viernes, 8 de enero de 2021

LA ROSS SE RECREA EN SU ANIVERSARIO

1er Concierto de abono (Ciclo 30 aniversario) 2020-2021 de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Concierto conmemorativo. Marc Soustrot, director. Programa: Sinfonía sevillana Op. 23, de Turina; Cuadros de una exposición, de Músorgski (orquestación de Ravel).Teatro de la Maestranza, jueves 7 de enero de 2021 

El maestro Sutej dirigiendo el concierto inaugural de la ROSS
en el Teatro Lope de Vega
Nadie hubiera sospechado hace un año que celebraríamos el treinta aniversario de nuestra orquesta en unas condiciones tan tristes y desapacibles. Al ambiente enrarecido que ha ido forjando la pandemia y el aforo reducido consecuentemente impuesto, se sumó anoche el mal tiempo imperante, frío y lluvia, que redujo aún más las previsiones de asistencia de público. Con todo sabíamos que era una ocasión para celebrar, no solo porque la Sinfónica de Sevilla lleve treinta años de trabajo ininterrumpido, en todas sus vertientes, también la docente que tanto ha hecho por la ciudad y sus habitantes más jóvenes, sino por todo el revulsivo cultural que ha supuesto en todo este tiempo para una ciudad que, aunque jamás le dio la espalda a la cultura, y siglos de grandeza lo avala, andaba algo perdida en aquella época de movidas y arte alternativo sin que una buena orquesta garantizara como ahora el encuentro casi semanal del público sevillano con la gran música. 

Breve historia sentimental 

Aquel 10 de enero de 1991 en el que tuvo lugar el primer concierto de la ROSS, de la mano de su creador y mentor el fallecido Vjekoslav Sutej, Sevilla vivía el mayor proceso de transformación de su historia, algo que se percibía en sus barrios, en sus infraestructuras y también en su ambición por mirar al resto del mundo sin complejos. Lástima que desde entonces no hayamos avanzado a la misma velocidad, que el mantenimiento siga siendo uno de los puntos débiles de las corporaciones que han dirigido la ciudad, y que se nos escapen muchas de las oportunidades que debieran fomentar el carácter moderno y vanguardista de la urbe. Pero la ROSS ha resistido, ha sembrado y progresado con mayor frecuencia que sus contados retrocesos. Ha sido una historia también de desencuentros, protestas y desencantos, pero se han ido superando y ahí sigue nuestra orquesta. 

A Sutej le sucedieron maestros como Klaus Wiese, que dejó muy buena impronta en la calidad de la orquesta, Alain Lombard, cuyo reinado conviene olvidar por su falta de responsabilidad y compromiso, y más recientemente John Axelrod, que llegó con energías renovadas y mucha ambición, pero chocó con crisis variadas y una manifiesta desgana frente al ímpetu inicial. Pedro Halffter ocupó el podio durante más de una década, convenciéndonos a muchos e irritando a otros y otras; pero dejó claras sus intenciones, a menudo satisfechas, de renovación y vanguardia, aunque también él chocara con esas crisis que en esta parte del globo nunca somos capaces de esquivar. 

Carácter de ceremonia 

Un gesto simpático del maestro Soustrot
Marc Soustrot
, que hace apenas unos días dirigió a la orquesta en el Concierto de Año Nuevo, permaneció en Sevilla para encargarse de recrear el programa con el que la ROSS se presentó en sociedad en aquel ilusionante 1991 previo a los fastos de la Exposición Universal. El acto estuvo convenientemente precedido por unas palabras de conmemoración y agradecimiento del periodista y locutor de Radio Sevilla Salomón Hachuel, que aprovechó para homenajear a las fuerzas de seguridad y a la generosidad cívica demostrada en el incendio de la pasada Noche de Reyes, un gesto que pudo sorprendernos pero que demostró cómo hemos adquirido una mayor sensibilidad quizás también como consecuencia de una mayor presencia de la cultura en la ciudad, promovida entre otros agitadores por la Sinfónica. Hachuel recordó el carácter multicultural e internacional de la orquesta y aquel evento de 1991 que la vio nacer, y que se perpetuaría primero en el Cine Apolo, donde los de mi generación vimos tantas películas infantiles, y después en el Teatro de la Maestranza, cuya monumentalidad y excelente acústica permitió ayer y volverá a hacerlo hoy, disfrutar de aquel programa inaugural en condiciones mucho mejores que las logradas en el precioso Lope de Vega hace treinta años. 

