CUANDO CAE EL OTOÑO Segundas oportunidades

Título original: Quand vient l’automne
Francia 2024 102 min.
Dirección François Ozon Guion François Ozon y Philippe Piazzo Fotografía Jérôme Alméras Música Evgueni y Sacha Galperine Intérpretes Hélène Vincent, Josiane Balasko, Pierre Lottin, Ludivine Sagnier, Garlan Erolos, Sophie Guillermin, Malik Zidi, Paul Beaurepaire Estreno en el Festival de San Sebastián 21 septiembre 2024; en Francia 2 octubre 2024; en España 13 diciembre 2024

Después de la autoindulgente Peter von Kant y la disparatada Mi crimen, Ozon regresa con uno de sus mejores trabajos, un thriller espeso y ambiguo protagonizado por una impagable Hélène Vincent. La veterana actriz, que ya trabajó con Ozon en Gracias a Dios, interpreta a una abuela en conflicto permanente con su única hija, que le amenaza con prohibirle las visitas de su nieto, moneda de cambio en una tortuosa relación que puede acabar provocándole secuelas traumáticas irreparables.

Presentados los personajes, a los que hay que añadir la mejor amiga de la primera y el ex convicto hijo de esta última, el director francés teje una trama de carácter rural en la que las sospechas y los sentimientos se dan la mano para analizar el espinoso tema de las segundas oportunidades. Con una narrativa precisa y sencilla, la película nos invita a un juego de espejos y sospechas, así como a reflexionar sobre la oportunidad de la muerte como forma a menudo de resolver situaciones que trastornan a los implicados y su entorno, una manera de extirpar un tumor.

Todo ello haciendo gala de una gramática clásica, confiando el resultado a un ritmo sobrio y elegante, unas interpretaciones cómplices y un apartado artístico en el que sobresalen la luminosa fotografía y la relajante banda sonora, resultando un film sencillo, atractivo y muy disfrutable. Triunfó en San Sebastián en los apartados de mejor guion (Premio del Jurado) y mejor interpretación masculina de reparto (Pierre Lottin).

¿ES EL ENEMIGO? LA PELÍCULA DE GILA Emotiva semblanza antibelicista

España 2024 100 min.
Dirección Alexis Morante Guion Alexis Morante, Raúl Santos y José Alba Fotografía Carlos García de Dios Música Miguel Santos Intérpretes Óscar Lasarte, Carlos Cuevas, Natalia de Molina, Salva Reina, Vicente Romero, Iván Villanueva, Adelfa Calvo Estreno 13 diciembre 2024

El director algecireño Alexis Morante sigue explorando, tras El universo de Óliver, caminos difíciles y complejos para hacer cine, con resultados desiguales pero meritorios, aunque notablemente superiores a los de aquella bienintencionada película que recreaba el espíritu del cine norteamericano para adolescentes de los ochenta. La figura del humorista Miguel Gila le sirve ahora para hacer una emotiva semblanza antibelicista, logrando momentos de gran intensidad dramática y resolviendo secuencias de batalla con sofisticados efectos visuales.

Siempre recordaremos al humorista madrileño teléfono en mano, la mayoría de las veces comunicando con el enemigo bélico. Morante no pretende con ésta recrear la vida del artista, como hace un año hizo David Trueba con parte de la de Eugenio. Se centra en el episodio que sin duda marcó más su vida y su trayectoria profesional, su paso por la Guerra Civil, los traumas que le generó y las duras experiencias que le ayudaron a sobrevivir. De ahí surge su genio, si bien la cinta no ahonda tanto en su faceta cómica como en su talante amable y generoso, especialmente en lo que constituye la trama argumental, la búsqueda de su mejor amigo (Carlos Cuevas) a través de campos y poblaciones controladas por ese enemigo al que llamaba insistentemente.

