mi menor op. 38 de Brahms, se resolvió también con considerables dosis de lirismo y mucha responsabilidad, si bien puntualmente Fernández se mostró más tosco que en las obras anteriores, y Varela volvió a encontrar cierta dificultad en algunos cambios de registro y pérdidas también puntuales de tono. Sí acertaron en dar al conjunto ese estilo característico entre cálido y sincero que tiene la pieza, con Varela controlando con facilidad el legato en el allegro inicial, exhibiendo gracia sin afectación en el movimiento central, y desarrollando el allegro final con ese estilo fugado y esa vigorosa vivacidad que le informa. Fernández por su parte contribuyó de forma brillante a su voluptuoso e impactante final. En las propinas, un tema georgiano de enorme lirismo y carácter trágico, y una de las más célebres canciones de Frederic Mompou sirvieron para coronar este agradable encuentro.

Fotografía: Guillermo Mendo
Artículo publicado en El Correo de Andalucía