Ciertamente Soustrot logró que la Sinfónica sonara como en sus mejores ocasiones, brillante, sedosa, matizada y elegante, con una Sinfonía Sevillana en la que el maestro galo dejó percibir su particular acento para edificar música desde una sensibilidad profundamente francesa a la que la partitura de Turina no es ajena, gracias a sus estudios en París y su acercamiento a los impresionistas. Especialmente lograda estuvo el pasaje central de este poema sinfónico, Por el río Guadalquivir, prodigio de mesura que Soustrot dibujó como mecido por las aguas, frente al carácter más festivalero del Panorama introductorio y sobre todo la Fiesta en San Juan de Aznalfarache final, que un portentoso cuerpo de metales reprodujo a la perfección. 

También acertó el director a poner énfasis en su huella francesa en la recurrente orquestación raveliana de Cuadros de una exposición de Músorgski, cuando todavía mantenemos vivo el recuerdo de su interpretación al piano por Andrés Martínez con las ilustraciones de María Merino dando vida a los personajes y situaciones retratados por Viktor Hartmann, en aquella Casa de los Pianistas que tanto añoramos, confiando en que su artífice, Yolanda Sánchez, encuentre pronto otro proyecto que lo reemplace. La ROSS hizo aquí una interpretación brillante, equilibrada y matizada en todos sus aspectos, acertando a transmitir misterio en El viejo castillo, alegría en las Tullerías, carácter grotesco en los Dos viejos judíos polacos, suspense en las Catacumbas romanas o grandeza en la Gran Puerta de Kiev final, sin desfallecer ni en conjunto ni por separado cada solista interviniente, con un trabajo sobresaliente de equipo, sin caer ni en ritmo ni en tensión, con un muy dinámico y comprometido Soustrot al frente.

Artículo publicado en El Correo de Andalucía

ANE Una generación herida

España 2020 100 min.
Dirección
David Pérez Sañudo Guion David Pérez Sañudo y Marina Parés Fotografía Víctor Benavides Música Jorge Granda Intérpretes Patricia López Arnaiz, Mikel Losada, Jone Laspiur, Aia Kruse, Luis Callejo, Mariana Cordero, Nagore Aranburu, Gorka Aguinagalde, Fernando Albizu Estreno en el Festival de San Sebastián 20 septiembre 2020; en salas comerciales (no en Sevilla) 16 octubre 2020 


El resultado de un guion inteligente, todo un esfuerzo en euskera realizado por un burgalés y una malagueña, una interpretación asombrosa y una dirección precisa solo podía dar como resultado una de las películas más interesantes del cine español estrenadas el pasado año. Sañudo y Parés parten de un cortometraje de hace dos años, protagonizado por Aia Kruse, ahora en un papel secundario, que han desarrollado para conseguir un retrato de un País Vasco herido y dividido que provoca tanto pavor como conmoción.

Las heridas de un pasado teñido de terrorismo se traducen en unas formas pervertidas para conseguir objetivos en principio tan legítimos como evitar desalojos o atentados al medio ambiente. La construcción de las vías del tren de alta velocidad son el telón de fondo de esta historia con madre coraje centrada en la búsqueda y descubrimiento de su hija a las puertas de la mayoría de edad. Como si de Laura de Otto Preminger se tratara, la Ane del título tarda en aparecer en escena mientras especulamos sobre su paradero y verdadera identidad, tal como lo hacen sus padres separados. El giro a mitad de metraje nos lleva por un viaje al centro de una juventud marcada por la violencia de consecuencias inesperadas.