El debut en el largometraje de Óscar Lasarte no puede resultar más brillante, acoplándose a un físico más que convincente para el papel, toda una gama de gestos y acentos que indiscutiblemente nos recuerdan al homenajeado. Morante, por su parte, consigue una película cuidada en cada detalle, estupendamente ambientada aun echando mano frecuentemente de una atmósfera fabuladora, mientras teje alrededor del protagonista una serie de personajes que colaboran en la construcción del ambiente de distensión y humanidad que aflora en una película que, con sus fallos e irregularidades, va poco a poco creciendo y convenciendo.

JUVENTUDES Y SINFÓNICA EN PERFECTA SINTONÍA

Concierto de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla en colaboración con Juventudes Musicales de Sevilla. Jaime Naya, violín. Carla Román, piano; Irene Gómez-Calado, dirección. Programa: Concierto para violín en mi menor Op. 64, de Mendelssohn; Concierto nº 2 para piano en fa menor Op. 21, de Chopin. Teatro de la Maestranza; miércoles 11 de diciembre de 2024

Ya son varios los años que la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla lleva celebrando su concierto en colaboración con Juventudes Musicales de Sevilla, con resultados generalmente tan satisfactorios como los que anoche pudimos disfrutar de la mano de los jóvenes Jaime Naya y Carla Román, bajo la batuta de la sevillana Irene Gómez-Calado, reciente su participación como directora de la Banda de la Oliva de Salteras en el extraordinario concierto de la Ruta Turina que se celebró hace un par de semanas en la Iglesia del Salvador.

En los atriles dos páginas muy queridas y transitadas del repertorio concertante, el Concierto para violín de Mendelssohn y el Segundo para piano de Chopin. Tanto los jóvenes solistas como su atribulada directora llegaron con los deberes muy bien hechos y un bagaje en premios y experiencias bastante nutrido pese a sus edades.

Fantasía y sobriedad

El madrileño Jaime Naya, que en breve actuará también en el ciclo Alternativas de Cámara que organiza igualmente Juventudes Musicales en la sala Manuel García del Maestranza, resolvió el famoso concierto mendelssohniano con mano maestra, dejando claro ese equilibrio entre el clasicismo y el romanticismo que transpira la obra. Hizo alarde de un dominio técnico absoluto, con un timbre homogéneo y dulcificado, logrando imprimir a la partitura en todo momento la magia y la fantasía que exige, con virtuosismo pero sin atisbo de arrogancia por conseguirlo.

Su estilo estuvo marcado por la sobriedad, en diálogo perfecto con la orquesta, que salvo en algún momento de extrema efusividad, fue dirigida por Gómez-Calado con atención al detalle y mimo hacia el solista. Naya pasó con fluidez y naturalidad del brillante allegro inicial, con cadencias ornamentadas con suma agilidad, al ensoñador andante, quizás lo más flojo de su rendimiento, algo falto del vuelo lírico que demanda. Sensacional fue en todo momento su dominio de las dobles cuerdas.

La colaboración con la orquesta registró sus mejores resultados en el ágil y rítmico allegretto final, donde el violinista aunó fuerza con fantasía, siempre bajo un control absoluto y exhibiendo un indiscutible virtuosismo. Como propina  tocó el oscarizado tema principal de la película El violín rojo, del reconocido compositor estadounidense John Corigliano, donde pasa de una exposición pausada del tema a unas variaciones complejas y laberínticas resueltas con decisión y sin complejos.

La primera de la clase

Esa fue la impresión que nos dejó la pianista gaditana de tan sólo dieciséis años Carla Román, muy responsable, trabajadora y comprometida. Y así logró hacerse con el precioso Concierto nº 2 de Chopin, procurando sortear amaneramientos e hipersensibilidades para ofrecer música en estado puro, fluyendo con confianza y seguridad, siempre bajo la atenta mirada de Gómez-Calado y el suntuoso ropaje de la orquesta, donde también van asomando nuevos y jóvenes rostros, como el del recién estrenado timbalero de plantilla.

