MOTHER MARY Duelo a muerte bajo el escenario

Reino Unido-USA 2026 98 min.
Guion y dirección David Lowery Fotografía Andrew Droz Palermo y Rina Yang Música Daniel Hart y las canciones de Charli XCX, FKA twigs y Jack Antonoff Intérpretes Anne Hathaway, Michaela Coel, Hunter Schafer, Sian Clifford, Atheena Frizzell, FKA twigs, Jessica Brown Findlay, Kaia Gerber, Alba Baptista Estreno en Reino Unido y Estados Unidos 24 abril 2026; en España 31 julio 2026

David Lowery es un director inclasificable. Ha cultivado el horror y la animación en cortometrajes, el drama infantil en St. Nick, el thriller romántico en En un lugar sin ley, se puso a las órdenes de Disney para regalarnos Pete y el dragón, una de las mejores nuevas adaptaciones de un clásico de la factoría, nos sorprendió fuertemente con su mirada al mundo de los fantasmas con sábana en toda regla en A Ghost Story, dirigió a Redford en uno de sus últimos trabajos, el interesante The Old Man and the Gun, se atrevió con la fantasía medieval en El caballero verde, y volvió a recrear clásicos de la literatura infantil con Peter Pan & Wendy. Tres años después de esta incursión en el cuento de Barrie, se enfrenta de la mano de la siempre inquietante A24 a un género considerablemente nuevo, que mezcla el musical con el terror espiritual, enfrentando a una súper diva pop con quien otrora fuera su diseñadora de vestuario y, todo parece reflejarlo así, su amante.

Con ésta, la físicamente excéntrica Michaela Coel vuelve a protagonizar un duelo interpretativo, como comentamos hace apenas un par de entradas a propósito del último film de Steven Soderbergh, The Christophers, entonces junto a Ian McKellen. Ahora le sirve de antagonista una imparable Anne Hathaway, que este año ha encadenado hasta cuatro títulos, El diablo viste de Prada 2, La Odisea, éste y la próxima a estrenarse El final de Oak Street, con posibilidades de que antes de que termine el año estrene una quinta, Verity. Ambas están estupendas en esta auténtica bajada al infierno, en el que los fantasmas presentes y pasados se convierten en bisagra de una relación malsana y maldita, mientras un exceso de verborrea podría haberse recortado en favor a una mayor duración de los muy trabajados números musicales, con Hathaway cantando y bailando personalmente las canciones escritas por la cantautora británica Charlotte Emma Aitchison, más conocida como Charli XCX, que también se encargó de las canciones que ilustraban anacrónicamente la última Cumbres borrascosas.

Resulta divertido que el álbum con las canciones se haya publicado bajo el título de Mother Mary Greatest Hits, mientras la partitura original corre a cargo de un inspirado Daniel Hart que ha sabido cogerle el tono a esta fantasía sinfónico gótica con una banda sonora adecuadamente grandilocuente. Una sensacional dirección artística y un magnífico vestuario, confeccionado en parte en nuestro país, incluyendo unas aureolas que harían palidecer las peinetas de Martirio, completan el espectáculo, en el que tampoco falta un discreto toque gore acompañando las experiencias paranormales de las protagonistas, una entregada a la humillación y la otra al rencor y la venganza.

BACKROOMS Perdidos en un espacio liminal

USA-Canadá 2026 105 min.
Dirección Kane Parsons Guion William Bromell y Kane Parsons Fotografía Jeremy Cox Música Edo Van Breemen y Kane Parsons Intérpretes Chiwetel Ejiofor, Renate Reinsve, Finn Bennett, Lukita Maxwell, Mark Duplass, Krista Kosonen, Robert Bobroczkyi Estreno en Estados Unidos 29 mayo 2026; en España 5 junio 2026

La ya mítica productora A24 sigue desafiando al género en el que más cómoda parece sentirse, el terror, y lo hace manteniendo su principal estrategia de mercado, la sorpresa. Para eso tira de un jovencísimo creador, que sin haber alcanzado aún la madurez, ya concibió todo un universo paralelo y escalofriante, propio del subconsciente humano, en el corto Backrooms (Found Footage), y se animó con otro, The Oldest View, al que ya le ha dedicado varias entregas en forma de cortometraje. Del primero surge esta fascinante y desconcertante película que a nadie deja indiferente, tantas son las formas de explicar y entender su enigmático argumento y aún más misterioso escenario. Bien es verdad que en su forma y contenido sintoniza seguramente mejor con públicos jóvenes, ávidos de experiencias nuevas y abiertos a propuestas rupturistas, sobre todo si derivan de esos fenómenos que habitan en redes y de las que tantos y tantas jóvenes son bien conocedoras.

Los backrooms o habitaciones traseras del título se refiere a espacios liminales, más propios de una sensación o un estado de ánimo que de una estancia física, real o convencional. Ahí se encuentran, bajo la mirada curiosamente científica de unos analistas muy especiales, dos personas con un pasado traumático, paciente y psicoanalista, que fusionan miedos y recuerdos de la misma forma confusa y alterada con la que la mayoría recreamos nuestras vivencias y las personas que nos han acompañado. Se crea así uno de esos queridos universos paralelos, si se quiere cuarta dimensión, en los que se exorcizan nuestros miedos y se buscan soluciones, distorsionando la realidad pero dotándola de una fuerza que la hace igualmente válida. Pero es también donde habitan nuestros monstruos, que pueden devorarnos o educarnos, según la diatriba que siga cada uno y una.