Rodada casi íntegramente en euskera – solo la andaluza Mariana Cordero y el castellano Luis Calleja hablan en español – en el film sobresale la excelente interpretación de Patricia López Arnaiz, mientras la función nos lleva de la mano por toda una aventura bien urdida y rodada, absorbente e inquietante a partes iguales.

jueves, 7 de enero de 2021

DOS FASCINANTES MIRADAS A NUESTRO TUMULTUOSO PASADO

Dos interesantes documentales dirigidos por cineastas malagueños ilustran nuestro pasado reciente tomando como eje a dos escritores que vivieron profundos cambios en la política y la sociedad española del pasado siglo

LA VIDA PERRA


España 2019 58 min.
Guion, dirección y fotografía
Pablo Macías Música Soledad Villalba Documental Estreno en el Festival de Cine Africano de Tarifa 29 abril 2019
 

En su debut cinematográfico, Pablo Macías y Soledad Villalba, como responsables de la dirección, fotografía, montaje y sonido y banda sonora respectivamente de esta película, se adentran en el Tánger internacional de primera mitad del siglo XX de la mano de uno de sus más pintorescos y controvertidos habitantes, el escritor y Premio Planeta Javier Vázquez. Proponen así un fascinante viaje retrospectivo a una ciudad que aglutinó el ambiente más cosmopolita del norte de África, junto a otras capitales marroquíes como Casablanca, mientras se iban sucediendo los cambios políticos y socioeconómicos que provocaron las guerras civil española y segunda guerra mundial, así como la recuperación de su independencia por parte Marruecos, convulsiones que retrata el libro de Vázquez La vida perra de Juanita Narboni, que llevaron al cine Javier Aguirre en 1982 con una multipremiada Esperanza Roy como protagonista (Vida/Perra) y la realizadora marroquí Farida Benlyazid en 2005.

Precisamente esta última es una de las que prestan su testimonio para trazar la azarosa vida del escritor, bebedor empedernido, falsificador y persona poco o nada responsable en cada trabajo que desempeñó, pero que tuvo el acierto de plasmar en esa novela todos esos cambios sufridos en la ciudad costera y su mundanal vida en aquellos años que van de los treinta a los sesenta. Junto a Benlyazid otros rostros como Luis Antonio de Villena, Rocío Rojas-Marcos o Ignacio Gómez de Liaño se prestan a reconstruir aquella ciudad cosmopolita en la que abundaban los cafés, hoteles (El Continental) y cines (Alcázar, Gran Teatro Cervantes), de los que la cámara de Macías se hace eco ahora en su perpetuo abandono y decadencia, mientras en el recuerdo van sucediéndose grandes autores que pisaron la ciudad como la generación Beat norteamericana o Paul Bowles, cuya esposa engrosó la larga lista de amistades femeninas del escritor, aunque se sexualidad pareciera mirar más hacia el género masculino.

A pesar de su hora escasa de duración, el trabajo se antoja algo repetitivo y no llega a plasmar, pese a su elegancia formal y los reveladores testimonios, toda esa grandeza que respiraba la ciudad en aquellas tumultuosas épocas, pero logra algo impagable, que es invitar a la lectura de este Premio Planeta de 1962 que refleja las andanzas de Juanita Narboni, aquí representada siempre de espaldas bajo atuendo inequívocamente de la época, por las calles de una ciudad irrepetible. 

PALABRAS PARA UN FIN DEL MUNDO

España 2020 93 min.
Guion y dirección
Manuel Menchón Fotografía Javier Calvo Música Ivan Palomares Documental con las voces de José Sacristán, Marian Álvarez, Antonio de la Torre, Víctor Clavijo y Andrés Gertrudix Estreno en el Festival de Valladolid 25 octubre 2020; en salas comerciales (no en Sevilla) 13 noviembre 2020 


“Le escribo esta carta desde mi casa, donde estoy desde hace días encarcelado disfrazadamente. Me retienen en rehén, no sé de qué ni para qué. Pero si me han de asesinar, como a otros, será aquí, en mi casa.” Éstas son las palabras de Miguel de Unamuno a veinte días de su fallecimiento que sirven de detonante y pretexto para realizar una fascinante reconstrucción de los años que van de la proclamación de la Segunda República a la muerte del insigne escritor e intelectual el último día del año de 1936 y su urgente entierro tan solo un día después con honores fascistas. Un entierro en el que, entre otros, participó el tenor Miguel Fleta portando el féretro, que hoy es una voz a la que no podemos perdonar su pasado radicalmente falangista, mientras tantos sectores siguen pasando por alto los crímenes de otros amparándose en su indiscutible valor como artistas irrepetibles.