Román logró extraer del instrumento un sonido hermoso, al que unió su ágil virtuosismo. La joven pianista hizo hincapié en los tintes dramáticos de la pieza, mostrándose ardiente en el maestoso inicial, después sentimental, con acertadas ornamentaciones y siempre con un marcado impulso virtuoso. Como su compañero, nos convenció un poco menos en el larghetto, donde en su afán por no resultar remilgada, se dejó por el camino un mayor vuelo lírico.

Volvió a convencer con un enérgico y bien ritmado allegro final, en vivaz y mágico ascenso hasta alcanzar los alegres acordes finales que merecieron el aplauso unánime del público, entregado a las excelencias de las dos invitadas y el invitado. Román eligió a Gershwin como propina, con una versión de tintes impresionistas responsabilidad de Earl Wild del célebre Embraceable You, arpegiado hasta límites inconcebibles.

Fotos: Marina Casanova
Artículo publicado en El Correo de Andalucía

HERE De aquí a la posteridad

USA 2024 104 min.
Dirección Robert Zemeckis Guion Eric Roth y Robert Zemeckis, según la novela gráfica de Richard McGuire Fotografía Don Burgess Música Alan Silvestri Intérpretes Tom Hanks, Robin Wright, Paul Bettany, Kelly Reilly, Zsa Zsa Zemeckis, Michelle Dockery, Jonathan Aris, David Fynn, Ophelia Lovibond, Nicholas Pinnock, Nikki Amuka-Bird, Anya Marco-Harris, Keith Bartlett, David Betts, Leslie Zemeckis, Joel Oulette, Dannie McCallum Estreno en Estados Unidos 1 noviembre 2024; en España 5 diciembre 2024

Zemeckis nos tiene acostumbrados a la sorpresa y la experimentación, sobre todo de carácter técnico. Los viajes en el tiempo adquirieron carta de naturaleza definitiva con la saga de Regreso al futuro, la perfección en la combinación de imagen real y dibujos animados encontró en ¿Quién engañó a Roger Rabbit? su vehículo perfecto, y la de imagen de archivo e imagen rodada fue uno de los grandes aciertos de Forrest Gump, después de frivolizar con los efectos digitales y deformar a conveniencia a Meryl Streep y Goldie Hawn en La muerte os sienta tan bien, y antes de mantenernos atentos a un Tom Hanks solitario en una isla desierta en Náufrago y de suspendernos literalmente de un hilo entre las Torres Gemelas en The Walk. Pero Zemeckis ha basado también su buena reputación en la habilidad para contar historias, entre ellas Contact y Aliados.

Here (Aquí) se puede entender como un capricho de madurez, en el que siguiendo las pautas, incluso estéticas, del historietista e ilustrador Richard McGuire, nos cuenta parte de nuestra historia, la de los seres humanos de una clase media con la que identificarnos, a lo largo de siglos y siempre, salvo el episodio de Benjamin Franklin y su hijo bastardo William, desde un punto de vista absolutamente doméstico. El eje central lo constituye la pareja formada por Hanks y Wright, convenientemente rejuvenecidos y envejecidos vía efectos digitales, con tal perfección que no ahoga nuestra atención, siempre centrada en lo que se cuenta y no tanto en cómo se hace. Una única habitación, el salón de casa en el que tantos y tantas hemos experimentado la mayor parte de nuestros recuerdos familiares, sirve a Zemeckis para viajar en el tiempo manteniéndose siempre en el mismo espacio, desde la prehistoria jurásica a la era post pandemia, pasando por la población indígena y las guerras mundiales del siglo XX. Una amplia y exhaustiva galería de personajes con el eje central de esta pareja que vive y padece, que se aman y discuten, se esclavizan para mantenerse a flote y recupera sus sueños de juventud cuando las circunstancias lo permiten.