Kane Parsons es el prematuro director que acometió esta compleja y profundamente intelectual empresa sin haber cumplido aún los veinte, y que exhibe la capacidad suficiente para sorprendernos y desconcertarnos, proponernos tantas preguntas como respuestas y arrojarnos a la siempre incómoda ciénaga de la madurez intelectual para sentirnos capaces o no de descifrar tanto y rotundo enigma. A ello se prestan Chiwetel Ejiofor y Renate Reinsve con toda su fuerza emocional, convicción y entrega espiritual, sin lo cual el resultado no sería tan convincente y rotundo. Mientras, la fascinante dirección artística se erige en uno de los alicientes más radicales y definitivos de un espectáculo que Parsons maneja con tanta habilidad como profesionalidad, mezclando imagen puramente cinematográfica, y panorámica, con grabaciones caseras, entre las que se cuelan los supuestos metrajes encontrados.

JUGADA MAESTRA Cuando al castigo lo llaman mujer

Título original: How to Make a Killing
Reino Unido-Francia 2026 105 min.
Guion y dirección John Patton Ford, según el guion de Robert Hamer y John Dighton para “Kind Hearts and Coronets”, basado en la novela de Roy Horniman “Israel Rank” Fotografía Todd Banhazi Música Emile Mosseri Intérpretes Glen Powell, Margaret Qualley, Jessica Henwick, Ed Harris, Zach Woods, Topher Grace, Raff Law, Bill Camp, Nell Williams, Sean C. Michael Estreno en Estados Unidos 20 febrero 2026; en España 15 mayo 2026

El quinteto de la muerte y Ocho sentencias de muerte son dos de los títulos más afamados de la productora británica Ealing en su época de esplendor, segunda mitad de los cuarenta y primera de los cincuenta del pasado siglo. De la primera, Ladykillers, los hermanos Coen hicieron un remake que no pasó la prueba de una calidad digna, y ahora es la productora A24, parapetándose en la categoría acuñada a lo largo de los últimos años, la que se atreve a poner al día la segunda, inspirada en una novela que dio lugar a una extravagante comedia negra que marcó en cierto modo el estilo de la productora británica. En ella, Alec Guinness interpretaba los ocho personajes a través de los cuales el protagonista, Dennis Price, se vengaba de su acaudalada familia y, de paso, se aseguraba una suntuosa herencia patrimonial y un noble linaje.

Han pasado setenta y siete años y no precisamente en balde. Lo que entonces valía y daba forma a una sátira sobre el poder y la decadencia de la aristocracia, echando mano de convenciones sólo creíbles en manos de los artesanos con el talento necesario, quiere ser ahora una crítica al capitalismo feroz. Le falta maldad y abusa del convencionalismo, de manera que muchos de sus episodios apenas se justifican, interpelando al conformismo del público.

Lo peor es que, a pesar de calcar narrativa y situaciones, acaba sustituyendo el castigo penal por el de la femme fatal, quizás confundiendo empoderamiento de la mujer con una imagen tópica que le lleva a ser la psicópata ideal para someter a su ambiguo protagonista a una cadena perpetua y moralizante. De esta forma, el conjunto acaba resultando bastante misógino, seguramente todo lo contrario de lo que pretende. Todo carece del mordiente y el tono justo, a pesar de lo cual contiene ingredientes para dejarse ver y entretener, ya sea su atractivo reparto o su escenario en la clase alta neoyorquina.

DEVUÉLVEMELA Hansel, Gretel y la bruja diabólica

Título original: Bring Her Back
Australia-USA 2025 99 min.
Dirección Danny y Michael Philippou Guion Danny Philippou, Michael Philippou y Bill Hinzman Fotografía Aaron McLisky Música Cornel Wilczek Intérpretes Sally Hawkins, Billy Barratt, Sora Wong, Jonah Wren Phillips, Sally-Anne Upton, Stephen Phillips, Mischa Heywood Estreno en Australia 29 mayo 2025; en España 1 agosto 2025

Los hermanos Philippou destacaron hace un par de años con Háblame, una inquietante película con la que lograban analizar una multitud de cuestiones relacionadas con los traumas infantiles y la incomunicación adolescente, a través de una historia que recuperaba con éxito la vertiente terrorífica del espiritismo. Siguiendo esa estela, incluso perceptible en el título, el objeto de renovación ahora son las sesiones demoniacas, unos rituales tan divulgados particularmente en la década de los noventa del pasado siglo a través de videos en la línea de las snuff movies. A partir de aquí, la película plantea una situación en la que se suceden constantes del género, desde la infancia amenazada a los traumas familiares, pasando por la casa de los horrores y la recurrente mujer trastornada, convertida una vez más en sádico monstruo desquiciado. Ella es, por definición, la bruja que acoge a Hansel y Gretel en su perturbado universo.

Dentro de todo este panorama ingeniosamente articulado por la productora A24, responsable también del anterior trabajo de los hermanos australianos y de un puñado de títulos que han renovado inteligentemente el género desde hace un par de décadas, destaca el personaje del joven y algo ambiguo Oliver, único elemento fantástico dentro de un conjunto que se quiere convencional o realista, aunque en el desarrollo ofrezca más de un apunte para no lograr considerarse de esta manera. Por el camino encontramos una serie de secuencias ciertamente impactantes, y eso que la película no juega en ningún momento al tren de la bruja, sino al sadismo más extremo, sometiendo a los infantes intervinientes a situaciones que pueden haber sufrido con mayor angustia que las y los propios espectadores.

Toda su malsana, y conseguida, atmósfera, destacando la interpretación quizás desaforada pero acertada de una Sally Hawkins muy alejada de su registro habitual, naufraga cuando al final se pretende dejar al público con cierta sensación de alivio, si bien por el camino no se le puede reprochar que arriesgue en hacernos pagar cierto peaje emocional. Lo que no cabe duda es de que gustará a los y las incondicionales del género, y quizás el tiempo nos quite la razón a los más escépticos y la convierta en un título de referencia.