Hecho este inciso, el film de Manuel Menchón retoma un año después la historia que Amenábar tan bien plasmó en Mientras dure la guerra, pero el suyo es un trabajo que completa y ahonda todavía más en las razones y los acontecimientos que llevaron al tantas veces candidato al Nobel a cambiar de chaqueta con considerable facilidad hasta despertar frente a la verdadera cara, horrible y nauseabunda, del fascismo progresivo que asolaba el continente europeo en aquella década de los treinta del siglo pasado.

El trabajo de Menchón es meticuloso, documentado hasta la saciedad, con profusión de material de archivo, mucho de él inédito y sorprendente, y una puesta en escena fresca y novedosa, sin apenas testimonios, más que el de uno de los nietos del escritor y la presencia de una actriz que interpreta a una trabajadora de archivos con la que se pretende plasmar la veracidad comprobada de los terribles hechos relatados. Lo mejor de este tipo de producciones, sobre todo cuando están tan bien hechas como la presente, es que no solo sirven para conocer el pasado sino para prevenir en el presente de que estos acontecimientos se repitan. Coincide el visionado de esta cinta con el asalto al Capitolio por las huestes enfervorecidas y manifiestamente embaucadas por el impresentable ex presidente norteamericano Donald Trump, poniendo en peligro la estabilidad de la democracia en general, como hacen otros dirigentes y candidatos populares en Brasil, Francia o Italia; un regreso al horror de antaño que no podemos permitir y que vehículos tan bien urdidos, documentados y realizados como éste tienen la obligación de reprimir. El film de Menchón es sin duda, en un año poco lucido para el cine andaluz, la mejor película de esta cosecha.

miércoles, 6 de enero de 2021

AFECTOS CORRESPONDIDOS EN UN PANORAMA ANDALUZ

Una familia con dificultad para conciliar trabajo y afecto en un Madrid escenario de imaginativas aventuras, y tres historias de terror para pasar una noche donde los sueños y el subconsciente se dan la mano con el amor, constituyen este bloque presentado en Panorama Andaluz del pasado Festival de Sevilla

OJALÁ MAÑANA

España 2020 69 min.
Dirección
Ignacio G. Merlo Guion Manuel Luis, Igancio G. Merlo y Sebastián Fernández Fotografía Polina Stoynova Música Gonzalo de la Serna y Sebastián Fernández Fuentes Intérpretes Lola Fernández Comesaña, Olaia Comesaña Aragón, Sebastián Fernández Fuentes, Carolina Olmedo, Alfonso Begara, Isbel Pinar Roa, Antonio Revuelta, Manuel Luis, Lorena Alberca, Iñaki Puche, Juan Fernández, Mercedes Fuentes Estreno en el Festival de Sevilla 11 noviembre 2020


El caso del malagueño de nacimiento y granadino de adopción Ignacio Guarderas es bastante singular. Lleva una década dirigiendo películas que no han visto la luz en ningún formato de exhibición salvo festivales especializados. Y es una pena porque a juzgar por esta su última película, presentada dentro de la sección de panorama andaluz del Festival de Cine Europeo de Sevilla, su cine resulta muy interesante. Ojalá mañana es, como sus otras tres películas, un film realizado entre amistades y familiares, cada uno y una manteniendo su propia identificación de la vida real, con una frescura y un cariño que se hace evidente en toda la extensión, estética y psicológica, de la propuesta.

En esta ocasión el relato se divide en dos partes bien diferenciadas, la primera para presentar una familia humilde que vive en Madrid sorteando todo tipo de inconvenientes para conciliar su vida laboral y familiar. Padre y madre se dividen las tareas del hogar y la calle, mientras combinan también el cuidado de su hija de siete años, quien parece seguir los pasos de su madre, aspirante a actriz, desarrollando una considerable habilidad para la imaginación y la creatividad. Esto dará paso a una sorprendente segunda parte con las calles del centro histórico de Madrid y el Parque del Retiro como mágico entorno en el que la niña vive una serie de sorprendentes e imaginativas aventuras.