Todo lo cual convierte quizás esta película en una de las más tristes y amargas del cineasta, como un espejo en el que se reflejan nuestras miserias y anhelos, las pequeñas alegrías, las frustraciones y la lucha sin fin en la que hemos convertido la vida, tan simple hace siglos como progresivamente complicada conforme avanzamos hacia un incierto futuro plagado de injusticias, fobias y desigualdades. Here es por todo ello un experimento técnico de enorme valor, pero también un ejercicio antropológico y humano, quizás ligero y amable, pero igualmente tristón y hasta cierto punto pesimista, a pesar de toda la carga emocional, de amor tradicional en el seno de la familia convencional, que pretende transmitir.

Estreno en salas de EMILIA PÉREZ

Reseña de la película, estrenada en el 21º Festival de Cine Europeo de Sevilla. Estreno en salas 5 diciembre 2024

AL OTRO BARRIO Moralejas para hacer reír

España 2024 108 min.
Dirección Mar Olid Guion Daniel Monedero y Francisco Amal, a partir del original de Khalid Amara, Mohamed Hamidi y Michaël Souhaité Fotografía Sergi Gallardo Música Vanessa Garde Intérpretes Quim Gutiérrez, Sara Sálamo, Javier Herrera, María de Nati, Hamza Zaidi, Jorge Suquet, Yaël Belicha, Fernando Valdivieso, Carmen Ruiz, Elena Ballesteros, Francesc Orella Estreno en el Festival de Cine Europeo de Sevilla 15 noviembre 2024; en salas 5 diciembre 2024

Cada vez son más las comedias españolas que se basan en éxitos de otros países, especialmente Francia. Se trata de una operación que se extiende por muchos países de nuestro entorno y que incluso afecta a nuestras producciones, también reconstruidas fuera para adaptarse a la idiosincrasia de cada pueblo. Mediaset sabe de lo que se trata y cultiva el proceso desde hace tiempo, con productos descaradamente fabricados para hacer taquilla intentando hacernos pasar un rato entretenido. A veces salimos espantados y otras, como en este caso, reconfortados.

No es que se trate de una sátira lúcida sobre los prejuicios de clase, no es una película de Berlanga ni tiene guion de Azcona. Pero es una película honesta, que trata de explicar problemas que acucian a la sociedad moderna con simplicidad, cierto esquematismo y alguna intención didáctica, pero sobre todo con tendencia genuinamente empresarial a hacer caja. Para eso dulcifica todos los elementos, introduce situaciones ingenuas e imposibles y traza una galería de personajes de trazo grueso, siempre con buena intención como marca y recreando ambientes de forma arquetípica y amable, de manera que todo parecido con la realidad sea pura coincidencia.

Para que todo eso vaya a buen puerto, cuenta con la profesionalidad de una realizadora curtida en teleseries de mayor o menor calado (Los Serrano, Aida, Un paso adelante, Días mejores) y un reparto solvente en el que sobresale un impecable Quim Gutiérrez aprovechando al máximo su vena cómica y su vertiginosa verborrea. Y aunque sea a la ligera, plasmar temas como por ejemplo la educación adolescente sin móviles y extrayendo el talento de cada uno y una, ya vale la pena. Y si todo lo demás le va a la zaga, aprovechando la comicidad de lo políticamente incorrecto, pero con tacto, sin groserías y sin molestar a nadie, pues adelante.