Todo ello rodado con talento, frescura y notable economía de medios que lejos de funcionar como obstáculo, sirve sobradamente a su propósito, lográndose en conjunto una más que satisfactoria película que debería haber contado, según nuestro juicio, con un mayor reconocimiento y cobertura, abriendo por fin paso a que las películas de Guarderas sean disfrutadas por un público por supuesto selecto pero más amplio. 

LLEGA LA NOCHE

España 2020 72 min.
Dirección
Hilario Abad Guion Hilario Abad, Pedro Vasallo y José Luis Bustillo Fotografía Miguel Ángel Trujillo Música Juan Marchena Intérpretes Gema Abad, José Luis Bustillo, Andrea del Pino Gutiérrez, Marie Delgado Trujillo, Montse Rueda, Irmina Majchrzak, Nicolás Montoya, Inmaculada Salmoral, Israel Frías Estreno en el Festival de Sevilla 10 noviembre 2020 

En su primer largometraje como director, después de varias experiencias en la escena como director del espectáculo Destino Verdi del Teatro Villamarta de Jerez, y en cine como montador de la película Ouroboros, el gaditano Hilario Abad se atreve con la fantasía y el terror pero desde un ángulo novedoso y desde luego bastante enigmático. Cuenta tres historias, cuya intensidad dramática va de menos a más en dedicación y metraje. La primera la narra en animación sobre una comunidad devorada por una montaña habitada por misteriosas estalagmitas; la segunda nos lleva a mediados del siglo pasado a Polonia, donde una niña busca desesperadamente el pie de su madre, muerta en desagradables circunstancias; y la tercera a una casa en el campo donde una pareja exorciza sus miedos con macabras historias.

Resulta difícil adivinar la relación entre estas tres historiasdos de las cuales se combinan aleatoriamente, salvo por la influencia del pasado en nuestros sueños y subconsciente. Sin embargo merece destacarse el fresco y espontáneo trabajo de la joven pareja protagonista del tercer y más desarrollado relato, haciendo hincapié en el recurso al cariño y el afecto como arma defensiva, así como la capacidad del equipo para transmitir una atmósfera enrarecida y cierto desasosiego. El resto la verdad es que no da para más.

DOS MIRADAS ADVERSAS AL CAMPO ANDALUZ

Aún pendientes de estreno, estas dos películas andaluzas suman varias nominaciones en los Premios Asecan. Dos miradas al campo andaluz, una pretende ser luminosa, la otra cruel, pero ambas inciden en la dificultad de superar la mentalidad de sus gentes, en el pasado y en el presente.

AL ÓLEO

España 2019 80 min.
Dirección
Pablo Lavado Guion Andy Anderson, Christian Grajeras y Pablo Lavado Fotografía Mireya Muñoz Música José López López y Antonio Mérida Intérpretes Sarah Benavente, José Pastor, Jesús Moya, Juan Antonio Hidalgo, Chico García, Miriam Torres Misas, Pilar Jiménez Estreno en el Festival de Málaga 15 marzo 2019 

Torpe aunque bienintencionado debut en la dirección del malagueño Pablo Lavado, rodada íntegramente en la localidad de Casarabonela, en la Sierra de las Nieves, y presentada en el Festival de Málaga de 2019 sin que aun haya encontrado hueco en salas comerciales. Narra salidas del armario y experiencias de descubrimiento sexual en un ambiente rural, con los prejuicios del campo y la mentalidad presuntamente obtusa de quienes ya ni siquiera pertenecen a una generación anclada en tan arcaicas mentalidades, lo que hace difícil identificarse con su mensaje y entorno.

Está además rodada con considerable falta de ritmo, interpretaciones algo angostas y una puesta en escena demasiado doméstica y rutinaria. Se nota no obstante el cariño puesto por los y las integrantes de su equipo técnico y artístico, repitiendo esquemas sobradamente transitados en ese cine comercial en el que pretende adscribirse, como esa sucesión de canciones diseñadas para ilustrar secuencias pretendidamente cálidas y amables en las que quedan expuestos los encantos de su joven reparto. 

LA MANCHA NEGRA

España 2020 90 min.
Dirección
Enrique García Guion Enrique García e Isa Sánchez Fotografía José Antonio Crespillo Música Jesús Calderón Intérpretes Virginia de Morata, Pablo Puyol, Virginia Muñoz, Cuca Escribano, Aníbal Soto, Juanma Lara, Sebastián Haro, María Alfonsa Rosso, Noemí Ruiz, Natalia Roig, Ignacio Nacho, Joaquín Núñez 

Enrique García vuelve a contar con Virginia de Morata, galardonada con el premio a la mejor actriz en los Asecan de 2015 por 321 días en Michigan, con la que García ganó además el premio al mejor director novel, en este más elaborado y ambicioso trabajo donde nos cuenta un drama escabroso y disparatado con herencia familiar de por medio. Ambientada en los estertores del franquismo seguramente con idea de exhibir tipologías humanas y atmósferas directamente entroncadas con la represión y la maldad imperante en la época, García cuenta una truculenta historia en la que el párroco de un pueblo olivarero jienense mantiene atemorizado a todos sus habitantes en venganza hacia la familia que regentaba la empresa que daba trabajo a la mayoría de los y las aldeanas.

Aunque las interpretaciones en su mayoría son forzadas, y en demasiadas ocasiones se sufre la falta de una buena dicción, y hay una considerable falta de ritmo hasta que llega el gran guiñol final, tan disparatado como divertido, en una especia de delirium tremens que hasta se agradece tras una hora de tedio, no se puede negar que la cinta está bien rodada, cuidada su fotografía y banda sonora, con una ambientación adecuada y cierta pericia en la dosificación de su misterio. Pero nada de eso es suficiente para defender una obra que se revela decididamente malograda.

martes, 5 de enero de 2021

LA INCREÍBLE HISTORIA DE DAVID COPPERFIELD Un clásico con nuevo estilo Benetton

Título original: The Personal History of David Copperfield
Reino Unido 2019 119 min.
Dirección
Armando Iannucci Guion Armando Iannucci y Simon Blackwell, según la novela de Charles Dickens Fotografía Zac Nicholson Música Christopher Willis Intérpretes Dev Patel, Tilda Swinton, Hugh Laurie, Peter Capaldi, Morfydd Clark, Ben Whishaw, Benedict Wong, Darren Boyd, Gwendoline Christie, Paul Whitehouse, Aneurin Barnard, Daisy May Cooper, Nikki Amuka-Bird, Rosalind Eleazar, Jairaj Varsani, Anthony Welsh Estreno en el Festival de Toronto 5 septiembre 2019; en Reino Unido 24 enero 2020; en España (internet) 4 diciembre 2020
 

Aunque parezca extraño, una de las novelas puntales de Dickens apenas ha recibido atención por parte del cine, y aunque ya a comienzos de éste fue adaptada en un par de ocasiones, la de George Cukor de 1935 permanece siendo la única versión de David Copperfield hecha directamente para el cine. La televisión ha fijado más su mirada en la vida y vicisitudes del que Dickens consideraba
su más querida criatura, con adaptaciones memorables como la que Delbert Mann dirigió en 1969, y algunas más recientes como la que protagonizó Daniel Radcliffe en 1999, justo cuando se preparaba para ser Harry Potter.

Armando Iannucci saltó al cine en 2009 tras una década curtiéndose en la televisión. Su debut fue con la muy celebrada sátira política In the Loop, género que continuó cultivando en la serie Veep y en la película La muerte de Stalin. Su aportación ahora al muy transitado universo dickensiano se caracteriza más por su colorista puesta en escena, galardonada en los Premios Europeos del Cine, que por su audacia e ingenio narrativo. Pero sobre todo lo hace por su reparto multicultural, pues igual que recientemente hemos visto a Peter Pan y Alicia en la piel de niños negros, el Copperfield de Iannucci es el eternamente joven actor indio Dev Patel, mientras el resto de su numeroso séquito combina razas de todo el Mundo, sin respetar si quiera las correspondientes genealogías. Decíamos a propósito de Érase una vez… que no le veíamos el sentido a convertir en negros a personajes antaño concebidos de otro color, y que en lo que respecta a inclusión e igualdad el proceso nos parecía estéril e inútil. La diversidad se debe probar de otra manera, la inclusión debe ser real y efectiva y no un juego desconcertante sin sentido. Con estas soluciones lo único que se consigue es extender estereotipos de la raza entonces considerada dominante a otras razas, devorando su cultura y tradición, que es lo que realmente da sentido a la diversidad y la multiculturalidad.