CRUCE DE TRIUNFOS EN EL OTOÑO BARROCO

Otoño Barroco 2024. Soraya Méncid, soprano. Bruno Fernandes, trompeta; Guido García, clave; Orquesta Residente del Otoño Barroco. Javier Aguilar, concertino-director. Programa: Concierto en re menor para clave BWV 1052 y Cantata BWV 51 “Jauchzet Gott in allen Landen”, de Bach; Sonata en mi menor para clave KV 304/300c, de Mozart. Espacio Turina; miércoles 5 de diciembre de 2024

Aunque todavía quedan un par de semanas para despedir el Otoño, al que sí despedimos anoche fue al Barroco, un proyecto de la Asociación de Amigos de la Orquesta Barroca de Sevilla que se ha ido consolidando año tras año, con humildad y discreción, hasta convertirse en una cita ineludible del calendario musical sevillano. La de ayer tenía que ser la del tradicional concierto participativo a las puertas de la Navidad, pero la programación de una cantata para soprano solo, sin coro, evitó ese matiz. En su lugar, las novedades llegaron de la mano del joven director y violinista Javier Aguilar. Y sobre todo, de la reciente ganadora del primer premio del Certamen Nuevas Voces Ciudad de Sevilla organizado por la Asociación de Amigos de la Ópera de Sevilla, Soraya Méncid, y el ganador de la Beca que otorga anualmente la AAOBS, el clavecinista Guido García, lo que convirtió la cita en un encuentro y cruce de triunfos.

Javier Aguilar y Guido García

El talento y las aptitudes de García son indiscutibles. Lástima que el instrumento quedara a nuestro juico algo retrancado, impidiendo que el sonido fluyera con toda la fuerza que su parte de solista en el concierto y la sonata demanda. Su capacidad de elocuencia y su habilidad vertiginosa para la profusa ornamentación que atesora este primer concierto para clave de Bach, quedaron bien patentes en una interpretación fogosa y desinhibida. García superó sus marcado virtuosismo, plagado de figuraciones y filigranas, y extremadamente rítmico, con matrícula de honor. Pero a la vez exhibió sensibilidad y una insólita elegancia para su edad en el adagio central. La orquesta, bajo las órdenes de Javier Aguilar, también joven pero con una fructífera carrera a sus espaldas, sonó demasiado raquítica. La escasez de efectivos tuvo que ser la causa, tanto como una forma seca y áspera de enfrentarse a los instrumentos de cuerda, con frases cortas, sin apenas fluidez y pasajes puntualmente fuera de tono.

Algo parecido ocurrió con la aportación de Aguilar a la Sonata K304 de Mozart, acometida con una sensibilidad más próxima al último barroco que al clasicismo que la informa. Quizás por eso echamos en falta algo más de la dignidad y la gravedad que la entonación en mi menor denota. Al clave, García fue capaz de exhibir el ánimo melancólico que imprime la página. Hubo sintonía entre ambos instrumentistas, que lograron transmitir seriedad, aunque la aportación de Aguilar volvió a teñirse de aspereza y sequedad, poco apropiado para el carácter dulce del minueto.

Soraya Méncid

Hace mucho que descubrimos la hermosa y bien entonada voz de Soraya Méncid, y fue en un registro absolutamente distinto al que le trajo anoche al Espacio Turina. Nos referimos a su Christine de El fantasma de la ópera a cargo del Liceo de Moguer en Fibes. Varios años después, con una impecable trayectoria ampliando repertorio y con el premio Nuevas Voces bajo el brazo, la soprano onubense ofreció una solvente interpretación de la Cantata Jauchzet Gott in allen Landen (Aclamad a Dios en todas las naciones), compuesta en Leipzig para el décimo quinto día tras la Trinidad. La más famosa de las cuatro cantatas sacras para soprano sola que compuso el maestro es extremadamente compleja y virtuosística. Exige una voz de amplia tesitura y agudos refulgentes capaces de rivalizar con la trompeta, magníficamente defendida por Bruno Fernandes, tanto en el majestuoso arranque, que Méncid adornó con extensas coloraturas, y el regocijante Aleluya final, al que previamente se ha llegado a través de ese prodigio de la composición que es el coral Sei Lob und Preis mit Ehren, precedido de un segundo aria esta vez acompañado con cuerpo y músculo por una orquesta finalmente entonada y decididamente festiva.

Fotos: Luis Ollero