Por lo demás, Iannucci se concentra en el aspecto más grotesco de la novela de Dickens, elimina sus episodios más dramáticos, por más que elija a una misma actriz para dar vida a la madre y esposa, aquí solo novia, del protagonista, potenciando así su posible complejo de Edipo, e introduce multitud de soluciones estéticas y efectistas con el único fin de epatar. De todo preferimos la estupenda banda sonora de Christopher Willis, quizás más épica y espectacular de lo conveniente, pero henchida de emoción, excelente orquestación e inspiradas melodías.

THE GLORIAS Feminismo transversal

USA 2020 139 min.
Dirección
Julie Taymor Guion Sarah Ruhl y Julie Taymor, según el libro de Gloria Steinem Fotografía Rodrigo Prieto Música Elliot Goldenthal Intérpretes Julianne Moore, Alicia Vikander, Ryan Kiera Armstrong, Lulu Wilson, Timothy Hutton, Bette Midler, Janelle Monáe, Angela Relucio, Olivia Jordan, Olivia Olson, Deetta West, Lorraine Touissant, Kimberly Norris Guerrero, Victor Slezak Estreno en el Festival de Sundance 26 enero 2020; en Estados Unidos (internet) 30 septiembre 2020; en España (no en Sevilla) 18 diciembre 2020 


La mirada y el estilo de Julie Taymor en el cine ha sido siempre cuando menos particular y en cierto modo rompedora. Lo fue en su forma de adaptar a Shakespeare en Titus, La tempestad y El sueño de una noche de verano, en su colorista biografía de Frida Kahlo, en su suntuoso musical a partir de los Beatles en Across the Universe, y en su celebrada puesta en escena para El rey león de Broadway, exportado a todos los países que lo han montado. Por eso su homenaje a una de las figuras claves del feminismo y la lucha por los derechos civiles en Norteamérica de los años sesenta y setenta, Gloria Steinem, no podía escapar a la original forma de hacer de la realizadora.

Cuatro actrices la interpretan a sus diferentes edades, aunque interactuando en más de una ocasión, como si se aconsejaran o avisaran unas a otras; incluso la propia Steinem interviene al final haciendo apostolado de su causa y la de millones de mujeres en todo el Mundo. Un personaje por lo tanto necesario y un relato que lo es aún más, por cuanto a Taymor y a Steinem no solo les interesa la lucha por los derechos de las mujeres, sino también por los de esas minorías durante tanto marginadas por razón de su color, raza, sexo, tendencia o condición; grupos dentro e los cuales existe a su vez la marginación de la mujer con distintos matices y consecuencias. Steinem, primero como periodista y luego como agitadora social, luchaba por la mujer dentro de lo que llamamos transversalidad. La caligrafía de Taymor es sencilla, a pesar de sus juegos estéticos y narrativos, con la inestimable ayuda de dos actrices en estado de gracia, la siempre excelente Julianne Moore y una Alicia Vikander que parece estar dándolo todo en su incorporación de la activista en sus años como periodista incipiente e inmiscuida en asuntos como el de las chicas Playboy para desenmascarar roles tradicionalmente destinados a la mujer en perjuicio de su dignidad e integridad como ser humano.

Una preciosista y precisa puesta en escena y un sinfín de interesantes episodios, combinados y bien manejados por las expertas manos de su realizadora, consiguen un espectáculo revelador e imprescindible, al que se prestan las inestimables intervenciones de grandes como Bette Midler y Janelle Monáe, además de la siempre interesante aportación en el apartado musical de Elliot Goldenhtal, esposo de Taymor, y un espectacular trabajo de la imagen por parte del operador Rodrigo Prieto, todo ello sazonado con un inquietante material de archivo.